Richard Strauss (1864-1949): “Assim falou Zaratustra” & Sinfonia Doméstica (Maazel / Filarmônica de Viena)

Richard Strauss (1864-1949): “Assim falou Zaratustra” & Sinfonia Doméstica (Maazel / Filarmônica de Viena)

Minha opinião sobre Richard Strauss é a que segue: ele pegou tudo o que é ruim de Mahler, Wagner e Wolf, e fundiu em algo diferente e pior. Sua música tem um ar constipado. Mas esse disco é sempre elogiado. Maazel e R. Strauss têm tudo a ver. Esse disco é genial! Bah, só que eu não o suporto! Os primeiros minutos de “Assim falou…” são ótimos. E só. Depois, há uns solinhos difíceis de violino que são quase mais ou menos, mas o resto é de rigorosa chatice. O cara é prolixo, pura conversa fiada sem direção. Strauss só acertou em suas Metamorphosen e nas últimas canções, o resto é pra matar o vivente de tédio. Este CD é a cura da insônia. Se o clonazepam não funciona mais, experimente Richard Strauss. E olha que eu amo o romantismo tardio.

Richard Strauss (1864-1949): “Assim falou Zaratustra” & Sinfonia Doméstica (Maazel / Filarmônica de Viena)

Also Sprach Zarathustra Op. 30 – Tondichtung Für Großes Orchester (Frei Nach Friedrich Nietsche) (33:54)
A.1 Sehr Breit —
A.2 Von Den Hinterweltlern. Weniger Breit —
A.3 Von Der Großen Sehnsucht. Bewegter —
A.4 Von Den Freunden Und Leidenschaften. Bewegt —
A.5 Das Grablied. Etwas Ruhiger, Ausdrucksvoll —
A.6 Von Der Wissenschaft. Sehr Langsam —
A.7 Der Genesende. Energisch —
A.8 Das Tanzlied —
A.9 Nachtwandlerlied

Sinfonia Domestica Op. 53 = Symphonia Domestica = Symphonie Domestique
A1 Thema I. Bewegt · Thema II. Sehr Lebhaft · Thema III. Ruhig 5:13
A2 Scherzo. Munter 6:33
A3 Wiegenlied. Mäßig Langsam 6:06
A4 Adagio. Langsam 12:17
B1 Finale. Sehr Lebhaft 14:28

Conductor – Lorin Maazel
Orchestra – Wiener Philharmoniker

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Richard Strauss sendo marido e pai: o mesmo interesse e animação da Sinfonia Doméstica

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P. I. Tchaikovsky (1840-1893): Sinfonias Nº 4 e 2 (Pequena Rússia) (Abbado / New Philharmonia Orchestra, Wiener Philharmoniker)

P. I. Tchaikovsky (1840-1893): Sinfonias Nº 4 e 2 (Pequena Rússia) (Abbado / New Philharmonia Orchestra, Wiener Philharmoniker)

PQP Bach não roubaria ou mataria por Tchaikovsky — mas o faria por outros, evidentemente. A Sinfonia Little Russian — local mais conhecido pelo nome de UCRÂNIA — é uma gravação de 1968, lá no início da carreira musical de Abbado, embora ele já tivesse 35 anos. Ele faz uma bela leitura da Sinfonia. A Quarta data de 1976 e a gravação, como a primeira, também é cheia de energia e vibração. O primeiro movimento é rápido e quase não carrega nenhum peso trágico – é mais parecido com Liszt em sua exuberância histriônica. Ao ouvir esta Quarta, fica claro que Abbado não é pessimista nem excessivamente preocupado com tragédias… Abbado e as duas orquestras brilham durante todo o programa. Não sou um grande ouvinte de Tchai, mas penso que o regente Abbado mostra uma excelente compreensão de como a música de Tchaikovsky deve ser tocada, especialmente nestas duas sinfonias com alguns temas folclóricos russas. Ao menos, a barulhada é espetacular!

P. I. Tchaikovsky (1840-1893): Sinfonias Nº 4 e 2 (Pequena Rússia) (Abbado / New Philharmonia Orchestra, Wiener Philharmoniker)

Symphonie Nr. 4 F-moll Op.36 – Symphony No. 4 In F Minor, Op. 36 – Symphonie No 4 En Fa Mineur, Op. 36
1 Andante Sostenuto – Moderato Con Anima – Moderato Assai, Quasi Andante – Allegro Vivo 18:12
2 Andantino In Modo Di Canzone 9:03
3 Scherzo. Pizzicato Ostinato – Allegro 5:40
4 Finale. Allegro Con Fuoco 8:33

Symphonie Nr. 2 C-Moll Op. 17 “Kelinrussiche” – Symphony No. 2 In C Minor, Op. 17 “Little Russian” – Symphonie No 2 En Ut Mineur “Petite-Russie”
5 Andante Sostenuto – Allegro Vivo 10:35
6 Andantino Marziale, Quasi Moderato 7:08
7 Scherzo: Allegro Molto Vivace – Trio. L’Istesso Tempo 5:13
8 Moderato Assai – Allegro Vivo – Presto 10:32

Conductor – Claudio Abbado
Orchestra – New Philharmonia Orchestra (tracks: 5 to 8), Wiener Philharmoniker (tracks: 1 to 4)

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Kiev — que parem a matança.

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Ludwig van Beethoven (1770-1827): 33 Variações sobre uma Valsa de Diabelli, Op. 120 (Maurizio Pollini)

Ludwig van Beethoven (1770-1827): 33 Variações sobre uma Valsa de Diabelli, Op. 120 (Maurizio Pollini)

Diabelli teve sorte e foi imortalizado mesmo sem nunca ter escrito grande coisa. As 33 Variações sobre uma Valsa de Anton Diabelli, Op. 120, comumente conhecidas como Variações Diabelli, é um conjunto de variações para piano escritas entre 1819 e 1823 por Beethoven sobre uma valsa composta por — adivinhem? — Anton Diabelli. É frequentemente considerado um dos maiores conjuntos de variações para teclado junto com as Variações Goldberg de Bach. Recentemente, Vassily postou uma gravação da mesma obra que parece ser imbatível — é esta aqui. Pollini mantém sua categoria habitual e sua versão não é nada secundária, mesmo que perca para Uchida. Aqui, cada detalhe tem a marca de Pollini: a afirmação assertiva, quase brusca, do tema, o tremendo ataque a tudo o que exige brilho técnico, a altivez aristocrática com que trata as variações mais introspectivas, a ótima intepretação nos momentos de humor, como a citação da ária de Leporello de Don Giovanni de Mozart na variação 22. Todos são claramente o produto do comando soberano do teclado. Mas ficaremos com Uchida desta vez.

Ludwig van Beethoven (1770-1827): 33 Variações sobre uma Valsa de Diabelli, Op. 120 (Maurizio Pollini)

1 Tema. Vivace 0:50
2 Var. 1. Alla Marcia Maestoso 1:40
3 Var. 2. Poco Allegro 0:51
4 Var. 3. L’Istesso Tempo 1:12
5 Var. 4. Un Poco Più Vivace 0:59
6 Var. 5. Allegro Vivace 0:50
7 Var. 6. Allegro Ma Non Troppo E Serioso 1:32
8 Var. 7. Un Poco Più Allegro 1:15
9 Var. 8. Poco Vivace 1:24
10 Var. 9. Allegro Pesante E Risoluto 1:59
11 Var. 10. Presto 0:36
12 Var. 11. Allegretto 1:03
13 Var. 12. Un Poco Più Moto 0:50
14 Var. 13. Vivace 0:55
15 Var. 14. Grave E Maestoso 3:26
16 Var. 15. Presto Scherzando 0:36
17 Var. 16. Allegro 0:57
18 Var. 17 0:58
19 Var. 18. Poco Moderato 1:24
20 Var. 19. Presto 0:50
21 Var. 20. Andante 2:06
22 Var. 21. Allegro Con Brio – Meno Allegro 1:09
23 Var. 22. Allegro Molto (Alla “Notte E Giorno Faticar” Di Mozart) 0:50
24 Var. 23. Allegro Assai 0:55
25 Var. 24. Fughetta. Andante 2:48
26 Var. 25. Allegro 0:47
27 Var. 26 0:58
28 Var. 27. Vivace 0:54
29 Var. 28. Allegro 0:59
30 Var. 29. Adagio Ma Non Troppo 1:08
31 Var. 30. Andante, Sempre Cantabile 1:46
32 Var. 31. Largo, Molto Espressivo 4:49
33 Var. 32. Fuga. Allegro 2:54
34 Var. 33. Tempo Di Menuetto, Moderato (Ma Non Tirarsi Dietro) 3:58

Maurizio Pollini, piano

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Diabelli: o homem que entrou de gaiato na imortalidade.

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Purcell, Kauffmann, Tag, Krebs, B. Hummel: Música para Trompete e Órgão (Erb, Weinberger)

Purcell, Kauffmann, Tag, Krebs, B. Hummel: Música para Trompete e Órgão (Erb, Weinberger)
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O disco é tão obscuro que não existe na Amazon.

Sempre fui seduzido pela sonoridade das obras para trompete e órgão. No passado, era mais comum aparecerem discos desta clássica formação. Hoje, o órgão e suas formações parecem ter saído de moda, não obstante muitos autores barrocos terem escrito obras para esta dupla do barulho. Excetuando-se Purcell, este CD traz obras obscuras de compositores antigos e de um moderno mandando bala e fazendo barulho com os dois potentes instrumentos. O disco tem momentos interessantíssimos e não faço a mínima ideia de como foi parar no meu HD. Há obras muito bonitas de Handel, Corelli e Telemann para esta formação hoje bem rara, mas só as tenho em vinil. Além da de Purcell, a obra de Hummel é ESPLÊNDIDA.

Purcell, Kauffmann, Tag, Krebs, B. Hummel: Música para Trompete e Órgão

Henry Purcell (1659-1695)
Sonata in D-Dur
1. 1. Pomposo
2. 2. Andante maestoso
3. 3. Allegro ma non troppo

Georg Friedrich Kauffmann (1679-1795)
4. Gelobet seist du, Jesu Christ
5. Wie schön leuchter der Morgenstern
6. Ach Gott, vom Hummel sieh darein

Christian Gotthilf Tag (1713-1780)
7. Befiehl du deine Wege

Johann Ludwig Krebs (1713-1780)
8. Wachet auf, ruft uns die Stimme

Bertold Hummel (1925-2002)
Invocationes in C op.68
9. 1. De profundis
10. 2. In te domine speravi
11. 3. Non confundar in aeternum

Helmut Erb, trompete
Gerhard Weinberger, orgel

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Fica bonito, gente.
É um barulhão dos diabos, mas fica bonito.

PQP

Poulenc (1899-1963), Fauré (1845-1924), Debussy (1862-1918): Impressions françaises (Música de câmara com flauta) – Juliette Hurel (flauta) ֍

Poulenc (1899-1963), Fauré (1845-1924), Debussy (1862-1918): Impressions françaises (Música de câmara com flauta) – Juliette Hurel (flauta) ֍

 

Impressions françaises

Poulenc, Fauré & Debussy

Juliette Hurel

 

A flauta é um instrumento perigoso! Costuma ser melíflua… até de mais e aí é onde dorme o perigo. Deduz-se de uma carta escrita nos idos 1778 que Mozart não gostava de flauta, mas não devemos ser tão categóricos, uma vez que ele teve muito tempo para mudar de ideia e as flautas com as quais ele lidava não eram exatamente o tipo de instrumento que podemos ouvir numa gravação como a do disco aqui.

Eu certamente aprecio as flautas com moderação, mas esse disco repleto de obras de câmara compostas por franceses entrou logo no meu radar e aqui está ele, repleto de ótimas peças.

A sonata de Poulenc abre o disco e já apresenta a maestria e musicalidade da flautista Juliette Hurel. Segue uma coleção de peças para flauta e piano compostas por Gabriel Fauré, com algumas de suas melodias mais conhecidas.

Das peças de Debussy, a sonata para flauta, viola e harpa é a que tem as sonoridades mais bonitas, e ela é ladeada por duas versões de Syrinx, para solo de flauta, a primeira delas com uma recitante. Há também uma transcrição para flauta e piano do Prélude à l’après-midi d’un faune.

Para completar, uma peça pequenina de Poulenc, para flauta solo.

Hélène et Juliette

Juliette Hurel est sans doute déjà une légende vivante et elle est française. Comme il se doit, son talent a donc été ignoré par les plus grands orchestres français! ça, on le savait déjà. Chez Hurel, chaque son est un monde, choyé, aimé. Son phrasé est d’une élégance à couper le souffle. Dans ces instants de présent vécu jusqu’à la moelle, elle nous fait toucher à l’éternité. […] Ici, rien qui brille en une inélégante apparence, mais une lumière qui vient du fond du coeur. D’ailleurs, J. Hurel sait aussi bien faire chanter la flûte en bois que la flûte en métal. Une anticommerciale au talent infini. [de uma crítica feita no site de uma loja de discos…]

Juliette Hurel é, sem dúvida, uma lenda viva e é francesa. Como não poderia deixar de ser, o seu talento foi, portanto, ignorado pelas maiores orquestras francesas! Já sabíamos disso. Com Hurel, cada som é um mundo, mimado, amado. Seu fraseado é incrivelmente elegante. Nestes momentos do presente vividos até ao âmago, aproxima-nos da eternidade. […] Aqui nada brilha numa aparência deselegante, mas sim uma luz que vem do fundo do coração. Além disso, J. Hurel sabe fazer a flauta de madeira cantar tão bem quanto a flauta de metal. Um anticomercial com talento infinito.

Francis Poulenc (1899 – 1963)

Sonata para flauta e piano, Op. 164

  1. Allegro malinconico
  2. Cantilena
  3. Presto Giocoso

Gabriel Fauré (1845 – 1924)

Peças para flauta e piano

  1. Pièce pour flûte et piano
  2. Sicilienne pour flûte et piano, Op. 78
  3. Morceau de concours pour flûte et piano
  4. Fantaisie pour flûte et piano, Op. 79
  5. Berceuse pour flûte et piano, Op. 16

Claude Debussy (1862 – 1918)

Peça para flauta (com recitante)

  1. Syrinx pour flûte et récitante

Sonata for Flute, viola e harpa

  1. Pastorale
  2. Interlude
  3. Final

Peça para flauta

  1. Syrinx pour flûte

Peça para flauta e piano

(Transcrição de Gustave Samazeuilh)

  1. Prélude à l’après-midi d’un faune

Francis Poulenc (1899 – 1963)

Peça para flauta

  1. Un joueur de flûte berce les ruines, pour flûte

Juliette Hurel, flauta

Hélène Couvert, piano

Florence Darel, recitante

Arnaud Thorette, viola

Christine Icart, harpa

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FLAC | 196 MB

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MP3 | 320 KBPS | 145 MB

Juliette Hurel adorou o comentário de Mozart

Hurel is an award-winning musician who has collaborated with similarly decorated musicians such as Pierre Boulez, Martha Argerich, Shlomo Mintz, Gidon Kremer and Claire Désert, among many others. As a soloist Hurel has appeared with Les Siècles, Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra, and the Montreal Orchestre Métropolitain. 

Hurel é uma artista premiada que colaborou com músicos com condecorações semelhantes, como Pierre Boulez, Martha Argerich, Shlomo Mintz, Gidon Kremer e Claire Désert, entre muitos outros. Como solista, Hurel se apresentou com Les Siècles, Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra e Montreal Orchester Métropolitain.

Aproveite!

René Denon

Pizzetti / Malipiero / Respighi / Casella: Obras para Violino e Piano (Biondi / Di Ilio)

Pizzetti / Malipiero / Respighi / Casella: Obras para Violino e Piano (Biondi / Di Ilio)

Um bonito disco de música italiana romântica feita por italianos. O período em que os compositores viveram não é o romântico, mas vá ouvir os caras. Fabio Biondi, além de dar belas entrevistas, é um monstro no violino. Não, não estou falando de virtuosismo, falo que ele é bom mesmo. Pela capa, parece que o destaque do CD é Malipiero, mas ele não chega a se destacar. Aliás, Malipiero morreu em 1973. Na Itália fascista, ele manteve boas relações com Benito Mussolini até em 1932 ter escolhido para uma das suas óperas o libreto de Pirandello, La favola del figlio cambiato. Malipiero dedicou a Mussolini a sua ópera seguinte, Giulio Cesare (1934-35), mas isto não o ajudou. Malipiero foi também um fino polemista e crítico musical. Não obstante o seu isolamento artístico, Malipiero manteve contatos com os melhores compositores do século XX, como Igor Stravinsky, Ernest Bloch, Luigi Dallapiccola e Luciano Berio.

Pizzetti / Malipiero / Respighi / Casella: Obras para Violino e Piano (Biondi / Di Ilio)

Tre Canti (Three Songs)
Composed By – Ildebrando Pizzetti
1 Affettuoso (piuttosto Mosso, E Arioso) 4:44
2 Quasi Grave e Commosso 4:06
3 Appassionato 3:58

Opera Omnia Per Violino E Pianoforte (Complete Works For Violin And Piano)
Composed By – Gian Francesco Malipiero
4 Il Canto Nell’ Infinito (The Song In The Infinite) 3:01
5 Canto Crepusculare (Twilight Song) 4:46
6 Il Canto Della Lontananza (The Song Of Separation) 3:19
7 Canto Notturno (Night Song) 4:22

8 Romanza
Composed By – Ottorino Respighi
3:59

9 Aubade
Composed By – Ottorino Respighi
3:00

10 Madrigake
Composed By – Ottorino Respighi
3:32

11 Berceuse
Composed By – Ottorino Respighi
2:55

12 Humoresque
Composed By – Ottorino Respighi
6:24

13 Melodia
Composed By – Ottorino Respighi
3:10

14 Minuetto Dalla Scarlattiana (Menuet From The Scarlattiana)
Composed By – Alfredo Casella
6:05

Piano – Luigi Di Ilio
Violin – Fabio Biondi

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Gente da Cultura não pode se dar bem com fascistas, Gian Francesco. Aprenda!

PQP

F. J. Haydn (1732-1809): Sinfonias No. 22 (Der Philosoph) • No. 63 (La Roxelane) • No. 80 (Orpheus Chamber Orchestra)

F. J. Haydn (1732-1809): Sinfonias No. 22 (Der Philosoph) • No. 63 (La Roxelane) • No. 80 (Orpheus Chamber Orchestra)

Não pensem que erramos, é que a Orpheus trabalha sem maestro. Este antigo CD é maravilhoso.  Embora a orquestra toque com instrumentos modernos, mas esta longe de ser o oposto da “prática de época” — na minha opinião, esse movimento também informa algumas das maneiras de abordar as obras. Então, não deixa de ser historicamente informado. Ouçam e concluam. A Orpheus dá-nos versões enérgicas, ágeis e maravilhosas de três obras encantadoras. A melhor Sinfonia pode ser a 80, OK, mas sou apaixonado pela 22. O nome (“O Filósofo”) não está no manuscrito original e é improvável que tenha vindo do próprio Haydn. Ele aparece em uma cópia manuscrita da sinfonia encontrada em Modena, datada de 1790. Portanto, o apelido data da época do compositor, mas não da composição (1764). Pensa-se que o título deriva da melodia e do contraponto do primeiro movimento (entre as trompas e o corne inglês), que musicalmente aludem a uma pergunta seguida de uma resposta e paralelamente ao sistema de debate disputatio. O uso de um efeito tique-taque abafado na peça também evoca a imagem de um filósofo imerso em pensamentos enquanto o tempo passa. Só que o apelido torna-se menos apropriado à medida que a sinfonia avança e a seriedade dá lugar ao bom humor…

F. J. Haydn (1732-1809): Sinfonias No. 22 (Der Philosoph) • No. 63 (La Roxelane) • No. 80 (Orpheus Chamber Orchestra)

Symphony In E-flat Major, Hob. I:22 “The Philosopher”
1 1. Adagio 8:17
2 2. Presto 4:02
3 3. Menuetto – Trio – Menuetto 3:50
4 4. Finale: Presto 2:49

Symphony In C Major, Hob. I:63 “La Roxelane”
5 1. Allegro 5:54
6 2. “La Roxelane”: Allegretto (O Più Tosto Allegro) 4:10
7 3. Menuet – Trio – Menuet 4:10
8 4. Finale: Presto 3:47

Symphony In D Minor, Hob. I:80
9 1. Allegro Spiritoso 5:13
10 2. Adagio 9:25
11 3. Menuetto – Trio – Menuetto 3:36
12 4. Finale: Presto 4:34

Orpheus Chamber Orchestra

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A Orpheus depois de pôr mais um maestro pra correr.

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.: interlúdio :. Beyond The Missouri Sky (Short Stories): Charlie Haden & Pat Metheny

.: interlúdio :. Beyond The Missouri Sky (Short Stories): Charlie Haden & Pat Metheny

ABSOLUTAMENTE IM-PER-DÍ-VEL !!!

Este post é originalmente de 2007. Vocês vão notar pelo texto abaixo, que Charlie Haden ainda não tinha falecido.

Agora é P.Q.P. Bach quem ataca de jazz para divulgar outro CD que o guitarrista Pat Metheny (1954) fez em dupla, desta vez com o grande baixista Charlie Haden (1937). Todas as informações grifadas a seguir forma retiradas da Wikipedia.

É um CD muito jazzístico e delicado, em que todas as músicas são tocadas apenas pelos dois solistas em rigoroso duo, com apenas a intervenção de uma discreta bateria (Metheny arrisca-se no instrumento…) em uma das faixas e de alguns efeitinhos de teclado. Haden explora ao extremo seu estilo mais cantabile do que o de um mero marcador de tempo, extraindo de seu contrabaixo um som mais limpo do que cheio. Já Pat Metheny é conhecidíssimo e não vamos perder tempo descrevendo o que vocês já sabem.

.oOo.

Charles Edward Haden é um contrabaixista de jazz nascido a 6 de Agosto de 1937 em Shenandoah no Iowa nos EUA.

Haden é mais conhecido pela sua associação de longa data com o saxofonista Ornette Coleman, mas também pelas suas caraterísticas linhas de baixo melódicas e é hoje um dos mais respeitados contrabaixistas e compositores de jazz da actualidade.

Biografia

Haden nasceu numa família de músicos que actuava frequentemente na rádio, tocando música country e canções folk americanas. Haden estreou-se profissionalmente como cantor quando tinha apenas dois anos de idade e continuou a cantar com a sua família até aos quinze anos, quando contraiu uma forma ligeira de poliomielite que lhe danificou permanentemente as cordas vocais. Alguns anos antes, Haden começara a interessar-se por jazz e a tocar no contrabaixo do seu irmão.

Algum tempo depois, mudou-se para Los Angeles em 1957 e começou a tocar profissionalmente, nomeadamente com o pianista Hampton Hawes e com o saxofonista Art Pepper.

Charlie Haden tornou-se famoso tocando com Ornette Coleman no final dos anos 50, culminando no disco The Shape of Jazz to Come (1959). Este álbum foi muito controverso, na época, e o próprio Haden confessou que, a princípio, o estilo de Coleman o deixava completamente confundido e que se limitava a repetir as linhas melódicas de Coleman no contrabaixo. Foi só mais tarde que ganhou a confiança para criar as suas próprias linhas.Além da sua associação com Coleman, Haden fazia parte do trio e depois do “”American quartet” de Keith Jarrett, com Paul Motian e Dewey Redman, de 1967 a 1976.

Nos anos 70, fundou, com Carla Bley, a Liberation Music Orchestra (LMO). A sua música era fortemente experimental, associando o free jazz e a música de intervenção política. O seu primeiro álbum debruçava-se sobre a Guerra Civil Espanhola. A LMO tinha uma formação flutuante, abrangendo os principais instrumentistas de jazz. Através dos arranjos de Carla Bley, usavam uma vasta paleta de instrumentos de metal, como tuba, trompa e trombone, além da secção mais tradicional de trompete e instrumentos de palheta. O álbum da Liberation Music Orchestra de 1982, The Ballad of the Fallen refería-se, de novo à Guerra Civil Espanhola bem como à instabilidade política e envolvimento dos EUA na América Latina.

Em 1990 a orquestra regressou com o disco Dream Keeper, um registo mais heterogéneo, utilizando o gospel e música sul-africana para referir-se à América Latina e ao Apartheid.

Em 1971 durante uma excursão em Portugal, Haden dedicou a sua “Song for Che” aos revolucionários anti-colonialistas das colónias portuguesas de Angola, Moçambique e Guiné-Bissau. No dia seguinte, foi preso no aeroporto de Lisboa e interrogado pela DGS, a polícia política portuguesa. Foi prontamente libertado graças à intervenção da embaixada americana em Lisboa, mas foi depois interrogado acerca da dedicatória pelo FBI, já nos EUA.

Esta exploração temática de géneros de música habitualmente não associados ao jazz tornou-se uma característica marcante de Haden com o seu Quartet West. Fundado em 1987, o quarteto era composto por Haden, Ernie Watts no saxofone, Alan Broadbent ao piano e Larance Marable na bateria. O grupo apresentava arranjos de Broadbent, românticos e elaborados e recebeu muitos prémios.

Haden também tinha trabalhava em duetos com vários pianistas, como Hank Jones, Kenny Barron e Denny Zeitlin. Explorou a música folk americana em American Hymns, a música dos film noir em Always Say Goodbye e a música popular cubana em Nocturne.

Em 1989 foi artista convidado do Festival de Jazz de Montreal e tocou todas as noites do festival com diferentes conjuntos e bandas. A maior parte destes concertos foram editados na série The Montreal Tapes.

Em 1990 grava, com o mestre da guitarra portuguesa, Carlos Paredes, o álbum Dialogues.

No final de 1997, colabora num dueto com o guitarrista Pat Metheny, explorando a música da sua infância, no álbum Beyond the Missouri Sky (Short Stories) e realizando uma digressão mundial com Metheny.

Em 2005, Haden voltou a reunir a Liberation Music Orchestra, grandemente renovada, para lançar Not In Our Name, abordando a situação política dos EUA e a guerra do Iraque.

Em 2007, no seu 70º aniversário, lança o documentário: “Charlie Haden”.

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E sobre Pat Metheny

Biografia

Iniciando com o trompete já aos 8 anos de idade, Metheny trocou para a guitarra ao 12 anos. Aos 15 anos, já estava trabalhando com os melhores músicos de jazz do Kansas, adquirindo experiência em bandas já muito jovem. Seu primeiro sucesso na cena internacional do jazz foi em 1974. Com o lançamento de seu primeiro álbum, Bright Size Life (1975), segundo a crítica, ele reinventara “o som tradicional da guitarra jazz” para uma nova geração de guitarristas.

Durante sua carreira, continuou a redefinir o genero utilizando novas tecnologias e trabalhando constantemente para refinar sua capacidade sonora e de improvisação no seu instrumento.Planejando sua carreira com sabedoria, trabalhou primeiro com uma gravadora de grande prestígio na música moderna (ECM), depois em uma gravadora de inclinações pop (Geffen) e finalmente com a multi-nacional (Warner Bros). Flertou com o jazz-rock, com grande sucesso, e chegou mesmo a ter videoclipes exibidos na rede MTV. Segundo os críticos Richard Cook e Brian Morton, “Metheny tornou-se uma figura-chave na música instrumental dos últimos 20 anos”.

Durante os anos, atuou com músicos tão diversos como Steve Reich, Ornette Coleman, Herbie Hancock, Jim Hall, Milton Nascimento e David Bowie. Formou uma parceria de composição com o tecladista Lyle Mays por mais de vinte anos – uma parceria que foi comparada às de Lennon/McCartney e de Ellington/Strayhorn por críticos e por ouvintes igualmente. O trabalho de Metheny inclui composições para guitarra solo, instrumentos elétricos e acústicos, grandes orquestras, e peças para ballet, com passagens que variam do jazz moderno ao rock e ao clássico.

Metheny atuou também na área academica como professor de música. Aos 18, foi o professor mais novo de sempre na universidade de Miami. Aos 19, transformou-se no professor mais novo de sempre na faculdade de Berkeley de música, onde recebeu também o título de doutor honorário vinte anos mais tarde (1996). Ensinou também em workshops de música em várias partes do mundo, desde o Dutch Royal Conservatory ao Thelonius Monk Institute of Jazz. Foi também um dos pioneiros da música eletrônica, e foi um dos primeiros músicos do jazz que tratou o sintetizador seriamente. Anos antes da invenção da tecnologia de MIDI, Metheny usava o Synclavier como uma ferramenta de composição . Também tem participação no desenvolvimento de diversos novos tipos de guitarras tais como a guitarra acústica soprano, a guitarra de 42-cordas Pikasso, a guitarra de jazz Ibanez Pm-100, e uma variedade de outros instrumentos feitos sob encomenda.

Metheny é um músico que estuda e escreve muito, está aberto a inúmeras influências, e principalmente toca e grava muito. Nesse processo, atira em várias direções, e é inegável que acaba produzindo alguns trabalhos de caráter mais comercial, ainda que agradáveis e perfeitamente bem executadas.

Ele ganhou ganhou vários concursos como o “melhor guitarrista de jazz” e prêmios, incluindo discos de ouro para os álbuns Still Life (Talking), Letter from Home e Secret Story. Ganhou também quinze prêmios Grammy Awards sobre uma variedade de categorias diferentes incluindo “Best Rock Instrumental”, “Best Contemporary Jazz Recording”, “Best Jazz Instrumental Solo”, “Best Instrumental Composition”.

O Pat Metheny Group ganhou sete Grammies consecutivos em sete álbums consecutivos. Metheny dedica-se a maior parte de seu tempo a turnes e viagens, e calcula uma média entre 120 à 240 viagens por ano desde 1974. Continua a ser uma das estrelas mais brilhantes da comunidade do jazz, dedicando tempo aos seus próprios projetos, a novos músicos e aos veteranos, ajudando-lhes a alcançar suas audiências tão como realizar suas próprias visões artísticas.

Beyond The Missouri Sky (Short Stories)

1. Waltz For Ruth
2. Our Spanish Love Song
3. Message To A Friend
4. Two For The Road
5. First Song
6. The Moon Is A Harsh Mistress
7. The Precious Jewel
8. He’s Gone Away
9. The Moon Song
10. Tears Of Rain
11. Cinema Paradiso (Love Theme)
12. Cinema Paradiso (Main Theme)
13. Spiritual

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Metheny-Haden: que dupla, que dupla, que dupla!
Metheny-Haden: que dupla, que dupla, que dupla!

PQP

B. Britten (1913-1976): Violin Concerto / W. Walton (1902-1983): Viola Concerto (Vengerov, Rostropovich)

B. Britten (1913-1976): Violin Concerto / W. Walton (1902-1983): Viola Concerto (Vengerov, Rostropovich)

Vocês sabem aquele disco consistente? Pois é o caso. São bons concertos de Britten e Walton — o de Britten é bem melhor — , boas interpretações, boa gravação. Nada de arrebentar, mas tudo em seu lugar. Há traços de Shostakovich no concerto de Britten e a tão vilipendiada viola é bem tocada pelo excelente Vengerov no Walton. O concerto de Britten é cheio de íntima agitação e emoção crua, mas também é elegante e lírico. Vengerov faz justiça aos muitos matizes deste trabalho, particularmente a seu final dolorido e solene, o qual é soberbamente interpretado.

B. Britten (1913-1976): Violin Concerto / W. Walton (1902-1983): Viola Concerto

1 Violin Concerto Op.15: I Moderato con moto – 10:05
2 Violin Concerto Op.15: II Vivace – 8:24
3 Violin Concerto Op.15: III Passacaglia – Andante lento (un poco meno mosso) 15:22

4 Viola Concerto: I. Andante comodo 9:47
5 Viola Concerto: II. Vivo, con molto preciso 4:24
6 Viola Concerto: III. Allegro moderato 16:23

viola

Maxim Vengerov
London Symphony Orchestra
Mstislav Rostropovich

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Britten: grandes música e nariz
Britten: grandes música e nariz

PQP

Henry Purcell (1659-1695): Ode for St. Cecilia’s Day / Te Deum e outras peças (Choir and Orchestra of the Golden Age, Glenton)

Henry Purcell (1659-1695): Ode for St. Cecilia’s Day / Te Deum e outras peças (Choir and Orchestra of the Golden Age, Glenton)

Na tradição de Purcell, Ode for St Cecilia’s Day — escrita assim sem data — na maioria das vezes sugere a grande Hail bright Cecilia de 1692. Mas não importa, a primeira ode para Cecília de Purcell, Welcome to all the pleasures, de nove anos antes, é uma joia por si só e contém música esplêndida, incluindo o fascinante ária Here the deities approve. O catálogo conta com duas versões impressionantes de Andrew Parrott e Robert King, mas esta leitura cuidadosa e lúcida resiste bem à concorrência. The Choir and Orchestra of the Golden Age, conjunto de instrumentos de época com sede em Manchester, trazem performances robustas do Te Deum e do Jubilate. David Staff é um solista efervescente e de bom gosto na Trumpet Sonata de Purcell, que atua como um interlúdio satisfatório para os números vocais. Há muito para desfrutar aqui.

Henry Purcell (1659-1695): Ode for St. Cecilia’s Day / Te Deum e outras peças (Choir and Orchestra of the Golden Age, Glenton)

Morning Service in D Major, Z. 232: Te Deum
1 Morning Service in D Major, Z. 232: Te Deum 13:17

The noise of foreign wars
2 The noise of foreign wars 06:50

Raise, raise the voice, Z. 334
3 Raise, raise the voice, Z. 334 12:28

Trumpet Sonata in D Major, Z. 850
4 I. Allegro 01:27
5 II. Adagio 01:37
6 III. Allegro 01:31

Fishburn, Christopher – Lyricist
Welcome to all the pleasures, Z. 339, “Ode on St. Cecilia’s Day”
7 Welcome to all the pleasures, “Ode on St. Cecilia’s Day”, Z. 339 17:20
Purcell, Henry

Morning Service in D Major, Z. 232: Jubilate Deo
8 Morning Service in D Major, Z. 232: Jubilate Deo 08:19

Bass Vocals – Thomas Guthrie
Choir – Choir Of The Golden Age
Conductor – Robert Glenton
Countertenor Vocals – Christopher Robson, William Purefoy
Orchestra – Orchestra Of The Golden Age
Soprano Vocals – Jeni Bern, Susan Bisatt
Tenor Vocals – Ian Honeyman
Trumpet [Natural Trumpet] – David Staff

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Um dia arranjo uma peruca dessas pro Carnaval.

PQP

Leoš Janáček (1854-1928): Violin Sonata / Capriccio / Romance / Dumka (Benedek, Line, Hlawatsch)

Leoš Janáček (1854-1928): Violin Sonata / Capriccio / Romance / Dumka (Benedek, Line, Hlawatsch)

IM-PER-DÍ-VEL !!!

A música de Janáček para conjuntos de câmara já foi moda — foi muito gravada nos anos 60 e 70. Tanto que podemos escolher entre muitos bons registros. A escolha do repertório é um tanto original (ou estranha) e isto é muito bom! A Sonata e as duas primeiras peças para violino e piano realmente têm pouco a ver com o Capriccio. Ildiko Line sai-se maravilhosamente em tudo, mas parece sentir-se mais à vontade no Romance, com seu calor e lirismo brahmsianos, do que na Sonata, cujas originalidades podem lhe escapar. Na abertura do Adagio final, por exemplo, espera-se uma resposta exuberante no violino. Hlawatsch expõe os quatro acordes de abertura com correção, mas Line não vem coma ferocidade esperada. Já o segundo movimento, a Balada, nunca ouvi melhor versão. O Capriccio é uma peça estranha mesmo para os padrões de Janáček. Hlawatsch está claramente intrigado com a música e responde com cuidado os extraordinários problemas de equilíbrio apresentados por um acompanhamento (se é que se pode chamar assim) de flauta, dois trompetes, três trombones e tuba. Lindo disco!

Leoš Janáček (1854-1928): Violin Sonata / Capriccio / Romance / Dumka (Benedek, Line, Hlawatsch)

Leoš Janáček (1854-1928)
Sonata for Violin and Piano, JW VII/7 (*)
1 I. Con moto 05:51
2 II. Balada; Con moto 04:56
3 III. Allegretto 02:54
4 IV. Adagio 05:34

Romance, JW VII/3 (*)
5 Romance, JW VII/3 05:12

Dumka, JW VII/4 (*)
6 Dumka, JW VII/4 06:22

Allegro, JW IX/9 (*)
7 Allegro, JW IX/9 03:25

Capriccio for Piano Left-Hand and Chamber Orchestra, JW VII/12
8 I. Allegro 05:19
9 II. Adagio 05:42
10 III. Allegretto 04:18
11 IV. Andante 06:36

Conductor – Tamás Benedek
Flute, Piccolo Flute – István Rácz
Piano – Thomas Hlawatsch
Trombone – Kerényi Balázs, Sandor Szabo (2), Tibor Koszorus
Trumpet – Czeglédi Zsolt (2), István Somorjai
Tuba – Bálint István
Violin – Ildikó Line (*)

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Janáček na porta de entrada do PQP Prague Hall ao lado da Ponte Carlos.

PQP

Arnold Schoenberg (1874-1951): Violin Concerto Op.36 / Sibelius (1865-1957): Violin Concerto Op.47 (Hahn / Salonen)

Arnold Schoenberg (1874-1951): Violin Concerto Op.36 / Sibelius (1865-1957): Violin Concerto Op.47 (Hahn / Salonen)

Schoenberg já estava vivendo na Califórnia quando escreveu seu Concerto para Violino. Ainda era um ser humano ríspido, mandão e gostava de estar sempre cercado de acólitos, mas já estava, de forma muito curiosa, tropicalizado. Usava roupas incríveis, quase havaianas em seu radicalismo. Queria fazer músicas para filmes em Hollywood, mas pedia dinheiro demais e não era contratado… Teve também a doce ilusão de que seu Concerto tocaria nas rádios — hábito nos anos 30 e 40 — e que ficaria famoso nos States. Imaginem o quanto o sujeito viajava na maionese! Estava nos EUA.. Bem, claro que nada disso aconteceu e hoje ouvimos com interesse diminuto a obra, que é boa. Nada além disso. Já o Concerto para Violino de Sibelius é tonal, belíssimo e glorioso. Hillary Hahn e Esa-Pekka Salonen, com seus suecos, dão um banho. Acho que vale a audição, claro.

Arnold Schoenberg (1874-1951): Violin Concerto Op.36 / Sibelius (1865-1957): Violin Concerto Op.47

1. Violin Concerto, Op.36 – 1. Poco Allegro 11:36
2. Violin Concerto, Op.36 – 2. Andante grazioso 7:30
3. Violin Concerto, Op.36 – 3. Finale. Allegro 10:38

4. Violin Concerto in D minor, Op.47 – 1. Allegro moderato 17:20
5. Violin Concerto in D minor, Op.47 – 2. Adagio di molto 8:36
6. Violin Concerto in D minor, Op.47 – 3. Allegro, ma non tanto 7:16

Hilary Hahn, violino
Swedish Radio Symphony Orchestra
Esa-Pekka Salonen

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Schoenberg em seu exílio californiano
Schoenberg em seu exílio californiano. Sucesso, só com os alunos…

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Henry Purcell (1659-1695): “Come Ye Sons Of Art” – Ode For The Birthday Of Queen Mary (1694) / Music For The Funeral Of Queen Mary (1695) (Gardiner)

Henry Purcell (1659-1695): “Come Ye Sons Of Art” – Ode For The Birthday Of Queen Mary (1694) / Music For The Funeral Of Queen Mary (1695) (Gardiner)

John Eliot Gardiner gravou as obras da Rainha Mary — a Ode de Aniversário e a Música para o Funeral — lá em 1976. A Orquestra e o Coro Monteverdi já eram espetaculares, só que esta gravação analógica do Aniversário, feita na Capela Rosslyn Hill, em Londres, não é tão bem equilibrada, com os solistas às vezes soando pequenos demais para competir com o conjunto de apoio. No entanto, a execução da Música Funeral por Gardiner é um acontecimento grandioso e imponente, e é uma pena que a gravação não lhe faça maior justiça. O Funeral — com o perdão da palavra — é um verdadeiro deleite, especialmente os quartetos de trombones. Há um verdadeiro sentimento de luto, mas sem deixar a música totalmente sombria. Interpretação suntuosa e altamente dramática. Talvez insuperável ainda hoje, apesar de seus problemas.

Henry Purcell (1659-1695): “Come Ye Sons Of Art” – Ode For The Birthday Of Queen Mary (1694) / Music For The Funeral Of Queen Mary (1695) (Gardiner)

“Come Ye Sons Of Art” Ode For The Birthday Of Queen Mary (1694) = Ode Pour L’Anniversaire De La reine Mary = Geburtstagsode Für Königin Maria
1 Ouverture 4:06
2 “Come, Ye Sons Of Art, Come Away” 1:58
3 “Sound The Trumpet” 2:28
4 “Come, Ye Sons Of Art, Come Away” 1:23
5 “Strike The Viol” 4:43
6 “The Day That Such A Blessing” 2:29
7 “Bid The Virtues” 3:31
8 “These, Are The Sacred Charms” 1:38
9 “See Nature, Rejoicing” 2:54

Music For The Funeral Of Queen Mary (1695) = Musique Funèbre Pour La Reine Mary = Trauermusik Für Königin Maria
10 Marche 2:12
11 “Man That Is Born” 3:46
12 Canzona 1:43
13 “In The Midst Of Life” 5:53
14 Canzona 0:49
15 “Thou Knowest, Lord, The Secrets Of Our Hearts” 2:18
16 March 2:15

Bass Vocals – Thomas Allen
Cello [Continuo] – Marilyn Sansom
Choir – Monteverdi Choir*
Composed By – Henry Purcell
Conductor – John Eliot Gardiner
Contrabass [Continuo] – Barry Guy
Countertenor Vocals – Charles Brett, John Williams (41)
Ensemble – Equale Brass Ensemble*
Harpsichord [Continuo] – Trevor Pinnock
Orchestra – Monteverdi Orchestra*
Sackbut [Equale Brass Ensemble] – Peter Harvey (2)
Soprano Vocals – Felicity Lott
Timpani [Equale Brass Ensemble] – David Corkhill
Trombone [Equale Brass Ensemble] – Peter Goodwin
Trumpet [Equale Brass Ensemble] – Graham Whiting, Michael Laird (2)

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Muito cuidado com Gardiner. Ele pode, subitamente, tornar-se pugilista.

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Khachaturian / Prokofiev / Glazunov: Russian Violin Concertos (Fischer, Russian National Orchestra, Kreizberg)

Khachaturian / Prokofiev / Glazunov: Russian Violin Concertos (Fischer, Russian National Orchestra, Kreizberg)

Este foi o álbum de estreia de Julia Fischer. Sua colaboração com Yakov Kreizberg já vinha de algum tempo. Ela o considerava o mais simpático dos maestros, e ele a ajudou a concretizar a gravação. Ele compartilhava com ela a admiração pelo concerto de Khachaturian e apoiou o plano de gravar esta peça imerecidamente negligenciada. Ela achava difícil até vendê-la para os promotores de concertos, que sem dúvida teriam preferido a milésima versão do concerto de Tchaikovsky. Mas ambos os artistas acreditaram em todos os trinta e sete minutos da obra, que é mesmo magnífica. Kreizberg, imaginem, morreu em 2011 com apenas 51 anos. No Concerto de Khat, há um “apelo de sabor armênio”, às vezes soando folclórico, até mesmo oriental. Há poesia também, como no tratamento do segundo tema, e de todo o comovente Andante sostenuto, com mais cor armênia. David Oistrakh estreou este concerto. O Primeiro Concerto para Violino de Prokofiev é a obra mais familiar deste programa, tanto em concerto como em disco. Nas notas do livreto de Fischer, ela menciona sua ironia, sarcasmo, e seu lirismo, no qual ela diz que pretendeu focar. Ela faz justiça a todos os os estados de espírito, pois saborear esses contrastes é essencial, né? E ela tem razão — este é um concerto principalmente lírico, e sua estrutura incomum de dois movimentos externos lentos emoldurando um scherzo central influenciou alguns outros concertos de cordas. A abordagem de Fischer é bastante íntima e convincente. O Glazunov é aceitável, com um allegro final bem dançável e assobiável.

Khachaturian / Prokofiev / Glazunov: Russian Violin Concertos (Fischer, Russian National Orchestra, Kreizberg)

Khachaturian* Violin Concerto In D Minor (1940)
1 – 1. Allegro Con Fermezza Cadenza – Aram Khatchaturian 14:54
2 – 2. Andante Sostenuto 12:28
3 – 3. Allegro Vivace 9:16

Prokofiev* Violin Concerto No. 1 In D Op. 19 (1916-1917)
4 – 1. Andantino – Andante Assai 10:09
5 – 2. Scherzo (Vivacissimo) 3:37
6 – 3. Moderato – Allegro Moderato – Più Tranquillo 8:14

Glazunov* Violin Concerto In A Minor Op. 82 (1905)
7 – 1. Moderato – 4:19
8 – 2. Andante – Cadenza – Alexander Glazunov 10:29
9 – 3. Allegro 5:40

Julia Fischer, violin
Russian National Orchestra
Yakov Kreizberg

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Julia Fischer

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Johannes Brahms (1833-1897): Trios para Piano (Trio Fontenay)

Pretendo com esta postagem voltar a me dedicar a meu compositor favorito, o bom e velho Johannes Brahms, e trago seus trios para piano, obras primas incontestes desse repertório.

Já trouxe essas mesmas obras em outras ocasiões, principalmente a versão do Beaux Arts Trio, talvez o melhor registro já realizado, mas existem outras gravações de excelente qualidade, como essa que trago hoje, com os alemães do “Trio Fontenay“, em dois cds lançados entre 1988 e 1990.

Já encontramos o DNA de Brahms presente no op. 8, obra de juventude, mas que foi revisada pelo compositor já no final de sua vida. Talvez a melhor maneira de entendermos e conhecermos esse compositor tão especial seja exatamente por essas obras com menor número de instrumentos. Nelas, Brahms consegue se expressar com muita propriedade, nos fascinando com suas escolhas e principalmente, com uma perfeita interação entre os instrumentos, não deixando nenhum deles se sobressair muito, em perfeita harmonia.

Para quem não conhece a obra de Brahms, ou a teme por algum motivo (já comentaram comigo que a achavam por demais hermética), creio que os Trios sejam a melhor apresentação. Líricas e muito expressivas, revelam a alma de um compositor que viveu sua vida em função da música.

Espero que apreciem.

Johannes Brahms (1833-1897): Trios para Piano (Trio Fontenay)

CD 1

01. Piano Trio No. 1 in B major, op. 8 (revised 1889) – I. Allegro con brio
02. Piano Trio No. 1 in B major, op. 8 (revised 1889) – II. Scherzo Allegro molt
03. Piano Trio No. 1 in B major, op. 8 (revised 1889) – III. Adagio
04. Piano Trio No. 1 in B major, op. 8 (revised 1889) – IV. Finale Allegro
05. Piano Trio No. 2 in C major, op. 87 – I. Allegro
06. Piano Trio No. 2 in C major, op. 87 – II. Tema con variazioni Andante con moto
07. Piano Trio No. 2 in C major, op. 87 – III. Scherzo Presto – Trio Poco meno
08. Piano Trio No. 2 in C major, op. 87 – IV. Finale Allegro giocoso

CD 2

01. Piano Trio No. 3 in C minor, op. 101 – I. Allegro energico
02. Piano Trio No. 3 in C minor, op. 101 – II. Presto non assai
03. Piano Trio No. 3 in C minor, op. 101 – III. Andante grazioso
04. Piano Trio No. 3 in C minor, op. 101 – IV. Finale Allegro molto
05. Piano Trio in A major, op. posth. (1853) – I. Moderato
06. Piano Trio in A major, op. posth. (1853) – II. Vivace – Trio
07. Piano Trio in A major, op. posth. (1853) – III. Lento
08. Piano Trio in A major, op. posth. (1853) – IV. Presto

Trio Fontenay:
Wolf Harden – Piano
Michael Mücke – Violin
Niklas Schimdt – Cello

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FDP

BRUCKNER 200 ANOS! Anton Bruckner (1824 – 1896): Sinfonia No. 7 em mi maior – Wiener Philharmoniker & Herbert von Karajan ֎

BRUCKNER 200 ANOS! Anton Bruckner (1824 – 1896): Sinfonia No. 7 em mi maior – Wiener Philharmoniker & Herbert von Karajan ֎

BRUCKNER

Sinfonia No. 7

Wiener Philharmoniker

Herbert von Karajan

 

Qual é a melhor gravação da Sétima de Bruckner?

Esse tipo de pergunta costumava levar o grupo de habitués da loja de discos a acirradas e calorosas discussões. Estamos falando dos fins da década de 80, início de 90 do século passado, período que viu surgimento dos CDs e uma tsunami de lançamentos e relançamentos inundava as caçambas das lojas, para grande desespero de nossas magras economias. Temas como gravações ao vivo ou feitas em estúdio, com tecnologia digital ou analógica eram enfileirados ao lado das opiniões sobre os estilos dos regentes e suas orquestras. Havia radicalismo, mas também opiniões bastante aproveitáveis. Os nomes mais citados eram Giulini, Bohm, Jochum, Klemperer, Walter, Celi (os íntimos o tratavam assim) e aquele menino, o Haitink. O nome que eu não coloquei na lista é aquele que mais radicalizava entre lovers and haters. Estamos falando do fim da década de 80 do século passado e assistíamos ao crepúsculo de um deus. O maestro que havia abocanhado a tríplice coroa e que havia exercido maior poder no mundo da música estava no fim de sua longa carreira. Herbert von Karajan dividia opiniões e certamente dava motivos tanto para seus fãs como para os que detestavam seu estilo, incluindo aqueles que ficava em cima do muro.

HvK teve oportunidade de gravar com as melhores orquestras um repertório enorme durante um longo período, passou pelos grandes avanços tecnológicos, que ele sempre usou como trampolim para mergulhar em uma nova onda de gravações. Deixou pelo menos três ciclos completos das Sinfonias de Beethoven: com a Philharmonia Orchestra para a EMI (Walter Legge) no início dos anos 50, o mais interessante deles no início da década de 60, já com a Berliner Philharmoniker, para a DG, e depois mais um, glossy, na era digital.

Mas nossa conversa é sobre Bruckner, cuja música sempre despertou o melhor das habilidades de Herbert. Ele certamente se interessava mais pelas sinfonias famosas, especialmente pelas três últimas, mas chegou a gravar um ciclo ‘completo’, para a DG.

A gravação desta postagem desafia algumas armadilhas comuns a essas situações. Karajan detinha o controle absoluto sobre a Berliner Philharmoniker num contrato fechado para toda a sua vida, mas nos fins dos anos 80 a vida havia sido longa e os ressentimentos se amontoavam de tal forma que o rompimento foi inevitável. Em abril de 1989 ele abriu mão desse poder. Neste mesmo mês ele deu um concerto e gravou essa sinfonia com sua ‘outra’ orquestra, a Wiener Philharmoniker, com a música que ele definitivamente amava. Seria um gesto para despertar ciúmes na outra orquestra, seria mesmo um consciente adeus à música ou simplesmente uma ocasião onde a mágica voltou a funcionar? De qualquer forma, esse registro merece seu lugar em qualquer séria discussão sobre a obra de Bruckner, inclusive nessa comemoração pelos duzentos anos do nascimento do Anton.

Seja você partidário, detrator ou simples figurante no que tange às interpretações musicais de Karajan, caso você se interesse pela obra de Bruckner, você precisa ouvir esse disco. Depois me diga se essa gravação pode ser pelo menos uma boa candidata à resposta da pergunta que abriu o texto.

Anton Bruckner (1824 – 1896)

Sinfonia No. 7 em mi maior (Ed. Robert Haas)

  1. Allegro moderato
  2. Sehr feierlich und sehr langsam
  3. Sehr schnell
  4. Bewegt, doch nicht schnell

Wiener Philharmoniker

Herbert von Karajan

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“The Vienna Philharmonic also feature on what was Karajan’s last recording, an equally idiomatic account of the Seventh Symphony, lighter and more classical in feel than either of Karajan’s two Berlin recordings yet loftier, too. When Abbado’s in many ways very fine Vienna Philharmonic recording was released a couple of years ago (DG, 5/94), I noted, “With Karajan we appear to have clambered to a higher track where the footing is as firm, yet where the views are even more breathtakingly complete”.  [Gramophone, na ocasião do relançamento da gravação, na série Karajan Gold]

Anton Bruckner (1824 – 1896)

Vivaldi (1678-1741): Bizzarie Venetiane. Concerti per vari strumenti – Musica ad Rhenum & Jed Wentz ֎

Vivaldi (1678-1741): Bizzarie Venetiane. Concerti per vari strumenti – Musica ad Rhenum & Jed Wentz ֎

 

Vivaldi

Concerti per vari strumenti

Musica ad Rhenum

Jed Wentz

 

Visitar Veneza por uns dias é sonho de muitos turistas amantes das artes tanto hoje quanto nos séculos passados. Além do cenário diferente de todas as outras cidades da Europa, com seus canais no lugar de ruas, seus museus, igrejas e inúmeros palácios com um universo de belezas a ser visto.

A Basílica de San Marco, com seus degraus de pedra gastos pelos inúmeros passos de visitantes desde os dias de Monteverdi, a Piazza San Marco com sua vastidão e imponência, o Grande Canal… só isso já vale metade da viagem.

Além da arquitetura e das artes expostas nos museus, os viajantes buscavam também a música de Veneza, sublime, maravilhosa.

E a música de Vivaldi, desde seus primeiros concertos, representa essa riqueza cultural mais do que qualquer outra.

Pois não é que andávamos aqui no blog distantes, esquecidos do Padre Vermelho até que esse álbum de concertos com muitos instrumentos cruzou meu caminho. Me animei com o som logo de cara e como o disco continuou tocando sem que nenhuma vontade de o interromper irrompeu no meu sistema, acabei o considerando para uma postagem. Fui atrás de informações sobre o conjunto Musica ad Rhenum, que é de Amsterdam e toca com instrumentos de época, e só ouvi boas coisas. O flautista que o dirige, Jed Wentz, tem vários discos editados pelo selo Brillante e merece atenção e audição.

Pois vamos então começar por aqui… uma belezura de álbum, com uma documentação rica e uma variedade sonora impressionante.

Antonio Vivaldi (1678 – 1741)

Concerto for Violin, Organ, Strings and Continuo in C Major, “Il rosignuolo”, RV 335a

  1. Allegro
  2. Largo
  3. Allegro

Concerto for 2 Traversos, Strings and Continuo in C Major, RV 533

  1. Allegro molto
  2. Largo
  3. Allegro

Concerto for Violin, Organ, Strings and Continuo in D Minor, RV 541

  1. Allegro
  2. Grave
  3. Allegro

Concerto for Traverso, 2 Violins, Violoncello and Continuo in G Minor, RV 107

  1. Allegro
  2. Largo
  3. Allegro

Concerto for Violin, Violoncello, Organ, Strings and Continuo in C Major, RV 554a

  1. Allegro
  2. Andante
  3. Allegro

Concerto for Recorder, Strings and Continuo in C Minor, RV 441

  1. Allegro non molto
  2. Largo
  3. Allegro

Concerto for Violoncello, Strings and Continuo in G Minor, RV 417

  1. Allegro
  2. Andante
  3. Allegro

Concerto for Traverso, Organ, Strings and Continuo in F Major, RV 767

  1. Alla breve
  2. Larghetto
  3. Allegro

Concerto for Strings and Continuo in G Major, “Alla rustica”, RV 151

  1. Presto
  2. Adagio
  3. Allegro

Concerto for Traverso, Strings and Continuo in D Major, “Il cardellino”, Op. 10 No. 3, RV 428

  1. Allegro
  2. Cantabile
  3. Allegro

Concerto for Violin, Organ, Strings and Continuo in C Minor, RV 766

  1. Allegro
  2. Largo
  3. Allegro

Sonata for Violin, Traverso and Organ in C Major, RV 779

  1. Andante
  2. Allegro
  3. Largo e cantabile
  4. Allegro

Concerto for Traverso, Violin, Violoncello and Continuo in D Major, RV 92

  1. Allegro
  2. Aria
  3. Allegro

Concerto for Violin, Strings and Continuo in G Minor, RV 155

  1. Adagio
  2. Allegro
  3. Largo
  4. Allegro

Concerto for Traverso, Strings and Continuo in D Major, RV 783

  1. Allegro
  2. Largo
  3. Allegro

Concerto for Violin, Organ, Strings and Continuo in F Major, RV 542

  1. Allegro
  2. Alla franchese
  3. Allegro

Marcelo Bussi, órgão

Manfred Kraemer, violino

Marion Moonen, flauta

Balász Maté, violoncelo

Gustavo Zarba, violino

Peter Holtslag, flauta doce

Musica ad Rhenum

Jed Wentz, flauta e direção

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Jed explicando para o pessoal do PQP Bach a vitalidade que há na música de Vivaldi

Momento “The Book is on the Table”: “Musica ad Rhenum lets music-making be always an exciting adventure. It is fun, it grants joy of life, gives courage to be spontaneous, and awakens one’s own creativity.”

“All of the pieces tested the musicians’ expressive and technical abilities. The results were triumphant blends of refinement and bold personality.”

Aproveite!

René Denon

Franz Joseph Haydn (1732-1809): Sinfonias Nº 44 “Trauer”, 88 e 104 “London” (Capella Istropolitana, Wordsworth)

Franz Joseph Haydn (1732-1809): Sinfonias Nº 44 “Trauer”, 88 e 104 “London” (Capella Istropolitana, Wordsworth)

Haydn escreveu 104 sinfonias, das quais a última é apresentada neste disco interpretado pelos eslovacos da Capella Istropolitana e seu regente inglês Barry Wordsworth, grupo de crescente reputação na Europa. E você vê o porquê neste disco. Eles conseguem levar Haydn de uma forma que captura o espírito e o frescor de seu trabalho. As três sinfonias são tocadas lindamente. E com Haydn isso é muito. Ele é reconhecido hoje como o “pai” da sinfonia, não porque tenha criado a forma — houve sinfonias antes dele, mas não soavam como hoje. Foi Haydn quem moldou e desenvolveu a sinfonia na forma clássica madura. A de Nº 44 é facilmente reconhecida como uma sinfonia moderna com quatro movimentos. É um trabalho agradável, mas certamente não está classificado entre os trabalhos mais importantes de Haydn, mas já dá a promessa das coisas maiores que estão por vir. A música de Haydn está repleta de felicidade e de belas melodias para as quais ele parecia ter um suprimento inesgotável. A Sinfonia Nº 88 representa mais um avanço no crescimento de Haydn como compositor. Continua sendo uma das sinfonias mais populares de Haydn e é frequentemente gravada e tocada em concertos. Aqui temos mais consistência do que na 44. Já é uma joia, mas a pepita do disco, no entanto, é a Sinfonia Nº 104, facilmente uma daquelas poucas sinfonias classificadas entre as maiores já escritas. Este é Haydn no pleno reflexo de sua genialidade. Nela, o compositor combina seu inato senso de estilo com uma grande competência e é uma alegria ouvi-la mais uma vez. Uma palavra sobre a Capella Istropolitana e Wordsworth: cresci numa época em que as sinfonias traziam consigo um molho pesado, às vezes indigesto. Minha introdução à Sinfonia Nº 104 de Haydn foi com Otto Klemperer e a Philharmonia. A interpretação era majestosa, grandiosa, bem executada e totalmente sem noção. Aqui, tudo é mais íntimo. A Capella Istropolitana é uma orquestra menor e de toque muito mais leve. É Haydn. Sua genialidade foi nos levar até às portas de Beethoven, mas ele não foi Beethoven.

Franz Joseph Haydn (1732-1809): Sinfonias Nº 44 “Trauer”, 88 e 104 “London” (Capella Istropolitana, Wordsworth)

Symphony No. 44 in E Minor, Hob.I:44, “Trauersinfonie” (Mourning)
1 I. Allegro con brio 07:08
2 II. Menuet and trio 06:23
3 III. Adagio 04:35
4 IV. Finale: Presto 03:48

Symphony No. 88 in G Major, Hob.I:88
5 I. Adagio – Allegro 06:40
6 II. Largo 05:34
7 III. Menuetto: Allegretto 04:13
8 IV. Finale: Allegro con spirito 03:53

Symphony No. 104 in D Major, Hob.I:104, “London”
9 I. Adagio – Allegro 08:22
10 II. Andante 09:29
11 III. Menuet – Trio 05:26
12 IV. Finale: Spiritoso 06:51

Orchestra: Capella Istropolitana
Conductor: Wordsworth, Barry

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A Capellla Istropolitana é de Bratislava

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Gustav Mahler (1860-1911): A Canção da Terra (arranjo de Schoenberg e Riehn)

Gustav Mahler (1860-1911): A Canção da Terra (arranjo de Schoenberg e Riehn)

Meus amigos, Mahler escreveu uma redução de A Canção da Terra (Das Lied von der Erde) para piano e voz… Quem conhece a obra sabe que não pode ter ficado grande coisa, claro, mas estas reduções eram uma prática comum numa época em que havia frequentes saraus musicais. Por incrível que pareça, Shostakovich também fazia versões para piano de suas sinfonias. Pois bem, Arnold Schoenberg adorava Das Lied von der Erde e resolveu fazer um arranjo para pequeno grupo que estivesse mais próximo da grandiosidade do original. São 15 instrumentos, dentre os quais um piano — principalmente para “simular” os tutti — e duas vozes.

Philippe Herreweghe, que não é trouxa e conhece a capacidade de Schoenberg para reearranjar peças de outros (conhecem seus trabalhos orquestrais sobre peças para órgão de Bach e quartetos de Brahms e Schubert? Pois deviam!) resolveu gravar a versão em 1994 para a Harmonia Mundi.

A informação que tenho dos quinze instrumentistas foi retirada do CD que possuo. Nele não há a relação deles. Agora li um comentário de que seriam nove: flauta, clarinete, dois violinos, viola, cello, baixo, piano e harmônica. Deixo a pesquisa para vocês, OK?

A interpretação de Herreweghe e seus músicos é para deixar qualquer um pasmo. É uma coisa de louco este CD.

Texto da Canção da Terra com traduções e análises: AQUI. Basta clicar no cabeçalho, cada imagem representa um dos movimentos.

Recomendo para todos! Imperdível para mahlerianos!

Gustav Mahler (1860-1911): A Canção da Terra (arranjo de Schoenberg e Riehn)

1. I. Das Trinklied vom Jammer der Erde – 8:13
2. II. Der Einsame im Herbst – 9:25
3. III. Von der Jugend – 3:50
4. IV. Von der Schönheit – 7:30
5. V. Der Trunkene im Frühling – 4:47
6. VI. Der Abschied – 28:55

Alto Vocals – Birgit Remmert
Composed By – Gustav Mahler
Conductor – Philippe Herreweghe
Ensemble – Ensemble Musique Oblique
Instrumentation By – Arnold Schoenberg, Rainer Riehn
Tenor Vocals – Hans Peter Blochwitz

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Mahler trabalhando no jardim

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Beethoven (1770-1827): Algumas Sonatas para Piano – Rachmaninov (1873 – 1943): Concerto para Piano No. 1 – Richard Strauss (1864 – 1949): Burleske – Byron Janis (piano) ֎

Beethoven (1770-1827): Algumas Sonatas para Piano – Rachmaninov (1873 – 1943): Concerto para Piano No. 1 – Richard Strauss (1864 – 1949): Burleske – Byron Janis (piano) ֎

 

Homenagem ao pianista Byron JANIS (1928 – 2024)

Imagine ser um pianista virtuose no período no qual reinavam nomes como Gilels, Horowitz, Rubinstein, Richter. O pelotão de frente era espetacular, estelar… Pois isso foi o que viveu profissionalmente Byron Janis, que faleceu há alguns dias, em 14 de março de 2024, pouco antes de completar 96 anos.

Viver 96 anos é um feito reservado a poucos, ainda mais se pensarmos que esses anos decorreram entre 1928 e 2024, podemos imaginar quantas mudanças ele testemunhou.

Nascido na Pensilvânia, estreou como pianista aos 15 anos com a orquestra do maestro Toscanini e aos 18 anos tornou-se o mais novo aluno de Horowitz. Também nessa idade tornou-se o mais novo pianista a ser contratado pela RCA Victor.

Em 1960 foi o primeiro artista americano a participar de um pioneiro Intercâmbio Cultural entre os Estados Unidos e a então União Soviética.

A partir dos anos 1970 passou a sofrer de um tipo de artrite que lhe causava muitas dores, mesmo assim prosseguiu na carreira e essa condição só se tornou pública em 1985, quando deu um concerto na Casa Branca, na era Reagan. Desde então passou a ser o porta voz da Arthritis Foundation e também seu Embaixador para as Artes.

Eu conhecia suas gravações dos enormes concertos para piano, como os ultra-românticos Rach #2 e #3 e o espetacular Prkfv #3, originalmente gravados pelo selo Mercury, mas para essa postagem escolhi algumas gravações mais antigas, talvez menos conhecidas, mas de maneira alguma desinteressantes.

As Sonatas para piano de Beethoven estão supimpas e há de bônus um impromptu de Schubert que está delicioso.

Para representar sua arte como pianista com orquestra escolhi um disco com o primeiro concerto de Rachmaninov, que esbanja juventude e impetuosidade, acompanhado da Burleske, de Strauss, uma peça intrigante e aqui muito bem apresentada. Para garantir que tudo fosse nos trinques, essas peças veem acompanhadas pela Orquestra Sinfônica de Chicago regida pelo seu tiranossauro mor, Fritz Reiner!

Ludwig van Beethoven (1770 – 1828 )

Piano Sonata No. 17 in D minor, Op. 31 No. 2 ‘Tempest’

  1. Largo – Allegro
  2. Adagio
  3. Allegretto

Franz Schubert (1797 – 1828)

  1. Impromptu in E flat major, D899 No. 2

Byron Janis (piano)

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MP3 | 320 KBPS | 58 MB

Ludwig van Beethoven (1770 – 1828 )

Piano Sonata No. 21 in C major, Op. 53 ‘Waldstein’

  1. Allegro con brio
  2. Introduzione – Adagio molto
  3. Rondo – Allegro comodo

Piano Sonata No. 30 in E major, Op. 109

  1. Vivace, ma non troppo
  2. Prestissimo
  3. Andante molto cantabile ed espressivo

Byron Janis (piano)

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MP3 | 320 KBPS | 98 MB

Sergey Vassilievich Rachmaninov (1873-1943)

Piano Concerto No. 1 in F sharp minor, Op. 1

  1. Vivace
  2. Andante cantabile
  3. Allegro vivace

Richard Strauss (1864–1949)

Burleske for Piano and orchestra in D minor, AV85

  1. Burleske

Byron Janis (piano)

Chicago Symphony Orchestra

Fritz Reiner

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MP3 | 320 KBPS | 116 MB

Maestro Reiner com o jovem Byron nos ensaios para a gravação do disco
Postagem com selo Jurássico!

In 1967, Janis accidentally discovered two previously unknown manuscripts of Chopin waltzes in France and later found two others while teaching at Yale University.

“In spite of adverse physical challenges throughout his career, he overcame them, and it did not diminish his artistry,” Maria Cooper Janis, 86, wrote. “Music is Byron’s soul, not a ticket to stardom, and his passion for and love of creating music informed every day of his life of 95 years.

Foi um bamba do teclado…

Aproveite!

René Denon

 

J. S. Bach (1685-1750): Missae Breves, BWV 234 & 235 (Pygmalion)

J. S. Bach (1685-1750): Missae Breves, BWV 234 & 235 (Pygmalion)

Como vocês sabem, sofro de hipobachemia, mal que aflige algumas pessoas que ficam muito tempo longe de J.S. Bach. Durante as crises causadas pela síndrome, ficamos trêmulos, irritadiços como se fôssemos menstruar e não conseguimos ouvir compositores que desperdiçam notas como se estivessem bebendo água na torneira da praça. Então, sempre PRECISO voltar a ele como a um barco seguro. Este repertório é algo raro, apesar de sua alta qualidade. OK, não falemos em qualidade, é sinônimo de Bach.

J. S. Bach (1685-1750): Missae Breves, BWV 234 & 235 (Pygmalion)

1. Motet: “Der Gerechte kommt um” 6:23

2. Messe Brève en Sol Mineur, BWV 235: I. Kyrie 5:35
3. Messe Brève en Sol Mineur, BWV 235: II. Gloria 2:57
4. Messe Brève en Sol Mineur, BWV 235: III. Gratias 3:11
5. Messe Brève en Sol Mineur, BWV 235: IV. Domine fili 4:54
6. Messe Brève en Sol Mineur, BWV 235: V. Qui tollis peccata mundi 4:07
7. Messe Brève en Sol Mineur, BWV 235: VI. Cum sancto spiritu 4:07

8. Messe Brève en La Majeur, BWV 234: I. Kyrie 5:42
9. Messe Brève en La Majeur, BWV 234: II. Gloria 5:41
10. Messe Brève en La Majeur, BWV 234: III. Domine Deus 5:37
11. Messe Brève en La Majeur, BWV 234: IV. Qui tollis peccata mundi 6:53
12. Messe Brève en La Majeur, BWV 234: V. Quoniam tu solus 3:09
13. Messe Brève en La Majeur, BWV 234: VI. Cum sancto spiritu 3:14

Pygmalion
Raphaél Pichon, regente

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E aí está o pessoal do Pygmalion.

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Robert Schumann – Sinfonias – Pablo Heras-Casado, Münchner Philharmoniker

Depois de Brahms, Schumann é meu compositor romântico favorito em se tratando de sinfonias. Desde os primeiros acordes da Primeira Sinfonia, vejo um mundo imenso de possibilidades e sentimentos. Mas ao contrário das sinfonias de seu amigo Brahms, sempre vendo o mundo de uma forma mais complexa e densa, Schumann consegue nos apresentar uma outra forma de ver o mundo, mais alegre, mais colorida e ensolarada. Não por acaso primeira Sinfonia é intitulada ‘Primavera’. Como sempre, sugiro fortemente a leitura do livreto em anexo.

Sabemos que Robert, até determinada fase de sua vida, se dedicava às composições para piano, mas graças à sua esposa, Clara, ele encarou o desafio e compôs a Sinfonia nº1. O depoimento abaixo de Clara Schumann nos dá uma ótima perspectiva do assunto:

“seria melhor se ele compusesse para orquestra; sua imaginação não encontra espaço suficiente no piano… Suas composições são todas orquestrais no sentimento… Meu maior desejo é que ele componha para orquestra – esse é o campo dele! Que eu consiga trazê-lo para isso!” (extraido da Wikipedia, tradução livre).

Ah, Clara, sábias e proféticas palavras, que ajudaram a nos trazer quatro obras primas fundamentais do repertório sinfônico.

Existem diversas gravações de excelente qualidade destas sinfonias, já trouxemos diversas opções. Pablo Heras-Casado vem se destacando nos últimos anos nos palcos do mundo inteiro, e essa sua parceria com a poderosa Filarmônica de Munique só ajuda a fortalecer seu nome. A gravação foi realizada em 2022, bem recente, e lançada pelo selo Harmonia Mundi.

CD 1

Symphony No. 1 Op.38 ‘Frühling’ B-Dur
1 | I. Andante un poco maestoso – Allegro molto vivace
2 | II. Larghetto
3 | III. Scherzo. Molto vivace
4 | IV. Allegro animato e grazioso

Symphony No.2 Op.61 C major
5 I. Sostenuto assai – Un poco più vivace – Allegro ma non troppo – Con fuoco
6 II. Scherzo. Allegro vivace
7 III. Adagio espressivo
8 IV. Allegro molto vivace

CD 3

Symphony No.3 Op.97 ‘Rhenish’ E-flat major
1 I. Lebhaft
2 II. Scherzo. Sehr mäßig
3 III. Nicht schnell
4 IV. Feierlich
5 V. Lebhaft

Symphony No.4 Op. 120 (1851 version) D minor
6 I. Ziemlich langsam – Lebhaft
7 II. Romanze. Ziemlich langsam
8 III. Scherzo. Lebhaft
9 IV. Langsam – Lebhaft

Münchner Philharmoniker
Pablo Heras-Casado

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FDP

Homenagem à pianista Dirce Bauer Knijnik

Homenagem à pianista Dirce Bauer Knijnik
Dirce Bauer Knijinik, pianista brasileira, nascida no Rio de Janeiro, 1929-2024.

Grande pianista carioca, ou “cariúcha”, como dizia, a trajetória de Dirce Bauer Knijnik ocorreu em duas etapas: 35 anos no Rio de Janeiro; e outros 60, em Porto Alegre…

No Rio, sua família morava próximo ao morro do Salgueiro, onde se emocionava com as batucadas e ronco das cuícas, daquela tradicional escola de samba. Sons que invadiam sua imaginação de criança e experiência única para família de imigrantes judaico-lituanos, que um dia aportaram na baía da Guanabara…

Dirce lembrava: “Comovida, ‘ouvia de joelhos’ aquela explosão rítmica, à passar em frente de nossa casa, no carnaval!” – e quem já esteve numa quadra de samba, sabe da imensa força…

Da vida na Lituânia, sua mãe recordava serem vizinhos da família de Jascha Heifetz, cujo pai tocava violino junto ao berço do futuro virtuose… E por tradição, família de Dirce respirava música… De início, meio desligada, fez musicalização, prática de ballet e outras atividades… Então, sua irmã decidiu: “vai estudar com professor mais rígido que houver!” E a inscreveu na “Escola Nacional de Música”…

Vista de Vilnius, Lituânia.

Para surpresa, Dirce encantou-se com Rossini Freitas – “mestre exigente, mas atencioso”. Seu único temor era a ponta do lápis do prof. Freitas. Não por reprimendas físicas, ou algo assim, mas que o temível lápis rasurasse suas partituras… Seu carinho, por aquelas antigas edições, era imenso e não combinava com os rabiscos do mestre – então, estudava com afinco, para não errar… E muito lamentou a perda do professor, pouco tempo após sua formatura…

Vista da Av. Rio Branco, Rio de Janeiro, 1930.

Suas infância e juventude ocorreram durante a “1ª Era Vargas”, com impactos na educação e na vida nacional. Quando Villa-Lobos organizava atividades coletivas e o nacionalismo adquiria maior vigor, em contribuições de Camargo Guarnieri, Lorenzo Fernandez e outros. Cresceu imersa naquele ambiente ufanista e musicalizada por eminentes pedadogos, como Sá Pereira e o casal Francisco e Liddy Mignone, 1ª esposa do maestro e compositor… E Dirce lembrava, certa ocasião, ser a única a identificar sons de um complexo acorde, que Mignone tocara ao piano…

Liddy Mignone, educadora musical, 1a esposa de Francisco Mignone.

À medida que amadurecia, participou de transmissões da “Rádio Nacional”, chamando atenção da mecenas carioca, sra. Alcina Navarro, que passou a convidá-la para saraus residenciais, onde conheceu algumas celebridades, como Jaques Klein, Guiomar Novaes e Arnaldo Rebello. E, mais tarde, o garoto Nelson Freire, cujas técnica e musicalidade a encantaram… Neste período, fez algumas aulas com Guiomar…

E aos 20 anos, finalizou, com ‘medalha de ouro’, curso da UFRJ, 1950, realizando recitais em Salvador, Recife e várias cidades argentinas… Nesta ocasião, apresentou-se em Pelotas, RS, com “2° concerto para piano, op. 21”, de Chopin, regência de Jean-Jaques Pagnot, 1954… E contemplada com bolsa de estudos, pelo governo português, foi à Europa estudar com Sequeira Costa, prestigiado pianista da escola de Liszt… Mas, este viajava muito e Dirce deparou-se sozinha para o “1° Concurso Vianna da Motta”, 1957, ouvindo apenas gravações de Guiomar Novaes… Neste período, ainda fez aulas com o italiano, Carlo Zecchi; e o espanhol, Tomas Terán…

Dirce Bauer Knijnik, Nelson Freire, Guiomar Novaes e Camargo Guarnieri.

De volta ao Rio de Janeiro, foi semifinalista do “2° Concurso Internacional”, 1959. E entre os jurados, Guiomar Novaes, que aproximou-se e perguntou com quem havia estudado… Dirce respondeu: “estudei com a Sra!”… E Guiomar: “mas, como?”… Admiradora da pianista, ouvia tão atentamente suas gravações, que as reproduzia em detalhes – fraseado, andamentos, etc… Assim havia preparado a “Fantasia” op. 49, de Chopin! E entre intérpretes como Brailowsky, Malcuzynski e Novaes, preferia, de pronto, a brasileira. Como diria Tom Jobim: “Só se imita a quem admira ou ama”, inevitavelmente…

E realizou iniciação da menina Cristina Ortiz – dos 4 aos 8 anos, que mais tarde iria à Paris, estudar com Magda Tagliaferro e, depois, vencer “Van Cliburn Competition”, 1969 – “Dirce me ensinou a amar a música e o piano”, disse Cristina… Por coincidência, pai de Cristina e irmão de Dirce eram colegas na Petrobrás, Bahia. E, transferidos para o Rio, propiciaram aproximação…

Cristina Ortiz (esquerda) e Dirce Bauer Knijnik (centro), alunos Elaine e Fernando Cordella – “Estúdio Trilhas Urbanas”, Curitiba, 2018.

Cristina Ortiz, à ‘piano bleu’: “Je passais des jours entiers au piano, à jouer d’oreille tout-ce que je comprenais comme son… et c’est là qu’on à trouvé la merveilleuse Dirce Bauer, souer d’un collègue à papa (qui travaillait à la Petrobrás, d’abord à Bahia et pui à Rio).”

Então, Dirce soube de concurso em Porto Alegre, para o “Instituto de Artes”… Candidatou-se e aguardou eventual nomeação… Situações inusitadas, no entanto, a levaram aos USA… Quando conheceu irmão de timpanista da OSB, que, entendeu, seria boa esposa para sr. Miller, outro irmão, que morava em Nova York. Músico talentoso e septuagenário, não despertou maior entusiasmo… Ainda assim, Dirce viajou à Nova York… Simpático e atencioso, o pretendente senior se ofereceu para interceder junto à “Town Hall”, prestigiada sala de concertos…

Dirce Bauer, recital “Town Hall”, Nova York, 1964.

Então, procurou empresário e recomendou a pianista brasileira. Agenda estava completa, mas, insistente, Miller retornou ao mesmo “coffee shop”, do primeiro encontro, quando foi informado de que se abrira uma data… E Dirce Bauer podia ser programada!

Feliz, mas apreensiva, tinha poucos dias para definir programa, não sem incluir obra do dedicado amigo e compositor; além de Brahms, “Intermezzi” op. 117… E foi à “Steinway & Sons” escolher magnífico modelo “CD-12″… Por fim, recital foi um sucesso, com boa receptividade da crítica nova-iorquina, ensejando convites nos USA e outros lugares…

Da crítica: “Miss Bauer expressou verdadeira sonoridade de virtuose. E sua performance, com excelente e delicada gama de coloridos, revelou apurado senso de estrutura.”

Neste momento, 1964, outra surpresa, recebia correspondência de Porto Alegre, para cargo no “Instituto de Artes”, da UFRGS. E optou pela nomeação, em meio à turbulência que assolava o país, mudando-se para o sul do Brasil… Assim, encerravam-se 35 anos de atividades, entre Rio de Janeiro e Nova York; e iniciava nova etapa, no Rio Grande do Sul…

Profa. Dirce e alguns alunos, em Porto Alegre, RS.

Em Porto Alegre, casou-se com médico psiquiatra, Leão Knijnik, e passava a chamar-se Dirce Bauer Knijnik, dedicando-se à vida familiar e formação de pianistas, alguns com destacadas carreiras, nacionais e internacionais, como Olinda Alessandrini, Alexandre Dossin, André Loss, Alessandra Feris, José Prediger, Dimitri Cervo, Fernando Cordella, Rodolfo Faistauer e outros – “frutos do amor à música e ao magistério”… 

E passados alguns anos, retomou apresentações, realizando recitais solo e música de câmara, com Earl Carlyss, Elisa Fukuda e Lúcia Passos… Também concertos com orquestra, nas direções de Leo Perachi, Alceu Bochino, Eleazar de Carvalho, Arlindo Teixeira, Cláudio Ribeiro, John Neschling e Lutero Rodrigues… Além de parcerias com músicos radicados em Porto Alegre, como Hubertus Hofmann, Fredi Gerling e Marcello Guerchfeld. Por fim, gravações em CD – “Presença musical da UFRGS” e “Músicas que mamãe gostava”…

CD “Presença musical da UFRGS”, Dirce Bauer Knijnik.

Intensa brasilidade, nostalgia e dolente fluidez percorrem as interpretações de Francisco Mignone, Radamés Gnattali, Villa-Lobos e Guarnieri. Além de notável repertório, barroco e romântico, com Bach, Brahms e Chopin… E pelos pagos riograndenses, tornava-se mais conhecida como Dirce Knijnik…

Para download: CD “Presença Musical da UFRGS”

  • J. S. Bach (Busoni): “Toccata, Adagio e Fuga”, BWV 564 (faixas 1-3) – Brahms: “Valsas” op. 39 (faixa 4) – Guarnieri: “Dansa Negra” (faixa 5) e “Ponteios 48 e 49” (faixa 6) – Chopin: “Barcarolle” op. 60 (faixa 7) e “4ª Ballade” op. 52 (faixa 8) – D. B. Knijnik: “Aleluia” (faixa 9)

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Para download: “9 valsas brasileiras” (acervo do prof. D. Cervo, IA-UFRGS), mais “Choros n° 5 – Alma Brasileira”, de Villa-Lobos

  • Francisco Mignone: “Valsa Choro 7” (faixa 1), “Valsa Choro 3” (faixa 2), “Valsa Elegante” (faixa 3) e “Valsa de Esquina 2” (faixa 4) – Paulo Guedes: “Valsa” (faixa 5) – Gnattali: “Vaidosa (valsa)” (faixa 6) – Guarnieri: “Valsa 8 ” (faixa 7), “Valsa 9” (faixa 8) e “Valsa 10” (faixa 9) – Villa-Lobos: “Choros 5 (Alma Brasileira)” (faixa 10)

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Arte e Ensino

Frédéric Chopin, por Delacroix.

De sua arte e atividade docente, depreendemos que enfatizava fraseado e sonoridade, pontos de partida e guias permanentes da técnica. Para Dirce, estudos estritamente físico-motores distanciavam-se da expressividade e da razão de ser da música, como prática e prazer estético…

E dizia, “o som é a voz da alma”, não apenas em performance, mas sempre… Especialmente, no trabalho árduo, das passagens complexas ou da base de escalas e arpejos, que demandavam concentração e disciplina; mas, necessariamente, almejavam poesia e encantamento – amálgamas entre motricidade e imaginário sonoro…

Portanto, nunca desconectar-se da fluidez melódica e dos sentimentos, em suas diversidade e nuances; do pensar musical e do estilo, em cada passagem, como elementos primordiais da arte…

Dirce Bauer Knijnik, pianista brasileira.

Além disto, Dirce incorporava tradições dos anos 1930/40, dos chorinhos, valsas e modinhas, retratos da vida carioca, dos chamados “pianeiros” e do vibrante nacionalismo, à preludiarem, em “rubatos” e suspensões de tempo, dolentes e elegantes sentimentalismos… Da livre musicalidade, escorreita e sedutora, que ouvimos em Chopin e no repertório brasileiro… Também, em Bach e Brahms, profundas e comoventes sonoridades…

Assim, desinteressava-se por virtuosismos predominantemente atléticos… E nas ausências de lirismo ou paixão, percebia “velocidade como sintoma de ansiedade”, reflexo da vida moderna e do imediatismo, quem sabe, descuido do tempo interior diante da pressa; do indivíduo frente à angústia e à solidão, entre o expressar e o reconhecer-se em peculiaridades e expectativas…

Então, preconizava disciplina e introspecção, através do controle rítmico e do “legato”; do relaxar e do ouvir-se; do domínio do tempo, para flexibilizá-lo, permanentemente… E no desenvolvimento sensorial, meio de conciliar sonoridade e prazer, com maiores emoção e comunicação – portanto, pouca dispersão e muita concentração!

“2a Valsa de Esquina”, Francisco Mignone.

Por fim, reiterava que tempos excessivos ou irregulares, em geral, atropelavam respiração e fraseado, truncando densidade e potencial interpretativo… Para tanto, modelar-se na voz humana era essencial – na sensível arte “do cantar e do respirar”… A combinar-se em diversos estilos e indivíduos, campo de possibilidades pedagógicas e universo de cada intérprete, presentes no detalhe musical e desdobrando-se no todo, orgânico e único…

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Áudios e entrevistas: Sugerimos dois áudios e duas entrevistas, de onde colhemos alguns relatos, somados a outras fontes.

Áudio youtube: “Concerto para piano e orquestra, K 491”, de WA Mozart, com “Orquestra Theatro São Pedro”, direção Lutero Rodrigues – Porto Alegre, 1999. (Clique aqui)

  • Movimentos: 1. “Allegro” (cadência de Dirce Bauer Knijnik, c/citação da canção “casinha pequenina”, do folclore brasileiro); 2. “Larghetto”; 3.  “Allegretto” (acervo do prof. D. Cervo, IA-UFRGS, cedido ao Instituto Piano Brasileiro – IPB).

Áudio Youtube: “Sonata para violino e piano”, de Cesar Franck – Fredi Gerling (violino), Dirce Bauer Knijnik (piano)

Projeto Musicamara – Presto Produções: “homenagem à Dirce Knijnik”, com Lúcia Passos (entrevista)

Carmelo de los Santos – Live Instagram com Dirce Knijnik – “A essência da música” (entrevista)

Aposentada do serviço público – UFRGS, 1988, profa. Dirce tornou-se membro da “European Piano Teachers Association”, 1997, realizando recital e “masterclasses”, em Londres, Inglaterra… E seguiu lecionando até os 95 anos, sempre cultivando amigos e interagindo com o mundo musical. Especial referência para os musicistas, deixa saudades em todos que usufruíram seus convívio, talento e sensibilidade…

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“Descanse em paz…”

“Nesta breve resenha, nossas homenagens, carinho e gratidão”  

Alex DeLarge

Francesco Durante: Magnificat / Emanuele D’Astorga: Stabat Mater / Giovanni Battista Pergolesi: Confitebor tibi Domine (Freiburg Baroque Orch / Hengelbrock)

Francesco Durante: Magnificat / Emanuele D’Astorga: Stabat Mater / Giovanni Battista Pergolesi: Confitebor tibi Domine (Freiburg Baroque Orch / Hengelbrock)

Confesso que até ouvir este cd, nunca tinha ouvido falar de Francesco Durante, ou Emmanuel D’Astorga, o que realmente me chamou a atenção foi o Pergolesi, autor de meu “Stabat Mater” favorito, já postado aqui no blog, na magnífica versão de Emma Kirkby e Christopher Hogwood. Mas qual não foi a minha supresa ao ouvir a “Magnificat” de Francesco Durante, e o Stabat Mater” de D’Astorga: músicas absolutamente maravilhosas, com corais próximos ao que imagino como corais de anjos, e de uma profundidade religiosa que não admite brincadeiras. Então, para esta data natalina, nada como música religiosa de extrema beleza. Maiores informações sobre Franceso Durante, que foi aluno de Scarlatti, pode encontrada aqui. Aproveito esta postagem para desejar a todos os nossos leitores-ouvintes um Feliz Natal e um excelente 2009, e prometo que continuarei trabalhando para possibilitar a vocês o privilégio de terem acesso a música de excelente qualidade com suas melhores interpretações.

Francesco Durante: Magnificat / Emanuele D’Astorga: Stabat Mater / Giovanni Battista Pergolesi: Confitebor tibi Domine (Freiburg Baroque Orch / Hengelbrock)

01 – Francesco Durante – Magnificat – Magnificat anima mea (coro)
02 – Francesco Durante – Magnificat – Et misericordia (Solo Soprano)
03 – Francesco Durante – Magnificat – Fecit potentiam (Coro)
04 – Francesco Durante – Magnificat – Deposuit potentes (Coro)
05 – Francesco Durante – Magnificat – Suscepit Israel (Duetto Tenore-Basso)
06 – Francesco Durante – Magnificat – Sicut locutus est (Coro)
07 – Francesco Durante – Magnificat – Gloria Patri (Coro)
08 – Francesco Durante – Magnificat – Sicut erat in principio (Coro)

Ekkehard Abele, Ann Monoyios, Johannes Happel, Bernhard Landauer, Hermann Oswald – Solistas
Freiburg Baroque Orchestra
Thomas Hengelbrock- Director

09 – Emanuele D’Astorga – Stabat Mater – Stabat Mater (Coro)
10 – Emanuele D’Astorga – Stabat Mater – O quam tristis (Terzetto Soprano-Tenore-Basso)
11 – Emanuele D’Astorga – Stabat Mater – Quis est homo (Duetto Alto-Soprano, Duetto Tenore-Basso)
12 – Emanuele D’Astorga – Stabat Mater – Eja mater (Coro)
13  – Emanuele D’Astorga – Stabat Mater – Sancta Mater (Solo soprano)
14  – Emanuele D’Astorga – Stabat Mater – Fac me tecum (Duetto Alto-Tenore)
15 – Emanuele D’Astorga – Stabat Mater – Virgo virginum (Coro)
16 – Emanuele D’Astorga – Stabat Mater – Fac me plagis (Solo Basso)
17  – Emanuele D’Astorga – Stabat Mater – Christe cum sit (Coro)

Ekkehard Abele, Johannes Happel, Bernhard Landauer, Hermann Oswald, Hans-Jorg Mammel – Solistas
Freiburg Baroque Orchestra
Thomas Hengelbrock- Director

18  – Giovanni Battista Pergolesi – Confitebor tibi Domine – Confitebor (Coro)
19  – Giovanni Battista Pergolesi – Confitebor tibi Domine – Confessio (Solo Soprano)
20 – Giovanni Battista Pergolesi – Confitebor tibi Domine – Fidelia omnia (Solo Soprano)
21 – Giovanni Battista Pergolesi – Confitebor tibi Domine – Redemptionem misit (Coro)
22  – Giovanni Battista Pergolesi – Confitebor tibi Domine – Sanctum et terribile (Solo Alto)
23  – Giovanni Battista Pergolesi – Confitebor tibi Domine – Intellectus bonus (Solo Alto)
24  – Giovanni Battista Pergolesi – Confitebor tibi Domine – Gloria Patri (Coro)
25  – Giovanni Battista Pergolesi – Confitebor tibi Domine – Sicut erat (Coro)

Ekkehard Abele,Johannes Happel, Bernhard Landauer, Stephanie Moller, Hermann Oswald, Hans-Jorg Mammel – Solistas

Freiburg Baroque Orchestra
Thomas Hengelbrock- Director

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

Thomas Hengelbrock feliz após ver o Inter de Coudet.

FDP

J.S. Bach (1685-1750): 300 anos da Johannes-Passion (A Paixão Segundo João) – Dunedin Consort & John Butt ֎

J.S. Bach (1685-1750): 300 anos da Johannes-Passion (A Paixão Segundo João) – Dunedin Consort & John Butt ֎

Homenagem aos 300 anos da estreia da Paixão segundo João de Johann Sebastian Bach

7/4/1724 – 7/4/2024

 

Nesta obra de Fra Angelico João está representado

O dia 7 de abril de 1724 foi a sexta-feira da Semana Santa daquele ano e as pessoas que estiveram na Igreja de São Nicolau voltaram para casa com a sensação de terem presenciado algo muito especial. Durante o serviço religioso a música, composta pelo novo Cantor da Igreja de Santo Tomás, fora especialmente maravilhosa.

Bach havia sido nomeado recentemente para o cargo, substituindo o grande músico Johann Kuhnau. O cargo oferecido pela Igreja Protestante era muito prestigiado, mas demandava muito trabalho. As tarefas incluíam tocar órgão, ensinar Latim e Música na escola da igreja, compor a música para as igrejas de Santo Tomás e de São Nicolau, reger música e treinar os músicos de duas outras igrejas. Bach foi o terceiro candidato a ser escolhido para o cargo e possivelmente relutou em aceitá-lo, mas em casa havia muitas bocas para serem alimentadas.

Quando Bach se pôs a escrever sua Johannes Passion, conhecia alguns modelos antigos e outros contemporâneos. Os oratórios da Paixão apresentam a narrativa da morte de Jesus intercalada por árias refletivas, coros e corais. Seu antecessor Kuhnau teve uma obra desse tipo apresentada em 1721 e havia um libreto escrito por Barthold Heinrich Brockes (1680-1747) com o título Jesus torturado e morto pelos pecados deste mundo que havia sido musicado por Handel e por Telemann. Havia também uma Paixão segundo João, com libreto de J. G. Postel, que fora musicada pelo jovem Handel aos 19 anos.

John Butt

Bach estava com 39 anos, no auge de sua profissão e certamente queria mostrar aos conselheiros e aos fiéis que fazia jus ao cargo. Além disso, esse gênero tinha um apelo especial sobre a comunidade pelo fato de que a ópera de Leipzig havia colapsado um pouco antes da chegada de Bach. É verdade que o oratório é bem diferente de uma ópera, especialmente esse que já vem com spoiler, mas a expectativa devia ser grande, o que deve ter dado a João Sebastião motivação mais que suficiente para tratar a empreitada com grande cuidado e originalidade.

A versão ouvida naquela ocasião, há 300 anos atrás, foi modificada e reapresentada em 1725, depois mais uma vez em 1732. A versão que conhecemos é uma revisão que Bach fez em 1749, mas que não chegou a ser apresentada por Bach, que morreria pouco depois. Veja mais informações aqui e aqui.

O que se pode esperar da obra? Veja a tradução de um texto que poder ser encontrado na íntegra aqui, feita com a ajuda do Chat PQP: Na verdade, a Paixão de João contém vários ousados traços imaginativos aos quais Bach não voltaria na Paixão segundo São Mateus. O belo e plangente refrão de abertura, um exórdio dirigido a Jesus, é surpreendentemente dissonante e dá o tom para uma composição ousada de uma aparente espontaneidade que desmente sua cuidadosa construção. A parte 2 também começa com uma passagem particularmente memorável, embora por razões muito diferentes: é aqui que o coro realmente mostra seus dentes. Retratando a multidão que clamava pela execução de Jesus, o coro recebe uma música particularmente cruel e rancorosa com escalas cromáticas ascendentes e um turbilhão de cordas. Mesmo momentos suaves, como a ária soprano ‘Ich folge dir gleichfalls’, são frequentemente assombrados por seções cromáticas sutis e escuras.

As últimas fases da obra têm um notável sentido de impulso, sintetizado pela ária de baixo ‘Eilt, ihr angefocht’nen Seelen’ que é pontuada pelo coro que pergunta urgentemente ‘Wohin?’. Após a morte de Jesus, há uma seção reflexiva mais prolongada do que na Paixão de São Mateus, incluindo o terno “Ruht wohl”, uma peça de encerramento para coro (antes de um coral final) que forma um paralelo estrutural com a abertura da obra. Talvez como o próprio Evangelho de João, o que falta à partitura de Bach na lógica convencional e na transparência narrativa, compensa com uma beleza sobrenatural, convicção e um forte sentido poético.

John e sua turma na entrada do PQP Bach Theater em Edinburgh

A gravação escolhida para essa postagem especial é liderada por John Butt que já apareceu algumas vezes no blog e é um excelente músico. (John Butt é professor de música na Universidade de Glasgow, diretor musical da Dunedin Consort e artista principal da OAE. Sua carreira começou com sua nomeação como acadêmico de órgão no King’s College Cambridge, e isso levou a vários cargos acadêmicos e de desempenho (incluindo Organista da Universidade da Califórnia, Berkeley, 1989-97). Seu trabalho, como músico e estudioso, gravita em torno da música dos séculos 17 e 18, mas ele também está preocupado com as implicações do passado em nossa cultura atual).

O que ela tem diferente de outras recentes gravações é que a Paixão é apresentada em um contexto litúrgico, como poderá ser observado nos números extra de música ao início e ao fim dos arquivos. Essas partes assim como os detalhes das faixas da gravação estão nos arquivos no formato pdf.

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)

Johannes Passion

Nicholas Mulroy, Evangelista e tenor
Matthew Brook, Jesus e baixo
Robert Davies, Pedro e Pilatos
Joanne Lunn, soprano
Clare Wilkinson, contralto

Dunedin Consort

John Butt

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

FLAC | 623 MB

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

MP3 | 320 KBPS | 366 MB

John Butt treinando o coro dos aspirantes a contribuintes do blog do PQP Bach…

The recording was named a Gramophone Award Finalist, ‘Recording of the Month’ by three separate publications and topped the UK Specialist Chart upon its release in 2013.

Aproveite!

René Denon

Não deixe de visitar essa outra postagem com algumas informações sobre a obra e uma gravação também primorosa…

Johann Sebastian Bach (1685-1750): A Paixão Segundo São João, BWV 244 (Herreweghe, 2020) ֍