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(Inserir aqui parágrafo introdutório. Dificuldade/prazer das escavações menos prováveis versus simples acaso do levar um download adiante. Não prolongar demais a baboseira e evitar que a introdução emperre o post. (Interlúdio em tcheco é přestávka, e blue dog, modrá pes; ambos inutilizáveis em qualquer contexto, ô língua alienígena))

Dono de um currículo que contém mais prêmios do que discos, o pequeno Emil aprendeu a tocar piano em casa: diz a lenda (e o site oficial também) que o avô mandou trazer um grand piano Hoffbauer da Áustria como presente de casamento para sua esposa. Se tomou lições da avó, seguimos ignorando, mas é bonitinho de imaginar — e a julgar por suas fotos, sempre sorrindo, não lhe parece ter sido uma infância torturante. Fato que inclusive se confirma na música que desenvolve: nada contém de sombria.

Embora pareça jamais ter sido outra coisa além de músico, Emil Viklicky formou-se em Matemática na então Tchecoslováquia do final dos anos 1960. Em paralelo à faculdade, aprofundou-se no piano para jazz e começou a tocar pela noite, onde chamou atenção até ganhar bolsas para ampliar sua educação musical nos EUA. Inquieto, desde então vem percorrendo o mundo, tocando em formações pouco estáveis, colaborando com uma plétora de outros artistas — principalmente europeus —, arriscando trilhas sonoras e ganhando láureas por suas composições. Ao instrumento, é daqueles players que elevam o estilo, trazendo refinamento e trabalhando com excelência os espaços de seus sons e dos à volta; e é interessante que o faça operando num dos mais enérgicos estilos do jazz, o fusion. No entanto, não se limita; hoje é mais conhecido pelos sofisticados trabalhos em que une jazz e música folk da Morávia.

Tendo sido jovem como (aparentemente) todos nós, Emil começou sua vida musical tocando numa banda de rock de protesto, que foi imediatamente censurada pelo regime comunista. Como não era vocalista nem letrista, mas viu que tinha um bom guitarrista ao lado, propôs que reformassem a banda como um grupo de jazz fusion — onde ele poderia mostrar mais seu trabalho e, de quebra, burlar a censura. Dessa ideia surgiu uma pérola perdida do estilo: o autointitulado, álbum único da banda Energit, primeiro disco deste post. Centrado numa longa composição chamada “Manhã”, cuja parte 1 ocupa todo o lado A da bolacha e é, sem rodeios, uma obra prima, traz o registro de uma longa, embora comedida relação com os pianos elétricos e até alguns sabores mais conservadores de sintetizadores. Como Zawinul (et al.) já havia demonstrado, é fácil perceber a intenção: preencher espaços de maneira sutil, porém eficaz, com as texturas e harmônicas que as variantes eletrificadas do piano oferecem. Essa marca permanece ao seu lado nos seus trabalhos de fusion, como podemos notar no segundo disco do post, The Funky Way of Emil Vicklicky — uma coletânea daquelas bem safadas mas que, pela dificuldade de acesso ao material original, acabam servindo bem ao propósito de dar um panorama artístico. (Mesmo que ele inclua uma versão de Chega de Saudade. Aliás, fato pronto pra mesa de boteco: “sabia que Chega de Saudade foi cantada até em tcheco?”) O terceiro e último álbum trazido aqui cobre o trabalho “high brow” de Emil: o único disco que encontrei do projeto Ad Lib Moravia, que lidera ao lado de outros músicos tchecos e apresenta-se regularmente pela Europa. Bem diferente do seu lado fusion, aqui ele coloca o piano a serviço das melodias folk típicas, agitando levemente seus limites até obter delas uma qualidade moderna e elevada de jazz, às bordas do contemporâneo clássico. Por folk, também vai contar com voz em algumas peças, e até violino; na mesma medida, há raros momentos solo, em que expressa bem as qualidades que o tornam um músico único.

Energit ‎– Energit /1975 link nos comentários
A Ráno (Part I.)
B1 Paprsek Ranního Slunce
B2 Noční Motýl
B3 Apoteóza
B4 Ráno (Part II.)

Emil Viklický ‎– The Funky Way Of Emil Viklický /2009 link nos comentários
01 Viklický/Frisell/Driscoll/Johnson – Trochu Funky
02 SHQ – Týden
03 Emil Viklický Big Band – Ještě Jednou Slunce
04 Viklický/Frisell/Driscoll/Johnson – Květen
05 Eva Svobodová – Kam S Tím Blues (Chega de Saudade)
06 Emil Viklický Big Band – 70 Východní
07 Viklický/Frisell/Driscoll/Johnson – Boston
08 Energit – Zelený Satén
09 Emil Viklický Big Band – Hromovka
10 SHQ featuring Eva Svobodová – Země Plná Lásky
11 Viklický/Frisell/Driscoll/Johnson – Zase Zapomněli Zavřít Okno
12 Emil Viklický Big Band – Siesta
13 Viklický/Frisell/Driscoll/Johnson – Jumbo Jet
14 Energit – Ráno (Part 1; edited version)
(01, 04, 07, 11, 13) from album “Okno”, 1980 • (02) from 7″ EP “Mini jazz klub č. 18”, 1977 • (03, 06, 09, 12) Previously unreleased, 1981 (03, 12), 1987 (06), 1979 (09) • (05) from album “Můj ráj”, 1984 • (08) from 7″ EP “Mini jazz klub č. 6”, 1976 • (14) originally from album “Energit”, 1975 • (10) from 7″ single ‘Zrcadlení’/‘Země plná lásky’, 1977

Emil Viklický, Zuzana Lapčíková, Jiří Pavlica – Prší Déšť /1994 link nos comentários
01 Prolog 02 Prší Déšť 03 Grumla 04 Kvítí Milodějné 05 Šibeničky 06 Bazalička 07 Bylo Lásky 08 Koně Moje Vrané 09 Keď Sa Janko Na Vojnu Bral 10 Mal Som 7 Peňazí 11 Na Horách, Na Dolách 12 Dyby Ně Tak Bylo 13 Mašíruju Na Francúza 14 Touha 15 Epilog

Boa audição!
Blue Dog

“Escutar uma peça de Hauschka pode ser enganoso: o que soa como uma orquestra de músicos e instrumentos é apenas um homem, tocando em um piano. Seu nome verdadeiro é Volkmer Bertelmann, e ele vem de Dusseldorf, Alemanha, onde trabalha em seu “piano preparado”. Ele arranca sons perturbadores do instrumento de 88 teclas equipando as cordas e martelos com objetos como bolas de pingue-pongue, papel alumínio e couro.”

[youtube width=”640″ height=”360″]http://www.youtube.com/watch?v=43Z4yljYY_c[/youtube]

Para além do aspecto lúdico da interferência no instrumento, o que vale é a enorme imaginação de Hauschka como compositor. Nos discos abaixo há momentos com músicos de apoio*, ou seja, não é apenas um homem isolado e seu piano; nota-se a sadia preocupação de adicionar outros sons quando há a necessidade. Hauschka faz uma música que não comporta rótulo, e no entanto estabelece diálogos com diversas outras vertentes que vão com o nariz apontado para o avant-garde. Há referências claras do piano preparado — Cage, Satie — e me agrada especialmente a construção dos temas, evocando (e até usando) muitas vezes o uso de camadas de loops encontrados em artistas de vanguarda da chamber music (Colleen, Marsen Jules) e do freak folk (Lau Nau, Grouper). Também nota-se uma profusão de barulhinhos e detalhes espalhados por todo o lado, expediente corriqueiro na paleta de artistas de new ambient/electronica. São conexões, e no conjunto, as músicas são criativas e estimulantes, e frequentemente delicadas; há mais acontecendo na execução do que nos parece aos ouvidos, e acho que fica bem assim. O que poderia tornar-se atração mais pelo processo do que pelo resultado, acaba engolfado pela sofisticação que parece tão inerente a esses músicos alemães.

*O terceiro disco é um dueto com a violoncelista islandesa de nome impronunciável, e um trabalho bem mais experimental e ‘concreto’ do que os outros. Com um tema aquático e faixas que remetem a códigos de tons azuis de cores, é um disco desafiador, profundo e tarja preta — e muitos dos que ouvirão os três álbuns apontarão esse como o melhor.

Hauschka – 2007 Room to Expand V0
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01 La Dilettante . 02 Paddington . 03 One Wish . 04 Chicago Morning . 05 Kleine Dinge . 06 Belgrade . 07 Sweet Spring Come . 08 Femmeassise . 09 Watercolour Milk . 10 Zahnluecke . 11 Fjorde . 12 Old Man Playing Boules

Hauschka – 2011 Salon Des Amateurs V2
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01 Radar . 02 TwoAM . 03 Girls . 04 Ping . 05 Cube . 06 Subconscious . 07 NoSleep . 08 Tanzbein . 09 TaxiTaxi . 10 Sunrise

Hauschka & Hildur Guðnadóttir – 2011 Pan Tone 320
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01 #283 . 02 #294 . 03 Black 6 . 04 #304 . 05 #320 . 06 Cool Gray 1

Boa audição!
Blue Dog

(Link revalidado pelo PQP, que uiva de saudades do Blue dog, o cão pulguento e marginal).

1955. Um professor de música sai da Flórida para Nova Iorque, para continuar seus estudos.

1955, ano que a educação perde um grande mestre para o jazz.

Fascinado e com tenacidade, Julian Adderley resolve montar seu próprio quinteto. Contando com o apoio (tanto de incentivo como na banda) de seu irmão Nat, passa a freqüentar fervilhantes noites em clubs onde seria destacado pela sua leitura mais relaxada do bebop, mais ‘funky’, mais intimista e divertida.

O quinteto, no entanto, não é sucesso – principalmente numa cena dominada pelo hard bop. Ele subsiste até que Coltrane saia (temporariamente) do grupo de Miles Davis, quando então este elenca como substituto o promissor Cannonball Aderley. A dupla gravaria cinco discos numa das maiores formações do jazz, em Milestones, Miles & Monk at Newport, Jazz at the Plaza, Porgy and Bess e Kind of Blue.

Cannonball ganhou notoriedade na Big Apple com uma gravação de “This Here”, em 1955, no mesmo Jazz Workshop. Com Miles, desenvolveu sua técnica e tornou-se um músico superior. Ao sair do quinteto gravou com Coltrane e Bill Evans, reativou seu grupo (agora um sexteto) em 1960, estabeleceu-se como maior expoente do soul jazz e voltou ao clube onde surgiu – nas noites de 22 e 23 de setembro de 1962 – para gravar o disco deste post.

Soul jazz: bop e hard bop, mas com ênfase na melodia e no swing. Mais relax, como o imenso carisma de Adderley sugeria – e se pode notar nas conversas que tem com o público, e nos gritos de incentivo à banda durante os solos. Cannonball, corruptela de “cannibal” porque comia muito e tinha porte avantajado (que manteve), gosta de ser técnico como Davis e de balançar como Duke Ellington. Morreu antes dos 50 anos, em 1975, de ataque cardíaco. Sua música vive bem mais: é alegre e upbeat sem fazer concessões à complexidade. Também por isso atingiu tantas camadas de público; tinha a alma da músia negra, celebrativa e convidativa. No final da gravação, Cannonball se despede do público pedindo desculpas, entre gritos de que não saia do palco.

Ainda não saiu.

Cannonball Adderley: Jazz Workshop Revisited (320)

Cannonball Adderley: alto sax
Nat Adderley: cornet
Yusef Lateef: tenor saxophone, flute, oboe (“and etc”)
Joe Zawinul: piano
Sam Jones: double bass
Louis Hayes: drums

Produzido por Orrin Keepnews para a Riverside

01 Opening Comment 0’51
02 Primitivo (Cannonball Adderley) 9’11
03 Jessica Day (Quincy Jones) 6’29
04 Marney (Donald Byrd) 6’52
05 A Few Words… 0’13
06 Unit 7 (Sam Jones) 9’02
07 Another Few Words 0’26
08 The Jive Samba (Nat Adderley) 10’59
09 Lillie (Sam Jones) 4’43
10 Mellow Buno (Yusef Lateef) 6’00
11 Time To Go Now – Really! 0’36

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE (RapidShare)

Blue dog

Este post começa com uma pausa — para agradecimentos. Obrigado a todos os leitores do PQP Bach, em especial estes que embarcam nas peripécias jazzísticas (frequentemente experimentais) deste seu Blue Dog. Fico sinceramente feliz com o espaço e a companhia dos colegas autores e leitores. (E meus amigos também agradecem, porque assim diminuo a torrente de e-mails com indicações, espasmos e suspiros musicais variados. (Sou daqueles apaixonados chatos, que não conseguem calar a boca quando o assunto é o preferido.)) E embora eu não responda a todos os comentários deixados nos posts, saibam que não passo nenhuma dica; às vezes demora pra eu ouvir, noutras não é bem o idioma que ando escutando, mas eu sempre vou atrás. Foi o que aconteceu dessa vez, inclusive; está lá num post do ano passado sobre Mouse on the Keys, o César quem disse: “Interessante, a Toccatina do Sezession é o próprio estudo do Concert Etudes Op.40, do Kapustin. Esse compositor seria uma boa pedida para este blog, Blue Dog.”

Mais de um ano depois, fui conferir meio desconfiado. A Toccatina do Mouse on the Keys, excelente, um quase blues-funk, então é uma versão? De um compositor de nome russo, com nome da obra meio em francês, e ainda por cima um opus na referência? Naquele milissegundo do julgamento primário, me bateu muito mal; isso vai ser lento, e chato, certamente.

E foi aí que o cachorro tropeçou nas próprias patas.

A Toccatina original é trocentas vezes melhor. Rápida, energética, até feroz. Jazz? Sem dúvida, há todo aquele swing marcante. Mas há algo na estrutura; o fluxo das notas não parece nenhuma outra improvisação a que estejamos acostumados. A biografia explica: Nikolai Kapustin (nascido na Ucrânia em 1937) estudou música clássica durante anos a anos a fio, e então descobriu e apaixonou-se pelo jazz. Ele conta numa entrevista que viu seu sonho mudar; de um virtuose erudito, passou a desejar ser um compositor clássico para o jazz. A mesma proposta que a Third Stream queria produzir, mas com uma diferença: foco. Kapustin consegue fazer a fusão entre os dois mundos de maneira complexa e altamente satisfatória, sem divagar, e sem “unir duas partes”. Sua música traduz em si mesma o conceito que o autor desenhou, sem jamais soar como um Frankenstein.

Kapustin começou escrevendo para orquestra, e nos anos 1980, focou mais nas composições solo para piano. Suas gravações ganharam pequenas edições na Alemanha e no Japão; mas afora um pequeno círculo, era um desconhecido até mesmo do público russo até 2000, quando Steve Osborne e Marc-André Hamelin registraram, em disco e turnês, suas interpretações para Kapustin. Foi um pequeno foco de luz em seu trabalho, e algum reconhecimento; ainda assim, me parece demais escondida, a música deste senhor. A escassez de informações na internet é um sinal de que, apesar dos calorosos comentaristas do youtube, Kapustin ainda é uma excentricidade musical. Não me parece que sua música seja impopular; e se ele mesmo admite que não gosta de tocar ao vivo, e quase nunca se apresenta — o que certamente ajuda a mantê-lo obscuro — , disseminemos a informação, ora, por favor, e obrigado de novo pela valiosa dica, César. Aliás, se alguém souber como conseguir gravações dos anos 1960, quando Kapustin tocava na big band de Oleg Lundstrom, por favor, me avise. A discografia possível, brilhante e vigorosa que seja, não registra nada parecido com esta raridade, de 1964:

[youtube width=”500″ height=”375″]http://www.youtube.com/watch?v=agr38i9X0sA[/youtube]

E aqui temos ele tocando em 2007 – uma composição mais próxima aos discos do post. Não é fabuloso?

[youtube width=”500″ height=”375″]http://www.youtube.com/watch?v=vDWeGp4UE6M[/youtube]

A ficha de composições é imensa; esta lista é a melhor que encontrei, e ela para em 2009, no Opus 141. Não achei uma discografia decente, mas pude apurar que, afora pequenos registros já perdidos no tempo, seus primeiros discos foram uma série “Kapustin plays Kapustin” que saíram pela Melodiya russa, com uma curta tiragem internacional pela Bohéme. Mais tarde, nos anos 2000, com a atenção provocada por Osborne e Hamelin, a japonesa Triton relançou todos os seus discos, com nomes diferentes; e bancou mais alguns álbuns originais. Coloquei abaixo tudo que encontrei em boa qualidade, e é quase tudo que há disponível, parece; mas fiquei apenas nos que traz Kapustin como intérprete. Tenho escutado todos, mas volto com mais frequência ao Jazz Pieces for Piano e ao Jazz Portrait. (Aliás, a tristeza dele naquela foto da capa é de cortar o coração. Lembra até um certo meme da internet.) O disco em que ele toca com um quinteto é agradabilíssimo, principalmente as peças com duas flautas. Mantive as capas e datas originais, quando possível, mas as gravações são todas das reedições da Triton.

*update 02/01/13: link para torrent contendo todos os discos.

Nikolai Kapustin – Jazz Pieces for Piano /1985 [V0]
http://thepiratebay.se/torrent/7980318
01-08 Eight Concert Etude Op.40
09-12 Piano Sonata No.1 “Sonata Fantasy” Op.39
13 Suite in Old Style for Piano Op.28
14 Variations for Piano Op.41

Nikolai Kapustin – 24 Preludes in Jazz Style Op. 53 /1987 [320]
http://thepiratebay.se/torrent/7980318
01-24 24 Preludes in Jazz Style, Op. 53
25 Sunrise for Piano Op. 26
26 Toccatina for Piano Op.36
27 Meditation (Contemplation) for Piano Op.47
28 Sounds of Big Band for Piano Op.46
29 Moving Force for Piano Op.45

Nikolai Kapustin – Jazz Portrait /1991 [V0]
http://thepiratebay.se/torrent/7980318
01 Andante for Piano, Op.58
02-04 Sonata for Piano No.4, Op.60
05-14 Ten Bagatelles for Piano, Op.59
15-17 Sonata for Piano No.5, Op.61
18-20 Sonata for Piano No.6, Op.62

Nikolai Kapustin – Piano Sonatas Nos. 2 & 3 /1991 [320]
http://thepiratebay.se/torrent/7980318
01-04 Sonata for Piano No.2 Op.54
05 Sonata for Piano No.3 Op.55
06 Andante for Piano Op.58
07-08 Introduction and Scherzino for Violoncello Solo Op.93
09-11 Duo for Alto Saxophone and Violoncello Op.99

Nikolai Kapustin – Kapustin Piano Quintet etc /2001 [320]
http://thepiratebay.se/torrent/7980318
Nikolai Kapustin, piano; Alexander Korneev, Mariana Rubinstein, flute; Alexander Zagorinsky, cello; Alexander Chernov, Vladimir Spektor, violin; Svetlana Stepchenko, viola
01-03 Trio for Flute, Cello and Piano Op.86
04-07 Quartet for Two Violins, Viola and Cello Op.88
08-11 Quintet for Two Violins, Viola, Cello and Piano Op.89
12-14 Divertisment for Two Flutes, Cello and Piano Op.91

Nikolai Kapustin – 24 Preludes and Fugues for Piano Op.82 Violin Sonata etc /2001 [256]
http://thepiratebay.se/torrent/7980318
CD1: 01-34 24 Preludes and Fugues Op.82 – 1 a 17
CD2: 01-14 24 Preludes and Fugues Op.82 – 18 a 24
15 Elegy for Cello and Piano Op.96
16 Buriesque for Cello and Piano Op.97
17 Nearly Waltz for Cello and Piano Op.98
18-20 Sonata for Violin Op.70

Nikolai Kapustin – Last Recording /2004 [320]
http://thepiratebay.se/torrent/7980318
01-04 Sonata for Piano No.7 Op.64
05 Berceuse for Piano Op.65
06-08 Three Impromptu for Piano Op.66
09-11 Three Etudes for Piano Op.67
12 Impromptu for Piano Op.83
13 Paraphrase on a Theme by P. Dvoyrin Op.108
14-15 Sonata for Piano No.12 Op.102

Nikolai Kapustin – Kapustin Returns! /2008 [V2]
http://thepiratebay.se/torrent/7980318
01 Paraphrase on Aquarela do Brasil by Ary Barroso for piano Op.118
02-03 Two Etude-like Trinkets for Piano Op.122
04 End of the Rainbow Op.112
05 Humoresque Op.75
06 Fantasia Op.115
07 Gingerbread Man Op.111
08 Vanity of Vanities Op.121
09 Spice Island Op.117
10 Paraphrase on Blue Bossa by Kenny Dorham Op.123
11 Countermove Op.130
12-14 Sonata for Piano No.16 Op.131

Boa audição!
Blue Dog

Tendo experimentado fama repentina e autodestruição em pouco mais de cinco anos, a Mahavishnu Orchestra marcou e mudou profundamente a cena do jazz dos anos 70 e em diante. Nesse curto período o grupo solidificou o fusion, deu cria à rebentos dos mais diversos, e ainda apresentou uma conexão indiana jamais ouvida no jazz. John McLaughlin, entre mudanças de formação e críticas públicas ao seu estilo de liderança, caminhava sobre os mortos e feridos; já estabelecido como uma grande força criativa, continuou gozando de excepecional reputação — tanto que a CBS topou, sem pestanejar, lançar os álbuns de seu novo grupo, Shakti. (Certamente assegurando-se os direitos completos sobre a arte das capas, como perceberemos nas imagens abaixo.)

E o que McLaughlin apresentou foi um aprofundamento no caminho da música indiana; sob olhares boquiabertos, largou a guitarra, puxou o violão e sentou no tapetinho — em meio a uma quase-orquestra indiana de facto. Acústico, mas não sem o vigor de antes, senão ao contrário; com o Shakti, McLaughlin toca mais rápido do que nunca — muitas vezes, seguindo nota a nota a marcação da tabla. Que era um virtuose, se sabia; que era apaixonado pela cultura indiana (com guru pessoal e tudo, como bem em voga na época), também; a surpresa ficou por conta do desassombro com que os músicos desenvolveram temas que vão do energético ao espiritual, do meditativo ao furioso, numa linguagem totalmente nova.

Ou ainda: bicho, é de cair o queixo.

O primeiro disco, autointitulado, é de 1976; um registro ao vivo, e por isso mesmo, o mais improvisado deles — incluindo uma quase-raga de meia hora como lado B. O segundo, do mesmo ano, gravado em Londres, demonstra uma proposta melhor consolidada, e provavelmente as melhores composições do grupo (Lady L pra mim, a qualquer hora do dia ou da noite.) O terceiro e último já vem num suspiro; Shakti não vendeu quase nada à época, e esse disco, de temas mais curtos e menos agressivos, foi a última (e fracassada) tentativa da gravadora em fazer alguns tostões, que, aliás, não viriam. Era outra vez a índole do inquieto McLaughlin, com seus projetos-relâmpago: já em 1977 o Shakti havia dito o que queria dizer, e ficava pra trás. (Ao menos até ganhar uma reunião na virada dos anos 2000, chamada Remember Shakti, e que até hoje faz turnês irregulares). E esse projeto, como tudo (ou quase tudo) que ele fez, transformou-se em objeto de culto e reverência.

Shakti – Shakti (live) /1976 [V0]
John McLaughlin, guitar; L. Shankar, violin; R. Raghavan, mridangam; T. H. Vinayakaram, ghatam, mridangam; Zakir Hussain, tabla
download – 88MB /mediafire

01 Joy (McLaughlin/Shankar) 18’13
02 Lotus Feet (McLaughlin) 4’44
03 What Need Have I for This/What Need Have I for That/I Am Dancing at the Feet of My Lord/All Is Bliss/All Is Bliss (McLaughlin/Shankar) 29’03

Shakti – A Handful of Beauty /1976 [320]
John McLaughlin, guitar; L. Shankar, violin, vocals; T. H. Vinayakram, percussion, vocals; Zakir Hussain, percussion, tabla
download – 109MB /mediafire

01 La Danse Du Bonheur (McLaughlin/Shankar) 4’48
02 Lady L (Shankar) 7’23
03 India (McLaughlin/Shankar) 12’31
04 Kriti (trad.) 2’58
05 Isis (McLaughlin/Shankar) 15’11
06 Two Sisters (McLaughlin) 4’41

Shakti – Natural Elements /1977 [320]
John McLaughlin, guitar; L. Shankar, violin; Zakir Hussain, percussion, tabla; T. H. Vinayakaram, ghatam
download – 89MB /mediafire

01 Mind Ecology (McLaughlin) 5’48
02 Face to Face (Shankar) 5’58
03 Come On Baby (Shankar) Dance with Me 1’59
04 The Daffodil and the Eagle (McLaughlin) 7’03
05 Happiness is Being Together (McLaughlin) 4’29
06 Bridge of Sighs (McLaughlin) 3’52
07 Get Down and Sruti (McLaughlin) 7’03
08 Peace of Mind (McLaughlin) 3’21

Boa audição!
Blue Dog

Uma hora de Duofel no Studio n° 7, iniciativa de uma marca de uísque e que ganhou uma perna aqui no Brasil pela Trama. O show foi transmitido ao vivo pela internet em junho passado. Dizer que é sensacional é pouco. Assista e anote mentalmente: jamais perder um show quando o Duofel passar pela cidade.

Quem quiser baixar o vídeo (ou ripar em mp3) pode acessar o clipconverter e usar a url original do vídeo no youtube. No entanto, esteja avisado: trouxe aqui uma versão editada, porque a marca de uísque colocou 65’32 minutos de seu logotipo em loop antes do show em si. Quer dizer — nós disponibilizamos a apresentação completa de graça, mas em troca vamos irritar você até que a coisa toda perca a graça um pouquinho. Marketing clássico. No clipconverter há opção de especificar o início do vídeo; use o tempo acima. Corte nos 170’42, antes que comecem videoclipes spam sem qualquer relação com o show. (Ah, e tem um intervalo no meio, incluindo um documentário sobre o patrocinador.)

Este show é focado no trabalho mais recente da dupla, que é uma releitura dos Beatles. Eu sinceramente prefiro qualquer trabalho original a outra releitura dos Beatles, mas posso fazer uma concessão, e que eles ganhem um pouco mais de reconhecimento internacional, merecido, quem sabe, tomara. Ainda assim, os arranjos são qualquer coisa menos que apuradíssimos, e pra quem aprecia os violões, é daquela técnica de derrubar queixos. E por favor, revisite logo aqui dois discos fantásticos dessa dupla. Atualizei este antigo post, lá de 2007, com rips mais adequados, em 320 — e incluí o álbum ao vivo que comemorou os 20 anos da dupla, em 2000.

Desnecessário dizer, são desses artistas que vale a pena comprar o disquinho. E sim, eles estão lá, na mirrada estante de jazz deste cão.

Boa audição!
Blue Dog

Sei quase nada sobre Henry Franklin. Que fez seu caminho no jazz em Los Angeles, que aprendeu muito com Freddie Hubbard e Archie Sheep, que possui extensa discografia — tanto como líder quanto integrante — e que ainda hoje, aos 71 anos, grava e se apresenta regularmente, na Califórnia. E está bem assim; se o “Skipper” manteve consigo certa aura underground, porque não manter a proposta? Principalmente porque meu primeiro contato com o disco que trouxe hoje, The Skipper, se deu por impulso, num sebo. Já compraram disco pela capa? Pois foi o caso. Um tanto de esoterismo, a mancha toda quase em negativo, indicando: jazz tarja preta. O selinho da Black Jazz chancelava. Pensei em perguntar se era um álbum de fusion (o disco é de 1972), mas não quis chamar a atenção, já que o preço era ridículo e o vendedor podia se dar conta. Cheguei em casa pra descobrir uma obra — não de fusion, que eu queria evitar (fusion é um assunto muito delicado), mas de hard bop. E primeira linha. Mas PÕE primeira linha nisso.

Franklin, baixista, faz um caminho mais Paul Chambers, menos Mingus. É mais contido, mas não menos audível nas gravações; fácil de perceber um compasso certeiro com Henderson, no piano elétrico. (Já falei o quanto eu gosto da sonoridade do piano elétrico? Os timbres trazem uma claridade que lembra o exato ponto entre o piano e um vibrafone, e as notas ressaltam em meio dos temas de uma forma inconfundível, que pra mim se traduzem como um instrumento que toca nos sonhos. Sempre me encanto.) Baixo e piano complementam-se e conduzem perfeitamente os temas, deixando à bateria e aos sopros uma liberdade que toma um ar meio europeu, lembrando Evan Parker. O disco alterna temas longos, mais velozes e experimentais, à momentos de maior swing; uma pitada, não mais que isso, de soul aqui e ali, e até um blues. O repertório é interessante e variado, porém os temas mais brilhantes são os mais violentos, mesmo — em especial o de abertura. (“Beauty And The Electric Tub” poderia ser out-take de Bitches Brew, até.)

E já que estamos tratando de pérolas escondidas cujas quais o autor do post sabe pouco (além do que ouve), cabe como uma luva trazer também Uhuru na Umoja, swahili para “liberdade e fraternidade”, magnum opus do saxofonista Frank Wright. Aos ouvidos, logo diz: “lembra o Coltrane free jazz, mas antes de ficar completamente fora do controle (hm, Ascension)”. Na resenha, também lembra Coltrane: as liner notes do álbum trazem a inscrição “Fui colocado neste planeta pelo Criador, para proclamar a mensagem do Espírito Universal, levá-la ao povo”. Não à toa, Wright é chamado de “Reverendo”, e sola como se estivesse fazendo um sermão no delta do Mississipi — que foi onde nasceu, inclusive. Gravado em Paris (Frank deixou os EUA em 1969 e viveu o resto da vida na Europa) e lançado pela Verve em 1970, Uhuru na Umoja não quer ser solene como os discos de Coltrane; no entanto, consegue trazer boa dose de misticismo no jogo de sopros que Wright faz com Noah Howard, outro devoto do avant-garde jazz (e que assina todas as composições bases do disco). Soma-se a isso o fato de que — paradoxalmente ao primeiro disco deste post — o quarteto não tem baixo. E por “não ter baixo” eu também quero dizer que nem piano, nem bateria vão tentar emular essa função; a cozinha está mais improvisada que os saxofones, e são eles que, curiosamente, vão dar a progressão na maior parte do tempo. (“Grooving”, apesar de arrebatadora, não tem groove absolutamente nenhum (o que deixa tudo muito divertido). Junto com “Being”, bastante percussiva, são os pontos altos da bolacha.) Encorpado, é free jazz não recomendado para iniciantes (ou seja, daqueles que PQP adora — e inclusive adora usar pra provocar os incautos). Mas quem tem um pé no estilo vai se esbaldar. Aliás, prestem atenção, se puderem em meio à mixagem pré-setentista (e à fumaceira que os sopros estão fazendo), na elegância que Art Taylor mantém na bateria. Sem perder-se do intuito free jazz, não sai da linha em nenhuma baquetada.

Henry Franklin – The Skipper /1972 [V2]
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Henry Franklin (Fender and upright bass), William Henderson (electric piano), Mike Carvin (drums), Oscar Brashear (trumpet, flugelhorn), Charles Owens (tenor sax, alto sax), Kenny Climax (guitar, electric tub), Fred Lido, Tip Jones (percussion)
01 Outbreak (Franklin) 10’08
02 Plastic Creek Stomp (Franklin) 3’27
03 Theme for Jojo (Hall) 7’46
04 Beauty and the Electric Tub (Franklin) 12’40
05 Little Miss Laurie (Franklin) 7’42
06 The Skipper (Henderson) 5’21

Frank Wright Quartet – Uhuru na Umoja /1970 [192]
Frank Wright (tenor sax), Noah Howard (alto sax), Bobby Few (piano), Art Taylor (drums)
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01 Oriental Mood 8’53
02 Aurora Borealis 7’41
03 Grooving 6’50
04 Being 6’26
05 Pluto 3’51

Boa audição!
Blue Dog

Já vinha comigo desde ano passado o Piano Poems do (evidentemente) pianista norueguês Kjetil Bjerkestrand. Como o título sugere, trata-se de um disco delicado, de arranjos bastante atmosféricos — Kjetil também compõe para cinema, influência que se faz presente no clima de algumas faixas. Além do piano, Ketil faz uso de um par de órgãos e uma extensa linha de sintetizadores vintage; no entanto, o Steinway é sempre a figura de proa, cabendo aos outros teclados a formação de texturas, bases discretas ou mesmo beats muito suaves, esparsos. O resultado é bastante leve e agradável. E às vezes, leve demais, pro meu gosto; pra manter seu instrumento solo isolado durante todo um disco, é preciso ter alta energia inspirativa, além de boa dose de virtuosismo — e em certas faixas, os poemas parecem ter uma rima fácil demais. Outros temas (como February e Hymn II), no entanto, funcionam muito bem e demonstram grande sensibilidade. No fim das contas, é como álbum o que a maioria dos livros de poemas também é: irregular, mas repleto de boas possibilidades e alguns grandes momentos — que nos fazem voltar periodicamente à obra. (Aliás, funciona muito bem como um sofisticado pano de fundo pra adormecer.) (Confirmando: é um elogio.)

EIS QUE meses atrás me deparo com um disco novo do Kjetil, ou assim eu pensei; fui conferir com boa curiosidade. Só depois de um par de audições percebi que Night Song era, na verdade, disco de Ketil Bjørnstad, um OUTRO pianista norueguês. Achei que era pegadinha, ou algum efeito de numerologia, até o google me explicar que, de fato, são pessoas diferentes. Além de quase homônimos, tem apenas três anos de diferença de idade; no entanto, Ketil é um artista de nome melhor estabelecido, que grava para a ECM desde os anos 90, e tem uma discografia bastante extensa (além de uma bibliografia do mesmo vulto. Aliás, por prolífico, o All About Jazz o compara a Schubert). Enfim, sorte minha: porque este Night Songs, gravado em par com o violoncelista Svante Henryson, é um belíssimo disco. As melodias são de uma doçura angular raríssima. E ao longo de 16 faixas a inspiração se mantém; se Kjetil parece inseguro, ou simplista, em alguns momentos de Piano Poems, Ketil demonstra um domínio criativo absolutamente maduro e orgânico. O primeiro disco é bom; este é imperdível.

Kjetil, var. Kettill. Lê-se TCHEH-til. Do nórdico antigo Ketill, como no inglês “kettle”: chaleira, caldeirão usado nos rituais antigos para recolher o sangue de um animal sacrificado. No uso moderno, a palavra também significa capacete.

*Ketil e Kjetil já tocaram juntos, inclusive aqui no PQP Bach.

Kjetil Bjerkestrand – Piano Poems /2010 [V2]
download – 64MB /mediafire

01 Amelie 4’30
02 21/11 3’55
03 The Ladder 3’41
04 Hymn I – Velt Alle Dine Veie 4’45
05 February 3’19
06 602 3’21
07 Sanctus 2’59
08 Hymn II – Lær Meg Å Kjenne Dine Veie 4’22
09 Geirriano 3’04
10 Daddy’s Theme 3’12
11 ADAE 3’00
12 502 3’33
13 Hymn III – Jesus, Din Søte Forening Å Smake 3’53

Ketil Bjørnstad/Svante Henryson – Night Song /2011 [320]
Ketil Bjørnstad (piano), Svante Henryson (violoncelo)
download – 174MB /mediafire

01 Night Song (Evening Version) 4’28
02 Visitor 5’06
03 Fall 3’26
04 Edge 5’37
05 Reticence 5’40
06 Schubert Said 4’31
07 Adoro 6’21
08 Share 4’20
09 Melting Ice 3’22
10 Serene 5’57
11 The Other 4’05
12 Own 3’09
13 Sheen 5’41
14 Chain 6’15
15 Tar 2’57
16 Night Song (Morning Version) 5’01

Boa audição!
Blå Hund

Para os leitores de Porto Alegre e cercanias: a dica é o curso “Análise Musical Histórica e Estética – Análise das obras do século XVIII ao século XXI”, com o compositor e professor Fernando Mattos. Não estou ganhando nada pela divulgação, mas a raridade da empreitada merece algum destaque, ou não? Mais informações no site da Arena, ou clicando na imagem abaixo.

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E, como de praxe, pra não perder a viagem, deixo aqui uma bolacha bastante especial. Se você não se interessa muito pela historinha, basta o título: “Coltrane Plays the Blues” diz tudo que é preciso dizer.

Por outro lado, se é dos que gosta do contexto (e ouvir jazz sem ele é feito comer goiabada sem queijo), vai achar interessante saber que este disco foi gravado em 24/10/60 — ou seja, durante a segunda sessão do imperdível “My Favorite Things”, que nasceu dos estúdios da Atlantic nos dias 20, 24 e 26. Embora Tyner, Jones e Davis tenham precisão e coesão de estrelas, aqui estão mais coadjuvantes do que de costume; o formato do blues, os temas em sua maioria improvisados, e o amálgama ainda se criando entre o quarteto propiciam que Coltrane esteja sempre no centro das atenções. (Não que alguém esteja reclamando.) Há, inclusive, duas faixas no lado A gravadas em trio, sem piano, algo que raramente aconteceu.

Também é um bom momento para relembrar que Coltrane tinha uma forte ligação com o blues. Tanto nos temas inesquecíveis em sua discografia (Blue Train e Slowtrane me vem a memória) quanto nos shows, como contam as liner notes desse disco: Coltrane iniciava a sessão com suas composições mais conhecidas, o que a maioria do público queria ouvir, e fechava o segundo set com um blues cuja base poderia durar 30 ou 40 minutos de improviso, agradando os fãs mais “hardcore” de jazz. Isso mostra não apenas o envolvimento do músico com o blues, mas também como sua ligação com o free jazz e o avant-garde a que se entregaria, anos depois, não foram acidente ou mera epifania.

O resultado de “Plays the Blues” é um disco agradabilíssimo para quem está acostumado ao jazz — daqueles que se deixa tocando e melhora qualquer ambiente e/ou estado de espírito — e também uma ótima porta de entrada para quem está ainda se avizinhando ao estilo.

Coltrane Plays the Blues /1962 (V2)

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John Coltrane (tenor and soprano saxophone); McCoy Tyner (piano); Steve Davis (bass); Elvin Jones (drums). Produzido por Nesuhi Ertegün para a Atlantic

01 Blues To Elvin
02 Blues To Bechet
03 Blues To You
04 Mr. Day
05 Mr. Syms
06 Mr. Knight
07 Untitled Original (“Exotica”) *bonus track da reedição de 1990

Boa audição!
Blue Dog