Monteverdi é considerado o último grande madrigalista, o maior compositor italiano de sua geração, um dos grandes operistas de todos os tempos e uma das personalidades mais influentes de toda a história da música do ocidente. Não inventou nada novo, mas sua elevada estatura musical deriva de ter empregado os recursos existentes com uma força e eficiência sem paralelos em sua geração, integrando diferentes práticas e estilos em uma obra pessoal rica, variada e muito expressiva, que continua a ter um apelo direto para o mundo contemporâneo, ainda que ele seja exatamente um compositor nada popular nos dias de hoje.
No Sexto Livro de Madrigais, Monteverdi fez música dedicada à morte da esposa e também da amante?
Sim, muito provavelmente. O Sexto Livro de Madrigais de Claudio Monteverdi, publicado em 1614, contém obras associadas tanto ao luto pela esposa quanto à morte de uma jovem cantora que lhe era muito próxima. A identificação da segunda como amante, apesar de muito provável, não é historicamente comprovada.
A esposa, Claudia Cattaneo, era cantora, casou-se com Monteverdi em 1599 e morreu em setembro de 1607. A Sestina: Lagrime d’amante al sepolcro dell’amata (Lágrimas de um amante junto ao túmulo da amada), sobre poema de Scipione Agnelli, é tradicionalmente associada ao sofrimento do compositor pela morte de Claudia.
A jovem cantora, Caterina Martinelli, era conhecida como La Romanina, uma discípula de Monteverdi que vivia em sua casa. Morreu seis meses após a esposa do compositor, aos 19 anos, quando se preparava para interpretar o papel principal na ópera L’Arianna. A Sestina é associada à sua morte, e há interpretações que relacionam a obra às duas perdas.
Há ainda uma ironia dolorosa: o livro reúne a Sestina, ligada ao luto da esposa, e o célebre Lamento d’Arianna, originalmente composto para a ópera de 1608 (para a discípula). Esta, a música de Ariadne abandonada por Teseu, parece adquirir, nesse contexto, uma dimensão pessoal que ultrapassa o drama mitológico.
A história diz que o Sexto Livro guarda ecos de duas mortes que o atingiram profundamente — a da esposa e a de uma jovem cantora muito próxima dele —, sem que possamos afirmar com segurança a natureza íntima dessa segunda relação. Só que eu sou maldoso.
Claudio Monteverdi (1567-1643): Il sesto libro de Madrigali (Concerto Italiano, Rinaldo Alessandrini)
Lamento D’Arianna [Ottavio Rinucchini]
1 Lasciatemi Morire – Prima Parte 1:51
2 O Teseo, O Teseo Mio – Secondo Parte 4:44
3 Dove, Dov’è La Fede – Terza Parte 2:45
4 Ahi, Che Pur Non Risponde – Quarta E Ultima Parte 3:35
5 Zefiro Torna [Francesco Petrarca] 3:55
Una Donna Fra L’altre [Anonimo]
6 Concerto Nel Clavicembalo 3:12
A Dio, Florida Bella [Giambattista Marino]
7 Concertrato 3:56
Sestina (Lagrime D’Amante Al Sepolcro Dell’Amata) [Scipione Agnelli]
8 Incenerite Spoglie – Prima Parte 2:04
9 Ditelo – Seconda Parte 2:00
10 Darà La Notte Il Sol – Terza Parte 2:26
11 Ma Te Raccoglie – Quarta Parte 3:16
12 O Chiome D’or – Quinta Parte 2:51
13 Dunque, Amate Reliquie – Sesta E Ultima Parte 3:21
14 Ohimè Il Bel Viso [Francesco Petrarca] 4:57
15 Qui Rise, O Tirsi [Giambattista Marino] Concertato 5:20
16 Misero Aleceo [Giambattista Marino] Concertato 4:39
17 Batto, Qui Pianse Ergasto [Giambattista Marino] Concertato Nel Clavicembalo 3:24
18 Presso Un Fiume Tranquillo [Giambattista Marino] 5:22
Alto Vocals – Gabriella Martellacci
Bass Vocals – Sergio Foresti
Directed By, Harpsichord – Rinaldo Alessandrini
Ensemble – Concerto Italiano
Harp – Loredana Gintoli
Soprano Vocals – Anna Simboli, Monica Piccinini
Tenor Vocals – Gianluca Ferrarini, Luca Dordolo, Raffaele Giordani
Theorbo – Craig Marchitelli, Ugo Di Giovanni
PQP
Clique aqui
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Observação de PQP Bach.: esta postagem é originalmente de autoria de FDP Bach e sua data é de março deste ano. Só que ela é tão boa que fez com que eu comprasse o CD e substituísse seu arquivo de 128 kbps por um de 320 kbps. Só isso. Abaixo, o post de FDP Bach:
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Esse CD duplo com a Sinfônica de Londres regida por Kent Nagano é a mais sensacional incursão de Frank Zappa na música erudita. As obras de Zappa em questão talvez apresentem a orquestração mais complexa e colorida desde Ravel – e são nitidamente experimentais (estrutura zero, ou perto disso, e brainstorm dez). Apesar de intrincadas, os músicos desdenharam delas durante as gravações, como se o roqueiro não soubesse o que estava escrevendo. Mesmo assim, você releva numa boa os eventuais erros de execução (eu mesmo não os encontro – procurá-los mataria o prazer que sinto com essas peças).
IM-PER-DÍ-VEL !!!
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Esta é uma gravação bem convincente, na qual John Butt e o Dunedin Consort demonstram o “parentesco musical” entre Mozart e C. P. E. Bach. O disco utiliza uma nova edição para completar as partes faltantes da Große Messe de Mozart, e a acopla ao Heilig ist Gott de CPE Bach — obra que muito provavelmente inspirou diretamente a escrita para coro duplo de Mozart. Justapor as duas peças devolve a uma obra conhecida um novo contexto histórico. A escolha da versão do K. 427 é o primeiro valor deste disco. Butt adota a nova edição de Clemens Kemme (Breitkopf & Härtel, 2018), cujo princípio é usar apenas a música que Mozart de fato escreveu para esta missa, sem reconstruções externas, apenas ajustes de instrumentação e detalhes vocais conforme a prática histórica. Kemme observa que o Heilig ist Gott de C. P. E. Bach é “a mais importante obra para coro duplo” no período em que Mozart compôs o K. 427, e que seus ecos de fuga podem seguramente ser ouvidos no Gloria mozartiano. Portanto, reunir as duas obras no mesmo disco não é uma justaposição casual, mas uma arqueologia musical deliberada. Butt mantém um efetivo pequeno: cerca de 16 a 18 cantores e aproximadamente oito violinos. Isso produz, nos trechos de fuga para coro duplo, uma transparência das linhas contrapontísticas difícil de ouvir em execuções de grande efetivo. Heilig ist Gott (Wq 217 / H 778) foi escrito por volta de 1776 e, após sua publicação em 1779, tornou-se rapidamente um modelo do “sublime musical”. Está repleto dos típicos silêncios súbitos, modulações selvagens e experimentos harmônicos estranhos de C. P. E. Bach. O grupo de Butt faz provavelmente apresentou a melhor interpretação já feita desta obra.
Este disco traz nove das doze Fantasias para Viola da Gamba de Telemann, na interpretação do gambista finlandês Markus Kuikka. O contexto da gravação é inseparável da história do próprio repertório: a coleção completa foi considerada perdida por mais de 300 anos, até que uma cópia sobrevivente foi descoberta em 2015 na biblioteca privada do Castelo de Ledenburg, no norte da Alemanha. Kuikka tocou as fantasias pela primeira vez em 2017, coincidindo com os 250 anos da morte de Telemann, e descreve a experiência como análoga à de estrear obras recém-compostas — tamanha a novidade que a música lhe parecia ter. Telemann escreveu estas fantasias em 1735, demonstrando um conhecimento íntimo das possibilidades da viola da gamba. Cada fantasia é composta por três ou quatro movimentos em estilo de sonata, mas com um caráter improvisado torna-as difíceis de classificar. As fantasias de Telemann lembram suas fantasias para violino. Kuikka parece apreciar a leve aspereza do registro agudo ainda mais do que o grave do instrumento — ele gosta do ronco da cuíca, naturalmente. Nos movimentos rápidos, ele evita a pressa, criando dramaticidade por outros meios que não a mera velocidade; nos lentos, deixa a meditação tomar conta. A gravação de Kuikka oferece uma porta de entrada para um repertório que, até poucos anos atrás, era praticamente inacessível. A combinação do frescor da descoberta com a maturidade interpretativa de um gambista que conhece o instrumento a fundo, resulta numa leitura que faz jus à riqueza dessas páginas redescobertas. Para quem se interessa pela viola da gamba ou pelo barroco tardio alemão, é uma gravação que vale conhecer.
Este lançamento em dois CDs registra ao vivo a integral das quatro sinfonias de Johannes Brahms (1833–1897), interpretadas pela Orquestra da Ópera de Zurique sob a regência de Gianandrea Noseda. Gravadas durante concertos na Ópera de Zurique, as performances capturam a energia e a espontaneidade do palco, documentando um momento em que Noseda voltou sua atenção para o universo sinfônico de Brahms após uma aclamada interpretação do Réquiem Alemão. Compostas entre 1876 e 1885, as quatro sinfonias representam um dos pontos culminantes do romantismo orquestral, conciliando o rigor formal herdado da tradição clássica com uma intensidade expressiva profunda. A interpretação de Noseda tem vigor dramático, clareza estrutural e lirismo. O resultado é uma leitura que destaca os múltiplos planos sonoros da escrita de Brahms, os detalhes das intervenções solistas e o grande arco arquitetônico que une as quatro obras. A abordagem de Noseda é fluida e dionisíaca. Um crítico observou que, ao final de uma apresentação da Segunda Sinfonia, Noseda fechou a partitura e a beijou — um gesto que simboliza a identificação profunda entre intérprete e obra. A Orquestra da Ópera de Zurique não é uma formação operística de alto nível. Essa origem confere às performances um caráter particular: há uma atenção ao detalhe teatral, uma sensibilidade ao fraseado como se fosse canto. Vale notar que Noseda já havia gravado uma integral das sinfonias de Brahms antes, também registrada ao vivo. Então, para quem busca uma integral das sinfonias de Brahms que una clareza estrutural a uma energia concertante genuína, esta gravação de Noseda com a Orquestra da Ópera de Zurique oferece uma leitura que se insere com destaque na vasta discografia dedicada ao compositor. É uma documentação de um maestro em plena maturidade interpretativa, dialogando com um repertório central da tradição sinfônica.
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Este é um CD apenas OK, nada mais. A ideia foi boa, mas a escolha das árias parece ter passado por cima do conceito de beleza para abraçar outros critérios. O critério comercial? Sei lá. Como filho de Bach, tenho coleções de árias na minha cabeça e acho que este CD apenas acertou em 50% das tentativas. Ah, o disco é uma seleção de árias de Cantatas e Paixões que incluem voz e violino, certo? Pois é como ia dizendo, há dezenas delas, mas a escolha foi assim assim. Quem rouba o disco é o sensacional Matthias Goerne, que é um barítono alemão realmente maravilhoso. Já Christine Schafer é apenas aceitável. Não curti muito a cantora. Acho que foi isso. Paciência.
IM-PER-DÍ-VEL !!!