P.Q.P. Bach

Leoš Janáček (1854-1928): Missa Glagolítica & O Diário de um Desaparecido (Griffel, Haefliger, Kubelik)

pqpbach7 de outubro de 202611 de setembro de 20266 Comments

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Uma obra religiosa escrita por um ateu, uma obra inspirada pelo amor não consumado a uma mulher casada e uma obra para homenagear a cultura eslava. Este é o resumo do que é a extraordinária Missa Glagolítica do tcheco Leoš Janáček. Mas não vamos ficar apenas no resumo. Vamos adiante.

Alexandre Pushkin foi o escritor que, para além de seus grandes méritos literários, recebeu o crédito de ter ampliado significativamente o vocabulário do idioma, normatizando várias expressões populares e codificando o russo literário. Sabemos da importância que o idioma tem para a identidade e cultura de um povo, da parte fundamental que ele ocupa em sua autoafirmação e independência.

A Morávia do compositor Leoš Janáček foi, por quase toda sua vida, dominada por estrangeiros. Até a Primeira Guerra Mundial, em 1918, por exemplo, existia o Império Austro-Húngaro, que ia do centro da Europa até a fronteira com a Ucrânia. Então, finalmente, o povo tcheco pôde celebrar sua independência… Mas esta valeu apenas até 1938, quando os nazistas resolveram anexar o país. Depois veio a URSS.

Ou seja, a região da República Tcheca foi, até a queda do Muro de Berlim, em 1989, uma região constantemente esmagada pelas potências ocidentais de um lado e pela Rússia de outro.

Em 1926, Janáček, resolveu comemorar a efêmera independência de seu país escrevendo uma Missa. Mas não com uma Missa comum: optou, como ato de afirmação étnica, por uma missa cantada na antiga língua litúrgica eslava, o eslavônico. Por isso o nome da obra – “Missa Glagolítica”, ou seja, missa numa língua escrita no alfabeto glagolítico, antecessor do cirílico.

A Missa Glagolítica (Mša glagolskaja) foi apresentada pela primeira vez em 26 de junho de 1926 em Praga.

A opção do ateu Janáček por escrever uma missa de tintas étnicas é muito simbólica. Janáček apoiava o pan-eslavismo e a obra era um modo de celebrar a identidade e a cultura eslava. Não é uma mera Missa nacionalista tcheca, ela celebra todo o patrimônio pan-eslavo, usando a língua litúrgica que foi utilizada em diversos países eslavos.

Fora as cinco seções tradicionais da missa -– aqui com títulos em eslavônico: o “Credo” virou “Veruju”, o “Gloria” virou “Slava” e assim por diante — Janáček adicionou uma introdução orquestral e, perto do final, um sensacional solo de órgão seguido de um poslúdio sinfônico curiosamente chamado de “Intrada”, sei lá para onde, mas dá para imaginar.

A linguagem musical de Janáček não costuma ser delicada, mas é de originalidade, beleza e modernidade impressionantes. Os ritmos da Glagolítica refletem tanto a aspereza da língua antiga quanto a bagagem folclórica. A orquestração e o uso da voz humana são absolutamente pessoais e convincentes. E o drama da expressão – como na passagem da crucificação de Cristo, na qual o órgão assume papel fundamental – demonstra a vocação de Janáček para o teatro.

A música começa e termina com fanfarras. Há ainda muitos trechos de grande originalidade rítmica — principalmente para ouvidos treinados para formas diferentes –, além de memoráveis passagens para solistas e coro, e o famoso solo de órgão do qual falaremos mais a seguir.

Milan Kundera escreveu: “A Missa Glagolítica é uma orgia, não uma missa”. Vamos a mais um pouco de história: o pai de Kundera — um pianista e musicólogo que faleceu em 1971 — trabalhou com Janáček e ajudou o compositor nos ensaios para a estreia. Ela é uma das várias obras, justamente as melhores de Janáček, que é marcada por dois fatos que o motivaram muito no final da vida: a independência de seu país obtida em 1918 e, bem, seu enorme amor por Kamila Stösslová, uma mulher casada e 40 mais jovem que jamais compartilhou deste sentimento amoroso, mas que jamais afastou-se dele. Sim, os dois mantiveram por anos uma profunda amizade. Janáček parecia não se incomodar muito e mantinha suas juras de amor mesmo sem a contrapartida física.

Então, a musa Kamila Stösslová ocupa um lugar incomum na história da música. Leoš Janáček, ao conhecê-la em 1917 na Morávia, apaixonou-se profundamente, apesar de ambos serem casados e do fato de que ele sera quase quarenta anos mais velho. Ela influenciou profundamente o compositor em sua última década de vida. Kamila estava morando em Luhačovice (Morávia) com seu marido, David Stössel, e seus dois filhos, Rudolf e Otto. David estava no exército e até ajudou Janáček na obtenção de alimentos no tempo de guerra. Provavelmente o serviço militar de Stössel só deixava que ele passasse poucos dias em Luhačovice, dando a Janácek a chance de caminhar e conversar com Kamila durante o resto do tempo. Ele a conheceu em 3 de julho de 1917. Cinco dias depois, já escrevia apaixonadamente sobre ela em seu diário. Uma correspondência cerrada entre a dupla começou em 24 de julho.

Kamila devia ser muito inspiradora, apesar de impedir que o sexo se concretizasse. Foi para ela que Janáček criou várias mulheres de suas óperas, a Katya de Katya Kabanová, a raposa de A Pequena Raposa Astuta e Emilia Marty de O Caso Makropulos. Outros trabalhos que foram inspirados por sua paixão foram O Diário de Um Desaparecido, a Missa Glagolítica, a Sinfonietta e o Quarteto de Cordas No. 2 (Cartas Íntimas), ou seja, suas obras mais importantes. Na dedicatória das Cartas Íntimas, Janáček escreveu: “A música descreverá o medo que sinto de você”.

Como já disse, o ateu Janáček era um entusiasta do “pan-eslavismo”, movimento que valorizava mais as línguas eslavas do que o latim e as germânicas. Kundera tem razão em chamar a Glagolítica de orgia, pois há tanta música feliz, dançante e efusiva, que nem parece que estamos celebrando uma Missa, não obstante a participação do órgão. Ah, o ateísmo é libertador! Tudo na Glagolítica é moderno e original. O soprano solista parece uma guerreira, o baixo parece ter saído direto de um culto da Igreja Ortodoxa. Talvez seja a mais bela Missa do século XX, talvez melhor que a de Bernstein, que também é um espanto.

Voltando ao pai de Kundera, Ludvík: ele escreveu, numa crônica de 1927, que a Glagolítica fora “escrita por um velho homem religioso”. Janáček não parece ter gostado muito: “Não sou nem velho nem religioso”. Toma, Ludovico!

.oOo.

O alfabeto glagolítico (glagólitsa nas línguas eslavas) é o mais antigo dos alfabetos eslavos que se conhece. Foi criado por São Cirilo e São Metódio por volta de 862-863 para traduzir a Bíblia e outros textos para as línguas eslavas. O nome vem da palavra glagola, que em búlgaro antigo significa palavra. Já glagolati significa falar e pode-se dizer, um tanto poeticamente, que glagolítico são “símbolos que falam”.

O alfabeto glagolítico original constava de 41 letras, embora a quantidade tenha variado levemente com os séculos. Das 41 letras glagolíticas originais, 24 são derivadas, provavelmente, de grafemas do grego medieval, os quais receberam um desenho mais ornamental.

Os caracteres restantes são de origem desconhecida. Acredita-se que alguns podem ter vindo de caracteres hebraicos e samaritanos, que Cirilo teria aprendido em suas viagens.

O nome “Glagolítico” é em checo hlaholice, em eslovaco hlaholika, em polaco głagolica, em russo, macedónio e búlgaro глаго́лица (transliterado glagólitsa), em croata glagoljica, em ucraniano глаголиця (transliterado hlaholytsia), em bielorrusso глаголіца (transliterado hlaholitsa), em esloveno glagolica, etc.

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Agora, um caso com o órgão presente nesta Missa. Ao folhear o livro Tudo tem a ver, de Arthur Nestrovski, dei de cara com um artigo que descreve o pânico de um organista que sumiu por medo de tocar o famoso movimento solo da Missa Glagolítica. Isso dois ou três dias antes do concerto da Osesp. Nestrovski narra seu desespero e a brilhante solução, obtida quase que por sorte. Ah, querem spoilers? Nada disso, comprem o livro — que é bom demais, com ensaios sobre literatura, música popular e erudita.

Leoš Janáček (1854-1928): Missa Glagolítica & O Diário de um Desaparecido (Griffel, Haefliger, Kubelik)

1. Glagolitic Mass – 1. Uvod (Introduction)
2. Glagolitic Mass – 2. Gospodi pomiluji (Kyrie)
3. Glagolitic Mass – 3. Slava (Gloria)
4. Glagolitic Mass – 4. Veruju (Credo)
5. Glagolitic Mass – 5. Svet (Sanctus)
6. Glagolitic Mass – 6. Agnece zij (Agnus Dei)
7. Glagolitic Mass – 7. Varhany solo (organ solo)
8. Glagolitic Mass – 8. Intrada

Evelyn Lear – Soprano
Hilde Rössel-Majdal – Alt
Ernst Haefliger – Tenor
Franz Crass – Bass
Bedrich Janacek – Organ
Choir und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunk

9. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 1. “Traf eine junge Zigeunerin”/”One day I met a gypsy girl” (Tenor)
10. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 2. “Ist sie noch immer da”/”That black-eyed gypsy girl” (Tenor)
11. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 3. “Wie der Glühwürmchen Spiel”/”Throug the twilight glow-worms” (Tenor)
12. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung Max Brod – 4. “Zwitschern im Nest schon die Schwalben”/”Already swallows are” (Tenor)
13. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 5. “Heut ist’s schwer zu pflügen”/”Weary work is ploughing” (Tenor)
14. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 6. “Heissa, ihr grauen Ochsen!”/”Hey, There my tawny oxen” (Tenor)
15. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 7. “Wo ist das Pflöcklein hin”/”I’ve got a loose axie” (Tenor)
16. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 8. “Seht nicht, ihr Öchselein”/”Don’t look; my Oxen” (Tenor)
17. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 9. ” Sei willkommen, Jan”/” Welcome, my handsome one” (Alt, Tenor, Chor)
18. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzng: Max Brod – 10. “Gott dort oben, mag”/”Go all-powerful, God eternal” (Alt, Chor)
19. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 11. “Vor der Heidin Wangen”/”From the rip’ning Cornfield” (Alt, Tenor)
20. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 12. “Dunkler Erlenwald”/”Forest’s shady height” (Tenor)
21. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 13. Piano Solo
22. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 14. “Sonn’ ist aufgegangen”/”See how high the sun is!” (Tenor)
23. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 15. “Meine grauen Ochsen”/”Now my tawny oxen” (Tenor)
24. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 16. “Was hab’ ich da getan?”/”What has come over me?” (Tenor)
25. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 17. “Flieh, wenn das Schicksal ruft”/”Who can escape his fate” (Tenor)
26. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 18. “Nichts mehr denk ich”/”Nothing matters now” (Tenor)
27. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 19. “Wie die Elster wegfliegt”/”See that thieving magpie” (Tenor)
28. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 20. “Hab’ ein Jüngferlein”/”Now she bears my child” (Tenor)
29. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 21. “Vater, dam Tag’ fluch ich”/”Father, how wrong you were” (Tenor)
30. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 22. “Leb denn wohl, Heimatland”/”Then farewell, dearest land” (Tenor)

Kay Griffel – Alt
Ernst Haefliger – Tenor
Frauenchoir / Women´s Choir
Rafael Kubelik – Piano / Conductor

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In -Choro / Chorinho, -Jazz, -MPB, -Samba

.: interlúdio :. Guinga: Suíte Leopoldina

pqpbach6 de outubro de 202615 de setembro de 20262 Comments

IM-PER-DÍ=VEL !!!

Guinga é um gênio. Em Suíte Leopoldina, de 1999, ele transforma as lembranças da Leopoldina carioca — o subúrbio de sua infância, de sua família e de sua formação musical — numa espécie de paisagem sonora em que o choro, o samba, a seresta, o jazz e a canção brasileira convivem em total liberdade. O título não é apenas uma referência geográfica. A Estação Leopoldina, no Rio, era um importante ponto de ligação entre a cidade e seus subúrbios; para Guinga, porém, Leopoldina é sobretudo memória. O próprio compositor dedicou o disco às famílias materna e paterna, ligadas à região.

Musicalmente, o que impressiona é a quantidade de mundos que Guinga consegue fazer caber em pouco mais de cinquenta minutos. Há o choro de Cortando um Dobrado, a atmosfera noturna de Noturno Leopoldina, a homenagem explícita a Radamés Gnattali em Perfume de Radamés e a Charles Mingus em Mingus Samba. Mas, apesar dessa variedade, o disco jamais parece uma coleção de exercícios de estilo. Existe uma identidade muito forte por trás de tudo: a harmonia sofisticadíssima, as melodias sinuosas e aquela capacidade de fazer o violão soar simultaneamente popular e quase erudito.

Guinga é um compositor que não teme a complexidade. Suas harmonias podem surpreender com mudanças inesperadas, mas nunca dão a impressão de exibicionismo. A sofisticação está a serviço da melodia. Talvez seja essa uma das razões pelas quais sua música consegue agradar tanto ao músico extremamente atento quanto ao ouvinte que simplesmente se deixa levar.

E Suíte Leopoldina é também um disco de encontros. Toots Thielemans participa de Dos Anjos e Constance; Chico Buarque e Nei Lopes aparecem em Parsifal; Alceu Valença em Chá de Panela — super homenagem à Hermeto Pascoal; Ivan Lins em Guia de Cego; Ed Motta em Par Constante; e Lenine em Mingus Samba. Essas participações não roubam a identidade do álbum. Ao contrário, ampliam o universo de Guinga. Mingus Samba, por exemplo, é uma daquelas ideias que poderiam resultar numa simples brincadeira de fusão, mas nas mãos do compositor tornam-se algo muito mais natural: a linguagem de Charles Mingus é absorvida pelo samba sem que nenhuma das duas precise deixar de ser o que é.

Há também algo profundamente brasileiro na maneira como Guinga lida com a tradição. Ele não parece interessado em preservá-la como uma peça de museu. Radamés Gnattali, o choro, o samba e o jazz entram em sua música como memória viva, matéria para transformação. É talvez por isso que o disco soe tão carioca sem ser folclórico, tão sofisticado sem perder a espontaneidade.

No fundo, Suíte Leopoldina é um disco sobre memória. Mas não uma memória sentimental ou decorativa. É a memória transformada em linguagem. O subúrbio, a família, os mestres, os sons ouvidos na juventude e as músicas que formaram o compositor reaparecem filtrados por uma imaginação harmônica extraordinariamente fértil.

E talvez a melhor definição para Suíte Leopoldina seja esta: um álbum em que a memória de um subúrbio carioca se transforma em música de grande alcance universal.

Guinga: Suíte Leopoldina

1 Dos Anjos
Featuring – Toots Thielemans
Written-By – Guinga
4:36

2 Parsifal
Featuring – Chico Buarque, Nei Lopes
Written-By – Guinga, Nei Lopes
3:17

3 Di Menor
Written-By – Celso Viáfora, Guinga
3:17

4 Sargento Escobar
Written-By – Guinga
2:21

5 Chá De Panela
Featuring – Alceu Valença
Written-By – Aldir Blanc, Guinga
4:47

6 Choro Perdido
Written-By – Aldir Blanc, Guinga, Mariana Blanc
4:36

7 Noturno Leopoldina
Written-By – Guinga
2:36

8 Guia De Cego
Featuring – Ivan Lins
Written-By – Guinga, Mauro Aguiar
3:50

9 Perfume De Radamés
Written-By – Guinga
3:15

10 Par Constante
Featuring – Ed Motta
Written-By – Guinga
5:49

11 Cortando Um Dobrado
Written-By – Guinga
3:44

12 Mingus Samba
Featuring – Lenine
Written-By – Aldir Blanc, Guinga
2:24

13 Dissimulado
Written-By – Guinga
3:01

14 Constance
Featuring – Toots Thielemans
Written-By – Guinga
5:28

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PQP

In Schubert, Franz

Franz Schubert (1797-1828): Impromptus D 899, Fantasia Wanderer, etc (N. Kawaguchi, fortepiano)

Pleyel5 de outubro de 20266 de outubro de 20268 Comments

Medalhista de prata do Concurso Chopin em Instrumentos de Época em Varsóvia (sim, existe esse concurso além do outro mais famoso) e do Concurso Musica Antiqua de Bruges, Kawaguchi apresenta aqui uma versão altamente romântica e sanguinária da Fantasia Wanderer. Nos Impromptus ele se acalma mais, e em outras pecinhas curtas, como o Adagio D. 612, ele nos faz ouvir melodias raramente tocadas de Schubert.

Diz ele no libreto do CD:
quando descobri o mundo dos instrumentos históricos, eu tinha 20 anos. O primeiro pianoforte em que toquei era cópia de um Anton Walter, na Universidade de Tóquio, onde estudei. Desde a primeira nota de uma das sonatas de Haydn, revelou-se a mim uma música totalmente diferente do Haydn que eu conhecia. Fiquei surpreso com essa experiência. A qualidade do som daquele instrumento era tão diferente da de um piano moderno que me parecia que, enfim, Haydn conseguia me falar na sua própria língua, com uma bela eloquência. (…)
Tenho certeza de que cada pessoa traz uma resposta diferente a essa questão, mas para mim, tocar em um instrumento que o compositor poderia tocar é de uma importância fundamental na nossa busca de “autenticidade”. Isso se deve, creio eu, ao fato de que a história do piano é feita de mudanças mais do que de progressos: diversas nuances sutis não podem ser expressas em um instrumento diferente daqueles da época do compositor. Um bom exemplo é o “fffz” no compasso 658 do Allegro da Wanderer-Fantasie. Essa obra tem vários “ff” (fortíssimo), mas aquele momento pede uma energia ainda mais potente. Porém, apesar da paixão que o intérprete possa colocar nessa passagem em um robusto piano de cauda de hoje, o instrumento absorve facilmente demais a energia colocada pelo pianista. O sentimento de estar no limite absoluto das possibilidades do instrumento é o que, acredito, transmete precisamente o que Schubert desejava.

Os instrumentos da época de Schubert oferecem também muitas possibilidades de sonoridades mais suaves e serenas. Além do pedal una corda, mutos instrumentos vienenses são equipados de uma surdina que modifica o timbre inserindo uma peça de feltro entre o martelo e a corda. Essa qualidade de som tem algo de sonhador, mas pode também parecer fria e sinistra, e é difícil de obter em um piano moderno.

Franz Schubert (1797-1828): Impromptus D 899, Fantasia Wanderer, etc (N. Kawaguchi, fortepiano)

Franz Schubert:
1 – Ungarische Melodie in B minor, D 817 – 4’30
2 – Adagio in E major, D 612 – 4’43

Wanderer-Fantasie in C major, D 760
3 – I. Allegro con fuoco ma non troppo – 6’16
4 – II. Adagio – 4’01
5 – III. Presto – 5’01
6 – IV. Allegro – 3’55

Franz Liszt:
7 – Trockne Blumen, S.563/4 (from 6 Melodien von Franz Schubert) – 3’46
8 – Der Müller und der Bach, S. 565/2 (from Müllerlieder von Franz Schubert) – 5’47

Franz Schubert:
Four impromptus, D 899
9 – Impromptu No. 1 in C minor – 10’14
10 – Impromptu No. 2 in E-flat major – 4’55
11 – Impromptu No. 3 in G-flat major – 6’35
12 – Impromptu No. 4 in A-flat major – 8’39
13 – Kupelwieser-Walzer in G-flat Major, D Anh I/14 – 2’53

Recording: 2-4 April 2017, Church Melsen (Belgium)
Instrument: replica (by Chris Maene) of an original Conrad Graf (1817)
instrument from the ‘Chris Maene Museum Collection’

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Pleyel

In Silvestrov, Valentin

Valentin Silvestrov (1937): Fleeting Melodies (Pivnenko, Matiukhin)

pqpbach4 de outubro de 20264 de setembro de 20267 Comments

Busquei este CD num site russo. Continha um recado: rare digipack edition, out of print. Publisher: Rostok Records. Year: 2008. Mais recados:

… Um grande ciclo, composto por sete obras, que são executadas sem interrupção – como um texto longo. Neste trabalho, há certa analogia com o ciclo de Bach “A Arte da Fuga”. Na obra de Bach a ideia é didática. Aqui, eu poderia ter chamado meu ciclo de “A Arte da Melodia”, mas falta didática a meu ciclo, então pensei em chamá-lo de “Fleeting Melodies” ou “Melodias Passageiras”. São melodias que só existem na fronteira entre o seu aparecimento e desaparecimento…

Valentin Silvestrov

E tem razão. A música de Silvestrov canta — com ou sem componente vocal. “Ao ouvir, esta música deve soar leve e clara, distante”. A música de Silvestrov é delicada mas nada fácil de ignorar. É um sussurro muito instigante e contemporâneo. Os artistas deste disco — Bohdana Pivnenko (violino) e Valeriy Matiukhin (piano) — mostram grande compreensão do trabalho do compositor. Suas interpretações não poderias ser perfeitas e simples. E nem melhores.

A primeira e a última peça do CD são esplêndidas melodias. E as outras não são nada esquecíveis.

Valentin Silvestrov: Fleeting Melodies (2008)

1-5. Five pieces for Gidon Kremer
6-8. Three pieces for Anatoliy Bazhenov
9-11. Three pieces (2005) for Helle Mustonen
12-14. Fleeting Melodies for Olga Rexrot
15-16. Two Elegies to Eduard Edelchuk
17-19. In memory of Pyotr Tchaikovsky
20-22. Song without words to Bohdana Pivnenko

Bohdana Pivnenko, violin
Valeriy Matiukhin, piano

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PQP

In Kabalevsky, Dimitry, Khachaturian, Aram, Rachmaninov, Serguei

Kabalevsky: Cello Concerto No. 2 / Khachaturian: Cello Concerto / Rachmaninov: Vocalise (Lidstrom, Gothenburg Symph Orch, Ashkenazy)

pqpbach4 de outubro de 20262 de setembro de 20266 Comments

Infelizmente, Rostropovich não gravou este excelente concerto de Kabalevsky. Kaba prova que é um sub-Shostakovich de respeito. E o que faz este menino Lidström também é sensacional! E no Khachaturian então? O Concerto de Khatcha não é tão bom quanto o de Kaba, mas faz-lhe belo par. Anotem este nome: Mats Lidström é um grande celista. Tanto que quase consegue salvar Rachmaninov!

Ah, deixa eu contar pra vocês. O CD que ora posto tem quase o mesmo repertório que este aqui. Devia tê-los postado juntos, mas esqueci completamente…

Kabalevsky: Cello Concerto No. 2; Khachaturian: Cello Concerto; Rachmaninov: Vocalise

Cello Concerto No. 2 in C major, Op. 77 — Dmitry Kabalevsky
1. Molto sostenuto – Allegro molto e energico – Tempo 1 – attacca 10:08
2. Cadenza 1 (Tempo I Rubato – Allegro molto agitato) – attacca 1:44
3. Poco marcato – attacca 5:33
4. Cadenza 2 (L’istesso tempo – Molto sostenuto) – attacca 2:36
5. Andante con moto – Allegro agitato – Molto tranquillo 7:30

Cello Concerto in E minor — Aram Khachaturian
6. Allegro moderato 14:24
7. Andante sostenuto – attacca 7:52
8. Allegro 9:08

9. Vocalise, song for voice & piano, Op. 34/14 — Sergey Rachmaninov 6:30

Mats Lidstrom, cello
Gothenburg Symphony Orchestra
Vladimir Ashkenazy

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Mats Lidström: fodão, ao menos no violoncelo

PQP

In Glazunov, Alexander, Kabalevsky, Dimitry, Khachaturian, Aram

Kabalevsky (1904-1987): Cello Concerto No. 2 Op. 77 / Khachaturian (1903-1978): Cello Concerto / Glazunov (1865-1936): Chant du Menestrel Op. 71 (Wallfisch, London Philh Orch, Thompson)

pqpbach3 de outubro de 20262 de setembro de 20264 Comments

Aí você tem uma raridade. Os concertos para Violoncelo e Orquestra de Kabalevsky e Khatchaturian são bastante divulgados na Europa oriental, mas aqui raramente — ou nunca — fazem parte do repertório das orquestras. Uma pena, pois trata-se de boa e divertida música. Eu curto muito estas obras — refiro-me às de Kabalevsky e Khachaturian — que daqui alguns dias reaparecerão aqui no PQP com outros intérpretes. O Glazunov apenas serve para completar o disco.

Kabalevsky: Cello Concerto No. 2 Op. 77 /
Khachaturian: Cello Concerto /
Glazunov: Chant du Menestrel Op. 71

Dmitry Kabalesky (1904-1978)
Cello Concerto No.2 Op.77
1. Cello Concerto No. 2, Op. 77: I. Molto sostenuto – Allegro molto e energico
2. Cello Concerto No. 2, Op. 77: II. Presto marcato
3. Cello Concerto No. 2, Op. 77: III. Andante con molto

Alexander Glazunov (1865-1936)
4. Chant du Ménestrel for Cello and Orchestra Op.71

Aram Khachaturian (1903-1987)
Cello Concerto
5. Cello Concerto: I. Allegro moderato
6. Cello Concerto: II. Andante sostenuto
7. Cello Concerto: III. Allegro (a battuta)

Raphael Wallfisch
London Philharmonic Orchestra
Bryden Thompson

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Kabalevsky ensina ao celista Samuel Mayes o que ele deve fazer para ser feliz (foto de 1961)

PQP

In Piazzolla, Astor

Astor Piazzolla (1921-1992): Piazzolla and Beyond (London Concertante)

pqpbach3 de outubro de 20262 de setembro de 20261 Comment

Um CD low profile de Piazzolla e de alguns compositores ingleses que se arriscaram no tango. O grande destaque é a London Concertante, conjunto semiclássico que desconhecia e que dá uma boa demonstração de competência — clássica, jazzística e tangueira. Depois de um Libertango bastante apaixonado, as outras peças são interpretadas com delicadeza algo rara nos grupos vizinhos (argentinos). Eu adorei. Surpreendentemente, é um CD da Harmonia Mundi, o que mostra que o mundo se move em direções inesperadas. A ECM vai para o clássico, a HM para o tango, o Inter para a Série B e nós vamos vivendo de amor. Eu achei a peça de David Gordon, Augmented Tango de extrema sensualidade. Até tasquei uns beijos de língua na patroa. Um inglês escrever uma peça que parece um tango moderno e que este entusiasme um habitante do Rio Grande do Sul é a prova de que o ponto de umbanda norte-coreano ainda dominará o mundo.

Piazzolla and Beyond – London Concertante

01 astor piazzolla-libertango 04:56
02 astor piazzolla-angel suite 07:53
03 astor piazzolla-decarissimo 04:21
04 david gordon-augmented tango 07:09
05 adam summerhayes-when churchyards yawn 03:59
06 astor piazzolla-soledad 04:43
07 astor piazzolla-michelangelo 70 03:02
08 david gordon and adam summerhayes-milonga bourgeois 05:06
09 astor piazzolla-invierno porteno 05:20
10 adam summerhayes-el desposiedo 05:32

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Vote no Lula amanhã e não esqueça da importância do Senado.

PQP

In Mozart, Wolfgang Amadeus

W. A. Mozart (1756-1791): Eine Kleine Nachtmusik. K. 525 / Quartetos de Cordas L. 168 e 465 (Dissonâncias) (Brandis Quartett & Rainer Zepperitz)

pqpbach2 de outubro de 20261 de setembro de 2026Leave a comment

O Brandis Quartett foi formado por membros da Filarmônica de Berlim. Suas interpretações combinavam a poderosa tradição da orquestra com uma liberdade e alegria que muitas vezes faltavam às gravações mais solenes sob Karajan. O álbum apresenta um programa curioso, saltando do popularíssimo ao mais denso. A Serenata para Cordas, K. 525 (“Eine kleine Nachtmusik”) é a peça mais popular de Mozart para conjunto de cordas. A versão do Brandis Quartett, com a adição do contrabaixista Rainer Zepperitz, cria uma sonoridade que se aproxima de uma pequena orquestra de câmara . É uma abordagem historicamente fundamentada, já que os editores da New Mozart Edition apontam que mesmo um quarteto ou quinteto pode realizar a obra. O Quarteto de Cordas, K. 168 é uma obra mais “clássica” e menos conhecida, que serve como um interessante contraponto às outras peças do disco. Já o Quarteto de Cordas, K. 465 (“Dissonâncias”) é o ponto alto do programa. O apelido vem do famoso Adagio inicial, cujas harmonias ousadas e cromáticas parecem antecipar a inquietação harmônica do Romantismo. A forma como o quarteto aborda essa introdução, com vibrato denso e um som “sombrio”, é o momento mais poderoso do disco.

O som do Brandis é inconfundível: polido, intenso e caloroso. A crítica especializada destaca a força da execução, especialmente nos movimentos mais rápidos, moldados por frases amplas e sem firulas, e a beleza do Trio, tocado com uma intensidade que o torna inesquecível. A adição do contrabaixo de Rainer Zepperitz é um detalhe que enriquece a textura sonora da Eine kleine Nachtmusik, conferindo-lhe maior peso e corpo.

Este disco é uma excelente amostra da arte do Brandis Quartett. A execução da “Dissonâncias” é particularmente notável, revelando o lado mais ousado e profético de Mozart. Contudo, para os ouvintes que preferem uma abordagem mais leve e transparente, com vibrato mais contido, as gravações em instrumentos de época, como as do Mosaïques Quartet, podem soar mais próximas do ideal. O que não diminui o brilho e a autoridade desta gravação, um documento valioso da tradição musical berlinense aplicada ao repertório de câmara mozartiano.

W. A. Mozart (1756-1791): Eine Kleine Nachtmusik. K. 525 / Quartetos de Cordas L. 168 e 465 (Dissonâncias) (Brandis Quartett & Rainer Zepperitz)

1 Serenade in G Major, K. 525 “Eine kleine Nachtmusik”: I. Allegro 05:35
2 Serenade in G Major, K. 525 “Eine kleine Nachtmusik”: II. Romance Andante 05:22
3 Serenade in G Major, K. 525 “Eine kleine Nachtmusik”: III. Menuetto & Trio Allegretto 02:11
4 Serenade in G Major, K. 525 “Eine kleine Nachtmusik”: IV. Rondo Allegro 04:05

5 String Quartet No. 8 in F Major, K. 168: I. Allegro 04:58
6 String Quartet No. 8 in F Major, K. 168: II. Andante 05:06
7 String Quartet No. 8 in F Major, K. 168: III. Menuetto & Trio 02:41
8 String Quartet No. 8 in F Major, K. 168: IV. Allegro 02:05

9 String Quartet No. 19 in C Major, K. 465 “Dissonance”: I. Adagio – Allegro 10:32
10 String Quartet No. 19 in C Major, K. 465 “Dissonance”: II. Andante cantabile 07:30
11 String Quartet No. 19 in C Major, K. 465 “Dissonance”: III. Menuet & Trio: Allegretto 04:59
12 String Quartet No. 19 in C Major, K. 465 “Dissonance”: IV. Allegro Molto 07:24

Brandis Quartett & Rainer Zepperitz

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Este foi Thomas Brandis (1935-2017), grande spalla da Filarmônica de Berlim. Ele jamais votaria num candidato da direita — não era burro! Vote em Lula domingo e não esqueça da importância do Senado!

PQP

In Stravinsky, Igor

Igor Stravinsky (1882 – 1971): Le Baiser de la fée & Scènes de ballet – BBC Scottish Symphony Orchestra & Ilan Volkov [Hyperion] ֎

René Denon1 de outubro de 202628 de agosto de 2026Leave a comment

A música de Tchaikovsky é mais profundamente russa do que a música que há muito tem recebido o rótulo simplista de ser pitorescamente moscovita.

I. Stravinsky

Strava ocupado revisando o texto da postagem…

Em 1921, Serge Diaghilev estava planejando a primeira produção no ocidente de ‘A Bela Adormecida’, balé com música de Tchaikovsky, e é bem possível que tenha pedido a Stravinsky para orquestrar algumas peças que haviam sido cortadas da versão do score de que ele dispunha. Pasmem, não havia internet naqueles dias, muito menos IA. Igor-Língua de Trapo-Stravinsky, que costumava fustigar vários de seus colegas compositores, mortos ou vivos, conterrâneos ou não, louvou a simplicidade da música de Tchaikovsky, sua veia melódica e o grande poder criativo evidente em sua música para o balé ‘A Bela Adormecida’.

Alguns anos depois, por sugestão de Alexander Benois, pintor que trabalhara com Diaghilev, Stravinsky compôs a música para um balé a ser apresentado no verão europeu de 1928 pela companhia de Ida Rubinstein. A escolha caiu sobre uma história de Hans Andersen, A Donzela de Gelo, em óbvia ressonância com Tchaikovsky. O que parecia uma tarefa simples, tornou-se uma fonte que despertou a criatividade de Stravinsky, produzindo um balé que lembra Tchaikovsky, mas que é verdadeiramente Stravinsky. Eu adoro o tema logo no início do segundo quadro, sempre que ouço essa parte, ele gruda em meus ouvidos por bastante tempo.

A outra obra do disco é música composta em 1944 para um empresário da Broadway, Billy Rose, e faria parte como dança clássica do show ‘The Seven Lively Arts’. Ele queria uma versão curta do segundo ato de Giselle. O primeiro compositor a ser consultado para o trabalho foi Kurt Weill, que não aceitou, passando a empreitada para o Strava, que era do ramo (Apollo, Jeux de cartes) e bem sensível a moedas sonantes. O resultado está aí, 15 minutos de música para balé com base em regras clássicas e sem intenção de drama, mas com aquele abertura dramática, a la Stravinsky!

Igor Stravinsky (1882 – 1971)

Le Baiser De La Fée (42:25)

First Scene (Prologue) Lullaby In The Storm: Andante
Second Scene A Village Fete: Tempo Giusto
Third Scene At The Mill – Pas De Deux: Moderato
Fourth Scene (Epilogue) Lullaby In The Land Of Eternity: L’istesso Tempo

Scène De Ballet (16:08)

Introduction: Andante
Danses Corps De Ballet: Moderato
Variation Ballerina: L’istesso Tempo
Pantomime: Lento
Pas De Deux: Adagio
Pantomime: Agitato Ma Tempo Giusto
Variation Dancer: Risoluto
Variation Ballerina: Andantino
Pantomime: Andantino
Danses Corps De Ballet: Con Moto
Apothéose: Poco Meno Mosso

Orchestra – BBC Scottish Symphony Orchestra

Conductor – Ilan Volkov

Producer [Recording Producer] – Andrew Keener

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

MP3 | 320 KBPS | 143 MB

Link para a plataforma [Qobuz]

Link para a plataforma [Tidal]

O disco é um primor, com produção geral de Andrew Keener e todos os acabamentos primorosos que a Hyperion oferece em cada um de seus lançamentos. O libreto, cuidadosamente escrito e muito bem ilustrado (veja a linda capa, no alto da postagem) com muita informação, está no site do selo e também nos arquivos da postagem.

A crítica do Classics Today é bastante favorável: Ilan Volkov’s first disc of the less-usual Stravinsky ballets was excellent, and so is this one. [… Há um outro disco do selo Hyperion com música para balé, de Stravinsky, pelo mesmo conjunto.] The BBC Scottish Symphony plays both works with elegance and panache. Solo winds relish their many opportunities to shine, and rhythms, particularly in Scènes de ballet, are appropriately clean without ever turning dry.

The Fairy’s Kiss, based on Tchaikovsky, is a tricky piece to play well; you need to capture something of the older Russian composer’s lyrical juice while remaining mindful of the younger man’s emotional coolness and ironic sense of distance. Volkov walks the tightrope very well; the music sings and flows, but never wallows. Fine sonics complement the performances, making this release easily recommendable.

Fácilmente recomendável, pois é ótimo disco…

Aproveite!

René Denon

Ilustração oferecida pela incansável equipe de artes da PQP Bach Publishing House para a postagem…

In Saariaho, Kaija

Kaija Saariaho (1952-2023): Notes on Light, Orion, Mirage (Kartunnen, Mattila, Eschenbach, Orchestre de l’Opéra de Paris)

admin1 de outubro de 202629 de setembro de 20268 Comments

“Finalmente”, alguém dirá, “algo novo nessas plagas”. É verdade, as composições são bem recentes e escritas pela compositora finlandesa Kaija Saariaho, considerada uma das mais importantes compositoras do momento. Nascida em Helsink em 1952 e graduada em composição em 1980. Escreveu música eletrônica nos anos 1980 como ninguém, fazendo também uma mistura com instrumentos clássicos. Ela tem sido muito bem recebida pelo público, apesar dela não fazer concessões. Sua música lembra muito o som “New Age”, mas claro, muito superior.

A primeira obra do disco é um concerto para violoncelo chamado Notes on Light (2006). O concerto tem 5 movimentos, cada um com um título inusitado: “ secret translucent”, “on fire”, “awakening”, “eclipse” e “heart of light”. Apesar de não conter nada realmente surpreendente em sua linguagem, essa peça é muito bem escrita, transportando-nos para um outro mundo. Orion é uma obra orquestral escrita por alguém com grande domínio e talento.

Mas a melhor peça do disco é Mirage (2008) para soprano, violoncelo e orquestra. Karita Mattila é realmente uma das mais importantes sopranos de todos os tempos, e aqui ela simplesmente brilha. Só esta peça já vale a compra deste disco.

Enfim, não podemos ficar tão pessimistas assim com relação à música da nossa época.

CDF

Disco:

1. Notes On Light – Translucent, Secret
2. Notes On Light – On Fire
3. Notes On Light – Awakening
4. Notes On Light – Eclipse
5. Notes On Light – Heart Of Light
6. Orion – Memento Mori
7. Orion – Winter Sky
8. Orion – Hunter
9. Mirage

Anssi Kartunnen (cello)
Karita Mattila (soprano)
Christoph Eschenbach (Conductor)
Orchestre de l’Opéra de Paris

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Saariaho jamais votaria num burro e machista como Flávio Bolsonaro

CDF

In -Jazz

.: interlúdio :. Evan Parker & Transatlantic Art Ensemble (Boustrophedon, 2008)

pqpbach30 de setembro de 202629 de agosto de 20261 Comment

Na minha opinião, uma obra-prima do jazz contemporâneo. Jazz? Será mesmo? Não será erudito? Estranhamente, fiquei entusiasmadíssimo ouvindo este CD com fones, na rua. Tal entusiasmo diminuiu um pouco quando o ouvi em casa. Quem sabe é algo para se ouvir com som muito alto? Pode ser. A faixa que mais me deixou feliz foi talvez a menos erudita, Furrow 6, de tema espetacularmente jazzistíco. Este é um disco que surpreende até mesmo os ouvintes mais familiarizados com a vasta discografia de Evan Parker. Em Boustrophedon, o saxofonista britânico, conhecido por sua improvisação iconoclasta, revela-se como compositor, uma faceta que aqui ocupa o centro do palco. Gravado ao vivo em Munique em setembro de 2004, o álbum é o sucessor lógico de Composition/Improvisation Nos. 1, 2 & 3, de Roscoe Mitchell, e conta com o mesmo grupo de 14 músicos: o Transatlantic Art Ensemble. Não é um disco para os puristas estilísticos ou para os corações mais frágeis. É uma música que exige atenção e desafia as concepções prévias sobre o que a música pode ser. Mas, para aqueles dispostos a mergulhar em sua complexidade, o álbum oferece uma experiência musical gratificante. É um testemunho do poder criativo de Parker e uma prova de que, mesmo após mais de 250 álbuns, ele ainda é capaz de surpreender e emocionar.

Evan Parker – Boustrophedon

1. Overture (1:21)
2. Furrow 1 (8:09)
3. Furrow 2 (5:46)
4. Furrow 3 (11:07)
5. Furrow 4 (5:21)
6. Furrow 5 (8:20)
7. Furrow 6 (12:52)
8. Final (6:19)

Evan Parker: soprano sax
Roscoe Mitchell: alto sax, soprano sax
Anders Svanoe: alto sax
John Rangecroft: clarinet
Neil Metcalfe: flute
Corey Wilkes: trumpet, flugelhorn
Nils Bultmann: viola
Philipp Wachsmann: violin
Marcio Mattos: cello
Craig Taborn: piano
Jaribu Shahid: double-bass
Barry Guy: double-bass
Tani Tabbal: drums, percussion
Paul Lytton: drums, percussion

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Para alguns, será isso mesmo. Para mim, valeu muito a audição.

PQP

In Beethoven, Ludwig van

Ludwig van Beethoven (1770-1827): Rondos, Andante favori, Fantasia, Bagatelle ‘Fur Elise’ (R. Brautigam)

Pleyel29 de setembro de 202629 de setembro de 20263 Comments

A gravação das obras completas para piano solo de Beethoven por Ronald Brautigam, em pianofortes construídos com base em modelos da época do compositor, esteve entre os grandes acontecimentos ligados ao compositor renano neste século. Foi uma coleção de alto nível, primeiro com as sonatas, postadas por FDP Bach há muitos anos e um dia os links voltarão a funcionar…

Neste CD de hoje, o de nº 13 (de um total de 15), Brautigam reúne uma mistura de obras pouco conhecidas – seis Rondós, uma Polonaise, uma Fantasia, etc -, uma peça que tem um merecido reconhecimento – o Andante Favori – e uma peça que todo mundo já ouviu até cansar: a curtinha Für Elise.

A peça mais importante é mesmo o Andante Favori: aqui com 8min50s, ele inicialmente era o movimento lento da Sonata “Waldstein” op. 53 mas foi considerado longo demais para o contexto daquela sonata.

As biografias de Beethoven às vezes contêm informações pouco confiáveis, mas o libreto deste álbum recorda o relato de Ferdinand Ries, compositor e aluno de Beethoven: segundo Ries, um outro amigo ou aluno falou para Beethoven que aquele Andante não se encaixava bem na sonata, e a primeira reação foi de raiva, provavelmente um xingamento de Ludwig que, em outras ocasiões, também se revelou uma pessoa de pavio curto. Momentos depois, após refletir, Beethoven deu o braço a torcer: o amigo tinha razão. O Andante tornou-se uma peça avulsa, o apelido favori atesta sua popularidade, e pianistas de renome como Claudio Arrau, Wilhelm Kempff, Sviatoslav Richter e Nelson Freire o tinham em seu repertório.

Ludwig van Beethoven (1770-1827):
1 Rondo in C major, WoO 48 (1783) 2’30
2 Rondo in A major, WoO 49 (1783) 2’41
3 Rondo in B flat major, Kinsky-Halm Anh. 6 7’10
4 Rondo in C major, Op. 51 No. 1 (1796 –97) 5’58
5 Rondo in G major, Op. 51 No. 2 (1800?) 9’06
6 Rondo “Alla ingharese quasi un capriccio” in G major (“Die Wut über den verlorenen Groschen, ausgetobt in einer Caprice” / ‘The Rage Over a Lost Penny, Vented in a Caprice’), Op. 129 (1795– 98?) 5’59
7 Ecossaise in E flat major, WoO 86 (1825) 0’20
8 Six Ecossaises, WoO 83 (c. 1806?) 2’09
9 Andante in F major (“Andante favori”), WoO 57 (1809) 8’50
10 Fantasie, Op. 77 (1800?) 9’40
11 Polonaise in C major, Op. 89 (1814) 5’21
12 Klavierstück ‘Für Elise’ 3’35 (1810, rev. version of 1822, ed. Barry Cooper)
13 Andante maestoso in C major (1826) 3’11 (“Ludwig van Beethoven’s letzter musikalischer Gedanke”)

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Ronald Brautigam tem menos probabilidade de ficar careca do que Flavio Bolsonaro de ser preso

Pleyel

In Beethoven, Ludwig van

Ludwig van Beethoven (1770-1827): Variações Op.120 “Diabelli” e Op. 105 (R. Brautigam)

Pleyel28 de setembro de 202627 de agosto de 20262 Comments

Uma dúvida: quais terão sido as obras de Beethoven que lhe renderam mais dinheiro em vida? Para responder a essa difícil questão, seria preciso converter entre as moedas de vários países da Europa, pois, assim como Haydn, Beethoven publicava suas partituras em várias cidades ao mesmo tempo, como uma forma de aumentar seus rendimentos.

Das obras gravadas por Brautigam neste CD, as Variações Diabelli op.120 foram publicadas em Viena, não sem tentativas de publicação em Londres (intermediadas por Ferdinand Ries, ex-aluno de Beethoven) e em Leipzig pela editora Peters, que existe até hoje. E as Variações sobre temas nacionais op.105 foram publicadas em Londres, durante uma pausa na composição das Variações Diabelli. Não poderiam ser mais diferentes, apesar de serem do mesmo período: as variações op. 105 são em estilo “agradável e não muito difícil” segundo o pedido do editor escocês, elas se baseiam sobretudo em temas populares escoceses, com algumas melodias de outras origens. Para aumentar as vendas, elas foram compostas para uma formação variável: piano e flauta ou violino ad libitum, o que significa que a flauta ou violino é opcional. E aqui, Brautigam toca sozinho em um pianoforte que é réplica de um instrumento de 1822 do austríaco Conrad Graf. Beethoven foi proprietário de um piano feito por Graf, já muito maior e mais potente do que aqueles em que compôs suas primeiras sonatas e concertos.

Já as variações Diabelli, como vocês já viram aqui e aqui, tiveram origem em uma valsa bastante simplória mas, após anos de labuta do compositor, se tornaram uma das obras mais complexas, sofisticadas, ousadas e longas do repertório para piano. Vou poupá-los de mais elogios a essas variações e voltar brevemente para a questão da grana, afinal, Beethoven não era um herdeiro como Mendelssohn nem um amante de mulher rica como Chopin, ele realmente precisava ganhar dinheiro com suas obras. Isso aparece nas histórias do biógrafo Schindler, que conhecia bem o homem, de quem foi secretário, mas também relatou algumas lendas pouco confiáveis. Schindler conta que Beethoven teria jogado no chão um romance de Walter Scott, gritando: “Este sujeito escreve para ganhar dinheiro”. Adorno e Horkheimer comentam que o Beethoven dos últimos anos fornece o exemplo mais grandioso da contradição entre mercado e autonomia na arte burguesa, ao compor música difícil e de pouco apelo comercial, ao mesmo tempo em que suas cartas revelam um negociante experiente: “Os que sucumbem à ideologia são exatamente os que ocultam a contradição, em vez de acolhê-la na consciência de sua própria produção, como Beethoven.” [1]

Essa contradição entre arte e mercadoria, diz Adorno, foi conscientemente vivida por Beethoven, e não jogada pra debaixo do tapete. Ele precisava de dinheiro para cuidar de seu sobrinho e precisava manter seu gosto por vinhos. Um exemplo desse Beethoven bem pé-no-chão aparece na sua correspondência com os editores de Mainz, cidade do oeste da Alemanha. Ao mesmo tempo em que discutia com os editores da família Schott sobre a publicação de algumas de suas obras mais sublimes – Nona Sinfonia, Missa Solemnis, Quarteto op. 127, todos foram publicados primeiro em Mainz – ele repetia em várias cartas o pedido de que lhe enviassem vinhos brancos, os únicos que seu médico permitia nos anos finais de sua longa doença.

Em 1º de março de 1827, por exemplo, ele escreveu: “Repito meu pedido anterior, relativo ao vinho do Reno ou Mosel. É infinitamente difícil conseguir algum aqui que seja genuíno e não adulterado, mesmo pelos maiores preços.” Poucos dias antes ele já tinha escrito: “Assim que tiver forças para tal, enviarei as marcações metronômicas de andamentos para a Missa [Solemnis], pois passarei por uma quarta operação neste período. Quanto antes, então, eu receber os vinhos do Reno ou Mosel, mais benefícios eles farão para minha presente condição”. Para outro amigo ele escrevia: “Eu posso beber Champagne… Primeiro o Dr. Malfatti permitia apenas Mosel [vinho da fronteira entre Alemanha, Luxemburgo e França] mas percebeu que não havia como obtê-lo aqui em Viena”. [2]

Voltando de vinhos para pianos: alguns preferirão Arrau, Brendel, Pollini ou Levit tocando as Diabelli em pianos modernos. Mas é inegável que a gravação de Brautigam, longe de ser apenas uma curiosidade (como as Diabelli soam em um pianoforte que imita aquele que Beethoven tinha em casa?), tem todas as características que não podem faltar nas Diabelli: o sarcasmo em relação ao tema saltitante, a seriedade do ‘último Beethoven’ e mesmo umas referências discretas às últimas sonatas, que Brautigam também gravou pela BIS.

Ludwig van Beethoven (1770-1827):
1-34. 33 Veränderungen über einen Walzer von Anton Diabelli, Op. 120 (1819–23) (48’26)
35-40. 6 National Airs with Variations, Op. 105 (1818–19) (18’18)
Ronald Brautigam – fortepiano after Conrad Graf, c. 1822

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Pianoforte por Conrad Graf, com 5 pedais

[1] Adorno e Horkheimer, Dialética do Esclarecimento, Cap. “A indústria cultural”.
[2] Alexander Wheelock Thayer, The Life of Ludwig van Beethoven.

Pleyel

In Schnittke, Alfred

Alfred Schnittke (1934-1998): Trio Sonata / Concerto para Viola (Yuri Bashmet, Mstislav Rostropovich)

pqpbach28 de setembro de 202628 de agosto de 20268 Comments

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Este é um CD que talvez agrade até os mais hostis à música contemporânea. Se a Trio Sonata ainda guarda um pouco de seriedade,o Concerto para Viola é puro bom humor. Yuri Bashmet, o intérprete, desenvolveu uma carreira de grande sucesso internacional como violista, mas depois, como tantos instrumentistas talentosos de sua geração fazem, passou a regente e até fundou uma orquestra. Ele nunca abandonou a viola, muitas vezes aparecendo em ambos os papéis no mesmo concerto, o de violista e o de regente. Por todo o seu talento, por tocar num instrumento de pouco repertório e por ser meio maluco, Bashmet foi cercado de controvérsia devido aos cancelamentos de última hora e mudanças bruscas em programas de concerto. No entanto, ele continua a ser indiscutivelmente o principal violista de nosso seu tempo.

Alfred Schnittke escreveu o seu Concerto para Viola em 1985, ano em que Mikhail Gorbachev assumiu o poder na União Soviética. A obra foi encomendada por Bashmet que a tocou pela primeira vez um ano depois, no Royal Concertgebouw de Amsterdam. A gravação que ora postamos é de 1991.

Schnittke: Trio Sonata / Concerto para Viola

Trio Sonata
1) Moderato [13:34]
2) Adagio [12:55]
Moscow Soloists
Yuri Bashmet, conductor

Viola Concerto
3) Largo; Allegro molto [5:07]
4) Allegro molto [12:47]
5) Largo [16:50]
Yuri Bashmet, viola
London Symphony Orchestra
Mstislav Rostropovich, conductor

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Alfred Schnittke e sua esposa Irina, que era pianista e que jamais votaria na direita

PQP

In -Música Barroca Francesa, Couperin, François, Duphly, Jacques, Forqueray, Jean-Baptiste, Leclair, Jean-Marie

Couperin / Duphly / Forqueray / Leclair: Sonatas para Violino (Standage, Parle)

pqpbach27 de setembro de 202624 de agosto de 202613 Comments

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Jean-Marie Leclair é considerado o fundador da escola de violino francesa. E que fundador! Bem, finalizando nosso improvisado Festival do Barroco Francês — o qual visa (?) demonstrar que antigamente se fazia música de verdade na França — apresentamos um CD absolutamente fantástico com o genial violinista inglês Simon Standage. Porém, antes leiam a tese de nosso comentarista Haya de La Torre:

Eu acho que o que matou a vida musical francesa foi a inveja. Bem, ao menos a se julgar pela trajetória de Rameau, que parece ter sido vítima, junto com sua música, de todo tipo de difamação e intriga no meio intelectual francês de sua época, que por fim deu pra proclamar que Rameau não poderia escrever música boa visto que só os italianos sabiam fazer isso. Em todo caso, o declínio da produção musical francesa entre o desaparecimento de Rameau e o surgimento de Frank serviu para alimentar o mito de que só a Alemanha era capaz de fazer boa música, e eu desconfio que esse declínio francês e a supremacia alemã tem muito que ver com a situação política desses dois países, que não é nada relativo ao “DNA” cultural deles. Em todo caso, a música francesa com seus altos e baixos deve ser a segunda em importância no continente (ou será a da Rússia?). A Inglaterra, por ex…

Pois eu concordo e defendo a tese do empate entre a Rússia e a França como segundos lugares em termos de países em importância musical no continente. O primeiro, obviamente, é a Alemanha. Os barrocos franceses mais Ravel, Debussy, Franck, Fauré, os operistas, Poulenc, Messiaen, Boulez, etc. ganham em número dos russos, mas o politburo russo é foda de enfrentar, mesmo em minoria.

Mas tergiverso em vez de falar que as esplêndidas composições de Leclair e o incrível som e fraseado alcançados por Standage fazem este CD absolutamente necessário aos apaixonados pelo barroco.

Importante: o grande violinista e compositor francês Jean-Marie Leclair foi encontrado morto em Paris, em 23 de outubro de 1764, com ferimentos de arma branca. A investigação considerou principalmente três suspeitos: seu jardineiro, sua ex-esposa Louise Roussel Leclair e, sobretudo, seu sobrinho Guillaume-François Vial, também violinista. Vial tinha uma relação muito ruim com o tio e ressentia-se de não ter recebido dele a ajuda que esperava para sua carreira. Há documentos policiais que tornam a suspeita contra o sobrinho particularmente forte, inclusive problemas com o álibi apresentado por ele. Mas ninguém foi condenado pelo crime e a identidade do assassino jamais foi estabelecida com certeza. A hipótese do sobrinho é frequentemente considerada a mais provável, embora a ex-esposa também tivesse possível motivo financeiro. É uma dessas histórias extraordinárias da música: Leclair, cuja música é de uma elegância quase aristocrática, terminou a vida como personagem de um romance policial — assassinado à porta de sua própria casa.

Jean-Marie Leclair (1697–1764): Sonatas para Violino (Standage, Parle)

Sonata for violin & continuo in A major, Op. 9/1
Jean-Marie Leclair
1 Adagio 4:32
2 Allegro assai 3:18
3 Andante. Arpeggio sempre 2:48
4 Minuetto. Allegro moderato 5:43

5 La Superbe, ou La Forqueray, for harpsichord (Pièces de clavecin, III, 17e ordre) 4:40
François Couperin

Sonata for violin & continuo in D major, Op. 9/3
Jean-Marie Leclair
6 Un poco andante 3:43
7 Allegro 3:01
8 Sarabanda. Largo 2:34
9 Tambourin. Presto 3:47

10 La Leclair (from Pièces de viole, Deuxième Divertissement) 3:24
Jean-Baptiste Forqueray

Sonata for violin & continuo in A minor, Op. 9/5
Jean-Marie Leclair
11 Andante 6:11
12 Allegro assai 4:14
13 Adagio 3:21
14 Allegro ma non troppo 2:22

15 La Forqueray, rondeau for harpsichord (from Pièces de Clavicin, Book 3) 6:24
Jacques Duphly

Sonata for violin & continuo in C major, Op. 9/8
Jean-Marie Leclair
16 Andante ma non troppo 3:42
17 Allegro assai 5:25
18 Andante 2:52
19 Tempo di Ciaccona 7:27

Simon Standage, violino
Nicholas Parle, cravo

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Que sofrimento esses concertos, né, Simon? — Graaande disco, Simon!

PQP

In Mendelssohn Bartholdy, Felix, Tchaikovsky, Piotr Ilitch

Tchaikovsky / Mendelssohn: Concertos para Violino (Milstein, WP, Abbado)

pqpbach27 de setembro de 202629 de agosto de 2026Leave a comment

Esta gravação da DG, realizada em 1972 e 1973 no Musikverein de Viena, reúne dois pilares do repertório romântico para violino sob a direção de Claudio Abbado e com a Filarmônica de Viena, tendo como solista o lendário Nathan Milstein. O resultado é um disco que, décadas depois, mantém o status de referência, com uma abordagem que une a inteligência musical de Milstein à elegância de Abbado. Milstein é descrito como “talvez o último grande russo entre os violinistas russos” e oferece aqui leituras que são tudo menos acadêmicas ou frias. Seu toque, caracterizado pelo uso relativamente parcimonioso do vibrato, revela uma pureza e luminosidade fascinantes . Essa qualidade confere às interpretações uma sensação de que não há outra maneira de tocar estas obras. No Allegro molto appassionato de Mendelssohn ou no vertiginoso finale do concerto de Tchaikovsky, sua virtuosidade é de tirar o fôlego, mas sempre a serviço da música.

Abbado, por sua vez, demonstra ser um mestre, equilibrando com fineza a relação entre solista e orquestra. Em suma, este é um disco indispensável não apenas para admiradores de Milstein, mas para qualquer amante dos concertos românticos. É o documento de um encontro entre um dos maiores violinistas do século XX e uma orquestra e regente em sintonia perfeita, produzindo uma interpretação que alia a inteligência à emoção, a pureza ao virtuosismo. Poucas gravações conseguem transmitir com tanta convicção a sensação de que são as versões definitiva das obras.

Tchaikovsky / Mendelssohn: Concertos para Violino (Milstein, WP, Abbado)

Violin Concerto In D Major, Op. 35
Composed By – Pyotr Ilyich Tchaikovsky
1 I Allegro Moderato
2 II Canzonetta. Andante – Attacca:
3 III Finale. Allegro Vivacissimo

Violin Concerto In E Minor, Op. 64
Composed By – Felix Mendelssohn*
4 I Allegro Molto Appassionato
5 II Andante
6 III Allegro Non Troppo – Allegro Molto Vivace

Conductor – Claudio Abbado
Orchestra – Wiener Philharmoniker
Violin – Nathan Milstein

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O velho Milstein (1904-1992) e o jovem Abbado (1933-2014)

PQP

In Mozart, Wolfgang Amadeus

W. A. Mozart (1756-1791): Concertos para Violino Nº 3, K. 216, e 5, K. 219 (Mutter, BP, Karajan)

pqpbach26 de setembro de 202627 de setembro de 20262 Comments

Este disco documenta um encontro histórico: a estreia fonográfica de Anne-Sophie Mutter, com apenas 15 anos, sob a batuta de seu mentor, Herbert von Karajan, à frente da Filarmônica de Berlim. Lançado em 1978, o registro permanece como um testemunho de um momento único na música. Há, de fato, uma profundidade que transcende a idade da solista, uma abordagem que ecoa a estética “romântica” que Karajan buscava na época, conferindo às obras um caráter contemplativo e, por vezes, melancólico. Ouvindo agora, décadas depois, o que se destaca é a combinação entre a sonoridade exuberante (e antiquada) da Orquestra Filarmônica de Berlim sob o comando de Karajan, e o toque de Mutter — belo, expressivo e de uma segurança técnica impressionante para sua idade. A execução tem um ar que pode soar um pouco pesado ou menos espontâneo do que outras abordagens mais “autênticas”. No entanto, é justamente essa solenidade que confere à gravação seu caráter especial, transformando-a em algo mais próximo de uma declaração artística do que de uma mera exibição de virtuosismo juvenil. A comparação com as regravações posteriores da própria Mutter, já como uma artista madura, é inevitável e revela a diferença. Se a versão de 1978 possui encanto, ela também carece da liberdade rítmica e da leveza que Mutter viria a explorar em suas performances mais recentes. Este é o registro de uma jovem artista em seu primeiro voo. Para os admiradores da obra de Mozart, é uma gravação que oferece uma visão particular e poderosa, ainda que não seja a única possível.

W. A. Mozart (1756-1791): Concertos para Violino Nº 3, K.216, e 5, K. 219 (Mutter, BP, Karajan)

Konzert Für Violine Und Orchester Nr. 3 G-dur KV 216 (27:06)
1 1. Allegro 10:39
2 2. Adagio 9:48
3 3. Rondeau. Allegro 6:39

Konzert Für Violine Und Orchester Nr. 5 A-dur KV 219 (30:52)
4 1. Allegro Aperto 10:39
5 2. Adagio 10:54
6 3. Rondeau. Tempo Di Menuetto 9:19

Cadenza [Cadenzas / New Version] – Ossip Schnirlin (tracks: 4 to 6)
Cadenza [Cadenzas] – Joseph Joachim (tracks: 4 to 6), Sam Franko (tracks: 1 to 3)
Conductor – Herbert von Karajan
Orchestra – Berliner Philharmoniker
Violin – Anne-Sophie Mutter

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PPQ

In -Música Barroca Francesa, Leclair, Jean-Marie

Jean-Marie Leclair (1697-1764): Triosonatas, Op. 4 (Musica Alta Ripa)

pqpbach26 de setembro de 202626 de setembro de 202616 Comments

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Excelente CD! Este francês é mesmo da pesada, uma de minhas preferências e não poderia ficar de fora deste pequeno Festival do Barroco Francês que ora promovo sem… bem, sem tê-lo planejado. Leclair estudou dança e violino em Turim. Em 1716 casou com Marie-Rose Casthanie, uma dançarina, que morreu em 1728. Em 1730, Leclair casou-se pela segunda vez. Sua nova esposa era a gravadora Louise Roussel, que preparou a impressão de todas as suas obras a partir do Opus 2.

Leclair foi ESFAQUEADO E MORTO em 1764. Apesar do homicídio permanecer um mistério, existe a possibilidade de que sua ex-mulher possa ter sido a instigadora, ainda que a mais forte suspeita recaia sobre o seu sobrinho, Guillaume-François Vial.

Jean-Marie Leclair (1697–1764): Triosonatas, Op. 4 (Musica Alta Ripa)

Sonata I (9:22)
1 Adagio
2 Allegro Ma Non Troppo
3 Largo
4 Allegro

Sonata II (10:14)
5 Adagio
6 Allegro Ma Non Troppo
7 Largo: Cantabile
8 Allegro Assai

Sonata III (14:48)
9 Adagio
10 Allegro
11 Allegro Ma Poco
12 Sarabanda: Largo
13 Allegro

Sonata IV (10:16)
14 Largo
15 Allegro
16 Aria. Adagio Ma Non Troppo
17 Presto

Sonata V (11:28)
18 Andante
19 Allegro Ma Non Troppo
20 Aria: Gratioso
21 Allegro Ma Non Troppo

Sonata VI (10:39)
22 Adagio
23 Allegro Ma Non Troppo
24 Gavotta: Gratioso, Un Poco Andante
25 Vivace

Musica Alta Ripa

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Eduardo Cunha. Digo, Jean-Marie Leclair.

PQP

In -Jazz

.: interlúdio :. Lol Coxhill, Steve Lacy & Evan Parker: Three Blokes

pqpbach25 de setembro de 202625 de setembro de 20264 Comments

Sim, jazz de vanguarda. Quem não gosta, que fuja. Este álbum documenta três noites de improviso em duetos ou em trio de três saxofonistas, todos com sax soprano. Não há outros instrumentos e, na verdade, só há um trio: a curtíssima Three Blokes. O disco é uma fascinante integração entre 3 grandes instrumentistas que se revesam em duplas. Um levando o tema e o outro, digamos, correndo atrás. Gostei muito, mas sei que é para poucos. Afinal, quem diria que uma série de duetos de saxofone soprano seria tão fascinante? Em pleno voo, essa compreensão um do outro fica incrivelmente intrincada como uma fuga barroca. É música tão pura e simples quanto pode ser.

Lol Coxhill, Steve Lacy, Evan Parker: Three Blokes

1. The Crawl (Parker-Lacy)
2. Backlash (Parker-Lacy)
3. Glanced (Coxhill-Lacy)
4. Broad Brush (Parker-Coxhill)
5. Three Blokes (Lacy)

Soprano Saxophone – Evan Parker (tracks: 1, 2, 4, 5), Lol Coxhill (tracks: 3, 4, 5), Steve Lacy (tracks: 1 to 3, 5)

All tracks recorded live in Berlin, 25-27/09/1992
Released in 1994 by FMP.

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PQP

In Beethoven, Ludwig van, Schubert, Franz

Beethoven: Symphonie Nr. 6 »Pastorale« / Schubert: Symphonie Nr. 4 »Tragische« (Carlo Maria Giulini)

pqpbach25 de setembro de 202622 de agosto de 2026Leave a comment

Esta é uma gravação que perdeu muito com os anos. Molho pesado demais, execução totalmente destituída de humor e leveza. A crítica é dura, mas encontra eco em parte da recepção que este CD, com a Filarmônica de Los Angeles e a Orquestra Sinfônica de Chicago, acumulou ao longo do tempo. Carlo Maria Giulini, um respeitado maestro em sua época, oferece aqui leituras que dividem opiniões: para alguns, são visões transcendentes e solenes; para outros, são interpretações que afogam a vivacidade das partituras em um excesso de gravidade (minha opinião).

Puro Giulini: este CD é um documento de uma abordagem que privilegia a visão grandiosa de Giulini em detrimento da espontaneidade e da leveza. Devemos ter Pastorais mais líricas e belas no PQP (quem sabe, né?). A gravação de Giulini, com o passar dos anos, parece ter se consolidado menos como uma referência importante e mais como um testemunho de sua arte discutível, onde a majestade suplanta a alegria e a simplicidade que estas obras podem/devem evocar.

Beethoven: Symphonie Nr. 6 »Pastorale« / Schubert: Symphonie Nr. 4 »Tragische« (Carlo Maria Giulini)

Symphonie Nr. 6 F-Dur Op. 68 »Pastorale«
Composed By – Ludwig van Beethoven
Orchestra – Los Angeles Philharmonic Orchestra
1 Erwachen Heiterer Empfindungen Bei Der Ankunft auf dem Lande: Allegro ma non troppo 10:37
2 Szene Am Bach: Andante Molto Mosso 13:22
3 Lustiges Zusammensein Der Landleute: Allegro 5:33
4 Gewitter – Sturm: Allegro 3:59
5 Hirtengesang: Frohe Und Dankbare Gefühle Nach Dem Sturm: Allegretto 10:33

Symphonie Nr. 4 C-Moll D 417 »Tragische«
Composed By – Franz Schubert
Orchestra – Chicago Symphony Orchestra
6 Adagio Molto – Allegro Vivace 10:47
7 Andante 8:49
8 Menuetto. Allegro Vivace – Trio 3:51
9 Allegro 8:21

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PQP

In Beethoven, Ludwig van

Ludwig van Beethoven (1770-1827): Concerto para Violino, Op. 61 / Romances (Mutter, NYP, Masur)

pqpbach24 de setembro de 202629 de setembro de 20268 Comments

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Posso ser polêmico? Pois, para mim, esta gravação ao vivo é a melhor deste célebre concerto. Mas talvez não deva ser a primeira versão a ser ouvida por um jovem ouvinte. A interpretação pessoalíssima vem de uma Mutter madura e ousada, que tem desagradado os conservadores em função da “jazzificação” de seus solos. Sim, sua interpretação desta grande obra-prima está a léguas da ortodoxia. Eu entendo essas pessoas em seu desconforto. Elas querem mais do mesmo e cada vez mais perfeito, tudo bem longe de quaisquer riscos. Aí aparece Mutter e vira tudo de cabeça para baixo. E tais ouvintes parecem não captar a diferença entre uma improvisação altamente artística e a vulgaridade. Beethoven era uma alma romântica presa em uma moldura clássica e, se voltasse hoje, acho que adoraria ouvir as improvisações da genial Mutter. O que Mutter fez foi projetar uma peça de música celestial para a paisagem onde nós, mortais, vivemos. Sou muito grato.

Beethoven: Violin Concerto In D, Op.61
1 Allegro ma non troppo – Cadenza: Fritz Kreisler 27:08
2 Larghetto 10:58
3 Rondo. Allegro (Cadenza: Fritz Kreisler) 10:10

4 Beethoven: Violin Romance No.1 In G Major, Op.40 7:10
5 Beethoven: Violin Romance No.2 In F Major, Op.50 8:22

Anne-Sophie Mutter
New York Philharmonic
Kurt Masur

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PQP

In -Jazz

.: interlúdio :. John Coltrane Live at the Village Vanguard again! (1966)

Pleyel23 de setembro de 202622 de setembro de 2026Leave a comment

Hoje fazem exatos 100 anos desde a chegada ao planeta Terra de John Coltrane, saxofonista que foge das descrições e categorias mais usuais: mesmo dizer que ele nasceu no sul dos EUA (Carolina do Norte), que se mudou adolescente para a cidade de Philadelphia e que passou os anos mais maduros em Nova York parece pouco apropriado, tamanha é a tendência de sua música e personalidade a escapar de quaisquer fronteiras rígidas.

Após ter lançado seu 1º álbum ao vivo na casa de shows Village Vanguard, John Coltrane gravou um novo álbum no mesmo lugar em 1966, há pouco mais de 60 anos, com uma banda nova. Do quinteto de 1966, apenas o baixista Jimmy Garrison era remanescente do quinteto de 1961, aliás anterior ao famoso quarteto que existiu por alguns anos entre um momento e o outro.

Elisabeth van der Mei assistiu a esse concerto no Village Vanguard e descreveu o grupo assim: “Pharoah Sanders cada vez mais improvisa coletivamente com Coltrane, que por sua vez toca solos que podem durar 30, 40 minutos e hipnotiza o público pelo puro mistério de sua força.”

Along with his extraordinary musicianship, the especially impressive quality of John Coltrane is his insistence on continuing to explore hiself and his music each time he plays. This is a point Albert Ayler has made – that Coltrane could have stopped quite comfortably on one of his previous plateaus, but he refuses to stop. And as Coltrane goes on, he acts as a powerful stimulus to others not to stop. (Nat Hentoff, 1925-2017, no encarte do LP)

Coltrane live at the village vanguard again!
1. Naima
2. Introduction to My Favorite Things
3. My Favorite Things

John Coltrane Quintet:
John Coltrane – Tenor Saxophone, Soprano Saxophone, Bass Clarinet
Pharoah Sanders (Tenor Saxophone, Flute
Alice Coltrane – Piano
Jimmy Garrison – Bass
Rashied Ali – Drums
Recorded: Village Vanguard, New York City, May 1966

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Pleyel

In Haydn, Joseph, Strauss, Richard

R. Strauss: Vida de Herói & F. J. Haydn: Sinfonia Nº 90 (Böhm, Filarmônica de Viena)

pqpbach22 de setembro de 202622 de setembro de 20263 Comments

Este CD é um retrato fiel da arte de Karl Böhm: o mestre da clareza, equilíbrio e respeito à arquitetura musical. A sua leitura de Haydn pode não ter a irreverência de abordagens mais modernas, mas a sua solidez, beleza e integridade musical fazem dela uma referência. É uma gravação que nos lembra porque a velha escola vienense continua a ser tão apreciada, oferecendo uma escuta que é ao mesmo tempo confortável e estimulante. Este CD é uma oportunidade para apreciar a versatilidade de um dos maiores maestros do século XX. Sou um pouco hostil a Richard Strauss, mas sei que a parceria Böhm / Viena para Strauss é lendária. A crítica moderna descreve o maestro como um intérprete que “domina soberbamente a forma” e o “sentido da cor” orquestral. A sua abordagem, grandiosa mas nunca pesada, é ideal para a arquitetura complexa e o virtuosismo descritivo de Strauss. Aprecio mais o extreordinário feito orquestral do que propriamente a música.

R. Strauss: Vida de Herói & F. J. Haydn: Sinfonia Nº 90 (Böhm, Filarmônica de Viena)

A Hero’s Life op. 40
1 The Hero 4:22
2 The Hero’s Adversaries 3:08
3 The Hero’s Companion (I) 6:37
4 The Hero’s Companion (II) 7:31
5 The Hero’s Battlefield 7:24
6 The Hero’s Works of Peace 7:24
7 The Hero’s Retirement from the World and Fulfilment 6:47

Symphony No. 90 in C Major, Hob. 1:90
8 Adagio – Allegro assai 7:27
9 Andante 8:37
10 Menuett – Trio 5:23
11 Allegro assai 5:01

Wiener Philharmoniker
Karl Böhm

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O songamonga em um momento de contagiante felicidade familiar.

PQP

In -Jazz

.: interlúdio :. Thelonious Monk: Brilliant Corners

bluedog21 de setembro de 202621 de setembro de 2026Leave a comment

Muitas vezes a gente diz, ao ver um músico de jazz tocando com descontração, que “fulano toca como se estivesse brincando” – é preciso afirmar que ninguém se divertiu mais com sua própria música do que Thelonious Monk. Diz-se dele que tinha predileção em fazer as notas erradas soarem corretas. Monk, o compositor, era uma criança irriquieta: alterações de tempo/ritmo e predileções por harmonias dissonantes fizeram-no fundar e, depois, redescobrir o bebop em uma década.

Monk, o pianista, foi dono de um estilo percussivo e de improvisações surpreendentes e irreverentes. Além disso, não raro em uma jam session Monk terminava seu solo e levantava do piano, dançando em círculos. Embriagado da música. Levando pânico a um trompetista que estivesse desconcentrado.

Rejeitado em seus primeiros trabalhos por executar um jazz muito difícil, Monk reconciliou-se com público e crítica no seminal “Brilliant Corners”, gravado entre 17 e 23 de dezembro de 1956. Ao lado de ninguém menos do que Sonny Rollins e cercado pela solidez da cozinha de Max Roach e Oscar Pettiford, Monk registrou não apenas composições geniais – deixou um disco de rara variedade em sons, ritmos e texturas, de onde sairiam 4 standards do jazz. (Sendo que a faixa restante já era um deles.)

Brilliant Corners, faixa de abertura homônima ao disco, é considerada uma das mais difíceis composições do jazz de todos os tempos; levou mais de uma dúzia de takes para ser gravada, e a versão do disco foi editada com três deles. É um bebop swingado, cheio de clareiras melódicas para solos em tempos mutantes; um jazz ousado e que parece uma conversa entre bop e blue. E onde mais do que nunca aparecem os talentos do baixista Pettiford e, principalmente, do baterista Roach, cujo timing impecável permite que Monk angule as notas e o ritmo o quanto quiser sem que haja perda da coesão sonora.

Depois do desafio da primeira música, Monk solta o grupo numa jam longa, relaxada e cheia de groove, com tema blues: Ba-lue Bolivar Ba-lues-are. O lado B abre com a balada Pannonica, dedicada à “Baronesa do Bebop”, Nica (Rotschild) de Koenigswarter, amiga de Monk, Charlie Parker e diversos músicos do jazz à época. Nesta faixa Monk toca também celesta – em algumas passagens, junto com o piano.

I Surrender, Dear é o standard reinterpretado pelo grupo. Canção mais convencional do disco, onde Monk explora (à sua forma) camadas harmônicas, sincopando e interferindo no andamento normal. E para o final, outra versão para uma música sua já gravada, Bemsha Swing, que cheira a Gillespie e revisita as big bands – muito em parte pelo uso dos tímpanos na percussão.

Thelonious Monk – Brilliant Corners

Thelonious Monk: piano; celesta
Sonny Rollins: tenor saxophone
Ernie Henry: alto saxophone (faixas 1-4)
Oscar Pettiford: double bass (faixas 1-4)
Max Roach: drums; timpani
Clark Terry: trumpet (faixa 5)
Paul Chambers: double bass (faixa 5)

Produzido por Orrin Keepnews para a Riverside

download AQUI – 67mB
01 Brilliant Corners (Monk) – 7:42
02 Ba-lue Bolivar Ba-lues-are (Monk) – 13:24
03 Pannonica” (Monk) – 8:50
04 I Surrender, Dear (Barris-Clifford) – 5:25
05 Bemsha Swing (Monk-Best) – 7:42

Boa audição!

Blue Dog

In Ravel, Maurice

Maurice Ravel (1875-1937): Concertos para Piano (Kun Woo Paik, Gary Bertini)

pqpbach20 de setembro de 202618 de agosto de 2026Leave a comment

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Este CD reúne os dois concertos para piano de Maurice Ravel: o Concerto em Sol Maior e o Concerto para a Mão Esquerda em Ré Maior. A gravação é do pianista sul-coreano Kun Woo Paik e a Orquestra Sinfônica da Rádio de Stuttgart sob a direção de Gary Bertini.

A leitura de Paik e Bertini privilegia o detalhe e a transparência. Achei um baita disco. No famoso Adagio do Concerto em Sol, Paik demonstra a sutileza e o requinte necessários. O que me chamou a atenção foi a incrível versão de Paik para o Concerto para Mão Esquerda. Nunca dei muita bola pra este Concerto, mas aqui foi impossível ignorá-lo. Sem dpuvida, esta é uma gravação de referência para os concertos de Ravel, que se distingue pela clareza, elegância e atenção ao detalhe. Paik tem uma compreensão profunda do estilo de Ravel, resultado de décadas de dedicação a este repertório. A qualidade da gravação digital de 1981, faz deste disco uma audição segura tanto para quem descobre estas obras como para quem procura uma interpretação refinada e de grande beleza.

Maurice Ravel (1875-1937): Concertos para Piano (Kun Woo Paik, Gary Bertini)

Konzert Für Klavier Und Orchester G-Dur = Concerto For Piano And Orchestra In G Major = Concerto Pour Piano Et Orchestre En Sol Majeur (22:19)
1 Allegramente 8:18
2 Adagio Assai 8:55
3 Presto 5:06

Konzert Für Klavier Und Orchester D-Dur (Für Die Linke Hand) = Concerto For Piano And Orchestra In D Major (For The Left Hand) = Concerto Pour Piano Et Orchestre En ré Majeur (Pour La Main Gauche) (19:57)
4 Lento – Andante – Allegro – Lento 19:57

Conductor – Gary Bertini
Orchestra – Radio-Sinfonieorchester Stuttgart
Piano – Kun Woo Paik

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Paik, na maior calma, explicando democracia aos bolsonaristas

PQP