Francis Poulenc (1899-1963) – Gloria & Stabat Mater — Boston SO, Battle, Ozawa

Francis Poulenc (1899-1963) – Gloria & Stabat Mater — Boston SO, Battle, Ozawa

O compositor francês Francis Poulenc (1899-1963) é injustamente uma presença pouco frequente pelos programas de concerto mundo afora, apesar de ser um compositor de primeiríssima linha, com obras de diversos estilos e formações. Este disco joga luz sobre uma faceta cintilante da música de Poulenc, suas obras sacras, com dois verdadeiros tesouros: o Gloria (1960), uma de suas peças mais festejadas, e o Stabat Mater (1950).

O mestre PQP Bach já declarou sua admiração por esse repertório neste belíssimo disco de Richard Hickox, Catherine Dubosc, Westminster Singers e a City of London Sinfonia. Já o discaço de hoje vem do outro lado do Atlântico, com um time de muito respeito: a soprano Kathleen Battle, o coro do Festival de Tanglewood e Seiji Ozawa à frente da Orquestra Sinfônica de Boston. Tem coisas que só a Deutsche Grammophon faz por você, não é mesmo?

Estreia de Seiji Ozawa com a Sinfônica de Boston, Tanglewood, 1964

Gloria, para soprano, coro e grande orquestra, é baseado no texto de mesmo nome do Ordinário da Missa segundo o rito romano. Foi uma encomenda da Fundação Koussevitsky em homenagem ao regente Sergei Koussevitsky — que foi diretor da Sinfônica de Boston por um quarto de século — e sua esposa Natalia. A orquestra, aliás, foi responsável pela estreia da obra, em 1961, sob regência de Charles Munch. Uma obra interessantíssima, de cores stravinskyanas.

Já o Stabat Mater coloca em cena a prece (ou sequentia, para ser mais exato) católica de mesmo nome que narra as dores de Maria durante a crucificação de Cristo. Também para soprano, coro e orquestra, é dividido em doze partes e joga muito com as estruturas e formações (o coro chega a soar a capella mais de uma vez), com texturas que se desdobram umas dentro das outras. Deve ser uma experiência e tanto escutá-la ao vivo…

Enfim, um disco muito bom, de sonoridade brilhante e muita beleza. Pessoal de Boston na ponta dos cascos, um coro inspirado e Ozawa — um gigante da batuta que nos deixou no último dia 6 de fevereiro, aos 88 anos — at his finest. Meu destaque pessoal fica por conta do arraso que é a interpretação de Kathleen Battle, com sua linda voz de timbre quente, como se fosse um anjo divino anunciando palavras sagradas de algum lugar fora do tempo.

Fra Angelico, “A Crucificação”, (ca. 1420-23)

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Francis Poulenc (1899-1963)

Gloria

1 – Gloria in excelsis Deo
2 – Laudamus te
3 – Domine Deus, Rex coelestis
4 – Domine Fili, Domine Deus
5 – Domine Deus, Agnus Dei
6 – Qui sedes ad dexteram Patris

Stabat Mater

7 – Stabat Mater dolorosa
8 – Culus animam gementem
9 – O quam tristis
10 – Quae moerebat
11 – Quis est homo
12 – Vidit suum
13 – Eia, Mater
14 – Fac ut ardeat
15 – Sancta Mater
16 – Fac ut portem
17 – Inflammatus et accensus
18 – Quando corpus morietur

Kathleen Battle, soprano
Tanglewood Festival Chorus
Boston Symphony Orchestra
Seiji Ozawa, regência

Kathleen Battle: que voz!

PS: Você sabia que o simpático teatro do Festival de Tanglewood, em Lenox, Massachussets, se chama Seiji Ozawa Hall?

Nada como tomar um mate e comer Pastelinas ao cair da tarde em Massachusets ouvindo um Poulenc dos bons

Karlheinz

D. Shostakovich: Sinfonia N° 8 (Slatkin)

D. Shostakovich: Sinfonia N° 8 (Slatkin)

Além de ser um extraordinário maestro, Leonard Slatkin é uma subcelebridade do twitter (ou X). Ele costuma divulgar as capas mais horrendas de discos de vários gêneros. Também conta piadas e comemora encontros com os maiores músicos, coisa normal em sua vida. E, por trás de tantos interesses e alegria esconde-se um espetacular artista. Haitink e Mravinsky estabeleceram padrões de referência tão elevados para as gravações desta sinfonia que apenas uma leitura excepcional ou que apresente a obra sob uma nova luz válida pode esperar competir. Slatkin não bate os citados, mas chega bem próximo. As partes mais tranquilas estão lindas, mas aquelas que são mais febris ou urgentes são subestimadas. Vale a audição, sem dúvida. Eu curto muito este CD.

Leonard Slatkin

D. Shostakovich: Sinfonia N° 8 (Slatkin)
1 Adagio; Allegro; Adagio 26:30
2 Allegretto 6:12
3 Allegro Non Troppo 5:55
4 Largo 9:43
5 Allegretto 13:06

Composed By – Dmitri Shostakovich
Conductor – Leonard Slatkin
Orchestra – Saint Louis Symphony Orchestra

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Uma capa horrível selecionada pelo grande Slatkin!.

PQP

Aniversário de Bach com promoção especial

Nos vídeos abaixo, você pode saber exatamente do que se trata. A surpresa é que você pode usar o cupom PQPBACH e receber 30% de desconto no concerto do dia 21 de março aqui em Porto Alegre, cidade de PQP Bach… Alguma vantagem nós, porto-alegrenses, merecemos ter. Afinal, já basta a gente sofrer há quase 4 anos com um bolsonarista na prefeitura. Mil vezes 339 anos com Bach do que 4 com o Melo.

Ah, e Bach se comemora com cerveja. Ele a amava e produzia em quantidades industriais — música e cerveja.

BRUCKNER 200 ANOS! Anton Bruckner (1824-1896): Sinfonia Nº 4 (Haitink / London Symphony)

BRUCKNER 200 ANOS! Anton Bruckner (1824-1896): Sinfonia Nº 4 (Haitink / London Symphony)

O número de vezes que Bernard Haitink gravou a 4ª Sinfonia de Bruckner com diversas orquestras… Garanto que ele gravou em Viena, Londres (esta aqui, ao vivo) e Amsterdam (claro) e que deve ter apresentado a obra pela Europa inteira. Obviamente, era um especialista no compositor e ele novamente não nos decepciona, realizando uma gravação redonda e bela, apesar de mais branda que o habitual. Também, este é um registro quando o grande maestro já tinha 82 anos. O primeiro movimento está sensacional, mas depois parece que a coisa cai um pouco. Contribui para isso o fato de que achei o som meio ruim. O som está seco e os instrumentos (particularmente as madeiras, percussão e cordas graves) soam abafados. O resultado está longe do “som sensacional” que o LSO Live costuma apresentar. Um dos prazeres da música de Bruckner é o grandioso e visceral som orquestral que sua música atinge. Esta versão soa estranha. Mas é Haitink, né?

Anton Bruckner (1824-1896): Sinfonia Nº 4 (Haitink / London Symphony)

Symphony No. 4 In E Flat Major, “Romantic” (1874-80)
1 Bewegt, Nicht Zu Schnell 20:33
2 Andante Quasi Allegretto 15:07
3 Scherzo, Bewegt – Trio: Nicht Zu Schnell, Keinesfalls Schleppend 11:11
4 Finale: Bewegt, Doch Nicht Zu Schnell 22:17

Composed By – Anton Bruckner
Directed By – Bernard Haitink
Orchestra – The London Symphony Orchestra
Score Editor – Leopold Nowak

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Grande Haitikão da Massa!

PQP

Iánnis Xenákis (1922-2001): Anaktoria · Morsima-Amorsima · Oophaa · Charisma · Mists · Mikka / Mikka «S» (Octuor De Paris)

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Eu gosto de Xenákis. Ele faz com que nossa sensibilidade se expanda para regiões desconhecidas. E boas. Iánnis Xenákis foi um engenheiro, arquiteto, teórico musical e compositor grego, naturalizado francês. É considerado como um dos mais influentes compositores do século XX. Como arquiteto, Xenakis é conhecido principalmente por seu trabalho junto a  Le Corbusier. Os dois trabalharam juntos na construção da Sainte Marie de La Tourette. Já o Pavilhão Philips na Expo 58 foi concebido exclusivamente por Xenákis. Apaixonado pela antiguidade grega, “nascido com vinte e cinco séculos de atraso”, Xenakis foi um criador da vanguarda mais radical. Compositor, arquiteto, engenheiro, entusiasta da matemática e da informática, foi pioneiro em vários domínios, como a música eletroacústica ou a computação musical. Os seus espetáculos de luz e som conquistaram um vasto público e a vitalidade de sua obra, composta por quase 150 peças, jamais desvaneceu.Pondo em causa os princípios dos movimentos mais importantes da música do pós-guerra, Xenakis inventou uma grande parte das técnicas composicionais que caracterizam a segunda metade do século XX. Autor de um método de composição baseado na matemática e na representação gráfica da notação musical, Xenakis revolucionou a noção de som musical, estando o seu conceito de massas sonoras na origem de timbres inauditos.

Nascido na Roménia de pais gregos, sua família retornou para a Grécia quando tinha dez anos. Lá estudou engenharia em Atenas. Os estudos foram interrompidos pela ocupação nazista. Participou na resistência grega na Segunda Guerra Mundial e na primeira fase da Guerra Civil Grega como membro da companhia de estudantes Lord Byron do Exército de Libertação do Povo Grego. Em Janeiro de 1945, foi ferido por um obus, perdendo um olho, o que lhe desfigurou parte do rosto. Em 1946 finalizou os estudos de engenharia, mas foi perseguido e condenado à morte devido ao seu ativismo político, fugindo para França em 1947. Estabelecido em Paris, em 1948 ingressou no estúdio do famoso arquiteto Le Corbusier, como engenheiro calculista. Em 1956, publicou sua teoria da música estocástica, baseada na teoria dos jogos de John von Neumann, entre outras fontes. Seu livro “Formalized Music: Thought and Mathematics in Composition” é considerado como um dos mais importantes trabalhos teóricos sobre música do século passado.

Iannis Xenakis (1922-2001): Anaktoria · Morsima-Amorsima · Oophaa · Charisma · Mists · Mikka / Mikka «S» (Octuor De Paris)

1 Anaktoria
Ensemble – Octuor De Paris*
13:07

2 Oophaa
Harpsichord [Clavecin] – Elisabeth Chojnacka
Percussion – Sylvio Gualda
12:23

3 Charisma
Cello – Pierre Strauch
Clarinet – Alain Damiens
4:11

4 Mists
Piano – Claude Helffer
12:00

5 Mikka / Mikka «S»
Violin – Maryvonne Le Dizès*
6:22

6 Morsima-Amorsima
Ensemble – Membres De L’Octuor De Paris*
Piano – Jacqueline Méfano
10:48

“Anaktoria” for 2 violins, viola, cello, double bass, clarinet, horn and bassoon, composed in 1969.
“Oophaa” for harpsichord and percussion, composed in 1989.
“Charisma” for clarinet and cello, composed in 1971.
“Mists” for piano, composed in 1981.
“Mikka” and “Mikka «S»” for solo violin composed in 1972 & 1975.
“Morsima-Amorsima” for violin, cello, double bass and piano, composed in 1956-62.

Tracks 1, 6 recorded in 1972. Tracks 2, 3 recorded in 1990. Track 4 recorded in 1985. Track 5 recorded in 1984.
Tracks 2, 3, 4: Radio France recordings.

Tracks 1 to 5 published by Salabert, track 6 published by Boosey.

Durée totale: 59’10

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Iánnis Xenákis

PQP

Gabriel Pierné (1863 – 1937): L’ œuvre pour violon & piano – Gaëtane Prouvost, violino & Laurent Cabasso, piano ֍

Gabriel Pierné (1863 – 1937): L’ œuvre pour violon & piano – Gaëtane Prouvost, violino & Laurent Cabasso, piano ֍

Gabriel Pierné

Obra para violino e piano

Gaëtane Prouvost, violino

Laurent Cabasso, piano

 

Esse disco deve agradar especialmente aos amantes de violino e música francesa. Do programa eu conhecia apenas a sonata para violino e piano, de um lindo disco gravado pela espetacular dupla Gérard Poulet e Noël Lee. O resto do programa é feito de peças soltas e uma suíte. Um noturno, uma dança espanhola e duas fantasias. A suíte é intitulada Impressions de music-hall e há uma versão para orquestra, uma suíte de balé. Uma das fantasias, a Fantasie Basque, também existe em versão para violino e piano. Eu gosto muito da sonata e o resto do programa é charmoso e elegante.

A violinista Gaëtane Prouvost estudou na França, aperfeiçoou-se na Juilliard School, mas seu maior professor foi o grande violinista Zino Francescatti, herdeiro das técnicas de Paganini.

Veja o que o site do selo do disco diz: ‘Os contemporâneos de Pierné o consideravam um dos mais importantes defensores do espírito francês. Ao morrer, em 17 de julho de 1937, deixou um vasto catálogo de mais de 150 obras. Dentro desta coleção imponente, pode-se perguntar sobre a importância das cerca de uma dúzia de obras para violino e teclado. No entanto, a surpreendente consistência destas contribuições, que se enquadram em três blocos claramente distintos, separados por várias décadas, permite-nos vislumbrar a natureza profundamente representativa do seu conjunto de obra.

Esta gravação faz mais do que apresentar ao ouvinte estas partituras que combinam brilhantemente a mais pura arte musical com o prazer auditivo: é um convite a uma viagem ao âmago da arte subestimada deste mestre’. [tradução feita com a ajuda do Chat PQP]

Gabriel Pierné (1863 – 1937)

Sonata para violino e piano, Op. 36

  1. Allegretto
  2. Allegretto tranquillo
  3. Andante non troppo – Allegretto un poco agitato

Nocturne en forme de valse Opus 40 N°2

  1. Noturno

Impressions De Music-Hall Opus 47

  1. N° 1: Rideau
  2. N° 1 Bis: Girls. French Blues
  3. N° 2: Little Tich, L’Excentrique
  4. N° 3: Berceuse – Hommage À Bobby, Petit Chien Savant
  5. N° 4: Clowns Musicaux – Les Fratellini

La Danseuse Espagnole

  1. Dança Espanhola

Fantaisie Impromptu

  1. Fantasia

Fantaisie Basque Opus 49

  1. Fantasia Basque

Gaëtane Prouvost, violino

Laurent Cabasso, piano

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FLAC |270 MB

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MP3 | 320 KBPS | 148 MB

Laurent e Gaëtane adoraram conhecer o bosque do PQP Bach nos arredores de Praga

Para saber mais sobre a violinista, acesse esse site aqui…

Aproveite!

René Denon

.: interlúdio :. Best of Barbara – 20 Chansons ֍

.: interlúdio :. Best of Barbara – 20 Chansons ֍

Caríssimo visitante!

Para a devida apreciação deste lindo disco sugiro um pouco de imaginação e um pequeno investimento – uma fração da sua verba destinada às artes, entretenimento e gastronomia. Compre uma garrafa de vinho rouge, um pouco de queijo, algumas uvas, uma baguette e alguns croissants. Veja com seus fornecedores mais próximos, adequando os itens sugeridos à sua própria realidade.  Arranje tudo e coloque para tocar a música da postagem. Se estiver em companhia de uma chère personne, encore mieux…

Eu descobri essa cantora e compositora de chansons ouvindo um disco que foi postado um dia destes, chamado Amour fou. Lá há uma linda canção chamada Dis, quando reviendras-tu?, composta por alguém chamada apenas Barbara. Sai então em busca dessa (pelo menos para mim) enigmática Barbara e descobri um ícone da chanson.

A vida de Monique Serf foi repleta de grandes sofrimentos, crescendo num período conturbado da história, com o agravante de ter sofrido abusos de parte de seu pai. Mesmo assim, essa incrível artista deixou um legado de canções que refletem esse período, mas que indicam também para uma capacidade inesgotável de perdão, de busca pela paz e de confiança no futuro. Se desejar ir além da simples audição das lindas canções e buscar as motivações e os significados que as impregnam, não se decepcionará. Veja, por exemplo, as histórias por trás de canções tais como Göttingen, Nantes, Si la photo est bonne, Ma plus belle historie d’amour e a minha preferida de agora, Dis, quand reviendras-tu?.

“Barbara” (nome artístico de Monique Andrée Serf) foi uma cantora e compositora francesa cuja identidade judaica influenciou sua música. Nascida em Paris em 1930, Barbara e sua família esconderam-se em diversas cidades francesas durante a ocupação alemã. Após a guerra, Barbara estudou música em Paris, alcançando a fama na década de 1960, após sua estreia em Bruxelas. Barbara era amada na França devido ao seu estilo musical melancólico, seu pathos como uma artista sofredora e suas atitudes únicas e inconformadas. Bárbara tornou pública a sua identidade judaica e a sua canção popular “Göttingen” apoiou a reconciliação franco-alemã. Ela tocou o coração do povo francês ao cantar “As crianças são iguais em Paris e Göttingen. Oh, que o tempo do sangue e do ódio nunca mais volte” e foi homenageada postumamente por seu trabalho.

Para saber mais, veja este site aqui ou este outro aqui.

  1. L’aigle noir
  2. Göttingen
  3. Ma plus belle histoire d’amour
  4. Mon enfance
  5. Une petite cantate
  6. Dis, quand reviendras-tu ?
  7. La dame brune
  8. Joyeux Noël
  9. Le mal de vivre
  10. La solitude
  11. Parce que je t’aime
  12. À mourir pour mourir
  13. Si la photo est bonne
  14. Pierre
  15. Au bois de Saint-Amand
  16. Nantes
  17. Drouot
  18. Du bout des lèvres
  19. Madame
  20. Chapeau bas

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MP3 | 320 KBPS | 149 MB

Preste atenção e aproveite!

René Denon

Barbara

J. S. Bach (1685-1750): Cantatas BWV 131, 73, 105, 39, 93, 107, Missas Breves (Herreweghe)

J. S. Bach (1685-1750): Cantatas BWV 131, 73, 105, 39, 93, 107, Missas Breves (Herreweghe)

Este é um álbum quádruplo com um interessante cantinho do repertório bachiano. Há as Cantatas acima e as Missas Breves. A qualidade do registro de Herreweghe faz sonhar. O homem é muuuuuito bom! Excelentes cantatas, compreensiva regência, grandes cantores, orquestra perfeita.

Uma vez, disse que tinha toda obra de Bach em CDs. Alguém me desafiou a apresentar as Missas Luteranas. Respondi que as tinha. Quiseram que eu as mostrasse, pois seriam raríssimas (descobri depois que são efetivamente pouco gravadas). Então, aqui estão elas.

Na semana passada, declarei ser ateu — não vejo gravidade alguma em ser destituído de sentimentos religiosos, é uma vantagem que possuo… –, e me disseram que era por isso que tínhamos tão pouca música sacra. Deve ser uma piada, pois amo a música sacra e a temos até em demasia por aqui. Foram palavras de quem não conhece o blog.

Apenas para situar, as partes cantadas da missa católica tradicional dividiam-se em duas categorias: o Ordinário, que consistia no Kyrie, Glória, Credo, Sanctus com Benedictus e Agnus Dei, cantadas o ano inteiro (com exceção do Glória por ocasião da Quaresma e do Advento); e o Próprio, que continha o Intróito, o Gradual, o Aleluia, o Ofertório e a Comunhão – partes que, como o nome sugere, mudavam em função das comemorações que variavam de acordo com a conveniência e com o calendário litúrgico.

Quando Martinho Lutero afixou suas 95 objeções ao Catolicismo Romano na porta da Igreja do Castelo de Wittenberg, em 31 de outubro de 1517, acelerando o processo de Reforma da Igreja institucional, um de seus objetivos era tornar os ofícios religiosos acessíveis ao público.

Na verdade, ele não tinha grande coisa contra a música católica latina, mas propunha uma liturgia na língua da congregação, para que os fiéis participassem e o canto não ficasse restrito ao coro, num latim rebuscado onde apenas uma meia dúzia de privilegiados, donos de cadeiras cativas nas igrejas, conseguiam entender.

Desse modo, nos serviços luteranos do período barroco continuaram a ser usadas partes do Ordinário latino da Missa, em arranjos polifônicos.

O Kyrie, por exemplo, era tocado no primeiro domingo do Advento, enquanto o Glória era executado no Natal e o Sanctus nos dias mais solenes, enfim. Surgia, pois, uma espécie de “missa breve”, que, embora não tivesse despertado muito a atenção dos compositores luteranos, foi musicada quatro vezes por Johann Sebastian Bach.

Tais Missas Brevis (BWV 233 – 236) provavelmente originaram-se depois de 1735, ficando conhecidas como as missas protestantes (ou luteranas) de Bach. É lícito duvidar, porém, que as mesmas se destinassem a Leipzig. É muito mais provável que o seu destinatário fosse o conde Franz Anton von Sporcl, de Lissa, Boêmia. Tal senhor tinha o interesse em que as crenças protestante e católica se reaproximassem. Como a obra de Bach representa uma tentativa notável de fundir elementos litúrgicos das duas religiões, a versão não é de todo desprezível.

Ao contrário de outras grandes obras sacras de Bach – como a Missa em si menor, as paixões, as cantatas, ou o Oratório de Natal -, as Missas Brevis não têm despertado tanto o interesse dos pesquisadores e praticamente não são executadas. A Missa Brevis em Fá Maior, como as demais, também se divide em movimentos para coro e árias para solistas com acompanhamento orquestral, segundo o modelo das Cantatas de Igreja. Esta semelhança formal das missas com as cantatas pode ser explicada pelo fato de Bach não ter adequado algumas partes dessas missas. Tais trechos vieram de antigos coros ou árias de cantatas já compostas por ele anos antes.

A despeito das diferenças, as quatro missas possuem várias características em comum e os modelos originais da maioria dos movimentos estão preservados nas Cantatas compostas por volta de 1723/26, quando Bach residia em Leipzig.

Assim, todas as Missas Brevis começam com um coro sobre o texto do Kyrie, seguido do Gloria em que coros no início e no final emolduram árias. A Missa em Fá Maior é a que contém o menor número de paródias de movimentos de cantatas de igreja, ao passo que as em sol menor e sol maior consistem exclusivamente em tais adaptações.

Particularmente interessante na Missa em Fá Maior é o Kyrie. Nesta missa, o baixo vocal introduz como cantus firmus o Kyrie Eleison, Christe Eleison da Litânia (nome de outra peça de Bach) e, simultaneamente, a orquestra entoa a música do hino protestante Christe du Lamm Gottes, exemplo claro da intenção do compositor em mesclar elementos das liturgias católica e protestante.

J. S. Bach (1685-1750) – Cantatas BWV 131, 73, 105, 39, 93, 107, Missas Breves (Herreweghe)

CD 1

1. BWV 131 – Aus Der Tiefen Rufe Ich, Herr, Zu Dir –
2. BWV 131 – So Du Willst, Herr, Sunde Zurechnen –
3. BWV 131 – Ich Harre Des Herrn –
4. BWV 131 – Meine Seele Wartet Auf Den Herrn –
5. BWV 131 – Israel, Hoffe Auf Den Herrn –

6. BWV 73 – Herr, Wie Du Willt, So Schick’s Mit Mir –
7. BWV 73 – Ach, Senke Doch Den Geist Der Freuden –
8. BWV 73 – Ach, Unser Wille Bleibt Verkehrt –
9. BWV 73 – Herr, So Du Willst –
10. BWV 73 – Das Ist Der Vaters –

11. BWV 105 – Herr, Gehe Nicht Ins Gericht Mit Deinem Knecht –
12. BWV 105 – Mein Gott, Verwirf Mich Nicht Alt –
13. BWV 105 – Wie Zittern Und Wanken –
14. BWV 105 – Wohl Aber Dem, Der Seinen Burgen –
15. BWV 105 – Kann Ich Nur Jesum Mir Zum Freunde Machen –
16. BWV 105 – Nun, Ich Weiss, Du Wirst Mir Stillen –

CD 2

1. BWV 39 – Brich Dem Hungrigen Dein Brot –
2. BWV 39 – Der Reiche Gott Wirft Seinem Uberfluss –
3. BWV 39 – Seinem Schopfer Noch Auf Erden –
4. BWV 39 – Wohlzutun Und Mitzuteilen –
5. BWV 39 – Hochster, Was Ich Habe –
6. BWV 39 – Wie Soll Ich Dir, O Herr –
7. BWV 39 – Selig Sind, Die Aus –

8. BWV 93 – Wer Nur Den Lieben Gott Lasst Walten –
9. BWV 93 – Was Helfen Uns Die Schweren Sorgen? –
10. BWV 93 – Man Halte Nur Ein Wenig Stille –
11. BWV 93 – Er Kennt Die Rechen Freudenstunden –
12. BWV 93 – Denk Nicht In Deiner Drangsalshitze –
13. BWV 93 – Ich Will Auf Den Herren Schaun –
14. BWV 93 – Sing, Bet Und Geh Auf Gottes Wegen –

15. BWV 107 – Was Willst Du Dich Betruben –
16. BWV 107 – Denn Gott Verlasset Keinen –
17. BWV 107 – Auf Ihm Magst Du Es Wagen –
18. BWV 107 – Wenn Auch Gleich Aus Der Hollen –
19. BWV 107 – Er Richt’s Zu Seinen Ehren –
20. BWV 107 – Drum Ich Mich Ihm Ergebe –
21. BWV 107 – Herr, Gib, Dass Ich In Dein’ Ehre –

CD 3

1. Messe, Bwv233 : Kyrie
2. Messe, Bwv233 : Gloria : Gloria In Excelsis Deo
3. Messe, Bwv233 : Gloria : Domine Deus
4. Messe, Bwv233 : Gloria : Qui Tollis Peccata Mundi
5. Messe, Bwv233 : Gloria : Quoniam Tu Solus Sanctus
6. Messe, Bwv233 : Gloria : Cum Sancto Spiritu

7. Messe, Bwv236 : Kyrie
8. Messe, Bwv236 : Gloria : Gloria In Excelsis Deo
9. Messe, Bwv236 : Gloria : Gratias Agimus Tibi
10. Messe, Bwv236 : Gloria : Domine Deus
11. Messe, Bwv236 : Gloria : Quoniam Tu Solus Sanctus
12. Messe, Bwv236 : Gloria : Cum Sancto Spiritu

CD 4

1. Messe, Bwv235 : Kyrie
2. Messe, Bwv235 : Gloria : Gloria In Excelsis Deo
3. Messe, Bwv235 : Gloria : Gratias Agimus Tibi
4. Messe, Bwv235 : Gloria : Domine Fili Unigenite
5. Messe, Bwv235 : Gloria : Qui Tollis Peccata Mundi
6. Messe, Bwv235 : Gloria : Cum Sancto Spiritu

7. Messe, Bwv234 : Kyrie
8. Messe, Bwv234 : Gloria : Gloria In Excelsis Deo
9. Messe, Bwv234 : Gloria : Domine Deus, Rex Coelestis
10. Messe, Bwv234 : Gloria : Qui Tollis Peccata Mundi
11. Messe, Bwv234 : Gloria : Quoniam Tu Solus Sanctus
12. Messe, Bwv234 : Gloria : Cum Sancto Spiritu
13. Sanctus, Bwv238 : Sanctus

Agnes Mellon (Soprano),
Barbara Schlick (Soprano),
Gerard Lesne (Contratenor)
Christoph Pregardien (Tenor),
Howard Crook (Tenor)
Peter Kooy (Baixo),

Philippe Herreweghe
Collegium Vocale Ghent (Coral e Orquestra)

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Herreweghe rezando para a Família Bolsonaro ser logo presa.

PQP

Domenico Scarlatti (1685-1757): Sonatas para Cravo (Zilberajch)

Domenico Scarlatti (1685-1757): Sonatas para Cravo (Zilberajch)

Por algum motivo, até agora nada tínhamos postado de nenhum dos Scarlattis. Neste belo CD — bastante tranquilo para o padrão de Domenico –, o pianoforte utilizado por Aline Zilberajch foi fabricado na mesma época em que Scarlatti vivia, por um elemento chamado Bartolomeo Cristofori, que é considerado o inventor do piano. O encarte do CD contém uma interessante descrição do processo de criação e fabricação do instrumento, mas não nos diz se Domenico estava apaixonado por Maria Bárbara… Reconheço que até então nunca tinha ouvido falar em Aline Zilberajch, mas fiquei surpreso ao conhecer seu currículo. Sua especialidade é exatamente este período da história da música, séculos XVII e XVIII, e é uma das principais intérpretes deste instrumento. Ah, para alegria de Clara Schumann, é uma das grandes intérpretes dos seus amados Rameau, Couperin, entre outros tantos compositores franceses que viveram entre estes séculos.

Domenico Scarlatti (1685-1757): Sonatas para Cravo (Zilberajch)

1. Sonate für Cembalo f-moll K 481 (L 187): Andante è cantabile
2. Sonate für Cembalo f-moll K 386 (L 171): Presto
3. Sonate für Cembalo D-Dur K 282 (L484): Allegro
4. Sonate für Cembalo d-moll K 213 (L 108): Andante
5. Sonate für Cembalo g-moll K 43 (L40): Allegrissimo
6. Sonate für Cembalo C-Dur K 308 (L 359): Cantabile
7. Sonate für Cembalo C-Dur K 49 (L 301): Presto
8. Sonate für Cembalo C-Dur K 133 (L 282): Allegro
9. Sonate für Cembalo g-moll K 93 (336): Fuga
10. Sonate für Cembalo D-Dur K 45 (L 265): Allegro
11. Sonate für Cembalo d-moll K 32 (L 423): Aria
12. Sonate für Cembalo d-moll K 517 (L 266): Prestissimo
13. Sonate für Cembalo G-Dur K 144: Cantabile
14. Sonate für Cembalo G-Dur K 391 (L 79): Minuet
15. Sonate für Cembalo D-Dur K 490 (L 206): Cantabile
16. Sonate für Cembalo A-Dur K 220 (L 342): Allegro
17. Sonate für Cembalo E-Dur K 216 (L 273): Allegro
18. Sonate für Cembalo e-moll K 291 (L 61): Andante

Aline Zilberajch – Pianoforte

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Com muita paciência, Aline Zilberajch explica a PQP como se escreve seu nome.

FDP

Jordi Savall (1941): Lachrimae Caravaggio

Jordi Savall (1941): Lachrimae Caravaggio

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Este CD realmente EXCELENTE tem uma curiosa origem. Ele é o resultado de uma exposição de pinturas de Caravaggio, em Barcelona, no Museu de Arte da Catalunha. A maioria da música é composta ou improvisada por Jordi Savall e o XXI Hesperion sobre peças de Gesualdo, Monteverdi e Trabaci. Há também peças incluem a voz sem palavras de Ferran Savall que são cheias de sensibilidade. Enquanto ouvia a música, ficou claro que esta é perfeita para acompanhar as pinturas de Caravaggio.

Explicando melhor: o disco é uma notável coleção de improvisações sobre obras de Monteverdi, Gesualdo, Trabaci e outros músicos barrocos. O disco NÃO É uma compilação de peças específicas do barroco, apesar de seguir-lhes o estilo. Aqui e ali há toques de modernidade. Este ponto é importante para recriar, em música, o jogo de luzes e sombras presentes no trabalho e na vida de Caravaggio, tópico lembrado e explorado no ensaio de Fernandez incluído no álbum. É um trabalho belíssimo de Savall e turma.

Jordi Savall, Dominique Fernandez: Lachrimae Caravaggio

1. Cantus Caravaggio I
2. 1. Lachrimae Tristes
3. Deploratio I
4. Planetus Caravaggio I
5. Extasis
6. Fantasia (D’apres Geualdo)
7. 2. Lachrimae Invocantis
8. Sinfoinia Di Guerra (D’apres Monteverdi)
9. Pugna & Damnatio
10. Imploratio
11. Deploratio II
12. Concentus (D’apres Rossi)
13. 3. Lachrimae Dolcissima
14. Durezze E Ligature (D’apres Trabaci)
15. Medley: Passacaglia/Umbrae
16. Medley: Cantus Caravaggio II/O Lux
17. 4. Lachrimae Amara
18. Transitio
19. Medley: Passacaglia/Libertas
20. 5. Lachrimae Dolente
21. Deploratio III
22. Consonanze Stravaganti (D’apres Trabaci)
23. Medley: Cantus Caravaggio III/Extempore
24. 6. Lachrimae Gementes
25. Spiritum Morientis
26. Liberatio
27. Deploratio IV
28. 7. Lachrimae Exultantes
29. Planctus Caravaggio II
30. Medley: Cantus Caravaggio IV/In Memoriam

Jordi Savall
Ferran Savall
Le Concert des Nations
Hesperion XXI

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Caravaggio, São Jerônimo (1600)
Caravaggio, São Jerônimo (1600)

PQP

B. Strozzi, C. Monteverdi, G. Kapsberger, G. Carissimi, G. Caccini, S. d’India, L. Rossi – La bella più bella (Roberta Invernizzi, soprano / Craig Marchitelli, arquialaúde)

Aqui, temos Barbara Strozzi junto com um monte de homens do século XVII. No meio desses compositores italianos – e Kapsberger, austríaco que viveu a maior parte da vida na Itália – fica evidente que Strozzi ocupa, com Monteverdi e mais um ou dois, um lugar de destaque: não se trata, aqui, apenas de elogiar uma das raras mulheres que publicaram música naquele século, mas sobretudo de ouvir música que merece ser ouvida por suas qualidades intrínsecas.

E essas coleções de obras de autores diferentes permitem notar as diferenças: nas duas obras de Luigi Rossi, por exemplo, incluindo a “bela mais bela” que dá o nome ao álbum, temos música realmente bela, com virtuosismo vocal, mas a forma e a harmonia são bem quadradinhas, previsíveis como uma bela canção de rádio do século XX. Já nas duas obras de Barbara Strozzi, uma de tom trágico e outra de risos cômicos, há mais liberdade e menos previsibilidade. Embora não haja uma rígida separação de movimentos, Strozzi cria momentos diferentes ao longo da mesma obra, uma das características da cantata italiana, gênero do qual ela é uma das criadoras.

Temos, então, neste disco, três tipos de obras:

a) as puramente instrumentais, tocadas pelo arquialaúde ou pela teorba, instrumentos de cordas típicos da música barroca

b) as que poderíamos chamar de canções, com toda a ação em um movimento único e mais ou menos próximas da música popular;

c) as cantatas, que iniciavam um distanciamento ainda incipiente e não rígido em relação à música vocal popular.

É preciso lembrar certos detalhes do contexto histórico: por toda a Idade Média, música escrita, via de regra, era apenas a religiosa, enquanto todos os vários tipos de música popular eram de tradição apenas oral. Após a invenção europeia da imprensa, no século XVI e sobretudo no XVII começam a existir dois tipos de música impressa, sobretudo nas grandes cidades italianas (Veneza e Roma): a música instrumental, como a de Frescobaldi e Merulo, e a música vocal não religiosa, como as desses compositores aqui gravados. Também continuavam havendo cópias manuscritas, é claro, mas o fato de existirem cópias impressas dava uma respeitabilidade àquela música, fazendo com que gente, digamos, estudiosa e metódica começasse a levar aquilo a sério.

Filha adotiva de um rico poeta veneziano herdeiro de uma família de banqueiros (provavelmente filha natural, ou seja, sua mãe não era casada com seu pai, este a adotou), Barbara Strozzi teve o que poucas mulheres tiveram em sua época: apoio familiar e renda suficiente para se dedicar ao estudo da música. Impossibilitada de fazer música para a igreja ou óperas como as de Monteverdi, ela destacou-se na música de câmara de sua época, para uma ou duas cantoras acompanhada(s) por baixo contínuo.

La bella più bella – música vocal do barroco italiano

01 Strana armonia d’amore 2:44
Giulio Romano (fl. early 17th century)

02 Son ruinato, appassionato 3:45
Benedetto Ferrari (?1603/4 – 1681)

03 Toccata V [instr.] 2:14
Alessandro Piccinini (1566 – c. 1638)

04 Dolcissimo sospiro 2:44
Giulio Caccini (1551 – 1618)

05 Dalla porta d ’Oriente 1:56
Giulio Caccini

06 Torna, deh torna 4:32
Giulio Caccini

07 Ciaccona [instr.] 1:28
Giovanni Girolamo Kapsberger (c. 1580 – 1651)

Giacomo Carissimi

08 La bella più bella 2:49
Luigi Rossi (?1597/8 – 1653)

09 Piangete, aure, piangete 7:25
Giacomo Carissimi (1605 – 1674)

10 Toccata VI [instr.] 3:13
Giovanni Girolamo Kapsberger

11 A qual dardo 3:51
Luigi Rossi

12 Udite amanti, L’Eraclito amoroso 6:02
Barbara Strozzi (1619 – 1677)

13 Mi fa rider la speranza 4:08
Barbara Strozzi

14 Tasteggio soave [instr.] 4:17
Bellerofonte Castaldi (1580 – 1649)

15 Folle è ben che si crede 2:38
Tarquinio Merula (1594/5 – 1665)

16 Cruda Amarilli 2:31
Sigismondo d’India (c. 1582 – 1629)

17 Intenerite voi, lagrime mie 2:34
Sigismondo d’India

18 Aria di Sarabanda [instr.] 3:48
Alessandro Piccinini

19 Ninna nanna 5:09
Giovanni Girolamo Kapsberger

20 Ecco di dolci raggi il sol armato 2:17
Claudio Monteverdi (1567 – 1643)

Claudio Monteverdi

21 Eri già tutta mia 2:18
Claudio Monteverdi

22 Voglio di vita uscir 4:41
Claudio Monteverdi

Roberta Invernizzi, soprano / Craig Marchitelli, arquialaúde, teorba

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A encantadora Barbara Strozzi

 

Dia Internacional da Mulher – Myriam Marbé (1931-1997) – In memoriam

Se já tão pouco se ouve a música de concerto contemporânea nos palcos e plataformas mundo afora, escuta-se ainda menos a obra de suas compositoras – e se Gubaidulina, amplamente considerada a maior entre as que vivem, é menos ouvida que merece e mais admirada que apreciada, que se dirá duma compositora já falecida, que viveu seu período mais produtivo sob o jugo duma ditadura que reprimiu sua riquíssima vanguarda musical?

Nascida na mesma Bucareste em que passou toda sua vida, a extraordinária Myriam Marbé viveu os duríssimos tempos da Romênia entre guerras, do desastroso alinhamento com o Eixo na Segunda Guerra e, por fim, da paranoia duma ditadura isolacionista. Parte da “Geração de Ouro” de compositores romenos – aquela, entre outros, de Ștefan Niculescu e Anatol Vieru -, Marbé estudou com muito interesse a música folclórica de seu país e, tanto quanto pôde, o que faziam seus colegas no restante da Europa, através de partituras e gravações que cruzavam secretamente aquelas estritas fronteiras. Sustentou-se como pianista, editando filmes (!) e dando aulas no Conservatório de sua cidade natal, ainda que nunca tenha conseguido efetivar-se em seu corpo docente devido à recusa em filiar-se ao Partido Comunista. Pelo mesmo motivo, suas composições só eram conhecidas na Romênia em círculos muito restritos, praticamente secretos, pois nada que não fosse aprovado pela Comissão Estatal para Regulamentação da Criação Artística podia ser ouvido em público, e a filiação ao Partido era pré-requisito para tal. Essas imensas dificuldades de congregação, talvez, explicam a notável individualidade de estilos dos compositores daquela vanguarda romena, entre os quais a voz de Marbé é, decididamente, uma das mais distintas.

Mesmo ante tanta repressão, os membros da “Geração de Ouro” foram professores profundamente influentes, e seus alunos que emigravam traziam consigo quase tudo o que o resto do mundo deles soube por muito tempo. As poucas e invariavelmente curtas viagens que Marbé foi autorizada a fazer, sob vigilância estrita de agentes do governo, foram suficientes para que suas obras fossem recebidas com entusiasmo e crivadas de prêmios em outros países, sobretudo na Alemanha. Seu estilo único, inspirado em estruturas arcaicas, no folclore romeno e nas ricas tradições do canto bizantino, explora as possibilidades tímbricas de conjuntos instrumentais muito peculiares e experimenta com a disposição espacial de seus integrantes. Suas obras são praticamente desprovidas de grandes gestos e cacoetes, e tudo soa tão radicalmente livre que parece buscar a abolição do compasso e da própria métrica. Ainda assim, suas composições parecem-me, se me permitem o jogo de palavras, mais extáticas que estáticas e, muito mais que acabar, simplesmente evanescer.

Fui apresentado à sua esplêndida arte através da obra que abre o álbum duplo que lhes trarei a seguir, gravado durante um seminário em sua memória, e que reúne composições de Marbé e de alguns de seus alunos e colaboradores. Eu nada sabia de Trommelbass antes de escutá-la pela primeira vez, e por isso mesmo ela levou-me à lona. Da estranheza trazida pelo seu título (que não traduzirei, para poupar a quem puder de spoilers) a quem inicialmente só escuta o áspero tecido do trio de cordas, até o momento em que o título se justifica e, antes que nos recuperemos da surpresa, percebamos a peça dissipar-se no Éter, a jornada impressiona tanto quanto o contraste entre o impacto que ela nos causa e os sucintos recursos instrumentais empregados. As peças seguintes nada ficam a lhe dever. Adoro Le Jardin Enchanté (“O Jardim Encantado”), aqui executada por sua dedicatária, Carin Levine, que explora os timbres de toda família das flautas, do flautim à flauta contrabaixo, à qual se somam alguns instrumentos de percussão, também a cargo da flautista, dispostos em oito locais diferentes. Le Parabole du Grenier (“A Parábola do Sótão”, uma referência ao “Tratado de Objetos Musicais” de Pierre Schaeffer) também foi composta para um multi-instrumentista, que aqui se reparte entre piano, cravo, celesta, glockenspiel e, ainda, carrilhão. After Nau homenageia Nausicaa, filha única de Myriam, que viveu exilada durante os últimos anos da ditadura de Ceauşescu, com uma rica trama tecida por violoncelo e órgão, a inconfundível exploração tímbrica marbeiana e um notável trabalho de transfiguração (bem mais que variação) de seus temas. Song of Ruth (“Canção de Rute”), uma de suas últimas obras, lança mão de um quinteto de violoncelos para entoar uma salmódia sefardita num estilo afeito ao da Europa Ocidental, numa referência tanto à história bíblica da moabita que veio viver como estrangeira entre os israelitas, quanto às raízes do pai de Marbé, um médico microbiologista que (nenhuma surpresa) quis que ela também fosse médica, do que foi salva pela mãe pianista. Acima de todas, é Le Temps Retrouvé (“O Tempo Reencontrado”) sua composição que mais me entusiasma. O título remete ao último tomo de “Em Busca do Tempo Perdido” de Proust, e o tempo reencontrado, nas palavras da própria compositora, é aquele “livre e longo, que se desenvolve vagarosamente, e não é governado por qualquer indicação específica de andamento, nem por proporções métricas”. Escrita para um coro de voz, flauta doce e violas (de braço e da gamba) na companhia dum cravo, é duma beleza acachapante e, para mim, a mais emblemática dessa mestra maior da Música do século XX. A grandeza e sua obra e sua corajosa resistência a um regime totalitário justificam sua escolha para receber, em nome de todas as mulheres e de suas tantas lutas, nossa homenagem nesse 8 de março – e também, assim esperamos, a atenção de nossos leitores-ouvintes.

Myriam Lucia MARBÉ (1931-1997)

1 – Trommelbass (1985), para trio de cordas e tambor

Katharinen-Trio
Andreas Csibi, tambor

2 – Le Jardin Enchanté (1991), para flautas e percussão ad libitum

Carin Levine, flautas transversas

3 – Le Parabole du Grenier (1975-76), para um intérprete

Cristian Niculescu, piano, cravo, celesta, glockenspiel e carrilhão

4 – Le Temps Retrouvé (1982), para mezzo-soprano, flauta doce, três violas, violas da gamba contralto e tenor e cravo

Maria Jonas, soprano
Jeremias Schwarzer, flauta doce
Thomas Beimel, Larissa Gromotka e Sebastian Thien, violas
Verena Kronseder e Michael Vebert, violas da gamba
Oscar Milani, cravo

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Volker BLUMENTHALER (1951)

1 – Tableaux fugitives (1988) para contralto e orquestra de câmara, sobre texto de Charles Baudelaire

Marion Steingötter, contralto
Kammerensemble der Musikhochschule Nürnberg-Augsburg
Franz Killer, regência

Dinu GHEZZO (1941-2011)

2 – Footsteps of Cassandra (1996), para eletrônicos e três intérpretes

Dinu Ghezzo, piano
Jeremias Schwarzer, flauta doce
Guenter Priesner, saxofone

Thomas BEIMEL (1967-2016)

3 – SAETA (1998), para seis vozes femininas

Vokalsextett der Musikhochschule Nürnberg-Augsburg
Bernd Dietrich, regência

Myriam MARBÉ

4 – After Nau (1987), sonata para violoncelo e órgão

Cornelius Boensch, violoncelo
Gunther Rost, órgão

Violeta DINESCU (1953)

5 – Zeitglocken für Myriam (2000), para duas vozes e conjunto instrumental

Anne-Marie Wirz, declamação
Maria Jonas, mezzo-soprano
Trio Diritto, flautas doces
Carin Levine, flauta transversa
Verena Kronseder e Michael Weber, violas da gamba
Thomas Beimel, Larissa Gromotka e Sebastian Thien, violas
Oscar Milani, cravo

Myriam MARBÉ

6 – Song of Ruth (1997), para cinco violoncelos

Violoncelloquintett der Musikhochschule Nürnberg-Augsburg

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Gravações realizadas entre 18 e 21 de novembro de 2000 na Igreja Santa Martha em Nürnberg, Alemanha, durante o simpósio “Myriam Marbé”, organizado pela Escola Superior de Música Nürnberg-Augsburg.

Meus agradecimentos ao colega itadakimasu, que não só me alcançou gentilmente uma cópia desse raro álbum como também a mim confiou sua divulgação neste blog.

Myriam em Haarlem, Países Baixos, em 1994. Foto de Camilla van Zuylen, fornecida pelo Instituto Sophie Drinker de Bremen, Alemanha, para uso gratuito, com indicação dos direitos autorais para uso em domínio público (https://www.sophie-drinker-institut.de/galerie)

Vassily

Sofia Gubaidúlina (n. 1931): Concerto para Fagote, Detto 2, Rubaiyat, Misterioso (Popov, fagote; Monighetti, cello; Yakovenko, barítono)

Nascida em 1931 na República Soviética Tártara – onde a língua materna, além do russo, é o tártaro, idioma da família túrquica -, Sofia Gubaidúlina sempre teve uma ampla gama de interesses ligados às suas raízes. Tendo se mudado para Moscou em 1954, ela funda ali, nos anos 1970, um grupo voltado para a pesquisa de instrumentos raros da Rússia, do Cáucaso e da Ásia Central, chegando assim a ideias sonoras diferentes daquelas das grandes capitais, mesmo que naquele momento ela vivesse em uma metrópole. É possível, então, compará-la com Bartók, compositor em quem o profundo amor pela música popular significou uma relativa independência do mainstream das vanguardas de sua época – nos tempos de Bartók, isso significa que ele não se tornou um imitador de Debussy ou de Stravinsky, apesar da grande admiração por ambos; já para Gubaidúlina, isso significa que ela teve contato com as novidades ocidentais de Paris, New York e Darmstadt sem precisar correr exatamente na mesma pista que os outros.

Os instrumentos graves frequentemente têm destaque na música de Gubaidúlina: suas obras de câmara com contrabaixo e/ou violoncelo são dezenas, algumas já tendo aparecido aqui como é o caso dos Prelúdios para cello (1974), outras menos conhecidas como a Sonata para contrabaixo e piano (1975) e “Ein Engel” para contralto e contrabaixo (1994). Assim, é no meio desses interesses sonoros e preferências tímbricas que se situa uma de suas obras-primas, o Concerto para fagote e cordas graves (1975), dedicado ao fagotista Valeri Popov, que é também o solista neste álbum.

Gubaidúlina argumentou mais de uma vez que seu objetivo como compositora é utilizar a expressão musical como modo de ligação entre as pessoas nas complexas situações da contemporaneidade. No seu Concerto para Fagote, de sonoridade tão grave e peculiar mas ao mesmo tempo com humor, ela mostra que essas palavras vão além da simples retórica.

Detto II (1972), para violoncelo e orquestra de câmara, é mais uma dessas obras com destaque para os sons graves. Misterioso, para 7 percussionistas (1977) e a cantata Rubaiyat (1969), para barítono e orquestra, baseada em poemas persas, são duas obras que mostram a compositora se equilibrando entre cosmopolitismo e suas raízes na Ásia Central, sem nunca cair em orientalismos previsíveis como os dos velhos russos Rimsky-Korsakov e Glazunov.

Importante lembrar ainda que neste disco da Melodiya todas as obras e quase todas as gravações (exceto a de Misterioso, feita em 1992) são do período em que a compositora era pouco prestigiada pelos formadores de opinião soviéticos, já que sua música não corresponderia perfeitamente às exigências do realismo socialista formulado pelos tecnocratas. Mas Gubaidúlina não se curvou aos autoproclamados especialistas, preferindo seguir sua própria intuição e os conselhos de Shostakovich, que nos anos 1950, disse a ela, contrariamente aos professores do Conservatório que a criticavam: “meu desejo é que você permaneça no seu caminho incorreto” (aqui). Além de Shosta, ela teve uma pequena ajuda de outros amigos que entendiam de música mais do que os burocratas do partido: o regente Gennadi Rozhdestvensky, o compositor Alfred Schnittke e o violinista Gidon Kremer ajudaram a música de Gubaidúlina a atingir um público maior, o que tem acontecido sobretudo após 1990.

SOFIA GUBAIDÚLINA (1931):
1. Rubaiyat, Cantata for Baritone and Chamber Ensemble
Sergei Yakovenko, bariton
Chamber Ensemble
Gennadi Rozhdestvensky

2. Detto II, for Cello and Chamber Orchestra
Ivan Monighetti, cello
Chamber Ensemble
Yuri Nikolaesvsky

3. Misterioso, for 7 Percussion Instruments
Bolshoi Theatre Percussion Ensemble
Victor Grishin

4-8. Concerto for Bassoon and Low Strings
Valeri Popov, bassoon
Chamber Ensemble
Pyotr Meshchaninov

Recorded in Moscow: 1977 (1); 1977 (2); 1992 (3); 1978 (4-8)

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE – mp3 320 kbps

Pleyel

.: interlúdio :. Hermeto Pascoal: Slaves Mass

.: interlúdio :. Hermeto Pascoal: Slaves Mass

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Quem quiser piratear os meus discos, pode ficar à vontade. Desde que seja para ouvir uma boa música. (…) Mesmo o meu trabalho em gravadoras, o povo tem mais é que piratear tudo. Isso não é revolução. O que queremos é mostrar essa música universal. Porque isso não toca em rádio nem aparece na capa do jornal. Sabe o que Deus falou? Muita gente pensa que é só para transar. Mas, não. “Crescei e multiplicai-vos”. Isso é em todos os sentidos. Vamos crescer na maneira de ser e multiplicar o que tem de bom. Sem barreiras. A música é universal. Eu toco no mundo inteiro e é sempre lotado. Eu só cheguei a isso porque os meus discos são pirateados, estão à vontade na Internet.

O único motivo para Hermeto Pascoal não estar no Olimpo da humanidade – como Davis, Corea, Coleman ou Monk – é o fato de ter nascido na América do Sul. Fosse europeu ou norte-americano, seria um pilar da história da música e do jazz. Já é, mas a falta de reconhecimento, popularidade e admiração lhe tomam o lugar que deveria ocupar. Não que essas coisas preocupem, ou pareçam ter algum dia preocupado o velho bruxo. Hermeto é um artista que cabe naquela acepção tão cara a Adorno: um ungido pelos deuses e destinado a produzir sua arte sem que nada além importe, sem que nada se interponha. De muito criança já improvisava pífanos em galhos de mamona. Aprendeu a tocar o acordeão do pai aos 7. Isso em Lagoa da Canoa, um (hoje) município de 20 mil habitantes no estado de Alagoas.

Estas três últimas frases, de certa forma, podem definir muito bem a trajetória de Hermeto. Gênio inquieto, construtor de instrumentos, improvisador, extravagante. Seu estilo vocal de fazer jazz e misturá-lo a sonoridades típicas brasileiras – seja no estilo, como o choro, samba e baião, seja nos instrumentos, como o acordeão e a chaleira – pode tanto mostrar um maestro formidável quanto um ser humano que só pode haver dando vazão à tudo que sai de si como música. Quase como uma respiração ao contrário. Este Slaves Mass, de 1976, seu segundo álbum, foi quem sedimentou o nome de Hermeto no cenário do jazz mundial, onde se consagraria três anos depois, no festival de Montreaux. Além do talento imaginativo de Hermeto, notam-se influências de Wayne Shorter, Cannonball Adderley (a quem foi dedicada a faixa 4), Joe Zawinul (aqui, pode ser um exagero deste cão; mas não consigo escutar as notas brilhantes do Fender Rhodes sem pensar nele) e Miles Davis, principalmente no fusion de Star Trap. Sobre Miles e Hermeto, aliás, mais em breve.

A edição trazida aqui é a de 2004, que conta com três faixas bônus. Pela duração, é quase um outro disco-gêmeo, mais solto nas jams, generoso em harmonias cromáticas. Os arquivos estão compactados independentemente (a parte 2 contém apenas a última música).

Para quem conhece pouco do bruxo, um aviso: fique de ouvidos abertos. Que aos 72, segue lotando os lugares onde pisa, em qualquer uma das cinco formações utilizadas para se apresentar – Hermeto Pascoal e Grupo, Hermeto Pascoal e Aline Morena (sua esposa), Hermeto Pascoal Solo, Hermeto Pascoal e Big Band e Hermeto Pascoal e Orquestra Sinfônica. Quando não está viajando, mora em Curitiba. É o músico mais carismático, e grato, que já vi de verdade.

Muita gente confunde inovar com idade, com números. Muita gente pensa que, quando um menino pega um violão e sai cantando, o povo acha que aquilo é coisa nova. Tem muita gente de 18 anos tocando coisas velhas e quadradas. (…) Não é que o velho seja ruim. Mas o novo tem nascido tão velho.

Hermeto Pascoal – Slaves Mass (vbr)
Hermeto Pascoal: voz, piano, piano Rhodes, clavinet, flauta, sax soprano
David Amaro: guitarra, violão, violão 12
Alphonso Johnson: baixo, efeitos especiais
Raul de Souza: trombone
Chester Thompson: bateria
Airto Moreira: bateria, percussão, porcos
Ron Carter: contrabaixo acústico
Flora Purim: voz
Produzido por Kerry McNabb para a Warner

01 Mixing Pot 9’18
02 Slaves Mass 4’19
03 Little Cry for Him 2’11
04 Cannon 5’20
05 Just Listen 7’08
06 That Waltz 2’46
07 Cherry Jam 11’45
08 Open Field 4’25
09 Pica Pau [take 1] 14’20
10 Star Trap [part 2] 15’45

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Se você não amar Hermeto, vai amar quem?

Boa audição!

G. F. Handel (1685-1759): Concerti Grossi, Op. 3, Nos. 1-6 (Northern Sinfonia, Creswick)

G. F. Handel (1685-1759): Concerti Grossi, Op. 3, Nos. 1-6 (Northern Sinfonia, Creswick)

Os seis Concerti Grossi Op. 3 de Handel nunca sofreram uma superexposição no catálogo de CDs e, de fato, a atenção consideravelmente maior dada ao Op. 6 é justificada. Com exceção do Concerto nº 4, estes são exemplos bastante comuns da habilidade de Handel como melodista. Não me interpretem mal, esta não é música de segunda categoria, mas é menor do que as do habitual Handel, o de primeira categoria. Ao contrário das obras posteriores do gênero, a maioria delas dá um papel solo dominante ao oboé (ou oboés) e, o que não é incomum para Handel, ele às vezes recicla material usado em outros lugares. O Concerto nº 4 é a única obra deste grupo que realmente se destaca das demais, desde a abertura francesa. Aqui temos não somente um gostinho do trabalho de um mestre talentoso, mas de um compositor superior. Em tudo isso, a Northern Sinfonia vai muito bem. É certamente agradável de ouvir, mas dá vontade de ouvir aquele outro Handel.

G. F. Handel (1685-1759): Concerti Grossi, Op. 3, Nos. 1-6 (Northern Sinfonia, Creswick)

Concerto Grosso in B-Flat Major, Op. 3, No. 1
1 I. Allegro 02:48
2 II. Largo 04:42
3 III. Allegro 01:20

Concerto Grosso in B-Flat Major, Op. 3, No. 2, HWV 313
4 I. Vivace 01:48
5 II. Largo 02:43
6 III. Allegro 01:55
7 IV. Moderato 01:57
8 V. Allegro 03:23

Concerto Grosso in G Major, Op. 3, No. 3
9 I. Largo, e staccato 00:23
10 II. Allegro 02:27
11 III. Adagio 00:59
12 IV. Allegro 02:59

Concerto Grosso in F Major, Op. 3, No. 4
13 I. Andante – Allegro 03:51
14 II. Andante 02:08
15 III. Allegro 01:25
16 IV. Minuetto alternativo: Allegro 02:44

Concerto Grosso in D Minor, Op. 3, No. 5
17 I. Largo 01:38
18 II. Fuga: Allegro 02:08
19 III. Adagio 01:36
20 IV. Allegro, ma non troppo 01:57
21 V. Allegro 02:43

Concerto Grosso in D Major, Op. 3, No. 6, HWV 317
22 I. Vivace 02:38
23 II. Allegro 03:53

Total Playing Time: 54:05

Conductor(s): Creswick, Bradley
Northern Sinfonia

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O pessoal está ensaiando, mas Handel só quer saber das moças. (Marco Ricci, 1709)

PQP

.: interlúdio :. Return to Forever: The Mothership Returns

.: interlúdio :. Return to Forever: The Mothership Returns

Estava caminhando na rua quando este CD começou a tocar. Logo pensei, ih, fusion, vou detestar. Mas depois algo de enorme categoria entrou pelos meus ouvidos. Parecia o time do Inter treinado por Coudet, nada da grossura gremista.

Bem, finalmente, em 2012, a nave-mãe retornou! O RTF estava de volta com seu quinto disco ao vivo, e que disco! A banda podia estar envelhecendo, mas de forma alguma seu talento diminuiu. Esta formação, que foi apelidada de Return to Forever IV para a turnê, tem algumas mudanças em relação à formação clássica: Frank Gambale assume as funções de guitarra de Al Di Meola, e Jean-Luc Ponty acrescenta sua experiência de violino ao conjunto. The usual suspects – Chick Corea, Stanley Clarke e Lenny White – estão presentes. A primeira coisa que notei ao ouvir esse álbum foi a qualidade do som, que é incrivelmente rica e completa para uma gravação ao vivo. Embora o som aqui seja praticamente com a qualidade de estúdio, a crueza da performance ao vivo ainda é capturada. No que diz respeito ao material, este álbum duplo contém uma mistura contundente de elementos elétricos e acústicos. A música aqui consiste predominantemente das obras clássicas do grupo. É justo dizer que o material resistiu ao teste do tempo, com as composições de Chick Corea, principalmente, permanecem interessantes com suas estruturas complexas e bem pensadas que ainda deixam muito espaço para improvisação. Falando em improvisação, praticamente todas as músicas apresentam um extenso solo de cada um dos músicos. Não é incomum que uma música tenha mais de dez minutos de solos. No entanto, estes são alguns dos melhores instrumentistas fusion e eles sabem como manter um solo envolvente. Algumas das performances aqui são realmente alucinantes! Os músicos são excepcionais. Cada faixa é especial tanto na composição quanto na performance) e não sei mais o que dizer para te convencer.

.: interlúdio :. Return to Forever: The Mothership Returns

1 Medieval Overture – Written-By – Chick Corea 6:03
2 Señor Mouse – Written-By – Chick Corea 12:10
3 The Shadow Of Lo / Sorceress – Written-By – Lenny White 16:05
4 Renaissance – Written-By – Jean-Luc Ponty 19:40
7 After The Cosmic Rain – Written-By – Stanley Clarke 16:52
6 The Romantic Warrior – Written-By – Chick Corea 18:20
7 Concierto De Aranjuez / Spain – Written-By – Chick Corea, Joaquín Rodrigo 8:12
8 School Days – Written-By – Stanley Clarke 11:21
9 Beyond The Seventh Galaxy – Written-By – Chick Corea 3:44

Drums – Lenny White
Electric Bass, Acoustic Bass – Stanley Clarke
Guitar – Frank Gambale
Piano, Keyboards – Chick Corea
Violin – Jean-Luc Ponty

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Os Rolling Stones

PQP

Franz Schubert (1797-1828): Sonata para Arpeggione e Piano D. 821 / Quinteto de Cordas D. 956 (Deletaille, Badura-Skoda, Quatuor Rosamonde)

Franz Schubert (1797-1828): Sonata para Arpeggione e Piano D. 821 / Quinteto de Cordas D. 956 (Deletaille, Badura-Skoda, Quatuor Rosamonde)

51ZhTFFnS+LIM-PER-DÍ-VEL !!!

Gravação muito interessante, combinando a Sonata “Arpeggione” de Schubert tocada no instrumento que lhe deu o nome, e uma poderosa interpretação do Quinteto para cordas D. 956, aquele com dois violoncelos.

O arpeggione, para quem não sabe, é um instrumento de cordas com o feitio e as seis cordas de cordas de um violão, mas tocado com o arco à maneira de um violoncelo. Ele teve uma breve voga no começo do século XIX, e a única peça que sobreviveu de seu repertório é a Sonata em Lá maior de Schubert, publicada quase cinquenta anos depois de sua morte, quando o arpeggione já era quase só encontrado em museus, e a Sonata, propriedade de violistas e violoncelistas do mundo.

O violoncelista Nicolas Deletaille, que é acompanhado na Sonata pelo incansável Paul Badura-Skoda, dedica-se a reviver o arpeggione e ampliar seu repertório, tanto através de transcrições quanto por obras originais comissionadas de compositores contemporâneos. No encarte, ele expõe detalhadamente a história do instrumento e suas peculiaridades, entre as quais a notórias dificuldades de articulação, ilustradas pelas várias “escorregadas” que Deletaille dá nesta gravação que, apesar delas, é muito boa.

Quando ele, entretanto, deixa o arpeggione e une seu violoncelo ao Quarteto Rosamunde, o resultado é uma interpretação inesquecível do Quinteto D. 956 de Schubert, sua última obra de câmara.

Vassily Genrikhovich

Grande disco, grande disco! Talvez a dupla Deletaille e Badura-Skoda façam uma Arpeggione apenas boa, mas o Rosamonde garante uma linda interpretação do esplêndido Quinteto 956 de Schubert. Este poderoso quinteto — que tem o mais delicado dos Adágios (o qual também possui um trecho vigoroso) — é uma das peças preferidas deste humilde escriba que vos serve. Preparem-se porque é chumbo grosso e do bom (ui!).

Neste disco temos um dos melhores resumos de Schubert. Na Arpeggione, o estupendo melodista; no Quinteto, o criador de estruturas. Enquanto a primeira é ouvida no sentido horizontal, a outra é ouvida verticalmente.

Franz Schubert (1797-1828): Sonata para Arpeggione e Piano D. 821 / Quinteto de Cordas D. 956 (Deletaille, Badura-Skoda, Quatuor Rosamonde)

1. Sonata for Arpeggione and Pianoforte In A Minor, D. 821: I. Allegro moderato 11:33
2. Sonata for Arpeggione and Pianoforte In A Minor, D. 821: II. Adagio 3:27
3. Sonata for Arpeggione and Pianoforte In A Minor, D. 821: III. Allegretto 9:05

Nicolas Deletaille, arpeggione
Paul Badura-Skoda, pianoforte

4. String Quintet In C Major, D. 956: I. Allegro ma non troppo 20:02
5. String Quintet In C Major, D. 956: II. Adagio 13:35
6. String Quintet In C Major, D. 956: III. Scherzo: presto – Trio: andante sostenuto – Scherzo: presto 10:04
7. String Quintet In C Major, D. 956: IV. Allegretto 9:17

Quatuor Rosamonde + Nicolas Deletaille, violoncelo

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Quatuor Rosamonde
Quatuor Rosamonde

PQP

BRUCKNER 200 ANOS! Anton Bruckner (1824-1896): Sinfonia Nº 9 (Wand / Berliner)

BRUCKNER 200 ANOS! Anton Bruckner (1824-1896): Sinfonia Nº 9 (Wand / Berliner)

Günter Wand (1912-2002) foi, junto com Jochum e Celibidache, um dos maiores especialistas em Bruckner. Gravou toda a obra. Já bem velhinho, regravou tudo e nada de morrer. Ao contrário, parecia cada vez mais vivo, ativo e competente. Gostava de andamentos rápidos — um anti-Celibidache — e acelerava Bruckner, para desespero de alguns. Posso dizer que adoro o jeitinho dele (Wand). Ao final de sua produtiva existência, era um velhinho curvado que demonstrava uma energia de Madonna quando ouvia os primeiros acordes de uma orquestra. Suas integrais de Schubert e Brahms também são referência. Há em DVD e você deveria ver tudo isso.

Anton Bruckner (1824-1896): Sinfonia Nº 9 (Wand / Berliner)

Symphony No. 9 em Ré Menor de Anton Bruckner (Ed. Nowak)
1. Symphonie Nr. 9 d-moll: 1. Feuerlich, misterioso
2. Symphonie Nr. 9 d-moll: 2. Scherzo. Bewegr, lebhaft – Trio, Schnell
3. Symphonie Nr. 9 d-moll: 3. Adagio. Langsam, feierlich

Günter Wand
Berlin Philharmonic Orchestra

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Wand larga aquele Olhar 43 para o povo pequepiano.

PQP

Gubaidúlina: Chaconne / Denisov: Três Prelúdios / Silvestrov: Sonata nº 1 | Ustvolskaya: Sonata No. 6 / Pärt: Für Alina, Partita / Schnittke: Sonata nº 3 (Olga Andryushchenko, piano)

O dia internacional da mulher está chegando, então já começamos março com uma obra curta e grossa de Sofia Gubaidúlina (nasc. 1931), uma pedrada no bom sentido, que mostra por que ela é uma das compositoras/es mais fascinantes do fim do século XX e início do XXI, com originalidade associada a reinterpretações de tradições anteriores. Na sua Chacona para piano, composta quando ela tinha pouco mais de 30 anos, Gubaidulina já começa com acordes potentes à maneira dos melhores momentos do pianismo de Rachmaninoff. Mas é só no som exagerado que ela lembra Rach: os encadeamentos melódicos lembram um pouco Shostakovich lá pelo meio da Chacona, mas não o tempo todo. Enfim, uma obra de peso que mostra Gubaidulina pau a pau com os homens do disco, aliás melhor do que alguns deles.

O álbum, todo dedicado a nomes da antiga União Soviética, tem uma obra de outra mulher: Galina Ustvolskaya (1919-2006). Ainda não entendi bem qual é a de Ustvolskaya: tanto aqui como no seu concerto para piano na gravação de Alexei Lubimov, me senti como alguém que não entende a piada. E dos quatro compositores homens – Denisov, Schnittke, Pärt e Silvestrov – meu preferido é este último. Como já disse aqui, Silvestrov alcançou uma fama maior após os 80 anos de idade. Em 2017, quando o álbum foi gravado, ele ainda era pouco conhecido, ao menos em nossas terras tropicais.

A russa Olga Andryushchenko estudou no Conservatório de Moscou, em cuja grande sala, aliás, ela gravou este disco. Estudou com o já citado Lubimov, grande pianista que entende muito tanto dos instrumentos da época de Mozart quanto dos compositores contemporâneos do leste europeu, tendo estreado várias das obras dessa galera.

Sofia Gubaidulina:
1. Chaconne (1962)

Edison Denisov:
2-4. Three Preludes (1994)

Valentin Silvestrov:
5-6. Piano Sonata No. 1 (1972)
I. Moderato, con molta attenzione, II. Andantino

Galina Ustvolskaya:
7. Piano Sonata No. 6 (1947)

Arvo Pärt:
8 Für Alina (1976)
9-12. Piano Partita, Op. 2 (1958)
I. Toccatina, II. Fughetta, III. Larghetto, IV. Ostinato

Alfred Schnittke:
13-16. Piano Sonata No. 3 (1992)
I. Lento, II. Allegro, III. Lento, IV. Allegro

Olga Andryushchenko, piano
Recorded at the Grand Hall of the Moscow Conservatory in July, 2017

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Sofia Gubaidúlina (é assim a pronúncia russa do sobrenome)

Pleyel

Georg Friedrich Handel (1685-1759): Sonatas para Violino e Cravo (Kurosaki, Christie)

Georg Friedrich Handel (1685-1759): Sonatas para Violino e Cravo (Kurosaki, Christie)

É um excelente CD, tão bom quanto aquele que postei dia desses com Andrew Manze e Richard Egarr. Acho que a dupla nipo-americana tem mais humor que Manze-Egarr. Há falhas em duas faixas (arquivos) da primeira sonata do CD — elas terminam abruptamente –, mas não tenho como fazer a correção, pois encontrei-as na rede. Christie é o regente, criador e dono do excelente conjunto Les Arts Florissants e Kurosaki seu primeiro violinista. Hiro Kurosaki traz uma técnica poderosa e bom senso musical às sonatas para violino de Handel. Na primeira Sonata deste CD, a HWV372, ele toca o Adagio de abertura de maneira suave e doce, e traz uma articulação esplendidamente nítida ao Allegro que se segue, com suas múltiplas paradas, e é igualmente enérgico no final. Admirei, também, a cantilena expressiva no movimento de abertura da HWV 364 e, ainda que um pouco ofegante, a execução rápida e vistosa do segundo movimento e também a execução suave e sutil da giga final. Um belo trabalho.

Devo mencionar que o CD começa e termina com sonatas que a maioria das autoridades considera não serem de Handel, os HWV372 e 370.  São peças menores, mas a autoria de Handel não pode ser totalmente descartada.

Georg Friedrich Handel (1685-1759): Sonatas para Violino e Cravo (Kurosaki, Christie)

Violin Sonata In A Major Hwv 372 Op 1/10
1. Adagio
2. Allegro
3. Largo
4. Allegro

Violin Sonata In G Minor Hwv 364 Op 1/6
5. Larghetto
6. Allegro
7. Adagio
8. Allegro

Violin Sonata In D Major Hwv 371 Op 1/13
9. Affettuoso
10. Allegro
11. Larghetto
12. Allegro

Violin Sonata In A Major Hwv 361 Op 1/3
13. Andante
14. Allegro
15. Adagio
16. Allegro

Violin Sonata In D Minor Hwv 359a
17. Grave
18. Allegro
19. Adagio
20. Allegro

Violin Sonata In G Major Hwv 358
21. (Allegro)
22. (Adagio)
23. (Allegro)

Violin Sonata No 12 In F Major Hwv 370
24. Adagio
25. Allegro
26. Largo
27. Allegro

Hiro Kurosaki, violino.
William Christie, cravo, órgão.

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PQP

Ludwig van Beethoven (1770-1827): Trios para Cordas (Mutter, Giuranna, Rostropovich)

Ludwig van Beethoven (1770-1827): Trios para Cordas (Mutter, Giuranna, Rostropovich)

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Os Trios de Cordas Op. 9 são frequentemente descartados como trabalhos de treino – o Mestre se preparando para seu primeiro ataque sério ao Quarteto. Pfff… Como qualquer compositor lhe dirá, esta é uma maneira bastante estranha de preparação: o Trio de Cordas é um meio particularmente difícil de dominar. No Op. 9, Beethoven dominou-o totalmente, e a inclusão neste conjunto do Op. 3 Trio nos mostra como ele remodela outro grande trio, o Divertimento de Mozart, K563. Então, um conjunto “educacional”? Não! Os três Op. 9 Trios são obras esplêndidas: vivas, engenhosas e cheias de poesia. Anne-Sophie Mutter pode ser um pouco feroz às vezes, especialmente na abertura do Op. 3, mas ela pode. Os humores e os tempos são bem avaliados. Apesar da seriedade predominante, Mutter, Giuranna e Rostropovich também são sensíveis ao senso de humor travesso do jovem Beethoven – mesmo no Op. 9 No. 3 (Dó menor nem sempre significa tragédia para Beethoven). Mutter está beethoveniana, sensacional e ousada, Rostropovich é sozinho uma orquestra e o violista é tri afinado. Não dá pra pedir mais.

Ludwig van Beethoven (1770-1827): Trios para Cordas (Mutter, Giuranna, Rostropovich)

CD 1

1. String Trio in E flat, Op.3 – 1. Allegro con brio
2. String Trio in E flat, Op.3 – 2. Andante
3. String Trio in E flat, Op.3 – 3. Menuetto (Allegretto)
4. String Trio in E flat, Op.3 – 4. Adagio
5. String Trio in E flat, Op.3 – 5. Menuetto (Moderato)
6. String Trio in E flat, Op.3 – 6. Finale (Allegro)

7. Serenade for String Trio in D, Op.8 – 1. Marcia (Allegro – Adagio)
8. Serenade for String Trio in D, Op.8 – 2. Menuetto (Allegretto)
9. Serenade for String Trio in D, Op.8 – 3. Adagio – Scherzo (Allegro molto) – Adagio (Tempo I) – Allegro molto
10. Serenade for String Trio in D, Op.8 – 4. Allegretto alla Polacca
11. Serenade for String Trio in D, Op.8 – 5. Thema con Variazioni: Andante quasi Allegretto – Variations I -IV – Marcia. Allegro

CD 2

1. String Trio in G major, Op.9, no.1 – 1. Adagio – Allegro con brio
2. String Trio in G major, Op.9, no.1 – 2. Adagio, ma non tanto, e cantabile
3. String Trio in G major, Op.9, no.1 – 3. Scherzo (Allegro)
4. String Trio in G major, Op.9, no.1 – 4. Presto

5. String Trio in D major, Op.9, no.2 – 1. Allegretto
6. String Trio in D major, Op.9, no.2 – 2. Andante quasi allegretto
7. String Trio in D major, Op.9, no.2 – 3. Menuetto (Allegro)
8. String Trio in D major, Op.9, no.2 – 4. Rondo (Allegro)

9. String Trio in C minor, Op.9, no.3 – 1. Allegro con spirito
10. String Trio in C minor, Op.9, no.3 – 2. Adagio con espressione
11. String Trio in C minor, Op.9, no.3 – 3. Scherzo (Allegro molto e vivace)
12. String Trio in C minor, Op.9, no.3 – 4. Finale (Presto)

Anne-Sophie Mutter – Violin
Bruno Giuranna – Viola
Mstislav Rostropovich – Cello

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“Chega de objetificar a Mutter no PQP Bach!”, grita Rostrô.

PQP

All in a Garden Green: Quatro Estações na Música Inglesa (Le Tendre Amour)

All in a Garden Green: Quatro Estações na Música Inglesa (Le Tendre Amour)

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Uma deliciosa coleção de canções inglesas do século XVII, construída em torno da influência das quatro estações e mostrando o grande entusiasmo pela música, especialmente pela produção musical amadora, que ocorreu durante esta época.

Bem, durante a Commonwealth of England (c.1649-1660), a música desapareceu quase inteiramente das ocasiões religiosas e da corte. A utilização de instrumentos e música nas igrejas foi proibida e os órgãos foram destruídos por ordem do regime – por isso o público recorreu aos músicos das aldeias e das tabernas, às danças do campo e novos locais para fazer música foram criados. Coincidindo com o declínio do madrigal elisabetano, a música folclórica e os cenários dos poetas famosos da época eram populares; da mesma forma, variações de teclado em melodias dançantes e canções românticas para voz e alaúde estavam na moda, e isso continuou nos anos da Restauração sob Charles II. A influência do monarca pode ser detectada no estilo francês de algumas das obras posteriores, apresentando oboé e grandes grupos de cordas.

Esta efusão de música inspirada é capturada perfeitamente nesta nova, interpretada esplendidamente e com rara e sensibilidade pelo Ensemble Le Tendre Amour — grupo de Barcelona liderado por Katy Elkin e Esteban Mazer. Os compositores apresentados incluem Purcell, Playford, Morley, Croft, Lawes, Byrd, Eccles, Ravenscroft e, claro, muitas obras anônimas. Da música camponesa bucólica a peças sofisticadas para um público urbano gentrificado, a música fornece uma trilha sonora vívida para a vida no mundo turbulento da Inglaterra do século XVII. Tudo aqui é ótimo, mas destaco especialmente as obras de Purcell e mais as belíssimas faixas 10, 17 e 25 (que é de Purcell).

E quem souber quem é a maravilhosa soprano do CD, favor informar nos comentários!

All in a Garden Green: As Quatro Estações na Música Inglesa (Le Tendre Amour)

1 pub. John Playford: Chirping of the Nightingale / Chirping of the Lark
2 William Byrd: John come kiss me now
3 Nicola Matteis: Va poco di manera Italiana / Aria Amorosa
4 Nicholas Lanier: No more shall meads be deckt with flowers
5 Godfrey Finger: Ciaccona
6 pub. John Playford: Glory of the West / The Goddesses
7 William Lawes: Can beauty’s spring
8 Henry François de Gallot: Chaconne
9 Anonymous: Now ye spring is come
10 Nicola Matteis: Ground after the Scotch Humour
11 attrib. William Croft: Ground in C minor
12 Henry Purcell: Sweeter than Roses
13 pub. John Walsh: Greensleeves
14 pub. John Playford: All in a Garden Green / Onder een linde groen
15 pub. John Playford: Stanes Morris / The Glory of the Sun
16 Thomas Morley: O Mistress Mine
17 William Byrd: The Woods so Wild
18 Anonymous: The Chestnut / Autumn
19 Nicola Matteis: Aria
20 pub. John Playford: Cold and Raw
21 Henry Purcell: When a cruel long winter
22 Thomas Ravenscroft: Remember O Thou Man
23 pub. John Playford: Virgin Queen / An Italian Rant
24 John Eccles: A Division on a Ground
25 Henry Purcell: Here the Deities approve

Le Tendre Amour

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Le Tendre Amour (não me perguntem sobre o cenário)

PQP

Prokofiev (1891-1953) – Britten (1913-1976) – Bizet (1838-1875): Sinfonias Simples – Orpheus Chamber Orchestra ֎

Prokofiev (1891-1953) – Britten (1913-1976) – Bizet (1838-1875): Sinfonias Simples – Orpheus Chamber Orchestra ֎

 

Prokofiev – Britten

Bizet

Sinfonias

Opheus Chamber Orchestra

 

Clássica, Simples e ‘em dó maior’ são os nomes de três lindas sinfonias que surgiram ao lado de obras gigantescas do gênero, mas que nunca deixaram de encantar as audiências, desde que se tornaram conhecidas.

Prokofiev escreveu sua Sinfonia Clássica, a primeira de sua carreira, inspirado nas obras de Haydn e Mozart. Ele estudava também regência naqueles dias e as aulas eram sobre como reger as sinfonias de Haydn. Isso deve ter sido ponto de partida para esse ‘exercício de composição’, especialmente para quem compunha essencialmente para piano, durante os fins de 1916 e setembro de 1917. Você deve ter percebido que isso foi exatamente no período em que ocorreu a Revolução de 1917. Veja mais detalhes sobre essa obra nessa interessante página aqui.

Quando nossos músicos e professores de inclinação clássica (que na minha opinião nada mais são do que falsos clássicos) ouvirem esta sinfonia, começarão a gritar sobre mais um ato atrevido cometido por Prokofiev e que ele não pode nem deixar Mozart em paz em seu túmulo, mas teve que perturbá-lo com suas mãos sujas, espalhando dissonâncias sujas de Prokofiev entre as pérolas clássicas puras – mas meus verdadeiros amigos entenderão que o estilo de minha sinfonia é realmente mozartiano e clássico, e então irão apreciá-lo, e o público provavelmente ficará feliz por ela ser descomplicada e alegre e, claro, aplaudirá. S.P.

Benjamin Britten foi um dos grandes compositores ingleses e o ingleses são especialmente ‘found’ de música para orquestras de cordas. Britten compôs sua Simple Symphony exatamente para uma orquestra de cordas, ainda bem jovem e usando temas que havia composto em sua infância. Eu gosto particularmente dos títulos dos movimentos, a primeira letra do adjetivo igual à do substantivo que lhe segue, como Boisterous Bourrée ou Frolicsome Finale.

Georges Bizet foi um dos maiores talentos musicais vindos ao mundo, mas nos deixou poucas obras, mesmo considerando sua relativamente curta vida. É claro, Carmen é a sua obra prima, mas essa sua Sinfonia em dó maior é mais uma prova de sua genialidade. Foi composta quando ele tinha 17 anos e já era aluno do Conservatório de Paris há 7 anos. Tudo indica que a obra foi criada tendo como exemplo a Sinfonia No. 1 de seu professor, Charles Gounod, enquanto o mesmo a compunha. As notas que estou lendo aqui atestam que a obra do aluno de longe superou a do mestre, mesmo tendo-lhe tomado algumas coisas por emprestado. Fiquei curioso para ouvir a obra do Gounod. Mesmo assim, a Sinfonia de Bizet nunca foi executada durante seus dias e nem chegou a ser por ele mencionada em sua correspondência. Só foi descoberta em 1935 e não deixou de fazer sucesso desde então. A primeira vez que a ouvi foi em um LP no qual Leopold Stokowski regia a National Philharmonic Orchestra e que incluía também a ótima Sinfonia Italiana de Mendelssohn.

Sergei Prokofiev (1891–1953)

Sinfonia No. 1 em ré maior, Op. 25 ‘Classical’

  1. Allegro
  2. Larghetto
  3. Gavotta (Non troppo allegro)
  4. Finale (Vivace)

Benjamin Britten (1913–76)

Sinfonia Simples, Op. 4

  1. Boisterous Bourrée
  2. Playful Pizzicato
  3. Sentimental Saraband
  4. Frolicsome Finale

Georges Bizet (1838–75)

Sinfonia em dó maior

  1. Allegro (Allegro vivo)
  2. Andante (Adagio)
  3. Scherzo (Allegro vivace)
  4. Finale (Allegro vivace)

Edward William Elgar (1857–1934)

  1. Salut d’amour, Op. 12 (Gil Shaham, violin)

Orpheus Chamber Orchestra

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MP3 | 320 KBPS | 154 MB

Esse disco é uma pequena joia na ótima discografia da Orpheus Chamber Orchestra, aquela que toca sem maestro. Tudo é primoroso, inclusive a capa do disco, da arte de Joan Miró.

Aproveite!

René Denon

.: interlúdio :. 4 Generations of Miles: Live Tribute

Esse CD me foi enviado por FDP Bach. A ideia é sensacional. São quatro ex-colaboradores de Miles Davis que se reúnem para tocar… Miles Davis. Há grandes momentos, outros nem tanto. FDP toca guitarra e imagino que ele tenha babado com Mike Stern. O cara é sensacional. Mas fico comovido ao saber que Jimmy Cobb participou desde show ao vivo com oitenta anos, vinte e quatro a mais do que o guri do grupo, o citado Stern. Os outros são George Coleman e Ron Carter. Preciso apresentar? Claro que não, vão ler sobre suas muito produtivas vidas enquanto ouvem o disco!

4 Generations of Miles: Live Tribute

1. There is No Greater Love 9:02
2. All Blues 7:03
3. On Green Dolphin Street 7:20
4. Blue in Green 7:28
5. 81 6:30
6. Freddie Freeloader 6:34
7. My Funny Valentine 10:01
8. If I Were A Bell 8:02
9. Oleo 5:02

George Coleman, sax tenor
Mike Stern, guitar
Ron Carter, bass
Jimmy Cobb, drums

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Esse tocava alguma coisa.
Esse tocava alguma coisa.

PQP

Bohuslav Martinu (1890-1959): Missa de Campo / Concerto Duplo / Afrescos de Piero della Francesca (Mackerras)

Bohuslav Martinu (1890-1959): Missa de Campo / Concerto Duplo / Afrescos de Piero della Francesca (Mackerras)

O Villalobiano aproveitou o espaço aberto para mandar três CDs legais, que irão ao ar dia 01 de maio. Quando ele disse depois que gostaria de postar Martinu, deixei de lado a exigência de repertório brasileiro, pedi que se mexesse, porque o tcheco era mais que aguardado aqui no PQP Bach, e decidi apresentar o Villalobiano logo hoje a vocês.

Próximo fim de semana, o Marcelo Stravinsky estará de volta.

CVL

***

O tcheco Bohuslav Martinu é um dos mais criativos e encantadores compositores do século 20 – e um dos menos reconhecidos como tal. De fato, a reputação de Martinu não se beneficiou com seu eterno exílio: de início, Paris; depois, EUA; no final, Suíça e Itália. Tal andança tornou a música de Martinu mais cosmopolita e bem-comportada que a de Janácek, por exemplo, suavizando em grande parte o “aroma tcheco” tão fácil de perceber em seus compatriotas. Isso, somado a um relativo conservadorismo de linguagem, tornou Martinu um “meio-termo” de difícil digestão para boa parte do público.

Que bom que a situação está mudando. O difícil crítico Norman Lebrecht recentemente defendeu Martinu, e as gravações, antes só tchecas, estão se tornando mais comuns. E que música bonita Martinu compôs! É um dos estilos mais pessoais do século 20, posso assegurar: alguns segundos já são suficientes para que a identidade do compositor se imponha totalmente ao ouvinte.

Quando o Ciço Villa-Lobos me convidou para postar sobre Martinu – “escolha um disco legal”, ele disse – senti um misto de alegria com terror. Eu não sou fã do formato de álbum, uma herança da limitação física dos antigos meios de distribuição de música. Pensei um bocado para achar um disco que se adequasse a uma boa visão introdutória de Martinu. Sonhei com o álbum ideal, com as Sinfonias nos. 3 e 6, mais a Toccata e Due Canzoni. Mas esse álbum não existe…

Então encontrei este álbum que comento agora. Charles Mackerras é um regente australiano muito famoso por sua defesa apaixonada de Janácek e da música tcheca em geral. Pois sua interpretação de Martinu é magnífica e a escolha de repertório também. O disco inclui três obras-primas das duas principais fases de Martinu: a fase da guerra, com a Missa de campo e o Concerto para duas orquestras de cordas, piano e tímpano; e a fase impressionista, do final da vida, com Afrescos de Piero della Francesca.

A fase da guerra é impressionante. Quem gosta da Música para cordas, percussão e celesta de Bartók vai se identificar prontamente com o Concerto duplo. A obra foi inclusive escrita para Paul Sacher, o mesmo encomendante da obra-prima de Bartók. A Missa de campo é composta para barítono, coro masculino e uma orquestra pequena só com sopros, percussão, piano e harmônio (um contingente possível no contexto de campo de batalha, certo?). Mistura o óbvio terror da guerra que estava iniciando com uma mistura muito complexa de sentimentos – há trechos pastorais, nostálgicos, dramáticos…

A fase impressionista, devo confessar, é a minha predileta. Ela suaviza bastante o mecanicismo neoclássico em que às vezes Martinu cai, adicionando uma refinada paleta de cores instrumentais à sua inspiração melódica toda pessoal. A forma também se esfumaça – antes rigorosa, agora etérea, vaga, em que os temas quase não se repetem. É música de sonho. Afrescos de Piero della Francesca expressa as impressões gerais de Martinu à obra do grande pintor italiano.

É isso. Fiquem com Martinu. E convençam o Ciço a ampliarmos o espaço dedicado a ele cá neste blog. Estou com uma coceira danada de postar as sinfonias – ciclo para mim superior ao de Prokofiev, por exemplo. Agora joguem as pedras.

Bohuslav Martinu (1890-1959): Missa de Campo / Concerto Duplo / Afrescos de Piero della Francesca (Mackerras)

1. Missa de campo, cantata para barítono, coro masculino e orquestra (1939)

Vaclav Zitek, barítono
Orquestra Filarmônica Tcheca
Charles Mackerras, regente

Concerto para duas orquestras de cordas, piano e tímpano (1939)
2. Poco allegro
3. Largo
4. Allegro

Jan Bouse, tímpano
Josek Ruzick, piano
Orquestra Sinfônica da Rádio de Praga
Charles Mackerras, regente

Afrescos de Piero della Francesca (1955)
5. Andante poco moderato
6. Adagio
7. Poco allegro

Orquestra Sinfônica da Rádio de Praga
Charles Mackerras, regente

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Martinu com um amigo

Villalobiano