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O Quarteto Op. 74, conhecido como “das Harpas”, foi composto em 1809, durante os anos em que Napoleão sitiou Viena. A alcunha vem do primeiro movimento: Beethoven cria um efeito de harpa através de pizzicatos que se espalham pelos quatro instrumentos, uma textura leve e mágica que ilumina todo o quarteto. É uma obra de surpreendente serenidade para um período tão conturbado. O movimento lento, um adágio de beleza contida, desenha longas linhas melódicas que parecem flutuar acima da agitação de Donald Trumpo. O Scherzo irrompe com violência rítmica, quase brutal, mas é o finale que impressiona: uma variação com contratempos e síncopes que desafiam o ouvinte a encontrar o tempo, num jogo de desorientação deliciosa. O Op. 74 é Beethoven no meio de sua vida: maduro, contido, mas ainda capaz de explosões de humor e invenção.
Já o Op. 130, composto entre 1825 e 1826, pertence ao território do último Beethoven, onde as regras já foram “flexibilizadas”… A obra tem seis movimentos, uma estrutura inédita, e o primeiro movimento alterna momentos de dança quase ingênua com interjeições violentas. O segundo movimento é um Presto curto e frenético, uma corrida alucinada de dois minutos. O terceiro, um “Andante con moto ma non troppo”, desenha uma melodia simples que vai sendo quebrada e reconstruída a cada repetição. O quarto movimento é uma dança alemã, a Danza tedesca, de uma leveza que parece vir de outro século. Mas é o quinto movimento, a “Cavatina”, que rasga a coração: Beethoven escreveu-a em prantos, segundo testemunhas, e ela é uma página de tal desnudamento emocional que parece parar o tempo. E então vem o finale original, a “Grande Fuga”, um monstro sagrado de contraponto e dissonância que os editores da época pediram que Beethoven deixasse separado. Hoje sabemos que a Fuga é uma das portas para o século XX. Beethoven então escreveu um novo finale, mais leve e dançante, e o Op. 130 ganhou dois finais possíveis – um que encerra em paz, outro que explode o quarteto em mil pedaços. É o próprio Beethoven: a um passo do abismo, dançando sobre o vazio. Aqui, encerramos em paz.
Ludwig van Beethoven (1770-1827): String Quartets, Op. 74 & 130 (Chiaroscuro Quartet)
String Quartet No.10 In E Flat Major, ‘Harp’, Op. 74 (29:29)
1 I. Poco Adagio — Allegro 9:28
2 II. Adagio Ma Non Troppo 8:59
3 III. Presto — Più Presto Quasi Prestissimo — Tempo I 4:56
4 IV. Allegretto Con Variazioni 5:51
String Quartet No.13 In B Flat Major, Op.130 (41:10)
5 I. Adagio Ma Non Troppo — Allegro 13:23
6 II. Presto 2:08
7 III. Andante Con Moto Ma Non Troppo. Poco Scherzoso 6:47
8 IV. Alla Danza Tedesca. Allegro Assai 3:09
9 V. Cavatina. Adagio Molto Espressivo 5:54
10 VI. Finale. Allegro 9:22
Cello [Chiaroscuro Quartet] – Claire Thirion
Viola [Chiaroscuro Quartet] – Emilie Hornlund*
Violin [Chiaroscuro Quartet] – Alina Ibragimova, Pablo Hernán Benedí
PQP
Uma gravação muito, mas muito boa! Os últimos três Quartetos do Op. 18, escritos entre 1798 e 1800, mostram Beethoven se despedindo do classicismo de Haydn e Mozart para ensaiar seus primeiros gestos de, digamos, rebeldia. O Quarteto Nº 4 é o mais tempestuoso do conjunto. Ele pulsa com a urgência dramática e os contrastes bruscos que antecipam o Beethoven maduro. O segundo movimento, um scherzo nervoso e sincopado, parece menos uma dança e mais um tique nervoso… Já o Nº 5 funciona como uma pausa luminosa. Seu primeiro movimento é gracioso e arioso, quase mozartiano — o tema do minueto já carrega um sotaque campestre e a voz tipicamente beethoveniana. O destaque vem do movimento lento, um conjunto de variações sobre uma melodia melancólica que ganha contornos de ária trágica, intercalada por súbitos lampejos de furor. Por fim, o Nº 6 fecha o opus com um enigma. O quarteto é conhecido pelo final, intitulado “La Malinconia” (A Melancolia). Beethoven introduz um adagio lento e arrastado, cheio de pausas e harmonias dissonantes que parecem suspensas no ar, e então, sem aviso, irrompe em uma alegre dança vienense. É como se a melancolia fosse a sombra inevitável da leveza. Com esses quartetos, Beethoven prova que já dominava a forma herdada dos mestres, mas seu temperamento inquieto — e uma certa tristeza — já começava a rachar a moldura clássica por dentro.
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Os seis quartetos de cordas do Op. 18 representam a primeira grande abordagem de Beethoven a uma forma que Haydn e Mozart haviam levado à perfeição. Publicados em 1801 mas compostos ao longo de vários anos, esses quartetos ainda respiram o ar do classicismo vienense, porém com uma tensão muscular e um ímpeto dramático que já anunciam o homem de Bonn. Os três primeiros quartetos, numerados de 1 a 3, são particularmente fascinantes por revelarem um compositor praticando as regras enquanto testa suas fronteiras. O Quarteto número 1, talvez o mais direto do conjunto, abre com uma elegância quase haydniana, mas logo exibe surpresas rítmicas e ousadias harmônicas que nenhum mestre do período teria se permitido. O segundo é um compêndio de contrastes: o primeiro movimento dança com graça, enquanto o Adagio cantabile e sonhador parece antecipar a languidez de Chopin. Já o terceiro quarteto, guarda no seu coração um movimento lento de beleza comovente e sombria, quase operística, como se Beethoven já ensaiasse as lágrimas que mais tarde vertaria nos quartetos finais. O que une os três é a clareza da escrita e o respeito pela conversa entre os quatro instrumentos – vozes que se interrompem, se imitam, se abraçam. Não há ainda o Beethoven fraturado dos quartetos tardios, mas há um jovem mestre que, ao herdar uma forma, já a empurra para o abismo. Essas obras respiram a liberdade recém-conquistada do compositor que se despede do século dezoito. E ao ouvi-las, imaginamos um Beethoven que sorri enquanto dobra a meta.
Excelente CD de Ehnes tocando as Sonatas de Bach para Violino e Cravo. Ehnes é quase sempre brilhante, quando não é, é corretíssimo. Toca demais. As Sonatas para Violino e Cravo de 
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Um bom e curioso CD. Cole Porter, George Gershwin – Canções, Versões é um projeto do letrista Carlos Rennó, reunindo pela primeira vez em disco um conjunto de seus trabalhos como autor de versões. Tudo é muito bom e as soluções encontrdas por Rennó são sempre brilhantes. Ele apresenta uma seleção de catorze canções — soberbamente interpretadas — dos dois grandes compositores da era clássica da canção americana – sete de cada. O repertório reúne canções dos anos 20 aos 40 que Cole Porter (1891 – 1962) e George (1898 – 1937) e Ira Gershwin (1896 – 1983) compuseram para musicais da Broadway ou Hollywood. A lista de cantores ao lado já dá o tom da qualidade dos caras.
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Não sou um apaixonado por Dvořák, mas esta gravação é esplêndida. A parceria entre Yo-Yo Ma e Kurt Masur na Sony Classical, em 1995, é um desses registros que se impõem menos pela pirotecnia e mais pela serena gravidade e categoria. Trata-se de uma leitura do Concerto para Violoncelo, de Antonín Dvořák, que respira naturalidade e onde o violoncelo de Ma nunca se sobrepõe à orquestra, mas antes flutua sobre ela como uma voz lírica e melancólica. Masur, longe de qualquer gesto efusivo, permite que os temas folclóricos do compositor tcheco revelem sua faceta mais sombriaa, sem perder o ímpeto dramático. O que impressiona é a escuta mútua: o violoncelo canta, chora e exulta dentro da massa orquestral, não contra ela. Já no Concerto para Violoncelo em Mi menor, de Victor Herbert – uma obra mais rara, de inspiração romântica e leveza quase operística –, Ma e Masur giram a chave com naturalidade. Aqui, a gravação recupera o charme da belle époque: o violoncelo exibe seu lado mais cantabile e virtuosístico, com passagens de agilidade solar. A sonoridade é quente, detalhada e analógica no melhor sentido. No fim, o que fica é a impressão de que os dois concertos, tão díspares em espírito, foram unificados por uma visão de rara integridade musical: a de que o violoncelo é, acima de tudo, a voz humana.
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A Banda Mantiqueira é um dos projetos mais sensacionais da música instrumental brasileira, reunindo alguns dos melhores sopros do país sob a liderança do saxofonista e arranjador Nailor Proveta. Com uma formação que remete às big bands, mas com espírito brasileiro muito marcado, o grupo transita com naturalidade entre o jazz e gêneros como o choro, o samba e o frevo. O que mais impressiona é a energia coletiva: arranjos sofisticados, cheios de humor e invenção, aliados a uma execução precisa e, ao mesmo tempo, profundamente solta — como se tradição e improviso conversassem o tempo todo. Já o disco Bixiga é um belo retrato dessa identidade. O repertório homenageia compositores brasileiros, sobretudo ligados ao universo do choro e da música urbana, com releituras que preservam o espírito original, mas expandem as possibilidades sonoras através de arranjos criativos. Há momentos de grande lirismo, outros de explosão rítmica, sempre com destaque para o diálogo entre os instrumentos. É um álbum que celebra não apenas um bairro — o Bixiga — mas uma forma de fazer música: coletiva, pulsante e profundamente enraizada na cultura brasileira.
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W.F. Bach (1710-1784): Kantaten, Vols. 1 e 2 (Max)
16. Sinfonia: Allegro maestoso
Um lindo trabalho de Gaillard sobre estas obras notáveis de Vivaldi. Tudo muito bonito e bem gravado. As Sonatas para Violoncelo do Padre Vermelho são um capítulo à parte em sua obra, revelando uma faceta mais íntima e contemplativa do compositor, distante da exuberância de seus famosos concertos. Ele nutria uma particular afeição pelo violoncelo. Para além dos mais de 25 concertos que compôs para o instrumento, legou à posteridade nove sonatas para violoncelo e baixo contínuo, além de uma décima que se perdeu. Escritas em sua maioria entre 1720 e 1730, estas obras não foram concebidas para o grande público. Acredita-se que tenham sido criadas para um círculo restrito de alunos, amigos e patronos influentes. Entre esses patronos, destacavam-se aristocratas que eram violoncelistas amadores, como o Conde Rudolf Franz Erwein von Schönborn, que mantinha um rica biblioteca com várias destas partituras. Esta origem “privada” confere às sonatas um caráter mais pessoal e intimista. Elas seguem a forma da sonata barroca em quatro movimentos, com um padrão de andamentos Lento – Rápido – Lento – Rápido. Esta estrutura cria uma narrativa musical equilibrada, onde a calma e a reflexão se alternam com a agilidade e o virtuosismo. São um ponto fora da curva de Vivaldi, mas que ponto!
AB-SO-LU-TA-MEN- TE IM-PER-DÍ-VEL !!!