W. A. Mozart (1756-1791): Requiem and Church Sonatas

É claro que tenho em altíssima conta o Réquiem de Mozart. O que não entendo é o motivo que me leva a ter poucas gravações dele. Sempre foi assim. Fiquei feliz ao encontrar esta versão de Malgoire para o grande Réquiem. As outras gravações que possuo de Malgoire e de La Grande Ecurie et la Chambre du Roy — obras de Handel, Lully e Rameau — são entusiasmantes. E meu entusiasmo repetiu-se ao ouvir sua versão para a obra final de Mozart. Não tenho uma lista de melhores registros para o Réquiem, mas timidamente gostaria de inscrever CD como forte candidato a campeão. É antigo e foi reeditado muitas vezes com capas diferentes, uma mais feia que a outra — à exceção talvez da última… –, e o fato de ter tantas reedições (3 ou 4) já depõe a favor de sua qualidade.

Malgoire é um cara meio escandaloso: sua versão para a Música Aquática e Música para Fogos de Artifício incluem grande orquestra, segundo ele a orquestra prevista por Handel. São músicas festivas e o regente faz delas efetivamente uma festa. Porém, aqui, está contido como deve e, apesar de ter ouvido sempre minha pré-antiga gravação de Karl Böhm, sua abordagem me pareceu muito “compreensiva” para com a obra.

Imperdível.

Mozart: Requiem K. 626

1. I. Introitus: Requiem
2. II. Kyrie
3. III. Sequenz: No. 1 Dies irae
4. III. Sequenz: No. 2 Tuba mirum
5. Sequenz: No. 3 Rex tremendae
6. Sequenz: No. 4 Recordare
7. Sequenz: No. 5 Confutatis
8. Sequenz: No. 6 Lacrimosa
9. IV. Offertorium: No. 1 Domine Jesu
10. IV. Offertorium: No. 2 Hostias
11. V. Sanctus
12. VI. Benedictus
13. VII. Agnus Die
14. VIII. Communio: Lux Aeterna

Mozart: Church Sonatas

15. Church Sonata K. 278
16. Church Sonata K. 336
17. Church Sonata K. 329

Colette Alliot-Lugaz
Dominique Visse
Martyn Hill
Gregory Reinhart

Odille Bailleux, órgão

Nord Pas De Calais Regional Choir
La Grande Ecurie et la Chambre du Roy
dir. Jean-Claude Malgoire

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PQP

Alfredo Rugeles (1944) – Mutacciones a través del tiempo

Fora compositores brasileiros, o único latino-americano que postei até aqui (e já faz um bom tempo) foi Piazzolla. Agora começo a variar e apresento um venezuelano contemporâneo e desconhecido no Brasil: Alfredo Rugeles, filho de diplomata, nascido em Washington DC, e exemplo de como os compositores latino-americanos se deixaram permear em demasia pela vanguarda europeia, esquecendo-se das raízes da música popular e folclórica de seus países. Nesta coletânea de obras sinfônicas e de câmara das décadas de 70 e 80 de Rugeles,  há influência de tudo, menos da música venezuelana – pelo menos o compositor é bastante competente… São obras que não me despertaram nada especial (exceto O ocaso do herói, sobre os últimos anos de Simón Bolívar), porque nada há de novo nelas – e se é para ouvir algo já feito, que se vá às fontes originais – mas tais obras podem suscitar algo em vocês.

***

Mutaciones a través del tiempo

1. Mutaciones (1974), para noneto ou orquestra de cordas (4, 2, 2, 1) – Orquestra de Câmara de Caracas, regida por Yannis Loannidis em maio de 1974
2. Polución (1975), para violino, viola, cello e piano – Cordas do Quarteto Humboldt e Marianela Arocha (piano), gravado ao vivo em 23 de novembro de 2002
3. Puntos y líneas (1977), para 15 solistas, incluindo dois percussionistas – Orquestra Sinfônica da Universidade Eafit de Medellín, regida pelo compositor, gravado ao vivo em 21 de maio de 2004
4. Somosnueve (1978-79), para conjunto de câmara – Ensemble de Música Contemporânea da Orquestra Nacional Juvenil da Venezuela, regida pelo compositor, gravado em 21 de março de 1982
5. El ocaso del héroe (1982), para recitador, como misto e orquestra de câmara – Poema de Manuel Felipe Rugeles recitado por Víctor González. Orfeão Universitário Simón Bolívar, Schola Cantorum de Caracas e Cantoría Alberto Grau. Orquestra Sinfônica Simón Bolívar, regida pelo compositor, gravado ao vivo de 30 de abril de 2004
6. Sinfonola (1988), para orquestra de câmara – Orquestra Sinfônica Simón Bolívar, regida pelo compositor, gravado ao vivo em 15 de novembro de 1993

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CVL

Cecilia Bartoli – Arie Antiche (Peças Italianas do Século XVIII)

Os CDs de cantores não são um gênero muito apreciado neste blog, só que este é o terceiro ou quarto que publicamos de Cecilia Bartoli, a maravilhosa romana nascida em 1966 e que antes dos 20 anos já era uma celebridade cacarejante. Adoro Bartoli! Mais: adoro seu repertório sempre raro e surpreendente. Arie Antiche é uma gravação de 1992, quando Cecilia tinha 26 anos, e concordo com este post que transcrevo aqui:

Nascida em Roma, Cecilia Bartoli estudou canto no Conservatório de Santa Cecília, na capital italiana, enquanto, ao mesmo tempo, era ensinada e acompanhada pelos seus pais, Silvana Bazzoni e Angelo Bartoli, ambos cantores profissionais.

Particularmente famosa por sua voz de mezzo-soprano coloratura e suas interpretações de Rossini e Mozart, destaques da sua espetacular carreira incluem o papel de Rosina (Il Barbiere di Siviglia), o papel título de La Cenerentola, Zerlina (Don Giovanni), Despina e Dorabella (Così fan tutte), Cherubino (Le nozze di Figaro) e L’anima del filosofo, de Haydn.

Nesta trilha, entretanto, ela canta uma ária de seu disco de 1990, Arie Antiche, onde interpreta, como o nome diz, árias antigas dos séculos XVII e XVIII. Caro mio ben, de Giuseppe Giordani (1751-1798) é uma ária que encanta pela delicadeza de interpretação, mostrando que Cecilia Bartoli não sabe fazer só coloratura.

Sim, eu sou seu fã desvairado.

É, eu também.

Cecilia Bartoli – Arie Antiche: Se tu m’ami – Peças italianas do Século XVIII

1 L’honestà negli amori, opera Già il sole dal Gange
Composed by Alessandro Scarlatti

2 La donna ancora è fedele, opera (with intermezzo “Filandra e Selvino”) Son tutto duolo
Composed by Alessandro Scarlatti

3 La donna ancora è fedele, opera (with intermezzo “Filandra e Selvino”) Se Florindo è fedele
Composed by Alessandro Scarlatti

4 Il Pompeo, opera O cessate di piagarmi
Composed by Alessandro Scarlatti

5 Work(s) Aria: Spesso vibra per suo gioco
Composed by Alessandro Scarlatti

6 Caro Mio Ben for voice & piano (or orchestra)
Composed by Giuseppe Giordani

7 Arminio, opera Pur dicesti, o bocca bella
Composed by Antonio Lotti

8 Intorno all’idol mio (soprano aria from opera “Orontea”)
Composed by Antonio Cesti

9 La Molinara, opera Nel cor più non mi sento
Composed by Giovanni Paisiello

10 Nina, o sia La pazza per amore, opera Il mio ben quando ve
Composed by Giovanni Paisiello

11 O Leggiadri Occhi Belli
Composed by Anonymous

12 Il mio bel foco (Quella Fiamma che m’accende), for cantata for soprano, 2 violins, 2 oboes & continuo, SF. 142 (spurious)
Composed by Benedetto Marcello

13 Selve amiche
Composed by Antonio Caldara

14 La Costanza in amor, opera Sebben, crudele
Composed by Antonio Caldara

15 Tu ch’ hai le penne, amore, for voice & continuo
Composed by Giulio Caccini

16 Se tu m’ ami
Composed by Alessandro Parisotti

17 Zingari in Fiera, opera Act 1, Chi vuol la zingarella
Composed by Giovanni Paisiello

18 Le Nouve Musiche, 1602 for voice & continuo
Composed by Giulio Caccini

19 Delizie Contente
Composed by Pietro Francesco Cavalli

20 Ottone in Villa, opera in 3 acts, RV 729 Sposa son disprezzata, aria
Composed by Antonio Vivaldi

21 Vittoria, mio core (Amante sciolto d’amore), cantata for soprano & continuo
Composed by Giacomo Carissimi

Cecilia Bartoli, soprano ou mezzo-soprano de coloratura
György Fischer, piano

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PQP

Christoph Willibald Gluck (1714 – 1787): Le Cinesi

Este é um Gluck bastante raro. As três cantoras, entre elas Anne Sofie von Otter, fazem papel de chinesas. O irmão de Lisinga volta da Europa e as meninas tratam de diverti-lo com árias de estilos contrastantes. Pouco sei sobre a obra, mas ela me agradou muito. É leve, tranquila e engraçada, porém como toda ópera, não prescinde da visualização. Gostaria de ver Anne Sofie como chinesa num DVD… É menos ópera e mais a “Ação Teatral” que algumas versões anunciam. Bom divertimento para uma noite que se anuncia como chuvosa. (Explico: Porto Alegre precisa urgentemente de chuva).

Gluck: Le Cinesi, action théâtrale en un acte

1 Sinfonia pour orchestre
2 E ben: stupide e mute… Recitativo (Lisinga-Sivene-Tangia-Silango)
3 Prenditi il figlio!… Aria (Lisinga)
4 Ah, non finir sì presto… Recitativo (Silango-Lisinga-Tangia-Sivene)
5 Son lungi e non mi brami… Aria (Silango)
6 Che vi par della scena?… Recitativo (Tangia-Silango-Lisinga-Sivene)
7 Non sperar, non lusingarti… Aria (Sivene)
8 Che amabilil pastoralla!… Recitativo (Silango-Lisinga-Sivene-Tangia)
9 Ad un riso, ad un’occhiata… Aria (Tangia)
10 Che ti sembra, Silango… Recitativo (Tangia-Silango-Lisinga-Sivene)
11 Voli il piede in lieti giri… Quartetto (Lisinga-Sivene-Silango-Tangia)libretto by Pietro Metastasio

first performed for the Royal family at
the Vienna Schlosshof on September 24, 1754

Isabelle Pouleard (Sibene)
Anne Sofie von Otter (Lisinga)
Gloria Banditelli (Tangia)
Guy De Mey (Silango)

Schola Cantorum Basiliensis
dir. René Jacobs

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PQP

Johannes Brahms (1833-1896) – Piano Concerto nº2 – Kovacevich – Davis

Existem certas obras que ficam em nossas cabeças, e nunca saem. Elas se estabelecem como verdadeiros cânones, e obviamente, servem de parâmetro para outras. Sem querer entrar no mérito da escolha pessoal, afinal já se diz tudo quando se fala em escolha pessoal. Uma das obras que fazem parte deste meu cânone pessoal é o Concerto para Piano nº 2, de Brahms. O considero um dos pilares da música ocidental, ao lado das obras de meu pai espiritual, Johann Sebastian. Não temo em colocá-lo ao lado dos Concertos de Brandemburgo, ou até mesmo das Variações Goldberg.

Abaixo reproduzo o belo texto produzido por Malcolm McDonald sobre este concerto:

“(…) o caráter da obra é muito mais como uma espécie de “Überkammermusik”, uma intimidade de discurso da música de câmera composta livremente dentro do veículo orquestral. O Concerto parece estender o campo das obras de Brahms para corda e piano, especialmente os quartetos com piano: há paralelos claros entre o movimento lento e o do op. 60, e alguns, prováveis, entre o scherzo e finale e aqueles do op. 26. Acima de tudo, o papel do solista é fluido, não fixado a uma simples postura retórica: ele ou ela deve, na verdade, imperar com o máximo poder em certas articulações, mas outros momentos pedem extrema delicadeza e limpidez de toque, a reticência e a discrição do acompanhador ideal. O finale exige um indecoroso – mas jamais deselegante – senso de diversão. E o próprio início da obra requer a habilidade de ser um parceiro de precisa equivalência na criação de uma das mais românticas de todas as aberturas de concerto, em que a tranquilidade da montanha e da floresta ressoa até as notas da trompa de Oberon.

Esta ventilação preliminar do primeiro tema origina uma ardente cadência do piano na veia mais vigorosa e muscular de Brahms, em si apenas preparação de um tutti orquestral abrasador e audacioso. A estratégia lembra o Concerto em mi bemol de Beethoven (em que provavelmente se inspirou), que, na verdade, é o progenitor da obra de Brahms, mas o efeito, aqui, é completamente diferente. O movimento excepcionalmente amplo de Brahms é com toda certeza um projeto de sonata, mas sua prodigiosa quantidade de material temático, na maior parte de admirável beleza, parece crescer, organicamente, de maneira radical, ramificando-se em vasta rede tonal de idéias interligadas. O piano realmente não apenas repete ou comenta os temas do tutti, mas se empenha num diálogo de enorme extensão, pela contínua variação deles. Como na similarmente “descansada” Segunda SInfonia, a escuridão e a paixão têm seu lugar, a primeira representada por repentinos lampejos de distantes áreas tonais, (…) e a última pelos mais coléricos e poderosos dos eloquentes momentos do piano.

O scherzo em si menor que se segue é onde o concerto chega mais perto da expressão trágica, sendo uma forma sonata extremamente concisa, em contraste com a do movimento de abertura, mais expansiva. Seu primeiro motivo, principalmente no piano e nas cordas graves) é nervoso e duramente impulsionado, de estreita relação com o espectral scherzo da primeira serenata em ré maior, mas embebido agora, de um fervor impetuoso. O segundo (alto nas cordas, piano acompanhando) uma pequena e obsessiva melodia repleta de patos resignado. Estes contrastes são fixados mais firmemente por uma repetição da capo da exposição, sendo depois decompostos num irado desenvolvimento. Este se mostra à altura de um novo arremesso de tensão, com a “pequena melodia” do segundo se demonstrando tão cheia de espírito de luta quanto a primeira. A salvação está perto, na forma de um repicante e handeliano tema em ré menor que irrompe no auge da tempestade e transforma a atmosfera em outra de robusta e vigorosa hilaridade, se expandindo para criar um trio central e muito inortodoxo para o movimento. A lógica da sonata exige, no entanto, que a trabalhada música do scherzo retorne: ela o faz em uma recapitulação que continua essencialmente os processos de desenvolvimento, sendo muito da contribuição original do piano cedido à orquestra, enquanto o solista reforça a tessitura com oitavas ressoantes. Premente e volátil até o fim, mas justamente habilitado pelo trio, a evitar a tragédia verdadeira, o movimento se precipita para um término de emocionante concisão.

Brahms nunca compôs um concerto para violoncelo, embora dissesse duas vezes que o exemplo de um outro compositor (primeiro o de Volkmann, depois o de Dvorák) lhe havia mostrado como podia ser feito. O andante do op. 83 começa com um solo de violoncelo confortador e cantante que mostra como ele não precisava de instruções e nos faz lamentar que de fato não tenha efetuado a experiência. (…) O piano nunca toma esta melodia. Em vez disso, ele a rodeia e medita sobre seu fundo de cena harmônico, em figuração filigranada e de máxima plasticidade, cuidadosamente planejada para dar a impressão de improviso improspectivo, enquanto leva de fato o desenvolvimento dos motivos até o ponto de dissolução. Piano e orquestra se empenham num diálogo mais agitado, mostrando que as tensões do scherzo não se dissiparam completamente. Então o piano apresenta num episódio de extraordinária ternura em fá sustenido maior e o solo de violoncelo volta com seu tema naquela tonalidade, antes de descer delicadamente para o si bemol tônico, a fim de anunciar a repetição da forma ternária, rematando o movimento na mesma atmosfera de calma analéptica com que o começou.

O finale em allegretto grazioso é uma mistura complexa de rondó e sonata que usa sua complexidade com jocosa despreocupação. Brahms jamais compôs um movimento que fosse de recreação mais genuína, nem mais felino no estado de espírito. As proporções permanecem régias, mas o leão agora se move com uma leveza de gatinho e uma graça precisa, inconsciente, de gato. O piano espalha temas cadenciados e instantaneamente memorizáveis, com uma profusão que parece inocente diante dos nossos ouvidos: mas a grande arte se acha em toda parte, na extraordinária quantidade de sutis contrastes rítmicos, no langor “cigano” da principal melodia do primeiro episódio (ou segundo motivo), que reproduz o registro e a tonalidade da oitava Dança Húngara, no espírito e no objetivo positivamente mozartianos dos epigramas atirados entre o piano e os solistas orquestrais favorecidos, na descansada mestria da orquestra, que permite a Brahms compor tuttis excelentes e audaciosos sem uma vez requerer trompetes ou tambores. A coda em poco piú presto é uma mescla inacreditável e inteiramente convincente de volubilidade e grandeza, apondo o selo final na realização de um concerto incomparável em projeto, inteligência e sensibilidade. “Civilização” pode ser um conceito ambivalente. Em seu melhor sentido ele designa algo como o Concerto para Piano em si bemol de Brahms.”  (MCDONALD, 248-251)

A interpretação é a mesma que procurei incansavelmente nos últimos vinte anos, até o dia em que uma bela alma a postou no avaxhome: Stephen Kovacevich ao piano e Colin Davis regendo a London Symphony. Repito as palavras de pqpbach, tem de se ouvir de joelhos, e agradecer aos céus pela possibilidade de apreciá-la. Trata-se de cd fora de catálogo, nem consta no site da amazon.

Johannes Brahms – Piano Concerto nº 2, in B Flat, op. 83

1 – Allegro non troppo
2 – Allegro apassionato
3 – Andante piú adagio
4 – Allegretto grazioso – un poco piú presto

Stephen Bishop Kovacevich – Piano
London Symphony Orchestra
Colin Davis – Conductor

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FDP Bach

.: interlúdio :. Miles Davis: Someday my Prince will come (1961)

Jazz waltzes were still fairly rare back in 1961, and Paul Chambers’ pedal point intro keeps the meter a mystery during the opening seconds. Cobb is part of the conspiracy, and refuses to signal the downbeat, while Wynton Kelly floats over their throbbing pulse. These opening feints — forty seconds of sweetness and light — are worth the price of admission alone . . . but then Miles enters and shows how he can put his stamp on a song just by playing the melody. His solo is a minimalist canvas, perfectly matched by Kelly’s crisp comping. The swing gets stronger with Mobley’s tenor and during Kelly’s solo, but when Coltrane enters with his “sheets of sound” the temperature in the studio rises at least ten degrees. The handsome prince has arrived on a Harley, ready to burn rubber. But Chambers rushes back like a protective dueña, instilling decorum with his pedal point, and this magical performance makes a complete circle back to its starting point. What a ride! (jazz.com)

Este é um disco que, talvez injustamente, ficou marcado pela faixa-título – onde, como se não bastasse o arranjo brilhante, ainda se ouve dois solos grandiosos de Coltrane. Someday My Prince Will Come é também um período de trasição para Miles: gravado em três sessões, entre 7 e 21 de março de 1961, marcava a saída de Kind of Blue para um período de diversidade de estilos, até fixar-se nas bandas do fusion ao final daquela década. Se, por um lado, foi brilhante revendo uma valsa, as composições de Miles são, na verdade, o melhor neste álbum. Há cool jazz uptempo em “Pfrancing”, há (um adequadíssimo) blues em “Drad Dog”, e outra show de Trane em “Teo”, homenagem ao produtor e amigo. Exige do ouvinte, apenas, paciência com Hank Mobley; essas faixas seriam as últimas que Coltrane gravaria com Davis, e o “peso-médio” Mobley (nas palavras do All About Jazz), se não compromete, é prejudicado pelo desnível imediato que a assinatura sonora de Coltrane traz quando entra em campo.

Não se pode culpar Mobley, claro.

Quanto à moça da capa, uma curiosidade pessoal antiga, não encontrei nenhuma informação – a não ser que Miles condicionou o lançamento do álbum à obrigatoriedade de sua foto na fronte. Fico imaginando Miles atrás do fotógrafo, talvez um meio sorriso, amarrando com um pouco de autobiografia outro de seus grandes trabalhos.

Miles Davis – Someday My Prince Will Come (320)
01 Someday My Prince Will Come (Churchill, Morey) 9’04
02 Old Folks (Robison, Hill) 5’14
03 Pfrancing (Davis) 8’31
04 Drad Dog (Davis) 4’29
05 Teo (Davis) 9’34
06 I Thought About You (Van Heusen, Mercer) 4’53
07 Blues No. 2 (Davis) 7’08
08 Someday My Prince Will Come [alt take] 5’34

Miles Davis: trumpete
Hank Mobley: sax tenor (exceto faixa 5)
John Coltrane: sax tenor (faixas 1 e 5)
Wynton Kelly: piano
Paul Chambers: baixo
Jimmy Cobb: bateria (exceto faixa 7)
Philly Joe Jones: bateria (faixa 7)
Gravado em março de 1961 – New York City, USA
Produzido por Teo Macero para a Columbia

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE (mp3 320 kbps)

Boa audição!
Blue Dog

J.S. Bach (1685-1750): Concertos de Brandenburgo com Pablo Casals

Meu amigo CVL me enviou esta gravação para que eu a postasse e comentasse. Não que eu vá fazer um grande comentário, mas, enfim, ele quis me dar esta honra! São os registros históricos que Pablo Casals (1876-1973) (em catalão Pau Casals) realizou com a Marlboro Festival Orchestra dos Concertos de Brandenburgo no ano de 1964.

Pablo Casals foi uma figura importantíssima do século passado. Violoncelista catalão e republicano, tornou-se o maior adversário de Franco fora da Espanha, recusando-se a voltar ao país antes do fim da ditadura franquista. Faleceu alguns anos antes do ditador. Era tanto uma figura pública — uma espécie de reserva moral viva, ilibada e talentosa da humanidade — quanto grande músico. Foi também o primeiro divulgador das Suítes para Violoncelo de Bach, num tempo em que estas eram consideradas apenas “obras de estudo”. Revelou-as ao mundo em gravações feitas entre os anos de 1936 e 1939. Meu pai as tinha em discos de 78 rotações, mas elas sumiram após sua morte. Lembro de ouvi-las no início dos anos 70, acompanhado de meu pai, que era a única pessoa na casa que conseguia fazer funcionar a geringonça do toca-discos. O som do cello, bastante amplificado, rivalizava com os chiados. Casals errava aqui e ali, o que tornava aquele registro quase ao vivo, interpretado em seu violoncelo veneziano de 1700 (algo fantástico na época), ainda mais emocionante (eu simplesmente amo gravações ao vivo, sem muita edição, sujas, e aquela era obviamente assim). No final de sua longa carreira, Casals passou a reger e é nesta condição que ele aparece aqui.

Apesar da orquestra inchada e do timbre inteiramente fora de moda nos dias de hoje, é um excelente registro. Casals não se dobra ao estilo romantizado de muitos de seus contemporâneos e faz uma abordagem decidida e estimulante. O som é muito bom e esta foi a versão crucial que ouvi lá pelos meus nove anos: estava dormindo em meu quarto quando alguém ligou bem alto a “eletrola” e a orquestra atacou o terceiro concerto. Aquilo me deixou de tal forma arrepiado, a emoção foi tão intensa que, de certa forma, ainda está presente em mim. Com um pouco de vontade de chorar, levantei rapidamente para descobrir que disco era “aquilo”.

Inteiramente sem querer, CVL me causou esta surpresa. Fui conferir no disco pesadão — mas já no formato LP — e era verdade. É a gravação de minha infância.

Bach (1685-1750): Concertos de Brandenburgo

1. Brandenburg Concerto No.1 In F Major,BWV 1046: 1. (Allegro)
2. Brandenburg Concerto No.1 In F Major,BWV 1046: II. Adagio – III. Allegro
3. Brandenburg Concerto No.1 In F Major,BWV 1046: IV. Menutto -Trio I – Polacca – Trio II

4. Brandenburg Concerto No.2 In F Major, BWV 1047: I. (Allegro)
5. Brandenburg Concerto No.2 In F Major, BWV 1047: II. Andante
6. Brandenburg Concerto No.2 In F Major, BWV 1047: III. Allegro assai

7. Brandenburg Concerto No.3 In G Major, BWV 1048: I. (Allegro)
8. Brandenburg Concerto No.3 In G Major, BWV 1048: 1a. Adagio
9. Brandenburg Concerto No.3 In G Major, BWV 1048: II. Allegro

10. Concerto No. 4, BWV 1049/I. Allegro (Instrumental) Alexander Schneider;Marlboro Festival Orchestra;Pablo Casals 6:57
11. Concerto No. 4, BWV 1049/II. Andante (Instrumental) Alexander Schneider;Marlboro Festival Orchestra;Pablo Casals 3:21
12. Concerto No. 4, BWV 1049/III. Presto (Instrumental) Alexander Schneider;Marlboro Festival Orchestra;Pablo Casals 4:33

13. Brandenburg Concerto No. 5 in D Major, BWV 1050/I. Allegro Rudolf Serkin 10:56
14. Brandenburg Concerto No. 5 in D Major, BWV 1050/II. Affettuoso Rudolf Serkin 5:38
15. Brandenburg Concerto No. 5 in D Major, BWV 1050/III. Allegro Rudolf Serkin 5:31

16. Concerto No. 6, BWV 1051/I. Allegro Pablo Casals;Peter Serkin 6:29
17. Concerto No. 6, BWV 1051/II. Adagio ma non tanto Pablo Casals;Peter Serkin 5:03
18. Concerto No. 6, BWV 1051/III. Allegro Pablo Casals;Peter Serkin 3:02

Donald MacCourt ,
Joyce Kelley,
Ornulf Gulbransen,
A. Robert Johnson,
Myron Bloom,
John Mack,
Joseph Turner,
Peter Christ,
Ronald Richards
Robert Nagel
Alexander Schneider [violin]
Barbara Wilson,
Julius Levine,
Joyce Kelley,
Bonnie Hampton
David Soyer
Hermann Busch
Ko Iwasaki
Madeline Foley
Mischa Schneider
Peter Schenkman
Robert Sylvester
Nancy Dalley
Ornulf Gulbransen
Peter Serkin
John Mack
Joseph Turner
Patricia Grignet
Rudolf Serkin

Pablo Casals (Conductor)
Marlboro Festival Orchestra (Orchestra)

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PQP

Johannes Brahms (1833-1896) – 3 Sonaten, Scherzo, 4 Balladen – Krystian Zimerman

Senhores, devido a compromissos profissionais, durante aproximadamente uns três meses minha contribuição para com o blog diminuirá consideravelmente. Alguns projetos terão de ser adiados, algumas idéias malucas serão deixadas de lado, e até mesmo o simples ato de responder a algum comentário será em alguns momentos impossível de realizar. Portanto, deixo avisado antecipadamente, para que não seja interpretado como falta de educação.

Brahms sempre foi um de meus compositores favoritos, e sua obra para piano estava desprezada aqui no blog, com exceção de seus concertos. Resolvi, portanto, trazer sua obra pianística deste gênio com Kristian Zimerman, um dos melhores de sua geração. Trata-se de um cd duplo, infelizmente fora de catálogo, mas que traz um solista no apogeu de sua forma, tratando Brahms como deve ser tratado: respeito e dedicação. Espero que apreciem, trata-se de um de meus cds favoritos.

Johannes Brahms (1833-1896) – 3 Sonaten, Scherzo, 4 Balladen – Krystian Zimerman

CD 1

01 – Sonata No. 1 en do mayor Op. 1 – 1. Allegro
02 – Sonata No. 1 en do mayor Op. 1 – 2. Andante – attacca-
03 – Sonata No. 1 en do mayor Op. 1 – 3. Scherzo. Allegro molto e con fuoco
04 – Sonata No. 1 en do mayor Op. 1 – 4. Finale. Allegro con fuoco
05 – Sonata No. 2 en fa sost. menor Op. 2 – 1. Allegro non troppo, ma energico
06 – Sonata No. 2 en fa sost. menor Op. 2 – 2. Andante con espressione – attacca-
07 – Sonata No. 2 en fa sost. menor Op. 2 – 3. Scherzo. Allegro
08 – Sonata No. 2 en fa sost. menor Op. 2 – 4. Finale. Introduzione. Sostenuto – Allegro non trop
09 – Scherzo para piano en mi bemol menor, Op. 4

CD 2

01 – Sonata No. 3 para piano en fa menor, Op. 5 – 1. Allegro maestoso
02 – Sonata No. 3 para piano en fa menor, Op. 5 – 2. Andante. Andante espressivo – Poco piu lento
03 – Sonata No. 3 para piano en fa menor, Op. 5 – 3. Scherzo. Allegro energico
04 – Sonata No. 3 para piano en fa menor, Op. 5 – 4. Intermezzo. Andante molto
05 – Sonata No. 3 para piano en fa menor, Op. 5 – 5. Finale. Allegro moderato ma rubato – Piu mos
06 – Balladas Op 10 – 1. Andante (sobre la balada escocesa ‘Edward’)
07 – Balladas Op 10 – 2. Andante
08 – Balladas Op 10 – 3. Intermezzo. Allegro
09 – Balladas Op 10 – 4. Andante con moto

Kristian Zimerman – Piano

CD 1 – BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE
CD 2 – BAIXE AQUI ´DOWNLOAD HERE

FDP Bach

Sergei Prokofiev (1891-1953): Ivan, o Terrível & Alexander Nevsky (Rostropovich)

Naturalmente, não tenho só gravações de música clássica brasileira e de compositores das três Américas, mas fora desse domínio tenho pouca coisa digna de me fazer pedir licença aos demais manos do blog para trazer a vocês preciosidades que são da alçada deles. Este álbum é um desses dignos e magnos registros de minha discoteca e me inquietava não tê-lo postado ainda.

Os compositores russos têm uma veia sem igual para compor o que chamo de música bélica. Vide a Marcha Eslava e a Abertura 1812 de Tchaikovsky e as Sinfonias 7, 8, 11 e 13 de Shostakovitch. As duas obras de Prokofiev aqui apresentadas também o fazem habitar o tabernáculo da música coral-sinfônica militaresca russa (por favor, é irrelevante lembrar que Sergei era ucraniano).

As duas obras nasceram de trilhas sonoras de filmes de outro Sergei, o Eisenstein. Alexander Nevsky surgiu primeiro, na segunda metade da década de 30, e virou uma cantata a posteriori. Ivan, o Terrível (o filme) não chegou a ser concluído, mas a música foi preparada antes. Há cerca de 20 anos, o maestro Michael Lankester criou uma parte para locutor, a fim de manter, nessa presente versão para sala de concerto, a coesão que seria oferecida pelas cenas da película.

Longe de essa narração ser superficial como a de Um retrato de Lincoln, de Copland; ela acabou se tornando quase tão essencial quanto a de Pedro e o Lobo, do próprio Prokofiev. No mais, é uma ocasião para vocês ouvirem Mstislav Rostropovitch regendo (primeira vez aqui no blog) – brilhantemente – a Sinfônica de Londres. As faixas que considero as melhores, nas duas obras, vão marcadas abaixo em negrito, para eu não me estender nos comentários.

Há uma outra versão de Alexander Nevsky aqui no blog. Seria uma boa vocês fazerem comentários sobre ambas, mas prefiro mil vezes esta.

***

Ivan, o Terrível

CD1

1. Beginning
2. Overture and Chorus (Moderato – Allegro)
3. March of Young Ivan (Moderato)
4. Ocean – Sea (Andante)
5. I will be Tsar! (Moderato)
6. (Uspenski’s Cathedral) Laud the Lord! (Allegro)
7. Long Life! 1 (Allegro moderato)
8. Long Life! 2
9. The Swan 1 (Allegro fastoso)
10. Celebration Song (Andante)
11. The Swan 2
12. The innocent
13. Ocean – Sea (Andante)
14. On the Bones of the Enemy (Andante mosso)
15. The Tartars (Allegro moderato)
16. The Gunners (Moderato energico)
17. To Kazan! (Moderato pesante – Andante – Allegro)
18. Hymn to the celebration of the icon “Vladimir” of the Saint Virgin
19. Ivan’s Appeal to the Boyars (Adagio – Andante sostenuto)

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CD2

1. Closed mouth choir (murmuring)
2. Song about the Beaver (Andante assai)
3. Yesfrosinia and Anastasia (Moderato)
4. Ivan at Anastasia’s Bier (Andante)Chorus of the Oprichniki (Andante risoluto)
5. Choir of the Oprichniki
6. The Oprichniki Oath of Loyalty (Moderato energico)
7. Feodor Basmanov’s Song and the Oprichniki (Allegro moderato)
8. Dance of the Oprichniki (Allegro ben ritmato)
9. Finale (Moderato – Moderato fastoso)
10. Finale

Alexander Nevsky

11. Russia Under the Mongolian Yoke
12. Song About Alexander Nevsky
13. The Crusaders in Pskov
14. Arise, Ye Russian People
15. The Battle On the Ice
16. The Field of the Dead
17. Alexander’s Entry into Pskov

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Autor da narração: Michael Lankester
Narrador: Christopher Plummer
Orquestra Sinfônica de Londres e coral, regidos por Mstislav Rostropovitch

Em Ivan, o Terrível
– Contralto: Tamara Sinyavskaya
– Barítono: Sergei Leiferkus
– Coral infantil New London

Em Alexander Nevsky
– Meio-soprano: Dolora Zajick

CVL

Del barroco y del romanticismo ao siglo XXI

Faz muito tempo que não é postado um CD com obras para violoncelo e piano aqui no blog. Aí vai um, com o maior violoncelista mexicano da atualidade, Carlos Prieto. Algumas dentre as primeiras peças são transcrições, mas a maioria é original. O cello de Prieto tá meio fraquinho (detesto cello que canta “pra dentro”), porém, assim como no post da semana passada, vale pela peça de Marlos Nobre – e também pela de Ernst Mahle, pela de Mignone, pela do mexicano Eugenio Toussaint e pela do americano Lukas Foss.

***

Del barroco y del romanticismo ao siglo XXI

1. Passacaglia para violín y chelo 7:09
Haendel/Halvorsen

2. Pezzo capriccioso Op.62 6:09
Tchaikovsky

3. Vocalise, op. 34, Nº 14 5:52
Rachmaninoff

4. Introduction et polonaise brillante op. 3 8:40
Chopin/Feuerman

5. Capriccio para violonchelo y piano 6:05
Lukas Foss

6. Modinha 3:38
Francisco Mignone

Ocho dúos Modales
Ernst Mahle

7. (1)Allegro alla marcia 2:29
8. (2) Moderato 2:29
9. (3) Allegro Moderato 1:22
10.(4) Un poco vivo 1:37
11.(5) Allegro 2:07
12.(6) Con moto 2:12
13.(7) Andante 1:59
14.(8) Andantino 2:27

Partita Latina
Marlos Nobre
15. Lento 6:14
16. Appassionato 1:03
17. Scherzando poco vivo 1:56
18. Calmo 2:34
19. Profundo, Molto Lento 2:46
20. Vivo 1:10
21. Grave 2:51

22. Pour les enfants 6:46
Eugenio Toussaint

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CVL

Heinrich Schütz (1585-1672) – Weihnachts-Historie (The Nativity)

Um excelente CD. Não apenas pela grande música de Schütz, mas pelo trabalho de Jacobs. Como estou absolutamente sem tempo hoje, lá vão duas notícias biográficas de Schütz encontradas na rede:

A música de Schütz é uma síntese bem-sucedida da técnica italiana com a devoção luterana que animou tantos músicos alemães. Essa mesma combinação se repetiria mais tarde, em elevado nível polifônico, na obra de Bach, de quem Schütz é o precursor imediato.

Heinrich Schütz, ou Henricus Sagittarius, nasceu em Köstritz, Saxônia, em 8 de outubro de 1585. Estudou leis em Marburgo e, a partir de 1609, radicou-se em Veneza por três anos para estudar música com Giovanni Gabrieli. Nesse período escreveu suas primeiras obras, um conjunto de madrigais italianos para cinco vozes. Retornou à Saxônia em 1613 e permaneceu como músico da corte do príncipe-eleitor até que a peste e os distúrbios causados pela guerra dos trinta anos convenceram-no a partir. Em 1633 instalou-se na corte dinamarquesa e ali permaneceu por dois anos, depois dos quais retornou ao serviço do príncipe-eleitor em Dresden, onde ficou por toda a vida.

A originalidade da obra de Schütz reside na magistral introdução do novo estilo monódico dos italianos, à moda de Monteverdi, na música alemã. Suas obras conhecidas – Dafne, primeira ópera alemã, encenada em 1627, e as músicas que compôs para o casamento do príncipe da Saxônia em 1638 – se perderam. Depois das primeiras sinfonias sacras, de 1629, passou a usar o alemão vernáculo em suas composições. O primeiro réquiem alemão, o Musikalische Exequien (1636), foi também composto por Schütz. Obras importantes da meia-idade são, entre outras, a segunda a terceira partes das sinfonias sacras (1647-1650).

O Weihnachtsoratorium (1664; Oratório de Natal), para solistas, coro e instrumentos, prenuncia a austeridade das últimas obras do compositor. Na velhice, retornou ao canto a capela e se esforçou para interpretar fielmente o texto da Bíblia luterana nas Paixões segundo são Mateus, são Lucas e são João (1665-1666). Heinrich Schütz morreu em Dresden, em 6 de novembro de 1672.

Copiado daqui.

Heinrich Schütz (1585-1672) nasceu em Köstriz (Alemanha) a 8 de outubro. Entre 1609 e 1613, estudou em Veneza com Giovanni Gabrielli e foi, em 1614, nomeado maestro de música do eleitor da Saxônia em Dresden. Em 1628, visitou em Veneza, Monteverdi.

As devastações da Guerra dos Trinta Anos obrigaram-no, em 1633, a fugir para a Dinamarca, mas voltou em 1635, passando em Dresden o resto de sua longa vida. Schütz morreu em Dresden a 6 de novembro.

A música de Schütz é uma síntese feliz de técnica italiana, veneziana e de devoção luterana. Essa mesma síntese se repetirá, mais tarde, em mais elevado nível polifônico, na arte de J. S. Bach, de quem Schütz é precursor imediato. É mesmo o maior compositor alemão antes de J. S. Bach. Mas foi, como este, esquecido, e só em conseqüência dos estudos bachianos da segunda metade do séc. XIX redescoberto.

Os salmos que Schütz escreveu em 1619 são policorais à maneira dos de Giovanni Gabrielli, assim como a História da Ressurreição (1623). Perdeu-se a partitura da ópera Dafne (1627), primeira tentativa de uma ópera alemã nos moldes de Monteverdi.

A personalidade artística do compositor afirma-se na primeira parte das Sinfonias Sacras (1629), sobre textos latinos, dos quais Fili mi, Absalon já é superior à música sacra dos venezianos. Mas As sete palavras na cruz (1645), embora no mesmo estilo, evidenciam a invariável é luterana do mestre.

Obras-primas são a segunda e a terceira parte das Sinfonias sacras (1647, 1650): o Nunc dimittis, o Magnificat e as cantatas de texto alemão, como Saulo, porque me persegues?, têm alto vôo melódico e o acompanhamento é magistralmente instrumentado.

Na velhice mudou Schütz de estilo: voltou ao canto à capela, não acompanhado, e esforçou-se para interpretar fielmente o texto da Bíblia luterana. Essas obras arcaizantes são as Paixões segundo São Mateus, São Lucas e São João (1665-1666).

Copiado daqui.

Schütz – Weihnachts-Historie (The Nativity)

Weihnachts-Historie, SWV 435
1. Sinfonia
2. Es begab sich aber zu derselbigen Zeit
3. Fürchtet euch nicht
4. Und alsbald war da bei dem Engel
5. Ehre sei Gott in der Höhe
6. Und da die Engel von ihnen gen Himmel fuhren
7. Lasset uns nun gehen gen Bethlehem
8. Und sie kamen eilend
9. Wo ist der neugeborne König der Juden?
10. Da das der König Herodes hörete
11. Zu Bethlehem im jüdischen Lande
12. Da berief Herodes die Weisen
13. Ziehet hin
14. Als sie nun den König gehöret hatten
15. Stehe auf, Joseph
16. Und er stund auf
17. Stehe auf, Joseph
18. Und er stund auf
19. Dank sagen wir

Anderer Theil kleiner geistlicher Concerten Op. 9 (1639)
20. Sei gegrüsset, Maria, SWV 333
21. Rorate caeli desuper, SWV 322
22. Joseph, du Sohn David, SWV 323
23. Hodie Christus natus est, SWV 315

24. Heute ist Christus geboren, SWV 439

Concerto Vocale
Ensemble Instrumental
dir. René Jacobs

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PQP

F. Chopin (1810 – 1849) / F. Liszt (1811 – 1886) / R. Schumann (1810 – 1856): Peças para piano com Hélène Grimaud… ahhhhh…

Há uns quatro meses, o Dr. Cravinhos enviou 2 CDs para o P.Q.P. Enviou para mim… mas deveria ter enviado um para mim e outro para FDP. Um considero espetacular, perfeito, maravilhoso — logo será postado — e o outro lastimável. É este que ora vos posto. Desculpe, mas eu odeio severamente a pianística de Chopin (sem exceções) e Liszt (salva-se a Sonata em Si Menor e La lugubre gondola). E suporto com muitas restrições o pianismo cheio de dedos de Bob Schumann. Quando comecei a ouvir este CD, minha mulher e filhos me perguntaram se eu queria expulsá-los de casa. Juro que quase saí junto. Que século estranho o XIX… Como é que o denso e profundo Brahms podia gostar dessas rarefações ornamentais para piano de Schumann? Claro que o negócio dele (de Brahms, bem entendido) era a Clara! E como Schumann conseguiu aquelas obras de câmara, aquele quarteto e quinteto para piano fazendo isso em casa? Ô, Cravinhos, os românticos mais… mais… sei lá, devem ir para outro guichê! Porém, o CD é elogiadíssimo e deve ser bom para quem gosta. E a pianista é muito gostosa.

A Balada No. 1, Op. 23 é a primeira que Chopin escreveu. Imaginem que o polaquinho nos torturou com mais quatro! Foi composta entre os anos de 1835 e 1836 durante sua primeira temporada parisiense e é dedicada a um certo Barão de Stockhausen, que ironia… Chopin cita o poeta Adam Mickiewicz — deixem este poetastro longe de mim! — como uma influência para as baladas, mas a “inspiração exata” não é clara. Sorte das outras influências pois teriam de ser ofendidas junto com o MICKEYwicz.

Après une Lecture de Dante: Fantasia quasi Sonata é uma horrenda sonata em um movimento, escrita em 1849. É quase música. Foi publicada em 1856 como parte dos Anos de Peregrinação. Claro que o sogrão lia A Divina Comédia, certamente o Inferno. Se é este mesmo o caso, a sonata poderá ser reavaliada.

A Sonata para Piano, Op. 11 foi descrita por nossa colega Clara Wieck como “um apelo de meu coração ao seu”. Quer dizer: do coração dela para o de Bob. Foi aqui que minha família me ameaçou de deserção. Dizem que Clara participou da composição, mas não a salvou dos lugares-comuns. É música discursiva e vazia de cabo a rabo.

Agora, essa pianista… Ah, eu comia!

FRÉDÉRIC CHOPIN (1810 – 1849)
1) Ballade No. 1 in G minor, Op. 23 (8:19)

FRANZ LISZT (1811 – 1886)
2) Aprés une lecture de Dante (torturantes 15:13)
Fantasia quasi sonata
-Années de Pélerinage, Deuxiéme Année “Italie” S.161

ROBERT SCHUMANN (1810 – 1856)
Sonata for Piano in F-sharp minor, Op. 11
3) I- Introduzione: Un Poco Adagio-Allegro vivace (11:24)
4) II- Aria (2:53)
5) III- Scherzo e Intermezzo: Allegrissimo (4:51)
6) IV- Finale: Allegro un poco maestoso (11:13)

HÉLÈNE GRIMAUD, piano

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PQP

Datas

Todo o início de ano há rituais a cumprir. Um deles: percorrer cronologias e biografias à procura de compositores com datas redondas que permitam homenageá-los. Celebram-se nascimentos. Relembram-se mortes. Uma breve pesquisa e logo se vai preenchendo uma relação, às vezes mínima, às vezes exagerada, de possíveis homenageáveis num ano que começa. Com eles se recheia o programa de concertos como se se recheasse empadas ou pastéis – alguns compositores serão o recheio principal, outros haverão de cumprir o papel da proverbial azeitona. Uns serão o gosto permanente da empada musical. Outros serão o sabor delicioso que logo se vai. Essa é a hora, então, de colocar em marcha o ritual. Sem muita procura, a música europeia logo nos entrega quatro candidatos: Henry Purcell e os seus 350 anos de nascimento, os 250 anos da morte de Händel, os 200 da morte de Haydn, os dois séculos que nos separam do nascimento de Mendelssohn.

Quarteto fantástico, esse! Seus integrantes estão prontos a atender as demandas dos programas das orquestras que hoje, à custa de repertórios cada vez mais petrificados na tradição, caminham na direção firme da obsolescência. Purcell, diz a BBC, marca o nascimento da música britânica – embora uns 300 anos antes tenha existido John Dunstaple e um pouco depois Thomas Tallis tenha feito a glória musical dos Tudors. A música de Händel recém foi ouvida, pois é ele o compositor do coro de aleluia que encerra a parte relativa ao nascimento de Cristo no seu oratório Messias e que por isso é cantado a plenos pulmões em dezembro por coros e comerciais de TV. Mendelssohn, já em pleno romantismo da primeira metade do século 19, foi compositor mediano mas com ocasionais lampejos de genialidade que o tornam bastante agradável, para ouvir sem esforço. Quanto a Haydn – bem, este é o caso clássico de compositor que possibilitou a existência musical de outros dois, neste caso Mozart e Beethoven, que a ele renderam homenagens mas que, ultrapassando-o, o jogaram num esquecimento que nem efemérides evitam.

Que importância têm esses compositores para nós, ao sul do Equador? Provavelmente nenhuma, embora vamos encontrá-los durante o ano todo num e noutro concerto ou recital. Talvez seja o caso de não procurar longe o que está perto: a nossa música brasileira, o que apresenta de compositores e suas datas redondas? Há, sim, o que assinalar. Há os 80 anos de Ernest Mahle, o compositor de Piracicaba que é uma espécie de Hindemith brasileiro, no seu neoclassicismo funcional e na sua música espraiada pelos mais diversos instrumentos. Há os 70 anos de Lindembergue Cardoso que, falecido em 1989, foi um dos fundadores do Grupo de Compositores da Bahia, essencial para a renovação da música brasileira de concerto dos anos 1960 e 1970. Há também os 70 anos de Ricardo Tacuchian, músico carioca que revitalizou a Academia Brasileira de Música e que compõe com mão segura. Deve haver ainda outros, mas esses a memória ainda não alcança.

Para lembrar há, antes de mais nada, os 50 anos da morte de Heitor Villa-Lobos. Lembro do dia em que morreu, embora àquela altura ainda não tivesse ouvido uma nota sequer da sua música. A trajetória de Villa-Lobos nestes 50 anos tem sido acidentada pois só os que têm muita coragem ainda desbravam a sua música, aqui e lá fora. Orquestras, então, nem se fala! Publicadas por editora francesa, as suas partituras ainda tem direitos autorais de preços elevados e nem sempre os orçamentos permitem aventuras fora do repertório de domínio público. Mais: como me dizia certa vez o musicólogo Régis Duprat, na música de Villa-Lobos todos tocam tudo ao mesmo tempo, o que requer paciência e competência, coisas que às vezes rareiam. Assim, Villa-Lobos tem sido menos ouvidos do que deveria e ainda é incerto o destino das suas Bachianas Brasileiras, dos seus Choros.

Se há um aniversário, no entanto, que a música brasileira deve comemorar sem ressalvas é o do amazonense Cláudio Santoro, que estaria comemorando os seus 90 anos, não tivesse falecido em 1989 em meio a crises musicais e institucionais. São duas datas redondas e aí está: Santoro é o compositor do ano. A sua trajetória ideológica é interessantíssima, foi central a sua posição na música em Brasília que viu o seu expurgo e acolheu o seu retorno. A música segue os mesmos caminhos do compositor. Iniciando como integrante ativo do Grupo Música Viva que nos anos 1930 trouxe o modernismo para a música brasileira, Santoro construiu uma obra que vai da miniatura à sinfonia, da música de câmara ao pioneirismo da música eletroacústica, do abstrato ao engajamento explícito. Tivesse a música de concerto uma posição menos periférica na cultura brasileira, este seria o momento de celebrar Santoro. Pois não há dúvida que o Brasil deve mais a ele do que a Purcell, Mendelssohn, Haydn ou Händel.

CELSO LOUREIRO CHAVES, músico.
Publicado em Zero Hora no dia de ontem.

PQP

Two days and two nights of new music 2001

Só estou postando este CD – da edição de 2001 do maior festival anual de música contemporânea da Ucrânia (abreviado 2D2N) – por causa das Sonâncias III de Marlos Nobre. Vocês podem até chegar a gostar de outras peças do álbum, principalmente as últimas, mas considerem-se então no lucro.

***

Two days and two nights of new music 2001

1. Marlos Nobre Sonancias III for percussion and 2 pianos 9:51
Performed by: FREIBURG PERCUSSION ENSEMBLE :
Ricardo Marini percussion | Guillaume Chastel percussion | Tetyana Kravchenko piano | Oleksandr Perepelytsya-junior piano | Conductor: Bernhard Wulff

2. Rashid Kalimullin Music for clarinet and violin (world premiere) 9:48
Performed by: Natalia Lytvynova violin | Volodymyr Tomashchuk clarinet

3.Sergiy Pilyutykov Sonata for cello and piano 11:33
Performed by: Hans Jörg Fink piano | Luzius Gartmann cello

4. Karmella Tsepkolenko Wenn die Kette zerrisse, fände sie bestimmt nicht alle Perlen wieder for tenor saxophone, accordion, double bass and percussion 9:12
Performed by: ENSEMBLE WIENER COLLAGE:
Peter Rohrsdorfer saxophone, tenor saxophone | Alfred Melichar accordion | Peter Vasicek percussion | Michael Seifried double bass

5. Hanna Havrylets In B for clarinet solo 4:36
Performed by: Rok-Hyun Kwon clarinet (TRIO HAAN)

6. Julia Gomelskaya Behind the Shadow of Sound for accordion and violin 10:55
Performed by: Duo CADENCE: IVAN YERGIYEV accordion | OLENA YERGIYEVA violin

7. Iryna Kyrylina Chamber cantata for soprano, clarinet, violin and piano 8:32
Performed by: ENSEMBLE CONTINUUM NEW YORK :
Wonjung Kim soprano | Benjamin Fingland clarinet | Renй Jolles violin | Cheryl Seltzer piano, co-director | Joel Sachs conductor, co-director

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CVL

.: interlúdio :.

Confesso que sei muito pouco sobre Wayne Shorter. Sei que nasceu nos anos 30 e ainda está vivo, o que é sempre bom; que tocou naquele quinteto mágico de Miles Davis, no final da década de 50; que é um excelente compositor, além de um grande saxofonista. Este “Night Dreamer”, de 1964, é apontado pelos críticos como um momento de transição entre o bop direto que fazia e sua ascensão como compositor. Descobri o disco recentemente e compartilho-o ainda fresco nos ouvidos. É grandioso e relaxante. Aproveitem.

Wayne Shorter – Night Dreamer (256)
Wayne Shorter: tenor saxophone, compositions
Lee Morgan: trumpet
McCoy Tyner, piano
Reggie Workman: bass
Elvin Jones: drums
Produzido por Alfred Lion para a Blue Note

download – 88MB
01 Night Dreamer 7’15
02 Oriental Folk Song 6’51
03 Virgo 7’07
04 Black Nile 6’28
05 Charcoal Blues 6’54
06 Armageddon 6’23
07 Virgo [alt. take] 7’03

Boa audição!
Blue Dog

.: interlúdio :. The Dowland Project: Romaria

Não é um CD de música erudita. Ou é. É música antiga, mas não há Dowland aqui, apesar de que nos dois CDs anteriores do The Dowland Project havia. Vou tentar explicar: são arranjos para tenor, saxes (muitos), violino e algo como o alaúde. Trata-se de uma coleção de canções muito bonitas, interpretadas com extrema sensibilidade, delicadeza e respeito. Não são arranjos comuns, daqueles que trazem um compositor antigo para uma linguagem atual ou para a linguagem dos músicos, até porque aqui não há de modo algum uma linguagem comum — ou seja, não é aquele horror habilidosinho francês ao estilo de Jacques Loussier –, são antes recriações de músicos muito diferentes entre si sobre compositoções antigas, buscando uma terceira expressão, através de um outro grupo de instrumentos e culturas. Talvez o The Dowland Project faça alguns puristas mais xiítas se morderem de ódio. Porém, ficarei autenticamente desconfiado de sua qualificação como ouvintes… Sério.

Este é mais um grupo que tem como participante o genial saxofonista e claronista inglês John Surman.

Encontrei um texto anônimo circulando na rede. Muito bom.

This is a disc of whispered conversations: among musicians, cultures and periods – past, present and future. Anonymous composers from the Franus Codex and the Carmina Burana manuscript break bread with Josquin and Lassus, while ancient instruments freely consort with modern.

With a revised line-up, John Potter’s Dowland Project expands its repertoire on its third album, freely exploring love songs, chants and motets from the 12th century to the present by Oswald von Wolkenstein, Orlando di Lasso, Josquin Desprez and others including the anonymous composers of the Carmina Burana manuscript. New to the Project is Miloš Valent, the vibrant violinist and violist from Slovakia who is equally at home in early music and in the gypsy and folk musics of eastern Europe. Like English reedman John Surman and American lutenist Stephen Stubbs he is also able to improvise beyond the traditions: these richly atmospheric pieces are reborn in the interaction of the players.

Imperdível!

The Dowland Project: Romaria ECM 1970 [CD]

1. Got schepfer aller dingen (‘Der Kanzler’) 4:34
2. Veris dulcis (Carmina Burana manuscript) 5:14
3. Pulcherrima rosa (Franus Codex) 5:31
4. Ora pro nobis (anonymous) 4:13
5. La lume (traditional Iberian) 4:22
6. Dulce solum (Carmina Burana manuscript) 6:53
7. Der oben swebt (Oswald von Wolkenstein) 4:59
8. O beata infantia (Gregorian) 3:35
9. O Rosa (traditional Iberian) 4:48
10. Saudade (Valent/Surman/Stubbs) 6:18
11. In flagellis (Josquin Desprez) 3:52
12. Kyrie Jesus autem transiens (Firminus Caron) 3:30
13. O beata infantia (Gregorian) 3:53
14. Credo Laudate dominum (Orlando di Lasso) 3:57
15. Ein gut Preambel (Hans Neusidler) 0:57
16. Sanctus Tu solus qui facis (Josquin Desprez) 4:30
17. Ein iberisch Postambel (Valent/Surman/Stubbs) 5:48

recorded January 2006, Propstei St. Gerold

John Potter, tenor voice;
John Surman, soprano saxophone, bass clarinet, tenor and bass recorders;
Milos Valent, violin, viola;
Stephen Stubbs, baroque guitar, vihuela

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PQP

Kaija Saariaho (1952 – ): Notes on Light, Orion, Mirage

“Finalmente”, alguém dirá, “algo novo nessas plagas”. É verdade, as composições são bem recentes e escritas pela compositora finlandesa Kaija Saariaho, considerada uma das mais importantes compositoras do momento. Nascida em Helsink em 1952 e graduada em composição em 1980. Escreveu música eletrônica nos anos 1980 como ninguém, fazendo também uma mistura com instrumentos clássicos. Ela tem sido muito bem recebida pelo público, apesar dela não fazer concessões. Sua música lembra muito o som “New Age”, mas claro, muito superior.

A primeira obra do disco é um concerto para violoncelo chamado Notes on Light (2006). O concerto tem 5 movimentos, cada um com um título inusitado: “ secret translucent”, “on fire”, “awakening”, “eclipse” e “heart of light”. Apesar de não conter nada realmente surpreendente em sua linguagem, essa peça é muito bem escrita, transportando-nos para um outro mundo. Orion é uma obra orquestral escrita por alguém com grande domínio e talento.

Mas a melhor peça do disco é Mirage (2008) para soprano, violoncelo e orquestra. Karita Mattila é realmente uma das mais importantes sopranos de todos os tempos, e aqui ela simplesmente brilha. Só esta peça já vale a compra deste disco.

Enfim, não podemos ficar tão pessimistas assim com relação à música da nossa época.

CDF

Disco:

1. Notes On Light – Translucent, Secret
2. Notes On Light – On Fire
3. Notes On Light – Awakening
4. Notes On Light – Eclipse
5. Notes On Light – Heart Of Light
6. Orion – Memento Mori
7. Orion – Winter Sky
8. Orion – Hunter
9. Mirage

Anssi Kartunnen (cello),
Karita Mattila (soprano)
Christoph Eschenbach (Conductor), Orchestre de l’Opéra de Paris

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Um dia, eu ou FDP mataremos alguém por pura inveja

A revista Pequena Morte — cujo editor é nosso frequente comentador Hugo Langone, que até já nos enviou arquivos para serem postados — e o “amigo” deste blog Milton Ribeiro realizaram uma entrevista com a divina Emma Kirkby. Fizeram-na (a entrevista, bem entendido) pelas costas, sem nos dar a oportunidade de participar deste FESTIM DIABÓLICO. Porém, como temos um enorme coração, um coração autenticamente bachiano, CONCEDEREMOS em divulgar a entrevista. Temos certeza de que as perguntas desses dois foram ABSOLUTAMENTE OBTUSAS E OCIOSAS, mas que não EMPANARAM o brilho da maravilhosa cantora. FDP Bach deve estar subindo pelas paredes, pois em certa oportunidade chegou a confessar em nosso blog que seus MAIS ALTOS e MAIS BAIXOS instintos manifestavam-se por Emma. A entrevista dos putos está BEM AQUI, Ó.

Uma grande morte para a dupla.

PQP

The Dmitri Shostakovich Edition (CDs 13, 14 e 15 de 27)

SÉRIE IM-PER-DÍ-VEL!!!

CD 13

Aqui, temos a continuidade dos quartetos de cordas em arranjo para orquestra. O primeiro quarteto pode ser desprezado, o segundo absolutamente NÃO e o terceiro idem, mas com menos veemência.

Chamber symphony Op. 49a “Eine kleine Symphonie” (Arrangement of String Quartet No. 1)
1. Moderato 4:22
2. Moderato 4:53
3. Allegro Molto 2:44
4. Allegro 3:31

Chamber symphony Op. 110a (Arrangement of String Quartet No. 8 )
5. Largo 4:45
6. Allegro molto 3:40
7. Allegretto 4:29
8. Largo 4:29
9. Largo 3:41

Chamber symphony Op. 118a (Arrangement of String Quartet No. 10)
10. Andante 5:16
11. Allegretto furioso 4:14
12. Adagio 7:01
13. Allegretto 10:00

Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi
Rudolf Barshai, conductor

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CD 14

Em um famoso conto de Machado de Assis, Um Homem Célebre, havia um grande compositor de polcas, o Pestana, que queria fazer algo maior, grandioso, mas – que diabo! – só lhe saíam mais polcas. O que fazer? O personagem fazia o maior esforço, passava meses trancado em casa a fim de parir a grande obra, porém não produzia nada além de belas polcas, que logo se tornavam popularíssimas e eram assobiadas pelo povo nas ruas, para desespero do Pestana. Estas eram compostas copiosa e rapidamente. Acabou rico, infeliz e doente. Coitado.

Com Shostakovitch o caso é diferente. Compôs copiosamente obras-primas, tem obra profunda e numerosa, mas, um belo dia, resolveu escrever suítes para grupos de jazz. Vocês podem adivinhar o que aconteceu? Saíram apenas… polcas. Polcas e valsas. O timbre é o do jazz – não poderia ser diferente com aquela formação orquestral -, já a música são as polcas do personagem machadiano. Ah, vocês não acreditam? Então ouçam o CD abaixo. É um bom disco, há a espetacular Valsa 2 da Suíte Nro. 2, que foi utilizada por Stanley Kubrick na abertura de De Olhos bem Fechados, com um ritmo e um solo de sax que nos obriga a levantar e ensaiar uns passinhos pela sala, há várias polquinhas bem legais e há uma imitação marcial de Duke Ellington que dá para rolar de rir. É o “Grande Projeto Falhado” do imortal Shosta e, mesmo assim, é muito bom e divertido.

Suite For Variety Orchestra No.1 (Jazz Suite No.2)
1. March 3:04
2. Dance No.1 2:56
3. Dance No.2 3:39
4. Little Polka 2:33
5. Lyric Waltz 2:38
6. Waltz no.1 3:21
7. Waltz no.2 3:34
8. Finale 2:13

9. Overture On Rusian And Kirghiz Themes Op.115 9:19

Jazz suite No.1
10. Waltz 2:19
11. Polka 1:38
12. Foxtrot 3:47

13. Novorossijsk Chimes 2:32

14. Festive Overture Op.96 5:46

National Symphony Orchestra Of Ukraine,
Theodore Kuchar

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CD 15

Para o meu gosto, o CD mais fraco de toda a coleção. O Límpido Regato tem momentos… engraçadinhos.

The Bolt, Ballet Suite Op. 27a
1. Overture 6:34
2. Polka 2:36
3. Variation 1:49
4. Tango 5:07
5. Intermezzo 3:50
6. Finale 3:23

The Limpid Stream, Ballet Suite Op. 39a
7. Waltz 2:23
8. Russian Lubok 2:30
9. Galop 1:57
10. Adagio 7:19
11. Pizzicato 1:12

The Golden Age, Ballet Suite Op. 22a
12. Overture 3:54
13. Adagio 8:40
14. Polka 2:08
15. Dance 2:10

National Symphony Orchestra of Ukraine,
Theodore Kuchar

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PQP

Antonio Vivaldi (1678-1741) – Le Quattro Stagioni, 3 Violin Concertos

Como havia prometido há algumas semanas atrás, eis as 4 Estações de Vivaldi com o Giuliano Carmignola. Excelente gravação realizada por este grande intérprete do barroco italiano, sempre acompanhado pela Venice Baroque Orchestra, sob direção de Andrea Marcon.

Eis o comentário do editorialista da amazon:

You’re moaning to yourself, “Yet another Four Seasons?” But this disc, believe it or not, is actually worth hearing. Violinist Giuliano Carmignola and the Venice Baroque Orchestra use a slightly different scoring of Vivaldi’s masterpiece, the 1996 Ricordi critical edition, and somehow unveil world premieres of three Vivaldi concertos. Their period-instrument performance of The Four Seasons is beautifully played and recorded. Andrea Marcon’s conducting stretches the Adagio movements out, but the group makes up for lost time in some feverish Allegro sections. Carmignola’s tone is impeccable and his playing sounds incredibly fresh throughout, even on this tried-and-true work. Does the ensemble’s Italian background help their understanding of Vivaldi’s music (as the liner notes surmise)? Probably not, but they’ve done their homework on these pieces, and they put plenty of drama into their performances. The violin concertos they dust off are impressive as well, especially for the deft fiddling required in RV 376 (Concerto in B-flat Major) and the pretty organ playing by Marcon. This is a great disc–no fancy gimmick, no scantily clad superstar on the cover; just spirited interpretations and wonderful music. –Jason Verlinde

Um belo cd, sem dúvida. Espero que apreciem.

Estarei viajando nos próximos dias, e não devo aparecer por aqui com muita frequência, talvez para responder a um ou outro comentário. Quando voltar, pretendo trazer alguns compositores do século XX, como Samuel Barber (uma grata surpresa, que tenho apreciado muito ultimamente) e Alban Berg. Claro que sempre pedindo a autorização do mano CDF, mais especializado neste repertório.

Antonio Vivaldi (1678-1741) – Le Quattro Stagioni, 3 Violin Concertos

1-12 –  Le Quattro Stagioni – Concertos for Violin, Strings & Bass Continuo, op. 8, nºs 1-4

13-15 – Violin Concerto, for violin, strings & continuo in E flat major, RV 257

16-18 – Violin Concerto, for violin, strings & continuo in B flat major, RV 376

19-21 -Violin Concerto, for violin, strings & continuo in D major, RV 211

Giuliano Carmignola – Violin

Venice Baroque Orchestra

Andrea Marcon – Conductor

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FDP Bach

.:Interlúdio:. Led Zeppelin – Led Zeppelin I

O que diabos Led Zeppelin tem a ver com o pqpbach? Esse foi o desafio que o mano pqp lançou quando conversamos por telefone semana passada. Até onde se sabe, a principal influência de Jimmy Page e cia foi o blues… ou seja, não teria nada a ver… lembro-me que uma das primeiras contribuições de bluedog foi um belíssimo cd do Pat Metheny tocando com o John Scofield, e um dos comentários considerava o cd por demais rock´n´roll. Como falamos de dois músicos que se movem facilmente entre o jazz clássico e o fusion, até podemos considerar que em alguns momentos ela possa ser “rock´n´roll”.  Mas para esta postagem, estou me preparando para ser mais bombardeado que o território de Gaza.  Mas vamos aos fatos.

Há exatos 40 anos, no dia 12 de janeiro de 1969, a gravadora ATLANTIC lançou um dos melhores discos de rock de todos os tempos, chamado simplesmente “Led Zeppelin”, e também lançava a banda, que viria a se tornar uma das melhores bandas de rock de todos os tempos. Led Zeppelin. Os quatro rapazes ofereciam uma linguagem nova, fortemente influenciados pelo blues. Entre seus membros se destacava o guitarrista Jimmy Page, que já havia tocado no Yardbirds, celeiro de grandes guitarristas, como Eric Clapton e Jeff Beck.

O disco trazia canções próprias, como a supreendente “Babe I´m gonna leave you”, que começava com um delicado violão dedilhado, com elementos da folk music inglesa e a impressionante “Dazed and Confused”, que assustava pela introdução do baixo, e que se tornaria o carro chefe para Page mostrar suas infinitas e criativas possibilidades,  tocando a guitarra com um arco de violino em seus longos solos ao vivo. Clássicos do blues, como “You Shook Me” e “I Can´t Quit You Babe” mostravam toda a versatilidade do jovem vocalista, Robert Plant, e um baterista enfurecido que se tornou uma lenda, John Bonham, morto precocemente.

Led Zeppelin foi a banda de rock que mais me influenciou, e este disco foi um divisor de águas em minha vida discográfica, se pudermos usar este termo, desde o primeiro momento em que ouvi o riff inicial de “Good Times, Bad Times”. Bem, até hoje este clássico álbum é considerado o melhor primeiro álbum de uma banda em todos os tempos.

Aos comentaristas enfurecidos que pretendem jogar pedras, sugiro simplesmente ignorar a postagem, e procurarem outros blogs. Não digo que será a última vez em que fugirei totalmente dos objetivos do blog, postar apenas música “clássica” e jazz. Como eu e o mano pqp tantas vezes já salientamos, o blog é nosso e fazemos que quisermos com ele.

Led Zeppelin – Led Zeppelin I

1. Good Times Bad Times
2. Babe I’m Gonna Leave You
3. You Shook Me
4. Dazed And Confused
5. Your Time Is Gonna Come
6. Black Mountain Side
7. Communication Breakdown
8. I Can’t Quit You Baby
9. How Many More Times

Robert Plant – Vocals

Jimmy Page – Guitars

John Paul Jones – Bass

John Bonham – Drums

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FDP Bach

.: interlúdio :. A baronesa que amou Thelonious Monk

Pelo grande pianista – e por amor ao jazz – a herdeira de uma nobre família britânica largou tudo. A história de Kathleen Annie Pannonica Rotschild, ou simplesmente Nica, está contada em um novo documentário dirigido por sua sobrinha-neta.

Ao descobrir que amava os músicos de jazz, Kathleen Annie Pannonica Rothschild, esposa do barão Jules de Koenigswarter, mudou sua vida – a sua e a deles também. A baro­nesa pagou seus aluguéis, resgatou seus instrumentos hipotecados em lojas, levou-os a shows em seu Bentley prata e convidou-os a morar em sua própria casa nos tempos mais difíceis.

Diante da desaprovação da sua família, ela apoiou de músicos proeminentes, como Sonny Rollins, Charles Mingus e Art Blakey, aos obscuros. Um deles, do qual ficou indissocia­vel­mente ligada, foi Thelonious Monk. Pannonica, ou Nica, se apaixonou pela música do sumo sacerdote do bebop em 1952, ao ouvir Round Midnight. Em 1954, quando ele tinha 34 anos, e ela, 40, iniciaram uma relação cuja essência desafia analistas – e que só terminou com a morte dele.

Pannonica, assim chamada em homenagem a uma borboleta rara, era a caçula do banquei­ro e entomologista Charles Roths­child. O homem, que sofria de depres­são, cometeu suicídio quando ela tinha 12 anos e estava prestes a embarcar numa adolescência que para uma Rothschild só poderia representar, como ela diz em The Jazz Baroness, documentário recém-lançado por sua sobrinha-neta, Hannah, “uma sala de espera para o casamento e a maternidade”.

Tudo, então, mudou: artista talentosa, aos 18 anos ela estudava arte em Munique. Aprendeu a voar e, aos 22, casou-se com Jules, um colega aviador. Eles moraram em um castelo no noroeste da França, onde tiveram os filhos Patrick e Janka. A II Guerra levou o barão para a África, depois de ele aderir ao exército de De Gaulle.

Nica foi com o marido. Depois da guerra, o barão virou diplomata, primeiro na Noruega, a seguir no México. Eles tiveram outros três filhos – Berit, Shaun e Kari – mas, relata Hannah Rothschild, “Nica não se adaptou à vida de mulher de embaixador”. Em 1952, o casal se separou. E a baronesa foi para Nova York.

Três anos mais tarde, o divórcio foi incitado depois que Charlie Par­ker morreu no seu apartamento, no Hotel Stanhope, na 5th Avenue. O grande trompetista estava em turnê quando começou a tossir sangue. Um médico sugeriu repouso – é quando a casa de Nica entra na história. Três dias depois, enquanto viam TV, Parker caiu de súbito e morreu. Os Rothschild não gostaram da repercussão do caso.

Jules ganhou a guarda dos três filhos mais novos. Nica não foi uma mãe negligente, mas suas prioridades estavam noutro lugar, geralmente com Monk. O genial compositor e pianista tinha uma esposa, a quem dedicou Crepuscule with Nellie. Com a baronesa, o casal formou uma espécie de ménage – cujo principal objetivo era o de sustentá-lo e transpor o que provavelmente hoje seria diagnosticado como transtorno bipolar. “Nellie precisava de Nica para ajudá-la a lidar com a instabilidade de Monk”, diz um entrevistado do filme.

O par se tornou conhecido em clubes de Nova York, mas o espetáculo de uma mulher branca com um homem negro na década de 1950 acabou por provocar incidentes. Um deles: Nica levava Monk e seu saxofonista, Charlie Rouse, a um show em Wilmington, Delaware, quando, durante uma breve parada, um policial vasculhou o carro e encontrou uma pequena quantidade de maconha. Sabendo que uma condenação para os músicos significaria a proibição de se apresentar em casas noturnas, Nica assumiu a culpa, passou a noite na cela e foi condenada a três anos de prisão – o que seria anulado posteriormente.

Cansada de ser convidada a se reti­rar de hotéis por gerentes que não gostavam do entra-e-sai de músicos, a baronesa comprou uma mansão em New Jersey. Lá, instalou o piano Steinway que comprara para Monk, junto com seus – mais de 300 – gatos. Ele e Nellie se mudaram para lá.

De saúde instável, o jazzista morreu em 1982, aos 64 anos. Seis anos mais tarde, Nica, então com 75, não sobreviveu a uma cirurgia. Sua generosidade, contudo, não morreu com ela. A casa, pertencente a seus herdeiros, tem sido ocupada por Barry Harris, outro pianista. Tempos depois, as cartas de Nica foram descobertas entre os papéis do pianista Mary Lou William, outro amigo próximo, junto com várias de suas requintadas pinturas abstratas. Fragmentos das cartas, lidos pela atriz Helen Mirren, são ouvidos no filme, incluindo o veredito sobre seu casamento: “Jules odiava jazz. Ele se acostumou a quebrar meus discos quando eu me atrasava para jantar. Eu geralmente estava atrasada para jantar.”

Quanto aos seus amigos músicos, Hannah os descreveu, no lançamento do longa, como “as mais dignas, humanas e articuladas pessoas que conheci em 20 anos fazendo documentários.” Não deixa de ser uma resposta para quem se pergunta por que razão a discografia do jazz pós-guerra é estudada com um nome exótico, em um catálogo de composições que inclui não apenas a Pannonica de Monk, mas Nica’s Dream, Nica Steps Out, Blues for Nica e uma dúzia de outras.

O documentário não tem previsão de lançamento no Brasil.

The Guardian – Publicado hoje em Zero Hora

C. P. E. Bach (1714-1788) – Sonatas para pianoforte com acompanhamento de violino e violoncelo (Five Piano Trios)

Adoro este CD do Trio 1790. Adotei a longa caracterização original de C.P.E., mas trata-se apenas daquilo que chamaríamos simplesmente de “Trios para piano”. E por que gosto tanto dele? Ora, A MÚSICA DE MEU IRMÃO É MUITO BOA e a SONORIDADE do Trio 1790 me é absolutamente SEDUTORA. Cada vez que coloco este CD da cpo no CD Player, ele fica ali por dias e dias, tantas são as vezes que o ouço. Quando o trio faz um tutti tenho vontade de voltar um pouquinho para reouvi-lo. Talvez um dia ME DÊ O DESEJO DE LAMBER O CD, mas ainda não foi necessário, principalmente porque há COISAS MAIS LAMBÍVEIS aqui em casa. Sou ESPECIALMENTE ADITO do pernicioso, estranho e viciante Arioso com nove variações, mas o restante também é bom e não causa dependência química, apenas timbrística.

Excelente CD.

C. P. E. Bach – Sonatas para pianoforte com acompanhamento de violino e violoncelo

1. Son Wq 90 No.3 in C: Allegro Di Molto
2. Son Wq 90 No.3 in C: Larghetto
3. Son Wq 90 No.3 in C: Allegretto

4. Son Wq 89 No.1 in B flat: Allegretto
5. Son Wq 89 No.1 in B flat: Larghetto
6. Son Wq 89 No.1 in B flat: Allegro

7. Son Wq 91 No.3 in F: Andante – Allegro Assai
8. Son Wq 91 No.3 in F: Adagio
9. Son Wq 91 No.3 in F: Allegretto

10. Son Wq 89 No.5 in e: Allegretto
11. Son Wq 89 No.5 in e: Larghetto
12. Son Wq 89 No.5 in e: Allegro

13. Son Wq 89 No.6 in D: Allegro
14. Son Wq 89 No.6 in D: Andantino
15. Son Wq 89 No.6 in D: Allegro

16. Son Wq 91 No.4 in C: Arioso With Nine Vars

Trio 1790
Harald Hoeren, pianoforte
Matthias Fischer, violino
Philipp Bosbach, violoncelo

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PQP

Dica do Gustavo

Prezados,
Uma dica: uma rádio que toca somente músicas de Beethoven durante as 24 horas do dia. Creio que deve ser mantida pela American Beethoven Society, pois o locutor está sempre convidando os ouvintes a se tornarem sócios desta sociedade. O nome da rádio é All Beethoven Web Radio (da San Jose State University), neste link. Quando a página abrir procure em All-Beethoven web radio.

Ou então, usem o link direto:

24 horas do Mestre dos Mestres !
Abraço,
Gustavo

Nota de PQP: Mestre dos Mestres? Para lá! O número 2 dos Mestres, né, meu?

PQP