IM-PER-DÍ-VEL !!!
Este é um CD que talvez agrade até os mais hostis à música contemporânea. Se a Trio Sonata ainda guarda um pouco de seriedade,o Concerto para Viola é puro bom humor. Yuri Bashmet, o intérprete, desenvolveu uma carreira de grande sucesso internacional como violista, mas depois, como tantos instrumentistas talentosos de sua geração fazem, passou a regente e até fundou uma orquestra. Ele nunca abandonou a viola, muitas vezes aparecendo em ambos os papéis no mesmo concerto, o de violista e o de regente. Por todo o seu talento, por tocar num instrumento de pouco repertório e por ser meio maluco, Bashmet foi cercado de controvérsia devido aos cancelamentos de última hora e mudanças bruscas em programas de concerto. No entanto, ele continua a ser indiscutivelmente o principal violista de nosso seu tempo.
Alfred Schnittke escreveu o seu Concerto para Viola em 1985, ano em que Mikhail Gorbachev assumiu o poder na União Soviética. A obra foi encomendada por Bashmet que a tocou pela primeira vez um ano depois, no Royal Concertgebouw de Amsterdam. A gravação que ora postamos é de 1991.
Schnittke: Trio Sonata / Concerto para Viola
Trio Sonata
1) Moderato [13:34]
2) Adagio [12:55]
Moscow Soloists
Yuri Bashmet, conductor
Viola Concerto
3) Largo; Allegro molto [5:07]
4) Allegro molto [12:47]
5) Largo [16:50]
Yuri Bashmet, viola
London Symphony Orchestra
Mstislav Rostropovich, conductor
PQP
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Esta gravação da DG, realizada em 1972 e 1973 no Musikverein de Viena, reúne dois pilares do repertório romântico para violino sob a direção de Claudio Abbado e com a Filarmônica de Viena, tendo como solista o lendário Nathan Milstein. O resultado é um disco que, décadas depois, mantém o status de referência, com uma abordagem que une a inteligência musical de Milstein à elegância de Abbado. Milstein é descrito como “talvez o último grande russo entre os violinistas russos” e oferece aqui leituras que são tudo menos acadêmicas ou frias. Seu toque, caracterizado pelo uso relativamente parcimonioso do vibrato, revela uma pureza e luminosidade fascinantes . Essa qualidade confere às interpretações uma sensação de que não há outra maneira de tocar estas obras. No Allegro molto appassionato de Mendelssohn ou no vertiginoso finale do concerto de Tchaikovsky, sua virtuosidade é de tirar o fôlego, mas sempre a serviço da música.
Este disco documenta um encontro histórico: a estreia fonográfica de Anne-Sophie Mutter, com apenas 15 anos, sob a batuta de seu mentor, Herbert von Karajan, à frente da Filarmônica de Berlim. Lançado em 1978, o registro permanece como um testemunho de um momento único na música. Há, de fato, uma profundidade que transcende a idade da solista, uma abordagem que ecoa a estética “romântica” que Karajan buscava na época, conferindo às obras um caráter contemplativo e, por vezes, melancólico. Ouvindo agora, décadas depois, o que se destaca é a combinação entre a sonoridade exuberante (e antiquada) da Orquestra Filarmônica de Berlim sob o comando de Karajan, e o toque de Mutter — belo, expressivo e de uma segurança técnica impressionante para sua idade. A execução tem um ar que pode soar um pouco pesado ou menos espontâneo do que outras abordagens mais “autênticas”. No entanto, é justamente essa solenidade que confere à gravação seu caráter especial, transformando-a em algo mais próximo de uma declaração artística do que de uma mera exibição de virtuosismo juvenil. A comparação com as regravações posteriores da própria Mutter, já como uma artista madura, é inevitável e revela a diferença. Se a versão de 1978 possui encanto, ela também carece da liberdade rítmica e da leveza que Mutter viria a explorar em suas performances mais recentes. Este é o registro de uma jovem artista em seu primeiro voo. Para os admiradores da obra de Mozart, é uma gravação que oferece uma visão particular e poderosa, ainda que não seja a única possível.
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Sim, jazz de vanguarda. Quem não gosta, que fuja. Este álbum documenta três noites de improviso em duetos ou em trio de três saxofonistas, todos com sax soprano. Não há outros instrumentos e, na verdade, só há um trio: a curtíssima Three Blokes. O disco é uma fascinante integração entre 3 grandes instrumentistas que se revesam em duplas. Um levando o tema e o outro, digamos, correndo atrás. Gostei muito, mas sei que é para poucos. Afinal, quem diria que uma série de duetos de saxofone soprano seria tão fascinante? Em pleno voo, essa compreensão um do outro fica incrivelmente intrincada como uma fuga barroca. É música tão pura e simples quanto pode ser.
Esta é uma gravação que perdeu muito com os anos. Molho pesado demais, execução totalmente destituída de humor e leveza. A crítica é dura, mas encontra eco em parte da recepção que este CD, com a Filarmônica de Los Angeles e a Orquestra Sinfônica de Chicago, acumulou ao longo do tempo. Carlo Maria Giulini, um respeitado maestro em sua época, oferece aqui leituras que dividem opiniões: para alguns, são visões transcendentes e solenes; para outros, são interpretações que afogam a vivacidade das partituras em um excesso de gravidade (minha opinião).
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Este CD é um retrato fiel da arte de Karl Böhm: o mestre da clareza, equilíbrio e respeito à arquitetura musical. A sua leitura de Haydn pode não ter a irreverência de abordagens mais modernas, mas a sua solidez, beleza e integridade musical fazem dela uma referência. É uma gravação que nos lembra porque a velha escola vienense continua a ser tão apreciada, oferecendo uma escuta que é ao mesmo tempo confortável e estimulante. Este CD é uma oportunidade para apreciar a versatilidade de um dos maiores maestros do século XX. Sou um pouco hostil a Richard Strauss, mas sei que a parceria Böhm / Viena para Strauss é lendária. A crítica moderna descreve o maestro como um intérprete que “domina soberbamente a forma” e o “sentido da cor” orquestral. A sua abordagem, grandiosa mas nunca pesada, é ideal para a arquitetura complexa e o virtuosismo descritivo de Strauss. Aprecio mais o extreordinário feito orquestral do que propriamente a música.
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Talvez desse para fazer uma parede com as capas das reedições da DG para esta gravação clássica. Mutter, em seus dias jovens, foi uma pupila de Karajan e esta capa a mostra bochechuda e não a elegante e magérrima senhora de hoje. Coerente.
IM-PER-DÍ-VEL !!!
O Op. 8 de Torelli é uma obra que marca a transição do concerto grosso para o concerto para solista, e este disco explora essa riqueza com uma seleção variada de concertos para dois violinos, violino solo e trompetes. A abordagem do Collegium Musicum 90 é descrita como “sensata e musicalmente descomplicada”, com uma sonoridade arejada que se beneficia da “omissão deliberada (e autêntica) dos contrabaixos”. Concordo. Nos Concertos para Dois Violinos, a parceria entre Simon Standage e Catherine Weiss é um dos pontos altos do disco. Nos Concertos para Violino Solo, Standage mostra seu virtuosismo, com uma tremenda energia nas cordas graves. E nos Concertos para Trompete, Crispian Steele-Perkins toca com leveza e delicadeza, apesar de, bem, de serem trompetes. A gravação, realizada na All Saints’ Church em Londres, captura bem a atmosfera do local.
The Berlin Concert é o ótimo registro ao vivo da estreia de Simone Dinnerstein na Kammermusiksaal da Filarmônica de Berlim, a 22 de novembro de 2007. Mais do que um recital, é uma declaração artística que explora a profunda e duradoura influência de Johann Sebastian Bach, tecendo um fio condutor que liga a música de três séculos num programa de uma notável coerência. Dinnerstein programou obras que, embora separadas por centenas de anos, mantêm um diálogo íntimo entre si, todas enraizadas no universo de Bach. A Suíte Francesa nº 5, BWV 816, de J.S. Bach, recebe uma interpretação de grande vitalidade, revelando uma abordagem cheia de sutileza. As 12 Variações sobre um Coral de J.S. Bach, de Philip Lasser é o momento mais “contemporâneo” do disco e a sua gravação de estreia mundial. O compositor norte-americano, amigo de longa data da pianista, cria uma peça que oscila estilisticamente entre o Impressionismo e o Jazz, pendulando entre a energia contrapontística e momentos de percussão ou de impressionismo etéreo. A Sonata para Piano nº 32, Op. 111, de Ludwig van Beethoven é a derradeira sonata de Beethoven. Ela é aqui apresentada como um marco de transição. O primeiro movimento, com a sua escrita angulosa, olha para o futuro (Liszt), enquanto o segundo movimento, um conjunto de variações sobre uma arietta semelhante a um coral, olha para trás, para Bach, e até para a frente, para o Jazz.
Este CD apresenta um programa dedicado a um repertório menos explorado do compositor e violinista virtuoso Pietro Antonio Locatelli (1695-1764). Em vez de focar em sua obra mais famosa, L’Arte del Violino (Op. 3), a gravação destaca as seis Introduttioni Teatrali que compõem a primeira parte do Op. 4, publicadas em 1735. As Introduttioni são peças curtas em três movimentos (geralmente no formato rápido-lento-rápido), que se assemelham mais à sinfonia operística italiana da época do que a uma “introdução” para uma obra teatral, embora provavelmente tivessem essa função, talvez como aberturas para espetáculos no Amsterdã Musical Theatre, que ficava perto da casa do compositor. Musicalmente, estas obras representam um momento de transição. Elas mesclam a estrutura do concerto grosso herdado de Corelli, com a alternância entre o grupo de solistas (concertino) e a orquestra (ripieno), com a forma tripartite da sinfonia operística contemporânea. No entanto, Locatelli inova ao integrar os dois grupos de forma mais fluida, fazendo com que toquem juntos na maior parte do tempo e destacando o concertino apenas em certos momentos, especialmente nos movimentos finais. O resultado é uma música vivaz, cheia de contrastes dinâmicos e texturas encantadoras, que realmente evocam a atmosfera de uma noite de teatro. A faixa de abertura, por exemplo, já apresenta o quarteto de solistas se destacando em vários momentos. O grande mérito desta interpretação do Freiburger Barockorchester, sob a regência de Thomas Hengelbrock, é a de valorizar a energia e a vivacidade inerentes a essas partituras. Além das seis Introduttioni, o CD traz três sonatas de Locatelli, oferecendo um panorama mais completo de sua música de câmara.
Para os fãs de Lyle Mays, conhecido principalmente por seu trabalho elétrico no Pat Metheny Group, Fictionary (1993) foi uma surpresa e tanto. Este álbum é um mergulho profundo e corajoso na tradição dos trios de piano acústico, funcionando como uma homenagem aos pianistas que mais o influenciaram, como Bill Evans, Keith Jarrett, Herbie Hancock, Chick Corea e Paul Bley.
Este CD, parte da bela série da Naxos com as obras orquestrais de Penderecki, oferece uma visão fascinante de dois momentos distintos, porém complementares, na trajetória de Pen. É uma gravação que, nas palavras do crítico da Gramophone, “deveria receber mais atenção”. Ele temn razão!
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Sou um admirador de alguns nacionalismos e, dentre eles, está o do grande Manuel de Falla, compositor espanhol. Além de grande pianista e compositor, de Falla participa da história literária de seu país ao tentar — figura de proa que era na Espanha — impedir o assassinato de seu amigo Federido García Lorca pelas milícias franquistas em 1936. Em vão. Seus últimos anos foram vividos no exílio, na Argentina. El Amor Brujo é uma bela peça, mas ainda é melhor na versão de câmara original que ora apresentamos. É incomum ouvi-la assim. Já El Corregidor y la Molinera é a primeira versão de O Chapéu de Três Bicos, que depois apareceu reescrita e com novo nome para o Balé Russo de Diaguilev.
Um jurássico razoável, entre o dureza de ouvir e o mais ou menos.