Camargo Guarnieri, Guerra-Peixe, Jobim, Krieger, Levy, Lorenzo Fernandez, Mignone, Nepomuceno, Pereira, Villa-Lobos: Danças Brasileiras (Minczuk)

Camargo Guarnieri, Guerra-Peixe, Jobim, Krieger, Levy, Lorenzo Fernandez, Mignone, Nepomuceno, Pereira, Villa-Lobos: Danças Brasileiras (Minczuk)

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Disco imperdível não apenas por ser brasileiro, mas pelo excelente repertório, pela qualidade da Osesp e pelo trabalho extraordinário do maestro Roberto Minczuk. Este panorama de Danças Brasileiras encontra seu ponto alto em Batuque, de Nepomuceno, na Congada de Mignone, no Batuque de Lorenzo Fernández, na bartokiana Passacalha de Edino Krieger, n`A Chegada Dos Candangos de Tom Jobim e em Mourão, de Clóvis Pereira e Guerra Peixe. Mas o restante não é esquecível. Gravado em 2003, este álbum é muito divertido, oferecendo músicas que são tocadas ocasionalmente, mas que raramente são reunidas para produzir uma hora de ritmos.  Algumas peças são desconhecidas. Por exemplo, A Chegada dos Candangos é um trecho da Sinfonia da Alvorada, uma das obras orquestrais negligenciadas de Tom Jobim.

Camargo Guarnieri, Guerra-Peixe, Jobim, Krieger, Levy, Lorenzo Fernandez, Mignone, Nepomuceno, Pereira, Villa-Lobos: Danças Brasileiras (Minczuk)

1 Garatuja – Prelúdio
Composed By – Alberto Nepomuceno
8:55
2 Batuque
Composed By – Alberto Nepomuceno
3:39
3 Samba
Composed By – Alexandre Levy (2)
7:03
4 Dança Frenética
Composed By – Heitor Villa-Lobos
5:34
5 Congada
Composed By – Francisco Mignone
5:49
6 Batuque
Composed By – Oscar Lorenzo Fernández
3:54
Três Danças Para Orquestra
Composed By – Mozart Camargo Guarnieri
(8:48)
7 Dança Selvagem (Savage Dance) [No. 2] 1:43
8 Dança Negra (Negro Dance) [No. 3] 4:42
9 Dança Brasileira (Brazilian Dance) [No. 1] 2:13
10 Passacalha para o Novo Milênio
Composed By – Edino Krieger
7:07
11 A Chegada Dos Candangos
Composed By – Antonio Carlos Jobim
4:01
12 Mourão
Composed By – Clóvis Pereira, César Guerra Peixe
3:03

Conductor – Roberto Minczuk
Orchestra – Osesp — São Paulo Symphony Orchestra

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PQP

Guiomar Novaes: transcrições & miniaturas, de Bach e Gluck a Villa-Lobos (+ a Fantasia Triunfal de Gottschalk)

Nossa homenagem ao saudoso Ranulfus continuará, também, através da republicação de suas preciosas contribuições ao nosso blog – como esta, que veio à luz em 11/5/2010.

Nota: esta postagem, assim como todas as demais com obras de Heitor Villa-Lobos, não contém links para arquivos de áudio com obras do gênio brasileiro, pelos motivos expostos AQUI


À medida em que avança a aventura de redescoberta de Guiomar Novaes, iniciada aqui há duas semanas, começo a ter a impressão de que seu legado de gravações é um tanto desigual: algumas são realizações gigantescas, cuja importância se percebe com absoluta certeza de modo intuitivo, mas alcança tão longe que temos dificuldade de explicar em palavras (do que ouvi até agora, é o caso das suas realizações de Chopin, especialmente os Noturnos); já outras são, digamos, meramente grandes…

Temos aqui as 7 peças curtas retiradas do CD Beethoven-Klemperer postado há alguns dias, mais o disco só de peças brasileiras (com certo desconto para Gottschalk) lançado em 1974 pela Fermata – creio que o seu último.

As primeiras parecem ter se firmado em sua carreira como standards no tempo dos discos de 78 rotações, que só comportavam peças curtas. Hoje qualquer pianista “sério” franziria o nariz pra esse repertório: “transcrições de concerto” de um prelúdio para órgão de Bach e de trechos orquestrais de Gluck e Beethoven. Ao que parece, no começo do século XX o fato de serem coisas agradáveis de ouvir ainda era tido como justificativa bastante para tocá-las.

Mas o que mais me surpreendeu foi à abordagem às 3 peças originais de Brahms: nada da solenidade que se costuma associar a esse nome; sem-cerimônia pura! Como também nos movimentos rápidos do Concerto de Beethoven com Klemperer, tenho a impressão de ver uma “moleca” divertindo-se a valer, e me pergunto se não é verdade o que encontrei em uma ou duas fontes: que a menina Guiomar teria sido vizinha de Monteiro Lobato, e este teria criado a personagem Narizinho inspirado nela!

Também me chamou atenção que Guiomar declarasse que sua mãe, que só tocava em casa, teria sido melhor pianista que ela mesma, e que tenha escolhido por marido um engenheiro que também tocava piano e compunha pequenas peças: Otávio Pinto. Casaram-se em 1922, ano de sua participação na Semana de Arte Moderna, ela com 27, ele com 32. Guiomar nunca deixou de tocar peças do marido em recitais mundo afora – nada de excepcional, mas também não inferiores a tantos standards do repertório europeu – e ainda no disco lançado aos 79 anos encontramos as Cenas Infantis do marido, além de uma peça do cunhado Arnaldo (Pregão).

Dados sem importância? Não me parece. Parecem apontar para que a própria Guiomar visse as raízes últimas da sua arte não no mundo acadêmico, “conservatorial”, e sim numa tradição brasileira hoje extinta: a (como dizem os alemães) Hausmusik praticada nas casas senhoriais e pequeno-senhoriais, paralela à arte mais de rua dos chorões, mas não sem interações com esta. Aliás, podem me chamar de maluco, mas juro que tive a impressão de ouvir evocações de festa do interior brasileiro – até de sanfona! – tanto no Capricho de Saint-Saëns sobre “árias de balé” de Gluck quanto no Capricho de Brahms.

Será, então, que podemos entender Guiomar como uma espécie de apoteose (= elevação ao nível divino) da tradição das “sinhazinhas pianeiras”? Terá ela querido conscientemente levar ao mundo clássico um jeito brasileiro de abordar a música?

E terá sido ao mesmo tempo um “canto de cisne” dessa tradição, ou terá tido algum tipo de herdeiro? Não sei, mas se alguém me vem à cabeça na esteira dessa hipótese, certamente não é o fino Nelson Freire e sim o controverso João Carlos Martins!

Para terminar: a vida inteira Guiomar insistiu em terminar programas com a ‘famigerada’ Fantasia Triunfal de Gottschalk sobre o Hino Brasileiro, que, honestamente, não chega a ser grande música. Acontece que, segundo uma das biografias, logo ao chegar a Paris, com 15 anos, Guiomar teria sido chamada pela exilada Princesa Isabel – ela mesma pianista – e teria recebido dela o pedido de que mantivesse essa peça sempre no seu repertório. E, curioso, ainda ontem o Avicenna postava aqui duas peças de Gottschalk como músico da corte de D. Pedro II (veja AQUI).

Será que isso traz água ao moinho da hipótese de Guiomar como apoteose e canto-de-cisne de um determinado Brasil? Bom, vamos ouvir música, e depois vocês contam as suas impressões!

Pasta 1: faixas adicionais do CD “Guiomar-Beethoven-Klemperer”
04 J. S. Bach (arr. Silotti) – Prelúdio para Órgão em Sol m, BWV 535
05 C. W. Gluck (arr. Sgambati e Friedman) – Danças dos Espíritos Bem-Aventurados, de “Orfeo”
06 C. Saint-Saëns: Caprice sur des airs de ballet de “Alceste”, de Gluck
07 J. Brahms – Intermezzo op.117 nº 2
08 J. Brahms – Capriccio op.76 nº 2
09 J. Brahms – Valsa em La bemol, op.39 nº 15
10 L. van Beethoven (arr. Anton Rubinstein) – Marcha Turca das “Ruínas de Atenas”

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Pasta 2: disco “Guiomar Novaes”, Fermata, 1974
a1 Francisco Mignone – Velho Tema (dos Estudos Transcedentais)
a2 Otávio Pinto – Cenas Infantis
a3 Marlos Nobre – Samba Matuto (do Ciclo Nordestino)
a4 Arnaldo Ribeiro Pinto – Pregão (de Imagens Perdidas)
a5 J. Souza Lima – Improvisação
a6 M. Camargo Guarnieri – Ponteio
b1 H. Villa-Lobos – Da Prole do Bebê: Branquinha, Moreninha
b2 H. Villa-Lobos – O Ginete do Pierrozinho (do Carnaval das Criancas)
b3 H. Villa-Lobos – Do Guia Prático: Manda Tiro, Tiro, Lá; Pirulito; Rosa Amarela; Garibaldi foi a Missa
b4 L. M. Gottschalk – Grande Fantasie Triomphale sur l’Hymne National Brésilien Op. 69

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Ranulfus

[restaurado com reverência e saudade por seu amigo Vassily em 4/3/2023]

Nelson com Guiomar Novaes. Foto do acervo particular de Nelson Freire, publicada pelo sensacional Instituto Piano Brasileiro

Homenagem a Paulo Moura, sax (1933-2010): ConSertão, com Elomar (violão e voz), Moreira Lima (piano e cravo) e Heraldo do Monte (viola brasileira)

Nossa homenagem ao saudoso Ranulfus continuará, também, através da republicação de suas preciosas contribuições ao nosso blog – como esta, que veio à luz em 13/7/2010.

Nota: esta postagem, assim como todas as demais com obras de Heitor Villa-Lobos, não contém links para arquivos de áudio que envolvam o gênio brasileiro pelos motivos expostos AQUI

Embora pessoalmente eu prefira uma outra abordagem do sax (como vocês verão daqui a uns dias), nunca pude deixar de tirar o chapéu para o trabalho do Paulo Moura – que precisamente neste álbum mostra seu fôlego para se estender para além da música da noite urbana (faixas 8, 9, 11, 12), também pelo hierático neo-trovadorismo do arquiteto baiano re-sertanejado Elomar (faixas 1, 2, 3, 4, 13 – especialmente a 4).

Mas Paulo Moura faleceu ontem (12/07/2010) à noite, não é hora de falar.
Deixo vocês com a música.

ConSertão – um passeio musical pelo Brasil
Elomar (composições, violão, voz), Arthur Moreira Lima (piano, cravo),
Heraldo do Monte (viola brasileira, violão elétrico),
Paulo Moura (sax soprano, sopranino e alto)
Participações de Paulo Moura assinaladas com *
Gravadora Kuarup, 1982

01 Estrela maga dos ciganos / Noite de Santos Reis (Elomar)*
02 Na estrada das areias de ouro (Elomar)*
03 Campo branco (Elomar)*
04 Incelença pra terra que o sol matou (Elomar)*
05 Trabalhadores na destoca (Elomar)
06 Pau de arara (Luís Gonzaga)
07 Festa no sertão (Villa-Lobos)
08 Valsa da Dor (Villa-Lobos)*
09 Lenínia (Codó)*
10 Valsa de Esquina nº 12 (F. Mignone)
11 Espinha de bacalhau (Severino Araújo)*
12 Pedacinhos do céu (Waldir Azevedo)*
13 Corban (Elomar)*

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Ranulfus

[reverentemente restaurado por Vassily em 27/2/2023]

Francisco Mignone (1897-1986): 12 Valsas de esquina (Arthur Moreira Lima, piano)

Os pais eram imigrantes da Itália e ele que ajudava a família. Ele começou a trabalhar com dez anos de idade tocando nas ruas para sobreviver.
[…] da composição ele não ganhava dinheiro. O Mignone escrevia pelo prazer de compor, ele não tinha aquele jeito social de levar a música dele para tocar em recital. Ele sentia um grande vazio quando não compunha.

(M.J.Mignone, viúva do compositor, entrevista a Fernando Reis, 2010)

Compostas entre 1938 e 1943, as Valsas de Esquina de Mignone homenageiam as serestas, choros e concertos noturnos improvisados nas esquinas brasileiras. Homenagem que nunca soa nacionalista no sentido da grandiloquência ingênua, pelo contrário, as influências populares passam para dentro da escrita de Mignone com um ar de simplicidade que não é fácil de ser alcançado. Como nos conta o próprio compositor: “essas Valsas de Esquina, que parecem escritas de um jato só, algumas levaram meses até eu conseguir elaborar e tornar simples, sem parecer uma coisa vazia. Foi muito difícil.”

Vejamos também o que Mignone disse sobre as várias interpretações possíveis das suas valsas. O maestro Roberto Duarte relata que uma vez…

cheguei cedo e fiquei a tocar uma valsa dele ao piano, a Oitava Valsa. Ele chegou por trás de mim, não falou nada e, quando acabei, ele bateu no meu ombro: “Bravo! Bravo! Muito bem!” Alguns meses depois, eu chego atrasado e ele estava tocando a mesma Oitava Valsa, completamente diferente da que eu havia tocado. Disse-lhe: “Maestro, noutro dia eu estava tocando essa valsa, o senhor me elogiou, e disse ‘Muito bem. Você tocou muito bem, meu filho’, mas o senhor toca completamente diferente!” E ele disse: “Mas eu sou outra pessoa. Não quero que minhas composições sejam executadas de uma única maneira. Cada um é um intérprete. Se eu quisesse que minhas composições fossem executadas de uma só maneira, teria gravado todas elas e jogado as partituras fora.” Esse era Mignone.

Entre as principais gravações dessas obras, há algumas valsas avulsas por Arnaldo Estrella com um cantabile que ninguém imita. Há também a gravação pelo próprio Mignone, em 1957 pelo selo Festa, LP que recomendamos fortemente que vocês garimpem nos sebos e similares, pois a digitalização hoje disponível no Spotify não foi bem feita. E, finalmente, a gravação das doze valsas por Arthur Moreira Lima: junto com os discos dedicados pelo pianista a Nazareth, aqui fica clara a fluência de Moreira Lima neste idioma muito brasileiro. Abaixo, temos as notas escritas por Luiz Paulo Horta no primeiro lançamento do disco de Moreira Lima em 1982:

A valsa chegou ao Brasil nos tempos de D. Pedro I pelas mãos de um compositor austríaco, Sigismund Neukomm, professor do Imperador (que também compôs as suas valsas); e saiu da Corte para os salões, espalhando-se por todas as camadas da população. Tanto se podia ver um Carlos Gomes escrever uma Valsa de Bravura, para concerto, como um anônimo, certamente mineiro, rabiscar a Saudades de Ouro Preto.

Lá pelo fim do século, a valsa já estava completamente abrasileirada, sentindo a influência do choro e puxando, por sua vez, a modinha para o compasso 3/4. Nas mãos de Nazareth, ela se torna um delicadíssimo retrato da nossa belle époque – música de salão transformada por um artista genial. Nazareth punha um ouvido em Chopin e outro no que estavam fazendo os chorões. E em Nazareth, o Mignone que Manuel Bandeira chamaria “o rei da valsa” encontrou uma de suas primeiras (e constantes) inspirações.

Rua do Ouvidor, Rio de Janeiro (Marc Ferrez, ca.1890)

Mignone tinha 16 anos quando foi premiado em concurso de composição com uma valsa: Manon. Mais ou menos nessa época pôde ver Nazareth numa loja de música, onde o grande artista, que ninguém imaginava ser um gênio, lia à primeira vista as músicas para piano em que os fregueses pudessem estar interessados – isto é, fazia o papel que pertence hoje ao toca-discos. Um pouco mais tarde, Mignone seguiria para a Europa, onde a sua veia italiana ia ser reforçada por anos de estudo em Milão.

Mas antes disso ele foi seresteiro – e assim é que começaram a nascer as Valsas de Esquina. “Como flautista – contou a sua primeira mulher – ele ia pelas ruas da capital paulista, altas horas da noite, tocando chorinhos acompanhado pelos violões e cavaquinhos dos demais companheiros. Isso influiu para que ele, mais tarde, compusesse uma série de valsas, denominadas ‘de esquina’, em que a maneira popular transparece lindamente expressa”.

Vendedor de vassouras em rua do centro da cidade de São Paulo (Vincenzo Pastore, ca.1910)

Mignone dá a sua própria versão: o nome dessas valsas, segundo ele, foi dado por Mário de Andrade, pois “lembram aquelas valsas que, à noite, debaixo dos bruxoleantes lampiões a gás das esquinas, os chorões tocavam em suas serenatas às amadas que, atrás das venezianas ou cortinas, ficavam ouvindo. As esquinas serviam de refúgio, caso aparecesse um parente na rua para afugentar os boêmios perturbadores do silêncio noturno”…

Mignone aproveitou, nessas valsas, modelos da época, e até mesmo a sua experiência de músico popular – quando compunha sob o pseudônimo de Chico Bororó. Mas já na primeira valsa, em dó menor, ele mostra que tinha chegado a um estilo novo, que combina a simplicidade do popular com a sofisticação do clássico. O canto começa na mão esquerda – como nos bordões do violão – o que produz um efeito meio sério, meio brincalhão. Mignone libertava-se da sua fase internacionalista, de todas as paisagens estrangeiras, e voltava a ser um poeta perambulando pelas esquinas.

As doze Valsas de Esquina, compostas nos doze tons menores, são ao mesmo tempo simples e misteriosas. A melodia é simples; mas a harmonia é sutilmente construída.

Francisco Mignone (1897-1986): 12 Valsas de esquina
Valsa Nº 1 em dó menor: Soturno e seresteiro
Valsa Nº 2 em mi bemol menor: Lento e mavioso
Valsa Nº 3 em lá menor: Com entusiasmo
Valsa Nº 4 em si bemol menor: Vagaroso e seresteiro
Valsa Nº 5 em mi menor: Cantando, e com naturalidade
Valsa Nº 6 em fá sustenido menor: Tempo de valsa movimentada
Valsa Nº 7 em sol menor: Moderadamente
Valsa Nº 8 em dó sustenido menor: Tempo de valsa caipira
Valsa Nº 9 em lá bemol menor: Andantino mosso
Valsa Nº 10 em si menor: Lento, romântico e contemplativo
Valsa Nº 11 em ré menor: Moderato
Valsa Nº 12 em fá menor: Moderato – Vivo
Arthur Moreira Lima, piano

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Francisco Mignone, circa 1957

Pleyel

Francisco Mignone (1897-1986) – Dezesseis valsas para fagote solo – Noel Devos

As excelentes postagens do Pleyel com a obra de Mignone para flauta e piano – que vocês encontram aqui, ali e acolá – inspiraram-me a trazer-lhes um pingo a mais que fosse da pantagruélica e infelizmente ainda pouco gravada obra desse mestre brasileiro. E o pingo que lhes alcanço é essa gravação clássica das valsas para fagote solo, na interpretação de seu dedicatário, Noel Devos.

Devos foi um dos distintos músicos europeus atraídos para Pindorama no pós-guerra pelo persuasivo (para dizer o mínimo) maestro Eleazar de Carvalho. Tornou-se brasileiro e carioca e, além de distinguir-se por décadas como o primeiro fagotista da Orquestra Sinfônica Brasileira, foi um importante pedagogo, pedra fundamental da escola brasileira de seu instrumento. Muito próximo a Mignone, convenceu o octogenário compositor a aumentar seu portfólio de dúzias de valsas – entre as quais aquelas “de Esquina”, para piano solo – e dedicar-lhe umas quantas para o fagote.

Imagino que seja difícil escrever para uma criatura tão sui generis quanto o bicharoco de madeira, mas a capacidade de compor mui idiomaticamente era um dos pontos fortes de Mignone, e a colaboração estreita com o amigo  virtuoso com certeza o ajudou a sair-se ainda melhor. O resultado foi uma preciosa série de peças que, embora quase sempre tocadas juntas, não foram concebidas como um ciclo e não precisam ser executadas em ordem específica. Sua estreia, bem como esta primeira e emblemática gravação, foi feita pelo próprio Devos, e as dezesseis valsas entraram imediatamente para o repertório internacional para fagote solo.

O espírito seresteiro do paulistano Chico Bororó – nom de plume com que o jovem Mignone publicava música popular – é congenialmente evocado pelas palhetas do carioca adotivo, numa engenhosa exploração das capacidades do instrumento e de sua riqueza tímbrica, que certamente surpreenderá aqueles tantos que o consideram tão só o “palhaço da orquestra”. Estes, no entanto, não ficarão desapontados, pois muito há de  burlesco nessas miniaturas. E, embora compreenda quem olhe de soslaio para a ideia de ouvir um fagote sozinho por três quartos de hora, eu lhes asseguro que a experiência é encantadora, e que por vezes mesmo – e em especial na Valsa em Si bemol menor – belisca o sublime.

 

Francisco MIGNONE (1897-1986)

Dezesseis valsas para fagote solo

1 – Sexta Valsa Brasileira
2 – Mistério… (Quanto amei-a!) (Valsa doentia) Tempo de valsa sentimental
3 – Valsa Da Outra Esquina (Valsa viva)
4 – Valsa-Choro
5 – Valsa Improvisada (Moderadamente)
6 – Apanhei-te meu Fagotinho
7 – +1 3/4 (com alegria interior)
8 – Valsa Declamada (O Viúvo)
9 – Pattapiada (Molto vivo – Le plus vite possible)
10 – Valsa em Si bemol menor (Dolorosa)
11 – A Boa Páscoa para Você, Devos!
12 – Valsa quase Modinheira (A Implorante)
13 – Valsa Ingênua (Allegretto con grazia)
14 – A Escrava que não era Isaura (Valsa com quadratura) (Valsa lenta) (À Memória de Mario de Andrade)
15 – Macunaíma (A Valsa sem Caráter)
16 – Aquela Modinha que o Villa não escreveu (dolorante, saudoso e triste)

Noel Devos, fagote

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Quem gostou da gravação de Devos apreciará bastante, creio eu, essa espirituosa
leitura do mesmo repertório feita pelo ótimo Fábio Cury, disponível pelo selo SESC.

Vassily

Francisco Mignone (1897-1986): Obras para Flauta – CD 3 de 3

IM-PER-DÍ-VEL!

Em 1916, aos 19 anos de idade, Mignone concluiu os cursos de composição, piano e flauta no Conservatório Dramático e Musical de São Paulo, tendo como colega de turma uma personalidade que o influenciou bastante em relação à busca de uma estética brasileira: Mário de Andrade. Em 1933, o compositor se muda para o Rio de Janeiro, onde residirá até sua morte cinco décadas mais tarde. A partir de 1938, começa a escrever suas valsas de esquina para piano.

Mignone declara que decisão de escrever a série de doze valsas de esquina resultou da constatação, em conversa com Mário de Andrade, de que a valsa brasileira tinha recebido a menor carga de influência da música americana, permanecendo, apesar da origem européia comum, genuinamente brasileira. Algumas dessas valsas de esquina foram adaptadas para formações de câmara e mesmo para orquestra. Manuel Bandeira descreveu Mignone como o “rei da valsa”.

Segundo o pianista e musicólogo José Eduardo Martins essas composições são o reflexo da elaborada técnica de composição pianística de Mignone: “As valsas de esquina representam, possivelmente, o que de mais sonoro-natural-improvisado – mas finamente elaborado – se fez na produção pianística brasiliera. (…) melodismo debordante, acompanhamento tantas vezes pontuado lembrando o violão, toda essa música que se ouve como a mais agradável das improvisações, é fruto de técnica segura.”

Filho de um flautista, Francisco Mignone teve uma vasta produção para esse instrumento tão característico das rodas de choro. A música de Mignone tem uma fase fortemente nacionalista, uma outra fase em que o compositor tenta soar mais cosmopolita e se aproximar da linguagem das vanguardas, e uma fase final em que, idoso, ele faz como uma síntese desses dois lados da moeda. As obras para flauta incluem isso tudo: valsas de esquina, modinhas e serestas deliciosamente brasileiras, algumas de forte apelo popular, outras parecendo usar melodias indígenas à maneira de Villa-Lobos; atonalismo como o de um Schoenberg (1874-1951) e obra neoclássicas em que o compositor se aventura em gavotas como as de um Rameau (1683-1764) e minuetos como os de um Mozart (1756-1791) mas sem perder, lá no fundo, uma certa linguagem brasileira.

Na década de 1960 ou um pouco antes, Mignone adotou um estilo mais atonal, com o nacionalismo aparecendo de forma bem mais suave. Mas na década de 1970 a maré virou novamente e em entrevista ao Jornal do Brasil em 1977, Mignone afirmava: “Em geral, condeno toda a minha música atonalista. Quanto a mim, continuo dentro do nacionalismo, tão forte quanto antes, pois nele há uma mensagem de riqueza, de variedade, de ambiente e de cor local. É nosso.”

Nos dois trios para flauta, violoncelo e piano, de 1981, Mignone mergulha com força nos temas e formas populares como as danças e modinhas, mas com esse material tipicamente brasileiro sendo usado de modo menos óbvio e mais complexo que antes. O retorno do velho compositor à flauta e ao piano, instrumentos com os quais tinha uma longa relação afetiva e profissional, pode ser comparados aos concertos da maturidade de Villa-Lobos, o Concerto para violão (1951) e o 2º Concerto para violoncelo (1953), todos mostrando uma grande familiaridade do compositor com o instrumento. São coisa fina.

Mignone descreve as circunstâncias da composição dos trios como “uma suposta paródia verdiana: ‘voltemos ao passado, talvez seja um progresso.’ Uma volta ao que já fui depois de ter vencido barreiras dentro e fora do pentagrama.”

Francisco Mignone (1897-1986): Obras para Flauta – CD 3
1-3. Trio nº 1 para flauta, violoncelo e piano (1980) I. Andante, II. Modinha: devagar e romântico, III. Festança sem boi: Molto vivo
4-6. Trio nº 2 para flauta, violoncelo e piano (1981) I. Lento ma non troppo, II. Outra modinha, III. Roda – Intermédio e Fugato: Allegro non troppo
7. Valsa Choro flauta e piano (1956) 2:56
8. Valsa de Esquina nº 2 (1938) (arranjo 1947)
9. Valsa de Esquina nº 7 (1940) (arranjo 1951)
10. Valsa de Esquina nº 10 (1943) (arranjo 1949)

Músicos participantes: Sérgio Barrenechea, flauta (flute), flauta em sol e piccolo – Lúcia Barrenechea, piano – Hugo Pilger, violoncelo (cello)

 

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O Trio Barrenechea / Barrenechea / Pilger em ação

Pleyel

Francisco Mignone (1897-1986): Obras para Flauta – CD 2 de 3

As cinco peças para duas flautas doces, que aparecem aqui em um arranjo para flauta transversa e oboé, fazem parte da produção de cunho pedagógico do compositor. As peças têm títulos que remetem ao universo infantil. A flauta como instumento de iniciação musicali infantil é coisa muito antiga em terras brasileiras. Em carta do Padre Antônio Blasquez de 1565, ele relata como a flauta era usada pelos jesuítas na instrução das crianças indígenas de São Vicente, atual estado de SP:

Na grande festa de Jesus, celebrada no último dia do ano, foi sentida e ouvida muita devoção e música religiosa. Houve nestas vesperas tres coros diversos: um de canto de orgão, outro de um cravo e outro de flautas de modo que, acabando um, começava o outro, e todos, certo, com muita ordem quando vinha a sua vez. E dado que o canto do órgão deleitava ouvindo-se e a suavidade do cravo detivesse os animos com a doçura da sua harmonia, todavia quando se tocavam as flautas se alegravam e se regozijavam muito mais os circunstantes, porque, além de o fazer mediocremente, os que as tangiam eram os meninos Brasis, a quem já de tempo o padre Antonio Rodrigues tem ensinado.

Além das obras mais didáticas, temos também neste volume o atonalismo da Sonata para flauta e oboé e o nacionalismo das duas obras que abrem o álbum, originalmente para outras formações e transcritas pelo compositor. Como diria FDP, vamos ao que viemos.

Francisco Mignone (1897-1986): Obras para Flauta – CD 2
1. 3ª Seresta para flauta, oboé, clarineta e fagote (1951)
2. Baianinha para flauta, oboé, clarineta e fagote (1951)
3-5. Sonata para flauta e oboé (1970)
6-10. Cinco Peças para duas flautas (1976) I. Brejeiro, II. Uirapuru, III. Dona aranha, a fiandeira, IV. Cantiga de ninar, V. Pica-pau, o baterista da floresta
11. Ária para quatro flautas (1984)
12-16. Cinco Peças para quatro flautas (1984) I. 5/8 tem vez, II. Pausa, III. Minueto irriquieto, IV. Gavotta, V. Divertimento
17. Gavotta all´antica (1931)
18. Passarinho está cantando (1952)
19. Modinha (1939)
20. Cantiga de ninar (1925)

Músicos participantes: Sérgio Barrenechea, flauta, flauta em sol e piccolo – Lúcia Barrenechea, piano – Luís Carlos Justi, oboé – Carlos Prazeres, oboé – Fernando Silveira, clarineta – Elione Medeiros, fagote –  José Benedito Viana Gomes, flauta – Nilton Antonio Moreira Jr., flauta – Felipe Braz da Silva, flauta

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Francisco Mignone nos tempos da brilhantina

Pleyel

Francisco Mignone (1897-1986): Obras para Flauta – CD 1 de 3

As flautas e outros instrumentos de sopro dos mais diversos tipos têm uma longa história na música brasileira. Comecemos pelo começo.

O padre Cardim, no fim do século XVI, relata seu encontro com os índios em aldeia jesuíta no Espírito Santo:

Chegamos à aldeia à tarde; antes dela um bom quarto de légua, começaram as festas que os índios tinham aparelhadas […]
Os cunumis meninos, com muitos molhos de flechas levantadas para cima, faziam seu motim de guerra e davam sua grita, e pintados de várias cores, nuzinhos, vinham com as mãos levantadas receber a benção do padre, dizendo em português, “louvado seja Jesus Cristo”. Outros saíram com uma dança d’escudos à portuguesa, fazendo muitos trocados e dançando ao som da.viola, pandeiro e tamboril e flauta [1]

A flauta também era utilizada pelos índios chamados (pelos portugueses) Botocudos, etnia diferente dos Tupis e praticamente sem qualquer contato com os portugueses ainda no começo do século 19, como descreve Hippolyte Taunay em livro de 1822. Entre os “diferentes utensílios que sua indústria selvagem lhes garantiu”, Taunay descreve potes grosseiros, linhas de pesca e “flautas de bambu e uma corneta usada para se chamarem na floresta, fabricada com o couro de um tatu”.

Taunay relata também que após as refeições os homens botocudos cantavam expressando sentimentos guerreiros e as mulheres tocavam nessas flautas de bambu “sons que não têm nada de muito melodioso”, ao menos para os ouvidos daquele francês. Obviamente eu, em 2021, não subscrevo as opiniões de Taunay, e muito menos acho que essa divergência seja motivo para jogar no lixo suas obras e privar-nos de ler esses relatos.

[1] Darcy Ribeiro. O Povo Brasileiro. 1995. p.182
[2] Hippolyte Taunay. LE BRESIL, HISTOIRE, MOEURS, USAGES ET COUTUMES DES HABITANS DE CE ROYAUME. Paris, 1822. Tomo IV. p.222; p.234. Disponível no link.

Francisco Mignone, compositor brasileiro conhecido por fazer música nacionalista, ao compor para flauta, estava dialogando com a rica e multicultural tradição deste instrumento em nosso país. A predileção pelo instrumento, para o qual ele compôs mais de trinta obras de música de câmara, se deve também ao seu pai: Alfério Mignone, flautista italiano radicado em São Paulo, foi membro fundador da Orquestra do Teatro Municipal de SP, atuando na cena paulista de 1896 até os anos 1950.

A música de Mignone, porém, não se resume ao nacionalismo influenciado por Ernesto Nazareth e Villa-Lobos. Há também, como o encarte deste CD explica com mais detalhes, uma fase de atonalismo radical, representada neste álbum pela Sonata para flauta e piano, escrita em 1962, que usa procedimentos seriais aliados a um grande conhecimento idiomático desses dois instrumentos, que de fato foram muito próximos de Mignone ao longo de toda sua vida.

O álbum se encerra com obras de juventude, publicadas sob o pseudônimo Chico Bororó e gravadas por seu pai em 1930. Nessas valsas e valsas-choros, já aparecem traços das obras mais célebres de Mignone, as valsas de esquina, algumas das quais foram transcritas para flauta pelo compositor e aparecerão no CD3.

Francisco Mignone (1897-1986): Obras para Flauta – CD 1
1-3. Três Peças (arranjo: 1977)
1. No fundo de meu quintal (1945)
2. Lenda Sertaneja nº 8 (1938)
3. Cucumbizinho (1931)
4-8. Suíte para flauta e piano (1949-50)
9- 11. Sonata para flauta e piano (1962)
12. Céo do Rio Claro (gravada em 1930)
13. Assim Dança Nhá Cotinha (gravada em 1930)
14. Saudades de Araraquara (gravada em 1930)
15. Celeste (1923)

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Pleyel

A Quatro Mãos: Piano Brasileiro a Quatro Mãos – Duo Kaplan-Parente (Série Discos Marcus Pereira)

capaA intensa atividade do duo pianístico formado por José Alberto Kaplan e Gerardo Parente – ex-professores da Universidade Federal da Paraíba – também gerou este álbum lançado pelo precioso selo Discos Marcus Pereira. O repertório, bastante incomum, é aparentemente uma gota do imenso e inexplorado repertório brasileiro para quatro mãos. Aos que me cobram novas postagens do Discos Marcus Pereira, e em particular àqueles que me fizeram pedidos específicos, prometo para breve novos .:interlúdios:. com blocos de quatro ou cinco discos. Só lhes peço paciência, e que guardem os tomates, pois subi ao servidor muito mais coisas do que o tempo que tenho me permite postar. Fazemos o PQP Bach por puro amor, nas poucas horas livres, e sem nada ganharmos por isso – e, de quebra, ainda levamos algumas pedradas.

Sim, isso dói. E, sim, aceitamos abraços carinhosos ali na caixa de comentários.

PIANO BRASILEIRO A QUATRO MÃOS – DUO KAPLAN-PARENTE

Francisco Paulo MIGNONE 
01 – Lundu

José Alberto KAPLAN
02 – Duas Modinhas: Azulão (sobre canção de Jayme Ovalle) e Casinha Pequenina (tradicional)

Octavio MAUL
03 – Duas Miniaturas: Cirandinha e Polka Antiga

Aylton ESCOBAR
04 – Seresta opus um

Osvaldo LACERDA
05 – Brasiliana no. 4

Aloysio de ALENCAR PINTO
06 – Sarau de Sinhá: Schottisch – Polca – Romance – Contradança – Valsa – Noturno – Capricho – Lundu – Recitativo – Galope

Duo Kaplan-Parente
José Roberto Kaplan e Gerardo Parente, piano

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Duo Kaplan-Parente, aqui disposto como Parente-Kaplan.
Duo Kaplan-Parente (ou, aqui, Parente-Kaplan)

Vassily Genrikhovich

 

Coral Altivoz – Desenredos – 1999: (Acervo PQPBach)

30jlpbcCoral Altivoz

Regente: Mário Assef
Acompanhadora: Bianca Malafaia

 

Fundado em 1993, o Coral Altivoz é composto, atualmente, por quarenta integrantes, entre alunos de diversos cursos, professores, funcionários e pessoas da comunidade em geral. O Altivoz participa frequentemente de eventos acadêmicos nos diversos campi regionais da UERJ e de acontecimentos externos à Universidade, tendo sua agenda repleta durante todo o ano, cumprindo uma média de 35 apresentações anuais.

34fm9h3Coral Altivoz

Desenredos
Autor desconhecido
01. Bumba-Meu-Boi
Ernst Mahle (Alemanha, 1929-hoje em Piracicaba, SP) sobre poema de Cassiano Ricardo Leite (S J dos Campos, SP, 1895-R de Janeiro, 1974)
02. Categiró
Ivan Lins (1945) e Gonzaguinha (Luiz Gonzaga do Nascimento Júnior )(Rio de Janeiro, 1945-Renascença, PR, 1991)
03. Desenredo
Cláudio Nucci (Jundiaí, SP, 1956) e Juca Filho (Rio de Janeiro, 1956)
04. Dos Rios
Sérgio Oliveira de Vasconcellos Corrêa (São Paulo, 1934) – fuga baseada em tres temas indígenas: Dança dos Coroados; Canide Ioune e Nozani-na
05. Moacaretá
Antífona para Domingo de Ramos, Manuscrito do Piranga, MG, 1ª metade do séc. XVIII. Autor desconhecido, transcrição Paulo Castagna
06. Pueri Hebraeorum
Osvaldo Costa de Lacerda (São Paulo, 1927-2011)
07. Ofulú Lorêrê
Francisco Mignone (S. Paulo, 1897-Rio de Janeiro, 1986)
08. Congada
Ernst Mahle (Stuttgart, Germany 1929-hoje em Piracicaba, SP)
09. Quatro Maracatus
Heitor Villa-Lobos (Rio de Janeiro, 1887-1959), sobre poema de Ferreira Goulart (São Luiz, MA, 1930)
10. Trenzinho Caipira
Caio Senna (Rio deJaneiro, 1959) sobre poema de Manuel Inácio da Silva Alvarenga (Vila Rica, 1749-Rio de Janeiro, 1814)
11. Madrigal 1
Moraes Moreira (Ituaçu, BA, 1947) e Armandinho
12. Davi Licença
Gilberto Gil (Salvador, BA, 1942) e Torquato Neto (Teresina, PI, 1944-Rio de Janeiro, 1972)
13. Geléia Geral
Ernani Aguiar (Petrópolis, RJ, 1950) sobre poemas de Carlos Drummond de Andrade (Itabira, MG, 1902- Rio de Janeiro, 1987) e Mário de Andrade (S. Paulo, 1893-1945)
14. Cantos Pro Rio
Sérgio Oliveira de Vasconcellos Corrêa (São Paulo, 1934)
15. Moacaretá (A Capella)

Desenredos – 1999
Coral Altivoz
Regente: Mário Assef (desde 1996)
Acompanhadora: Bianca Malafaia

memoria
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Mais outro CD do acervo do musicólogo Prof. Paulo Castagna. Não tem preço !!!

Boa audição.

surpresas

 

 

 

 

 

 

 

 

Avicenna

Antologia da música brasileira I e II, por Arnaldo Estrella (piano)

capaArnaldo Estrella (1908-1980) foi um dos principais nomes do piano brasileiro no século XX, com uma longa dedidação ao repertório de compositores nacionais como Villa-Lobos e Mignone, que dedicaram obras a ele. Foi também professor, formando várias gerações de alunos, dos quais o mais famoso foi provavelmente Antonio Guedes Barbosa. Fiz algumas perguntas sobre ele para outra ex-aluna de destaque na música nacional, a pianista Linda Bustani.

– Arnaldo Estrella realmente tocava muita música brasileira? Ou os convites que ele teve pra gravar privilegiaram essa parte do repertório dele?

Linda: Ele se dedicou mesmo à música brasileira. Inclusive era um dos poucos pianistas, ou o único àquela época, a fazer turnê na União Soviética. Na década de 1960, todo ano ele passava um mês lá, tocando música brasileira. Inclusive ele trazia russos pra visitarem o Brasil e com tudo aquilo que teve, ditadura, comunismo e tal, ele nunca foi preso, era intocável, todo mundo o respeitava.

– Com qual compositor brasileiro ele tinha uma maior identificação?

Linda: A paixão dele mesmo era Villa-Lobos. Ele convivia muito com Mignone, Claudio Santoro, essa gente toda. Ele levava a música brasileira ao exterior, por isso também teve tantos convites pra gravar música brasileira.

– Mais alguma curiosidade sobre ele?

Linda: Era um homem extremamente exigente, ele escrevia muito bem, tinha um programa de rádio, e além de tudo era um excelente pintor, essa particularidade pouca gente conhece. Tinha um conhecimento incrível de arte, de pintura, literatura, de tudo, por isso era extremamente exigente com a qualidade e o desempenho dos alunos dele.

O repertório destes dois CDs serve como uma aula da história do piano brasileiro. Não podendo falar de todas as obras, me limito a destacar que após a bela melodia ‘Il Neige’ (está chovendo, em francês), de pianismo delicado, o Tango Brasileiro já começa trazendo um outro universo musical, mais quente, tropical, brasileiro. Alexandre Levy, que morreu aos 27 anos, expressou fortemente a musicalidade da sua terra natal e, sem nenhuma base científica para dizê-lo, suspeito que esse tango, de 1890, teve influência no nacionalismo musical de Villa-Lobos, Radamés Gnattali e outros tantos.

Sobre as doze Valsas de Esquina de Francisco Mignone, Enio Silveira escreveu:
Caracteristicamente brasileiras na essência e no sentimento, assim como na forma, (“Hoje em dia bom número das modinhas populares são em três-por-quatro e valsas legítimas” – Mário de Andrade in Pequena História da Música), essas composições nos dão expressivo retrato musical desse doce-amargo que constitui ou constituía o modo de ser de nosso povo.

No encarte do segundo LP vinha o seguinte texto de Manuel Bandeira:
Creio não errar se disser que Arnaldo Estrella é agora o maior pianista que o Brasil tem.
Aqui são sobretudo as suas qualidades de frase, elegância, malícia, que Estrella nos proporciona no gênero tão amável da valsa, vindo da melodia ainda não brasileira de Oswald, já brasileira de Nepomuceno, até à brasileiríssima série de nosso “rei da valsa” Francisco Mignone, passando por Villa-Lobos, sempre surpreendente, e Lorenzo Fernandez, rematando com o fino, o raro Camargo Guarnieri.

Antologia da música brasileira I
1. O Amor Brasileiro (Sigismond Neukomm)
2. A Sertaneja (Brasílio Itiberê)
3. Noturno (Leopoldo Miguez)
4. Il Neige (Henrique Oswald)
5. Tango Brasileiro (Alexandre Levy)
6. Galhofeira (Alberto Nepomuceno)
7. Minha Terra (Barroso Neto)
8. Lenda do Caboclo (Villa-Lobos)
9. Protetor Exu (Brasílio Itiberê)
10. Dança de Negros (Fructuoso Viana)
11. Moda (Lorenzo Fernandez)
12. Cucumbizinho (Francisco Mignone)
13. Valsa nº 7 (Radamés Gnattali)
14. Canção Sertaneja (Camargo Guarnieri)
15. Saci Pererê (Luiz Cosme)

Folder
Antologia da música brasileira II
1. Valsa de esquina nº 12 (Francisco Mignone)
2. Valsa de esquina nº 1 (Francisco Mignone)
3. Valsa Chôro nº 11 (Francisco Mignone)
4. Valsa Chôro nº 8 (Francisco Mignone)
5. Primeira Valsa (Souza Lima)
6. Valsa Suburbana (Lorenzo Fernandez)
7. Valsa da Dôr (Villa-Lobos)
8. Poema Singelo (Villa-Lobos)
9. Valsa Lenta (Henrique Oswald)
10. Valsa (Alberto Nepomuceno)
11. Valsa nº 4 (Camargo Guarnieri)

Arnaldo Estrella, piano

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Estrella
Estrella, fingindo que está estudando, posa para foto

Pleyel

Francisco Mignone (1897-1986) – Fantasia Brasileira nº 3, Leilão, Concertino para fagote, Música nº1

francisco-mignone-lp-promemus-1979-capaNão é caô nem história de malandro: o Rio de Janeiro deu ao Brasil e ao mundo algumas formas de música nunca ouvidas em outros lugares. Sem ignorar a importância do modernismo paulista de 22, dos ritmos do sertão, dos batuques baianos, meu palpite é que a elevada auto-estima dos cariocas nos impede de curvar-nos facilmente a influências de fora quando traduzidas porcamente. Não é por acaso que o sertanejo universitário, essa cópia barata de country americano, até hoje não fez sucesso no Rio. E falem o que quiserem do funk carioca, mas ele tem originalidade de sobra… Tom Zé vai além e diz que o funk é microtonal e liberta a música e a mulher de séculos de opressão (respectivamente pela escala diatônica e pelo conservadorismo sexual).

Corta para 1917, cem anos atrás: três gênios da música clássica andavam pelas ruas do Rio. Ernesto Nazareth, nascido na Rua do Bom Jardim (atual Marquês de Sapucaí, aquela dos desfiles do Carnaval), Villa-Lobos, nascido em Laranjeiras, não muito longe de onde então morava Machado de Assis, e Francisco Mignone, paulistano de nascimento e carioca por opção. Mignone foi grande admirador de Nazareth, inclusive há vídeos dele no Youtube falando de Nazareth e tocando suas obras. De Villa-Lobos imagino que a influência seja mais sobre a orquestração, com arroubos repentinos de puro som. Nas palavras de Almeida Prado: “é aquela coisa caótica amazônica de Villa-Lobos.” Mais música orquestral de Mignone pode ser encontrada em musicabrconcerto.blogspot.com.br

Fantasia Brasileira nº 3 foi estreada com Souza Lima ao piano em 1934. Ela tem uma alegria típica de Nazareth, contagiante, impressionante. A solista mostra grande afinidade com a linguagem de Mignone, mas pra mim o destaque é a orquestração, que dá aos temas tão brasileiros uma sonoridade exuberante. A orquestra, regida pelo compositor, não devia nada às nossas melhores orquestras de ontem e de hoje.

Música nº 1, composta em 1949, é do período atonal e menos nacionalista do compositor. Nos nomes dos dois movimentos, o portugês se alterna com o latim e o francês: I. Dificiles nugae (des bagatelles laborieuses), II. Tema com variações.

No Concertino para fagote e pequena orquestra, de 1957, Mignone volta aos temas nacionais e a influência de Nazareth e de Villa-Lobos se faz ouvir novamente: o fagote soa em alguns momentos como um solista numa roda de choro, essa invenção tão carioca.
O fagotista nesta gravação, Noel Devos, estreou a obra com Mignone regendo. Devos contou ao escritor Vasco Mariz: “Em 1957, Mignone ensaiava a OSB para um concerto e no intervalo me procurou: ‘Você quer tocar na sexta o meu Concertino para fagote e orquestra?’ Achei pouco o tempo para estudo mas disse-lhe que me passasse a partitura. ‘Ela está na minha cabeça, ainda não foi escrita, mas na segunda eu trago o 1º movimento, na quarta o 2º e na sexta o apresentamos’. Fiquei assustado e pensei comigo mesmo que se alguma coisa desse errado, eu suspenderia o concerto na véspera, E felizmente tudo deu certo.”

Leilão não tem a mesma alegria, por razões óbvias: é um balé com cenas em que famílias escravizadas eram vendidas e separadas pela maldade humana. Cito dois autores que divergem sobre Mignone.

Manuel Bandeira em 1955: “Como foi possível que Mignone, de sangue italiano, ‘com a serenata napolitana a ressoar nas cordas das veias’, como disse Mário de Andrade, nascido e criado em São Paulo de tão poucos negros, formado com mestre ítalo-francês, viesse a dar, mais que qualquer outro músico brasileiro, tamanha plenitude às vozes negras da nossa música?”

João Itiberê da Cunha comentando o balé Leilão em 1943: “nada de brasiliense, puro africanismo”…”mais para uso interno do que externo, por ser de propaganda muito contraproducente”, visto que suas danças “não são propriamente nacionalistas, porque de certo não somos africanos”.

Bandeira ainda é lembrado entre nossos grandes poetas, enquanto o racista da segunda citação virou nota de rodapé na História.

1. Fantasia Brasileira n.º 3 para piano e orquestra
Solista: Maria Josefina Mignone
2. Leilão, bailado
3. Concertino para fagote e orquestra (Suavemente – Bem movimentado – Alegre)
Solista: Noel Devos
4. Música n.º 1  (Dificiles nugae (des bagatelles laborieuses) – Tema com variações)
Francisco Mignone, regente
Maria Josefina Mignone, piano
Noel Devos, fagote
Orquestra Sinfônica da Rádio MEC

BAIXE AQUI (DOWNLOAD HERE) ou aqui (or here)

Em família: Mignone e Maria Josefina
Em família: Mignone e Maria Josefina

Pleyel
Dedico este post ao historiador, musicólogo, escritor e diplomata brasileiro (e carioca) Vasco Mariz (1921-1917), autor de importante livro sobre Mignone, entre diversas outras obras.

Canções, Modinhas e Lundús (Brazilian songs): Luiz Alves da Silva, countertenor & Dolores Costoyas, guitar (Acervo PQPBach)

8xlz5tUm raro, histórico e agradável CD

Brazil – the unknown giant

REPOSTAGEM

If we look at Brazil from a musical point of view we discover a rich, varied and fascinating country well worth investigating. We do not know whether Brazil’s musical history is as ancient as Europe’s: the conquering Portuguese — like their Spanish counterparts in the surrounding countries — have destroyed the old local cultures in order to replace it with their own. But there are indications suggesting that the indigenous Indios — mostly from the Guarani Tribe — had their own music which they used for celebrations that greatly impressed the first European visitors. The French mariner Jean de Kery landed here in 1556 and called the country a “land full of music”. But unfortunately we know nothing about the music of the Indios. The church quickly realized that music was the easiest way to overcome pagan traditions. Religious music in Brazil flourished especially in the region of Minas Geiras, around the beautiful old little town of Ouro Preto. In the archives of the local churches innumerable works can be found; particularly rich was the so called «Barocco Mineiro», arround 1800.

After 1820 the new Empire of Brazil encouraged a rich musical life at the courts and in the palaces. The Mulatto José Mauricio Nunes Guarcia, in his quality of Master of the Court Chapel, wrote a lot of splendid church music; in the Salons the “Modinhas”, a form of melodic songs imported from Lisbon and closely related to middle European Romanticism, became very popular. At the same time Brazilian music became internationally succesful: Emperor Dom Pedro II, a great lover of music (who had unsuccesfully invited Richard Wagner to come to his residence in Rio de Janeiro) sent the young Carlos Gomes to Milan to study music. There his opera “Il Guarani” was premiered at the Scala in 1870. The success was such that even Verdi presented his congratulations. Brazil had its “National Opera”.

When towards the end of the century Dom Pedro II had to yield to lhe Republic, a concentration of the musical life, took place. As in most European and all Latin American countries a “nationaliste” generation made its appearance. Its goal was the creation of a Brazilian Music based on national elements. Amongst this groupe we find Alberto Nepomuceno, Francisco Braga, Alexandre Levy, Itiberé da Cunha, Ernesto Nazareth. The following generation produced some of the most distinguished Brazilian composers: Oscar Lorenzo Fernandez, Francisco Mignone, Camargo Guarnieri, José Siqueira, Radames Gnatalli, Waldemar Henrique, Vieira Brandão, Hekel Tavares and at least a dozen more.

Prof. Kurt Pahlen (translated by Francois Lilienfeld)(extraído do encarte)

Heitor Villa-Lobos (Rio de Janeiro, 1887-1959)
01. Lundú da Marqueza de Santos
02. Viola quebrada
03. Realejo
Ernesto Nazareth (Rio de Janeiro, 1863-1934)
04. Escorregando – solo de guitare
Francisco Mignone (S. Paulo, 1897-Rio de Janeiro, 1986)
05. Canto baixinho
Heitor Villa-Lobos (Rio de Janeiro, 1887-1959)
06. A gatinha parda
Ernesto Nazareth (Rio de Janeiro, 1863-1934)
07. Odeon – Dança Brasileira – solo de guitare
08. A casinha pequenina
Heitor Villa-Lobos (Rio de Janeiro, 1887-1959)
09. Redondilha
Augusto Marcellino (S. Paulo, 1911-Buenos Aires, 1973)
10. Remeleixo (Chôro Nr. 9) – solo de guitare
Anonyme
11. Ô lelê lilá
Trad. arr. Heitor Villa-Lobos (Rio de Janeiro, 1887-1959)
12. Papae Curumiassu
Anonyme
13. Nozani-ná
Trad. arr. Heitor Villa-Lobos (Rio de Janeiro, 1887-1959)
14. Cantilena
15. Estrela é lua nova
João Teixeira Guimarães ou João Pernambuco (Jatobá, atual Petrolândia, PE, 1883-Rio de Janeiro,1947)
16. Interrogando (longo) – solo de guitare
Anonyme (19ième Siècle)
17. Si te adoro
18. Roseas flores d’alvorada
19. Hei de amar-te até morrer
Gabriel Fernandes da Trindade (Portugal ,c.1790-Rio de Janeiro, 1854)
20. Graças aos ceos
Padre Telles (Bahia, c.1800 – Rio de Janeiro, c.1860)
21. Eu tenho no peito
José Francisco Leal (Rio de Janeiro, 1792-1829)
22. Deliro e Suspiro
Emílio Eutiquiano Correia do Lago (Franca, SP, 1837 -S. Paulo, 1871)
23. Último adeus de amor
José Francisco Leal (ca.1850-ca.1900)
24. Esta noite, Oh ceos!
A. J. S. Monteiro (Rio de Janeiro, ca.1830-ca.1890
25. Que noites eu passo
João Teixeira Guimarães ou João Pernambuco (Jatobá, atual Petrolândia, PE, 1883-Rio de Janeiro,1947)
26. Sons de Carrilhoes (Chôro) – solo de guitareaos ceos
Padre Telles (Bahia, c.1800 – Rio de Janeiro, c.1860)
21. Eu tenho no peito
José Francisco Leal (Rio de Janeiro, 1792-1829)
22. Deliro e Suspiro
Emílio Eutiquiano Correia do Lago (Franca, SP, 1837 -S. Paulo, 1871)
23. Último adeus de amor
José Francisco Leal (ca.1850-ca.1900)
24. Esta noite, Oh ceos!
A. J. S. Monteiro (Rio de Janeiro, ca.1830-ca.1890
25. Que noites eu passo
João Teixeira Guimarães ou João Pernambuco (Jatobá, atual Petrolândia, PE, 1883-Rio de Janeiro,1947)
26. Sons de Carrilhoes (Chôro) – solo de guitare

Canções, Modinhas e Lundús (Brazilian songs) – 1992
Luiz Alves da Silva, countertenor
Dolores Costoyas, guitar

Álbum fora de catálogo desde 1992.
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.Outro CD do acervo do musicólogo Prof. Paulo Castagna. Não tem preço !!!

Boa audição.

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Avicenna

Orquestra Sinfônica do Recife – dois CDs com premières mundiais

239

Originalmente postado por CVL, e repostado pelo Avicenna.

Essas duas pérolas ora postadas nunca foram comercializadas, ficaram apenas como registro formal e institucional de duas iniciativas louváveis da Orquestra Sinfônica do Recife acontecidas há dez anos: a gravação das três primeiras colocadas em um concurso de composição em função dos 500 anos do Descobrimento, o único promovido por conta da data, e o resgate de uma obra ignorada do catálogo de Francisco Mignone, o balé Quincas Berro d’Água, sobre o livro quase homônimo de Jorge Amado.

No primeiro CD, destaco a consistência da peça do cearense Liduíno Pitombeira, que ganhou merecidamente o primeiro lugar: bem orquestrada, bem estruturada, bem encadeada.. enfim, houve justiça. No segundo, não esperem mais do que uma partitura naïf, embora muito agradável, de Mignone – o Lamento e Dança Brasileira, de Clóvis Pereira, vem de brinde mas não tem nenhum grande atrativo.

***

500-anosSinfonia dos 500 anos

1. Uma lenda indígena brasileira – Liduíno Pitombeira
2. Sinfonia brasileira em três movimentos – Rodrigo Celso Vitta
3. A sinfonia dos 500 anos – Ronaldo Cadeu de Oliveira

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berro1. Quincas Berro d’Água – Francisco Mignone
2. Lamento e Dança Brasileira – Clóvis Pereira

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Em ambos os CDs: Orquestra Sinfônica do Recife, regida por Carlos Veiga

CVL

Fiesta Criolla (Latin American Orchestral Works) [link atualizado 2017]

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Você deve estar achando que eu coloco o selo IM-PER-DÍ-VEL pra qualquer um, não é? Mas, caro usuário/ouvinte, você não faz ideia de como este álbum é uma completa delícia!

Ao olhar para a orquestra, a Württembergische Philharmonie Reutlingen, é de se pensar se a corporação teuta daria conta do molejo necessário para as peças que se propõe executar. Mas aí vemos o nome do regente, Gabriel Castagna, argentino, e tudo começa a fazer sentido, não só pelo bom movimento das obras mas também pela predominância de compositores de seu país natal.

Ele já começa impondo respeito, com o estrondoso Milongón Festivo, de Piazzolla. Estou falando disso aqui, ó:

Só essa já valeria o download, mas inicia-se a partir dela um verdadeiro desfile de sonoridades, cadências de várias partes da Argentina e também do Peru, do Brasil e da Colômbia, todas de compositores do século XX, com acordes difíceis e inteligentes, com pegada e discurso nacionalista, com fusões de ritmos populares. Obras densas, variadas que esboçam todo um mosaico cultural da América do Sul.

O CD ainda ganhou o Grammy de Melhor Álbum de Música Clássica de 2012. É bom mesmo!

Guarde uma horinha para ouvir isso… E pirar!
Ouça! Ouça muito! Deleite-se! Atinja o Nirvana!

Fiesta Criolla
Latin American Orchestral Works

Astor Piazzolla
01. Milongón Festivo (arr: Gabriel Castagna)
Manuel Gómez Carrillo
02 a 05. Fiesta Criolla, em 4 movimentos
Juan José Castro
06. Arrabal de la “Sinfonía Argentina”
Manuel Gómez Carrillo
07. Rapsodia Santiagueña
Theodoro Valcárcel Caballero
08 a 11. Concierto Indio para Violín y Orquesta
Francisco Mignone
12. Congada
Guillermo Uribe Holguín
13 a 15. Tres Danzas
Alberto Williams
16. Primera Obertura de Concierto Op. 15

Nora Chastain, violino (faixas 08 a 11)
Württembergische Philharmonie Reutlingen
Gabriel Castagna, regente

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Partituras e outros que tais? Clique aqui

É… Quando eu disse Fiesta Criolla não era bem isso. Mas ilustra, vai…

Bisnaga

Convergences – Brazilian Music for Strings

Convergences – Brazilian Music for Strings

ConvergencesEssa madrugada lembrei-me dos fãs de Amaral Vieira – Suzete, Lisianne, Maria Cristina, Gladis, Henrique, Organista e tutti quanti – e reparei que nunca mais postei nada dele. Pois aí vai: uma excelente seleção de obras nacionais para cordas, interpretadas por um dos melhores conjuntos de câmara do país, a Camerata Fukuda. Destaque para as Nove meditações sobre o Stabat Mater de Amaral Vieira e para o Ponteio de Claudio Santoro. Antidestaque para a versão totalmente descaracterizada do Mourão de Guerra-Peixe/Clóvis Pereira, que distancia-se erroneamente da que é comumente ouvida (transformando o xaxado em não-sei-o-quê) e se baseia numa partitura não original (tenho a citada partitura para comparar).

Fiz o upload tomando o café da manhã.

Convergences – Brazilian Music for Strings

1 Mourão César Guerra-Peixe 3:44

2 Modinha imperial Francisco Mignone 4:46

3 Divertimento: I. Allegretto Edino Krieger 3:50
4 Divertimento: II. Seresta (Homenagem a Villa-Lobos) Edino Krieger 6:41
5 Divertimento: III. Variações e Presto Edino Krieger 4:17

6 Nove meditações sobre o “Stabat Mater”, Op. 249: I. Andante religioso Amaral Vieira 3:52
7 Nove meditações sobre o “Stabat Mater”, Op. 249: II. Andante Amaral Vieira 2:00
8 Nove meditações sobre o “Stabat Mater”, Op. 249: III. Moderato Amaral Vieira 2:31
9 Nove meditações sobre o “Stabat Mater”, Op. 249: IV. Allegro alla breve Amaral Vieira 0:46
10 Nove meditações sobre o “Stabat Mater”, Op. 249: V. Moderato Amaral Vieira 2:35
11 Nove meditações sobre o “Stabat Mater”, Op. 249: VI. Molto lento, doloroso Amaral Vieira 1:35
12 Nove meditações sobre o “Stabat Mater”, Op. 249: VII. Deciso Amaral Vieira 0:41
13 Nove meditações sobre o “Stabat Mater”, Op. 249: VIII. Allegro molto Amaral Vieira 0:32
14 Nove meditações sobre o “Stabat Mater”, Op. 249: IX. Andante Amaral Vieira 4:27

15 Suite antiga, Op. 11: I. Minueto Alberto Nepomuceno 3:26
16 Suite antiga, Op. 11: II. Ária Alberto Nepomuceno 3:38
17 Suite antiga, Op. 11: III. Rigaudon Alberto Nepomuceno 3:56

18 Ponteio Cláudio Santoro 4:59

Elisa Fukuda, violino
Camerata Fukuda

BAIXE AQUI — DOWNLOAD HERE

O cearense Alberto Nepomuceno (1864-1920)
O cearense Alberto Nepomuceno (1864-1920)

CVL

Guiomar Novaes – Guiomar Novaes (1974) [link atualizado 2017]

Sem meias-palavras:
IM-PER-DÍ-VEL !!!

(postado inicialmente no dia 7 de setembro, Independência do Brasil !)

Estamos falando hoje, dia da Independência do Brasil, de uma postagem antológica com uma música especial que exalta nosso país: a Grande Fantasia Triunfal sobre o Hino Nacional Brasileiro, executada por uma brasileira que é considerada uma das maiores pianistas do século XX em todo o mundo: Guiomar Novaes! É daquelas pra largar tudo que estiver fazendo, fazer o mundo parar só para ouvir!

Guiomar, mocinha de São João da Boa Vista (SP), era tão poderosa que, quando prestou a prova para ingressar no Conservatório de Paris, fez com que a banca examinadora pedisse que ela bisar 3ª Balada de Chopin! Na banca estava nada menos que Claude Debussy, diretor da instituição e também exímio pianista. Ele escreveu a um amigo:

Eu estava voltado para o aperfeiçoamento da raça pianística na França…; a ironia habitual do destino quis que o candidato artisticamente mais dotado fosse uma jovem brasileira de treze anos. Ela não é bela, mas tem os olhos ‘ébrios da música’ e aquele poder de isolar-se de tudo que a cerca – faculdade raríssima – que é a marca bem característica do artista” (Claude Debussy)

Antes disso, logo que chegou a Paris, Guiomar foi à casa da Princesa Isabel, que desejava vê-la, e recebeu das mãos da princesa a partitura da Grande Fantasia Triunfal, dedicada a Isabel por Gottschalk, peça que disponibilizamos nesse belo e ensolarado Dia da Independência do Brasil e que Guiomar executa com primor, limpeza de notas e “dicção pianística” impressionantes. E com alma, muita alma…

Agora, nesta repostagem, concedemos a todos a dádiva de ouvirem outras músicas além da Fantasia Triunfal, numa seleção muito boa, a  maior parte delas baseadas em delicados temas infantis, e ainda com momentos de melodias cativantes, como o Velho Tema, de Mignone, ou peças regionais, como o Samba Matuto de Marlos Nobre  e o Ponteio de Guarnieri. Coisa linda de ver/ouvir!

Por fim, um álbum belíssimo, de uma pianista brilhante e versátil. Estupenda! Não a deixe de ouvir. Deleite-se a cada toque que Guiomar dá nas teclas de seu piano!

Guiomar Novaes (1894-1979)
Guiomar Novaes

01. Velho Tema – Francisco Mignone (1897-1986)
02. Cenas Infantis- I. Corre, Corre – Otávio Pinto (1890-1950)
03. Cenas Infantis- II. Roda, Roda
04. Cenas Infantis- III. Marcha, Soldadinho
05. Cenas Infantis- IV. Dorme, Nenê
06. Cenas Infantis- V. Salta, Salta
07. Samba Matuto (do 1º Ciclo Nordestino) – Marlos Nobre (1939)
08. Pregão – Arnaldo Ribeiro Pinto
09. Improvisação Nº 1 – João de Souza Lima (1898-1982)
10. Ponteio Nº 30 – Mozart Camargo Guarnieri (1907-1993)
11. Grande Fantasia Triunfal sobre o Hino Nacional Brasileiro – Louis Moreau Gottschalk (1829-1869)

Guiomar Novaes, piano
1974

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE (90Mb)

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…Mas comente… O álbum é tão bom, merece umas palavrinhas…

Bisnaga

Alma Brasileira: Francisco Mignone (1897-1986), Glauco Velásquez (1884-1914), Oscar Lorenzo Fernandez (1897-1948), Luciano Gallet (1893-19031) e Francisco Braga (1868-1945) [Acervo PQPBach] [link atualizado 2017]

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Fonogramas espetaculosamente enviados por Robson Leitão, autor do completo texto que apresenta as obras, via Strava.

Este CD foi o escolhido para lançar oficialmente o Acervo P.Q.P.Bach de Música Clássica Brasileira porque sua qualidade é muito, mas muito alta, com obras e compositores da mais alta importância para nossa história musical.

.oOo.

Seguindo-se a Aurora Luminosa [postada aqui no PQPBach], Alma Brasileira traz obras dos principais compositores da nossa primeira e segunda geração nacionalista, atendo-se ao período que vai de 1913 ao fim da década de 20. O título do CD reporta-se ao discurso proferido por Graça Aranha na abertura da Semana de 22, onde o escritor prognostica que “da libertação do nosso espírito sairá a arte vitoriosa”, arte cujo apanágio consistirá em plasmar a “progressão infinita da alma brasileira”. Francisco Braga representa o elo entre os compositores impregnados da estética romântica européia e a geração que busca uma linguagem nova, representativa da individualidade artística nacional. Dele aqui incluímos A Paz – Cortejo, obra composta em 1919 para comemorar o fim da Primeira Grande Guerra, e que aliás serviu, em 1939, de protesto contra a eclosão da Segunda Grande Guerra. De Glauco Velásquez, que forte fascínio exerceu sobre os jovens compositores de sua época, apresentamos a canção Alma minha gentil, composta sobre um dos mais célebres sonetos de Camões. Vivamente influenciado por Velásquez foi Luciano Gallet, de quem interpretamos o Tango-Batuque.
Oscar Lorenzo Fernândez e Francisco Mignone tornaram-se os mais notáveis representantes da nossa segunda geração nacionalista. Do primeiro optamos por gravar a Suíte Reisado do Pastoreio, que compreende sua peça instrumental mais famosa: o Batuque. Trata-se, dentro do período em pauta, da obra que melhor representa o compositor. Quanto a Francisco Mignone, pudemos dar vida a uma de suas composições de juventude, que sem dúvida não merece o silêncio que a mantinha afastada do público: o poema sinfônico Caramuru, inspirado na obra homônima de Santa Rita Durão.
Apresentação: Ligia Amadio

COMPOSITORES E OBRAS

Francisco Braga (1868 — 1945) é mais lembrado nacionalmente como autor da música do Hino à Bandeira que por sua trajetória de glórias. Depois da infância humilde no Asilo dos Meninos Desvalidos, no Rio de Janeiro, e da adolescência como aluno brilhante do Imperial Conservatório de Música (atual Escola de Música da UFRJ), Braga se destacou como regente, compositor e professor de composição, contraponto, fuga e instrumentação, tendo entre seus alunos mais ilustres Glauco Velásquez, Luciano Gallet e Lorenzo Fernândez. Era tão famoso no início do século XX que em 1909, na inauguração do Theatro Municipal do Rio de Janeiro, foi o maestro convidado para o concerto de abertura, quando regeu, entre outras peças, seu poema sinfônico Insônia. Além do consagrado hino ao pavilhão nacional, composto para os versos de Olavo Bilac, Braga foi autor de ópera, concertos, poemas sinfônicos, música de câmara e canções que o projetaram internacionalmente. No final de sua vida, criou o Sindicato dos Músicos Profissionais, do qual foi o primeiro presidente.

A obra — A Primeira Guerra Mundial, que durou de 1914 a 1918 e causou a morte de 10 milhões de pessoas na Europa, abalou as estruturas do mundo todo. Temendo a continuidade dos conflitos, artistas, intelectuais e políticos se uniam em prol da paz. Em 1919, o então presidente da República Epitácio Pessoa participou da Conferência de Paris, em que diversos governantes mundiais discutiram o processo de paz entre as nações. Quando regressou ao Brasil, foi realizado um concerto em sua homenagem, para o qual três compositores foram convidados a criar, cada um, uma sinfonia sobre o fim da guerra. Segundo o pesquisador e antropólogo Paulo Renato Guérios, a Heitor Villa-Lobos coube A guerra; A vitória foi composta por J. Otaviano Gonçalves e A paz por Francisco Braga. Braga se inspirou diretamente no poema escrito por Escragnolle Dória e compôs um poema sinfônico para coro e orquestra, inserindo na composição o clamor pela paz dos versos de Dona.

Glauco Velásquez (1884 — 1914) nasceu em Nápoles, Itália, filho da brasileira Adelina Alambary e do barítono português Eduardo Medina Ribas, mas foi criado por família italiana, vindo para o Brasil ao completar 13 anos de idade. Em Nápoles descobriu a música, cantando em coros de igrejas. Aos 18 anos, o maestro Francisco Braga aprova suas partituras e o faz ingressar no Instituto Nacional de Música. Ali, Frederico Nascimento contribuiu decisivamente para seu aprimoramento, sem falar no próprio Braga, seu professor de contraponto, fuga e composição. Sua evolução é rápida e suas composições dessa época têm traços de um modernismo, ou pré-modernismo, que logo seria alcançado no Brasil, principalmente a partir de Villa-Lobos. Curiosamente, sua estréia pública só aconteceu aos 27 anos, em concerto no salão do Jornal do Commercio. Apresentou composições suas e foi muito elogiado pelos críticos. Mas o sucesso tardio o encontrou com tuberculose, e ele definhava rapidamente. Ao falecer, Velásquez deixou inacabada a partitura da ópera Soeur Béatrice, terminada por Francisco Braga, e o Quarto trio, concluído pelo francês Darius Milhaud.

A obra – A canção Alma minha gentil foi ouvida pela primeira vez em 19 de julho de 1913, no Rio de Janeiro, com solo da cantora Stella Parodi. Velásquez compôs a música sobre os versos do Soneto 48, escrito pelo português Luís de Camões no século XVI. Segundo historiadores, este soneto aproxima-se do soneto XXXVII de Petrarca, sendo o de Camões “de mais pura espiritualidade e mais penetrante melodia”. De acordo com o manuscrito da VIII Década de Couto, de posse da Biblioteca Municipal do Porto, em Portugal, ele foi inspirado por sua amada Dinamene, que naufragou com o poeta na foz do rio Mécon e morreu afogada. O poema, escolhido por Velásquez, revela sua própria angústia diante da iminente aproximação da morte, em decorrência da tuberculose, que ocorreria onze meses depois da estréia desta canção. O compositor tinha apenas 30 anos.

Luciano Gallet (1893 — 1931), descendente de franceses, nasceu no Rio e freqüentou o Colégio Salesiano, em Niterói (RN onde integrou o coral e estudou harmônio e piano como autodidata. Estudou arquitetura, mas a música seria seu caminho. Junto com Villa-Lobos, tocou em orquestras de baile. Em 1913, orientado pelos amigos Henrique Oswald e Glauco Velásquez, passou a se dedicar à música com seriedade. Matriculou-se no Instituto Nacional de Música para estudar piano e conquistou Medalha de Ouro. Empenhou-se em divulgar a obra de Velásquez, falecido em 1914, ajudando a fundar a Sociedade Glauco Velásquez. Além deste, Gallet sofreu influências do francês Milhaud, seu professor de harmonia. Suas primeiras obras tinham características dos dois, sempre com sonoridade afrancesada. Mas voltou-se para o folclore. Sua primeira suíte, Turuna (1926), para orquestra de câmara, traz resultados desse trabalho. Três anos depois compõe a Suíte sobre temas negro-brasileiros. Além de compositor e intérprete, foi professor, e no INM implantou a linha de ensino que vigora hoje, além de criar a cadeira de Folclore.

A obra — Assim como o Batuque da Suíte brasileira (1897), de Alberto Nepomuceno, e o Batuque do Reisado do pastoreio (1929), de Lorenzo Fernândez, o Tango-Batuque de Gallet, situado cronologicamente entre aquelas peças, apresenta elementos rítmicos afro-brasileiros. Entretanto, sua composição tem também elementos da música urbana carioca, no caso o “tango brasileiro”, que, distante das harmonias típicas argentinas, estava bem mais próximo do maxixe, cujos maiores representantes foram Ernesto Nazareth e Chiquinha Gonzaga. Gallet considerava seu Tango-Batuque o primeiro passo de sua obra na exibição de uma brasilidade profunda, preocupação sua desde 1918, quando deu inicio às pesquisas folclóricas. Ainda assim, os aspectos urbanos e populares encontrados na composição do Tango-Batuque são mesclados à musicalidade erudita, principalmente da escola francesa, tão em voga na época.

Oscar Lorenzo Fernândez (1897 — 1948), filho de espanhóis e fundador, com Villa-Lobos, da Academia Brasileira de Música, nasceu no Rio no mesmo ano em que o cearense Alberto Nepomuceno, um dos precursores do nacionalismo, compôs a Suíte brasileira. Sinal premonitório para uma carreira de muito empenho pela consolidação do nacionalismo na música erudita no Brasil. Aprendeu piano de ouvido e recebeu da irmã as primeiras noções de teoria. Tocava em bailes e compunha. Aos 20 anos, ingressou no Instituto Nacional de Música, onde aprendeu com Henrique Oswald, Francisco Braga e Frederico Nascimento, seu mentor. Teve composições premiadas em concurso internacional de 1922, e estreou no nacionalismo em 1924, com o Trio brasileiro. A consagração chega com a suíte Reisado do pastoreio. Instigado pelos manifestos modernistas de Mário de Andrade, Fernândez se inspirava em temas afro-brasileiros, ameríndios e caboclos, e criou, entre outras, a Valsa suburbana e a ópera Malazarte, baseada no texto de Graça Aranha, principal mentor da Semana de Arte Moderna. Também regente e professor, fundou o Conservatório Brasileiro de Música, em atividade até hoje no Rio.

A obra — Após o enorme sucesso de seu poema sinfônico ameríndio lmbapara, a estréia do Reisado do pastoreio se dá em 29 de agosto de 1929, no Rio, com a Orquestra do Instituto Nacional de Música, regida por Francisco Braga. Suíte orquestral dividida em três partes, teve grande êxito devido principalmente à última parte, o Batuque, muitas vezes executada separadamente e que se tornou um clássico. O Batuque se destacou, como a Congada de Mignone, pela força rítmica e estética tirada da cultura negra. Ganhou público, fama internacional e atenção de regentes estrangeiros que o interpretaram em inúmeros concertos e gravações. Sua intensa brasilidade encantou, entre outros, o lendário italiano Toscanini, o americano Leonard Bernstein e o russo Koussevitsky. Esta é uma das raras oportunidades de se ouvir o Batuque inserido na obra original.

Francisco Mignone (1897 — 1986) dedicou-se a todos os gêneros musicais, colorindo grande parte de sua obra com os matizes culturais brasileiros. Filho de imigrantes, viveu até a juventude nos bairros italianos de São Paulo. Recebeu cedo do pai lições de flauta, trompa e piano, estudando este instrumento com professor particular, mas, aos 13 anos, para custear as aulas tocava em pequenos conjuntos e acompanhava sessões de cinema mudo. Assinava suas músicas como Chico Bororó, nome de um jogador de futebol, pois fazer música popular era transgressão social. No Conservatório Dramático e Musical São Paulo conheceu Mário de Andrade, que teria imensa influência em sua música nacionalista. Em 1918, sua Suíte campestre e o poema sinfônico Caramuru foram apresentados ao público, o que lhe rendeu bolsa do governo paulista para aperfeiçoamento na Europa. Mignone ficou por lá de 1920 a 1929 mas foi tocado pela Semana de Arte Moderna e suas conseqüências. Admirava muito Villa-Lobos e estudava suas obras com afinco. De volta ao Brasil, escreveu dezenas de peças com influência afro-brasileira, e foi considerado o maior compositor erudito de música negra no Brasil.

A obra — A primeira composição orquestral de Mignone foi o poema sinfônico Caramuru, inspirado no poema épico escrito em 1781 por Frei José de Santa Rita Durão que descreve a lenda do naufrágio de Diogo Álvares Correia (o “Caramuru”), ocorrido no século XVI no Recôncavo Baiano. A estréia da obra aconteceu no Teatro Municipal de São Paulo, em 18 de setembro de 1918, sob a regência de seu pai, Alfério Mignone, mas com supervisão direta de Francisco, que tinha 21 anos. Caramuru já apresenta características que seriam comuns na sua obra e sonoridades brasileiras que tanto o atraiam. Para o musicólogo Mario Tavares, “a melhor música de Mignone é toda ela impregnada de um brilho orquestral impetuoso e singular, bem como do desejo incontido de expressar todo o seu comprometimento com a brasilidade”.

textos: Robson Leitão

Trata-se de um disco antológico, com compositores e obras que queriam dar uma cara mais brasileira à música que aqui se fazia, afastar-se dos estrangeirismos, fazer uma arte genuinamente nacional.

Ouça, ouça! Deleite-se sem a menor moderação!

Alma Brasileira
Nacionalismo e modernismo brasileiros

Francisco Mignone (1897-1986)
01. Caramuru – Poema Sinfônico
Glauco Velásquez (1884-1914)
02. Alma Minha Gentil, op. 107, para canto e orquestra de câmara
Oscar Lorenzo Fernandez (1897-1948)
Reisado do Pastoreio
03. Reisado
04. Toada
05. Batuque
Luciano Gallet (1893-19031)
06. Tango-Batuque
Francisco Braga (1868-1945)
07 e 08. A Paz – Cortejo para coro e orquestra

Orquestra Sinfônica Nacional – UFF
Ligia Amadio, regente

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FLAC (322Mb) encartes a 5.0 Mpixel
MP3 (178Mb) encartes a 5.0 Mpixel

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Strava & Bisnaga

Francisco Mignone (1897-1986) – Festa nas igrejas e Maracatú do Chico-Rei [link atualizado 2017]

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Este Álbum é uma delícia!!!

Postado originalmente em 16 de janeiro de 2009 pelo CVL. Repostado por Bisnaga

Venho em dose dupla hoje.

Quem assistiu ao concerto de fim de ano da Osesp e se encantou com o Maracatu do Chico-Rei de Mignone agora pode acrescentá-lo a seu acervo fonográfico através deste very proudly blog.

Pouco vou falar de Festa nas igrejas, uma espécie de suíte em quatro movimentos emendados, muito benquista por Toscanini, que reproduz mais o ambiente dos fiéis das respectivas igrejas do que a personalidade dos templos em si.

Já o Maracatú de Chico-Rei (grafado originalmente com esse acento no u), um caso pouco comum de balé com coro e orquestra, encanta desde sua primeira execução, na década de 30. Do enredo vocês podem saber mais no encarte, mas o resumo aqui.

Chico-Rei foi trazido para o Brasil escravizado com seus súditos e veio a conquistar trabalhando a própria alforria e a dos demais. Faltam apenas os seis últimos seguidores e isso é o que ele vai resolver na praça principal de Ouro Preto, levando o pagamento em moedas de ouro aos senhores brancos.

Ou seja, o enredo é apenas pretexto pra dança, já que a ação consome meia hora de música.

Apesar da história se passar em Minas, o maracatu de baque virado, ao qual o balé alude, é um ritmo genuinamente pernambucano, no entanto não há nada de maracatu ao longo dos dez curtos movimentos. Minha memória acusa neste momento somente uma peça que bebe diretamente desse gênero folclórico: o primeiro movimento de Quatro momentos n° 3, de Ernani Aguiar (mas Guerra Peixe deve ter algo por aí).

O Maracatu de Chico-Rei é uma peça realista-nacionalista da primeira metade do século passado (de elementos nacionalistas mais exacerbados e não realista de influência jdanovista – pós 1948, como se vê em Guerra Peixe, Krieger e Santoro).

É sobretudo daquelas partituras que se regem sozinhas – estou pra ver um maestro que a estrague – porém digo isso afastando qualquer conotação de mediocridade (as polcas de Strauss II regem a si mesmas também e, por mais que venha a se apontar frivolidade nelas, são um primor de instrumentação, estruturação e comunicabilidade).

A Dança de Chico-Rei e da Rainha N’Ginga se enquadra entre os momentos mais felizes da música de concerto latino-americana, de um colorido orquestral invejável, digno dos melhores compositores russos, e de uma rítmica singular e contagiante nos pontos mais altos, conclamo a voi tutti a prestigiar a primeira aparição de Francisco Mignone aqui no PQP Bach.

Entenda como isso é legal, ouvindo o Maracatú do Chico Rei (se quiser, ouvir a Dança da Rainha N’Ginga, vá para 1:10min):

Ouça! Deleite-se! Atinja o êxtase! (essa frase já é do Bisnaga)

Francisco Mignone (1897-1986)
Festa nas Igrejas e Maracatú do Chico Rei

Festa das Igrejas
01. I. São Francisco da Bahia
02. II. Rosário de Ouro Preto – Minas
03. III. O Outeirinho da Glória – Rio de Janeiro
04. IV. Nossa Senhora da Aparecida – Aparecida
Maracatú de Chico-Rei
Bailado Afro-Brasileiro em 10 movimentos
05. I. Bailado
06. II. Chegada do maracatú
07. III. Dança das mucambas
08. IV. O Príncipe dança
09. V. Dança das três macotas
10. VI. Dança de Chico-Rei e da Rainha N’Ginga
11. VII. Dança do Príncipe Samba
12. VIII. Dança dos seis escravos
13. IX. Dança dos príncipes brancos: minueto e gavota
14. X. Dança final

Orquestra Sinfônica de Minas Gerais
Coral Lírico da Fundação Clóvis Salgado
David Machado, regente

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CVL
Repostado/recauchutado por Bisnaga

Sopros do Brasil: o Sexteto do Rio – obras de José Siqueira (1907-1985), Radamés Gnattali (1903-1988), Francisco Mignone (1897-1986), Ludwig van Beethoven (1770-1827), Darius Milhaud (1892-1974), Francis Poulenc (1899-1963) e Gordon Jacob (1895-1984) [link atualizado 2017]

Nas minhas navegações – e derivas – em meio ao oceano da internet, em busca de mais algum halo, uma luzinha no horizonte que me apontasse para mais uma obra de José Siqueira, me deparei com este belo conjunto de peças executado pelo Sexteto do Rio. José Siqueira tem lá uma faixinha em meio a outras vinte e duas, mas não custa ver tudo…

E o álbum é bem legal, além da siqueirana Brincadeira a Cinco, uma das que mais me agradou, há obras muito boas para sexteto de sopros (aqui por vezes acompanhado pelo piano de Heitor Alimonda): La cheminée du Roi René, de Milhaud, e a Sonatina a Seis, de Gnattali, são especialmente jocosas, divertidas, muito agradáveis. O conjunto todo é bem descontraído e tem um aspecto de diversão, de brincadeira, de descontração. Os músicos do Sexteto do Rio estão, mais do que executando música, divertindo-se, compartilhando bons momentos. e essa descontração é transmitida ao ouvinte e é cativante! Conjunto leve, gostoso de ouvir.

Booooom, muito bom! Ouça, ouça!

Sexteto do Rio
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Ludwig van Beethoven (1770-1827)
01. Trio para Flauta, fagote e piano – I. Allegro
02. Trio para Flauta, fagote e piano – II. Adagio
Darius Milhaud (1892-1974)
03. La cheminée du Roi René – I. Cortège
04. La cheminée du Roi René – II. Aubade
05. La cheminée du Roi René – III. Jongleurs
06. La cheminée du Roi René – IV. Maosinglade
07. La cheminée du Roi René – V. Chasse au Valabre
08. La cheminée du Roi René – VI. Madrigal Nocturne
09. Sonata para flauta, oboé, clarineta e piano – I. Tranquille
10. Sonata para flauta, oboé, clarineta e piano – II. Joyeux
11. Sonata para flauta, oboé, clarineta e piano – III. Emporté
12. Sonata para flauta, oboé, clarineta e piano – IV. Douloureux
Francis Poulenc (1899-1963)
13. Sextuor – I. Allegro Vivace
14. Sextuor – II. Allegro Vivace
15. Sextuor – III. Finale
Francisco Mignone (1897-1986)
16. Sexteto 1970
Gordon Jacob (1895-1984)
17. Elegiac e Scherzo – I. Elegiac
18. Elegiac e Scherzo – II. Scherzo
José Siqueira (1907-1985)
19. Brincadeira a Cinco
Radamés Gnattali (1903-1988)
21. Sonatina a seis – I. Allegro
22. Sonatina a seis – II. Saudoso
23. Sonatina a seis – III. Ritmado

Sexteto do Rio
Celso Woltzenlogel,flauta
Paolo Nardi, oboé
Kleber Veiga, oboé
José Cardoso Botelho, clarineta
Noel Devos, fagote
Zdenek Svab, trompa
Heitor Alimonda, piano

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…Mas comente… escreva-me umas linhas amigas…

Bisnaga

Música de Câmara do Brasil (1981) – José Siqueira, Guerra Peixe, Camargo Guarnieri, Francisco Mignone, Henrique de Curitiba, Mauro Rocha e Heitor Alimonda [link atualizado 2017]

BOM, MUITO BOM !!!

Música de Câmara do Brasil é um álbum todo ele moderno, de vanguarda, como bem representa a sua capa com um d’Os Bichos, obra-mestra da artista plástica neoconcretista Lygia Clark (1920-1988). As peças são todas de compositores brasileiros de primeiríssimo time também contemporâneos e que estavam, no ano dessa gravação (1981), em plena atividade, executadas pelo Trio Morozowicz, Botelho, Devos com grande qualidade e sagacidade.

Eu poderia falar uma pouco mais do discão, mas o texto da contracapa é muito mais detalhista (e capaz) que o que eu poderia escrever neste espaço:

Bela montagem, a deste disco, in­tercalando, entre obras executadas pelo trio de sopros, peças solistas para cada um dos instrumentistas que, individual­mente, confirmam a alta qualidade de suas interpretações conjuntas. Norton Morozowicz, Jose Botelho e Noel Devos são três de nossos mais destacados músicos, com uma larga folha de serviços prestados a divulgação do repertório in­ternacional e do brasileiro. Os três ins­trumentos – flauta, clarineta, fagote — tem amplos recursos expressivos, que compensam largamente a relativa estreiteza de seu âmbito dinâmico. Da alqui­mia de suas vozes resulta harmonioso conjunto, onde as peculiaridades indi­viduais se fundam num todo maior.
O primeiro lado [faixas 01 a 09] reúne quatro dos expoentes da corrente nacionalista. Dois deles (Camargo Guarnieri e Francisco Mignone) foram diretamente influencia­dos pela pregação de Mario de Andrade, a quem os ligou amizade e reconheci­mento que os anos passados não desva­necem. A influência de Mario marcou também fundo a obra de Guerra-Peixe, embora não ligado pessoalmente ao autor de Macunaíma. Nos quatro músicos, um caminhar inicial análogo na formação musical, passando pela escola pra­tica dos conjuntos populares. O ideal nacionalista, antes mesmo de sua sistematização por Mario, fora posto em pratica por Villa-Lobos com vigor muito major que o de seus predecessores. Bem relacionado, espirito irrequieto, amigo das viagens, voltado para o mundo e para o mercado externo. Villa-Lobos funcionou como grande desbravador, polarizando a celeuma sobre a música brasileira em torno de sou nom. Quan­do aqueles quatro músicos começaram a produzir, encontraram o caminho por assim dizer aberto, e ficaram, de certo modo, com o ônus de serem vistos co­mo continuadores — o que foi recentemente observado por Maria Abreu, em programa de televisão, com relação a Camargo Guarnieri. Todos eles são, porém, personalidades originais, que vi­venciam diferentemente a problemática envolvida pela estética nacionalista através de suas próprias experiências e sensibilidades.
O segundo lado deste disco [faixas 10 a 16] reúne compositores mais recentes, menos ligados a problemática nacionalista. Mau­ro Rocha foi uma esperança: morto no inicio de 1980 em acidente automobilístico, aos 30 anos, destacou-se como violonista e arranjador ligado a música popular, com seu excelente conjunto de choro Galo o Preto. Abandonando a medi­cina para dedicar-se inteiramente a música, estudou com Esther Scliar, e fez cursos com Marlos Nobre, Koellreutter, Widmer, Rufo Herrera. É curioso, con­siderada sua ligacao com música popu­lar, observar que sua biografia não in­dica, a meu conhecimento, nenhum pro­fessor ligado ao nacionalismo. Já Henrique de Curitiba passou do ensino de Bento Mossurunga para o de Koellreut­ter, aperfeiçoando-se depois em Varsóvia, e divide atualmente seu tempo entre a composição e o ensino. Heitor Ali­monda, doze anos mais velho que o precedente, é, sobretudo, o pianista e o didata: boa parte de sua obra resulta de suas preocupações como professor de piano, muito embora ele também crie outras com preocupação apenas artística.
O Trio de Guerra-Peixe é breve, in­cisivo, vivaz em seus movimentos de dança. A maior extensão do terceiro movimento justifica-se polo andamento moderato, lírico e envolvente, onde a vivacidade rítmica continua presente, porém, em particular nos suspiros inter­rompidos do fagote; José Siqueira prefere chamar sua obra de Três invenções — de um espirito diferente daquele do autor das Bachia­nas. As 5 Peças breves de Heitor Ali­monda retomam a clássica independência do texto musical com relação aos instrumentos que o executarão. Outro poderia ser o conjunto, inclusive o trio de cordas; mas as diferenças tímbricas desse trio de sopros ajudam a realçar os movimentos de cada frase musical.
Henrique de Curitiba é mais ambi­cioso — e se me estendo mais sobre sua obra, é em função de observações acrescentadas pelo autor da partitura. Seu Estudo é aberto em vários níveis. Ele quer que os intérpretes abandonem a tradicional posição sentada; com a fina­lidade de “explorar o efeito estereofôni­co que se possa conseguir com ativação variada das três fontes sonoras. A movimentação dos músicos (…) deve pro­porcionar uma nova experiência de comunicação corporal com o público (…) além dos aspectos interpretativos pura­mente musicais”. Na realidade, o disco tem contribuído para acentuar a ideia de “música pura” — e, o que é pior, “sem erros”, pois, em principio, a gravação não toleraria as falhas dificilmente evitáveis em concerto. Mesmo na música para “instrumentistas sentados” e “inteiramente escritas”, é, porem, flagrante a diferença de comunicação dos músicos com o ouvinte, se este está em sua pol­trona tomando seu uísque ou numa sa­la de concertos vivendo com outros ou­vintes as emoções que só o momento de recriação do interprete pode suscitar. Não se pode esperar de um pianista que passeie de um lado para outro com seu Steinway, tocando uma sonata de Beethoven; mas, certamente, as diferentes posições relativas dos executantes, consideradas as acústicas das diferentes salas, podem trazer novas dimensões para a execução ao vivo, em obras que le­vem em conta aqueles fatores.
Henrique de Curitiba solicita também de seus intérpretes “a improvisação livre à maneira da música popular” em alguns dos trechos desse Estudo. E, en­fim, outra observação de grande interes­se: “o compositor experimenta ainda com a grafia musical convencional, ten­tando uma grafia rítmica das figurações musicais da música brasileira, adotando o conceito de tempos de duração desi­gual dentro de um mesmo compasso, evitando assim uma escrita do tipo sin­copado, com metro regular, a qual não traduz bem o balanço da música brasi­leira”. O Pe. Jose Geraldo de Souza já tinha observado, em obra sobre as características de nossa música folclórica, o caráter bem mais fluido do sincopado popular que o que pode ser dado pela “sincope característica” sistematizada, um tanto abusivamente, pela forma: semicolcheia, colcheia, semicolcheia; colcheia, colcheia; é de se salientar que nesse erro, não incidiram nossos melho­res autores, que buscaram outras for­mas de grafar a sincopado popular.
As diferenças que marcam os qua­tro trios encontram-se, também, em pelo menos duas das obras solistas. Mignone passeia livremente, liricamen­te, em sua valsa sem caráter, pelo espaço melódico do fagote. O caráter geral descendente da melodia mantem-se nas três partes dessa obra, a última das quais abre-se para um esplendoroso modo maior, bem dentro da tradição, e acaba com um irônico abaixamento de tom na repetição de um motivo. Já Camargo Guarnieri tem uma preocupação ascen­dente, tensionante, como se quisesse romper com os limites sonoros da flau­ta, fazendo-nos ouvir notas além, mais para o agudo, daquelas que o instrumen­to pode dar. O espaço sonoro é aberto, tanto através de grandes saltos, como por meio de sua ampliação sucessiva a partir de um tom, e os momentos de li­rismo ficam, em geral, com os registros médio e grave do instrumento. Em Mau­ro Rocha, está também presente uma certa tensão, obtida, porem, sobretudo pelo uso de material sonoro ainda não assimilado pela audição corrente. (Flavio Silva)

Um disco de música inteligente, difícil, complexa e brasileiríssima. Vale muito a pena conhecer!

Trio Morozowicz, Botelho, Devos
Música de Câmara do Brasil

César Guerra Peixe (1914-1993)
01. Trio nº2 – I. Allegretto (polca)
02. Trio nº2 – II. Allegro Vivace (dança dos caboclinhos)
03. Trio nº2 – III. Moderato (canção)
04. Trio nº2 – IV. Allegro (frevo)
Mozart Camargo Guarnieri (1907-1993)
05. Improviso nº3 para flauta solo
José Siqueira (1907-1985)
06. Três Invenções, para flauta, clarinete e fagote – I. Allegro
07. Três Invenções, para flauta, clarinete e fagote – II. Andante
08. Três Invenções, para flauta, clarinete e fagote – III. Moderato
Francisco Mignone (1897-1986)
09. Macunaíma, valsa sem caráter
Henrique de Curitiba (1934-2008)
10. Estudo Aberto, para flauta clarinete e fagote
Mauro Rocha (1950-1980)
11. Variações para clarinete solo
Heitor Alimonda (1922-2002)
12. Cinco Peças Breves para Três Instrumentos Melódicos – I. Andante Cantabile
13. Cinco Peças Breves para Três Instrumentos Melódicos – II. Allegro molto
14. Cinco Peças Breves para Três Instrumentos Melódicos – III. Andante movido, porém monótono
15. Cinco Peças Breves para Três Instrumentos Melódicos – IV. Molto allegro
16. Cinco Peças Breves para Três Instrumentos Melódicos – V. Lento – Andante

Norton Morozowicz, flauta
José Botelho, clarinete
Noel Devos, fagote
Rio de Janeiro, 1981

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE (136Mb)
…Mas comente… O álbum é tão bom, merece umas palavrinhas…

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Bisnaga

Cristina Ortiz – Oito Compositores Brasileiros [link atualizado 2017]

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Cristina Ortiz é daquelas profissionais tão competentes que o Brasil não conseguiu segurar e manter residindo em terras verde-amarelas… Fato triste, por não a vermos com frequência embelezando nossas vidas cinzentas com suas récitas. Mas há um  alento, um meio-sorriso quando ela desembarca em solo pátrio para nos dar o ar de sua graça e, em se tratando de piano, quanta graça numa só pessoa!

Cristina se lança no piano como se o instrumento fosse uma extensão de seu próprio corpo, característica rara, presente somente nos melhores pianistas. Daquela mocinha simples, que assombrava os ouvintes com sua capacidade, chegou à maturidade, como bem diz a apresentação de seu site:

“Cristina Ortiz é uma artista que evoluiu de menina-prodígio à maturidade, determinada a comunicar ao mundo sua intuição, palette pianística, emoção e sensibilidade“, nos dizeres do jornal vienense ‘Die Presse’. Radicada na Inglaterra há muitos anos, são porém os dotes inerentes à sua cultura brasileira – paixão, espontaneidade e flexibilidade rítmica – os que mais fortemente transparecem em suas interpretações.

Solista com as mais famosas orquestras – Berlim, Chicago, Cleveland, New York, Praga, Viena, Londres – Cristina Ortiz já trabalhou sob a batuta de Ashkenazy, Chailly, Foster, Jansons, Järvi, Kondrashin, Leinsdorf, Masur, Mehta, Previn e Zinman, entre outros. Em tanto que camerista, tem se apresentado ao lado de artistas como Antonio Meneses, Uto Ughi, Emanuel Pahud, Lynn Harrell, ou o Quinteto de Sopro de Praga.

Possuidora de vasto e eclético repertório, quer em concertos ou gravações, seu compromisso com a música brasileira é evidente na aclamada ‘prémière’ do “Chôro” de Guarnieri no Carnegie Hall de New York ou nos 5 Concertos de Villa-Lobos, gravados para Decca. Cristina Ortiz continua sua procura por raridades musicais, através das obras de Clara Schumann, Mompou, Stenhammar, Schulhoff ou dos brasileiros Lorenzo Fernandez e Fructuoso Vianna.” (do site da pianista)

Hoje temos a dádiva de apresentar-vos a jovem Cristina Ortiz, leve e vibrante musicista em seus 26 anos, mandando ver em obras de compositores brasudcas de primeiríssima linha, como Camargo Guarnieri, Francisco Mignone, José Siqueira e Cláudio Santoro, entremeados de outros menos conhecidos, mas cujas obras escolhidas para este álbum não estão de forma alguma em patamar inferior ao dos figurões. São eles Octavio Maul, José Vieira Brandão e Fructuoso Vianna. Repare que Cristina Ortiz foi peituda na produção deste LP e lançou mão de apresentar exclusivamente autores nacionais e contemporâneos: na época da gravação, 1976, apenas Nepomuceno e Maul haviam falecido (o ultimo faziam só 2 anos). Eram músicas novas, compostas com a mesma jovialidade de Cris (já fiquei íntimo…).

Um disco de altíssima categoria. Conheça mais um pouco de Cristina Ortiz e das belas músicas que a brasilidade produziu! Ouça! Ouça!

Cristina Ortiz (1950)
Cristina Ortiz

01. Galhofeira – Alberto Nepomuceno (1864-1920)
02. Prece – Alberto Nepomuceno (1864-1920)
03. Ponteio nº38 – Mozart Camargo Guarnieri (1907-1993)
04. Ponteio nº48 – Mozart Camargo Guarnieri (1907-1993)
05. Ponteio nº49 – Mozart Camargo Guarnieri (1907-1993)
06. Tríptico: Choro – Octavio Maul (1901-1974)
07. Tríptico: Canção – Octavio Maul (1901-1974)
08. Tríptico: Samba – Octavio Maul (1901-1974)
09. Corta-Jaca – Fructuoso Vianna (1896-1976)
10. As Três Irmãs: Beatriz – Fructuoso Vianna (1896-1976)
11. As Três Irmãs: Pérola – Fructuoso Vianna (1896-1976)
12. As Três Irmãs: Rúbia – Fructuoso Vianna (1896-1976)
13. Estudo nº1 – José Vieira Brandão (1911-2002)
14. Congada – Francisco Mignone (1897-1986)
15. Segunda Valsa de Esquina – Francisco Mignone (1897-1986)
16. Cantiga – José Siqueira (1907-1985)
17. Paulistana – Cláudio Santoro (1919-1989)

Cristina Ortiz, piano
1976

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Bisnaga

A Voz de Alice Ribeiro na Canção do Brasil – 2 Volumes [link atualizado 2017]

Alice Ribeiro, Alice Ribeiro…

Ah, Alice Ribeiro! Ela era mesmo daquelas que podemos chamar de diva! Bela e dona de uma linda voz, com técnica e com carisma. E o que mais me agrada é que ela era muito versátil: consegue seguir músicas mais pesadas, mas sua voz se destaca em canções de câmara, mais singelas, pela limpidez do seu timbre e pela clareza da dicção, bem acima dos padrões de uma cantora lírica. As músicas aqui soam quase como se fossem MPB, sendo possível fazer comparações com cantoras de música de rádio de voz aguda como a de Alice: não é difícil aproximá-la a Dalva de Oliveira, por exemplo.

A soprano era dona de uma técnica e de uma pureza na voz impressionantes. Seu casamento com José Siqueira foi uma feliz união de duas pessoas competentíssimas na música e, se por um lado o fato de Siqueira escalá-la costumeiramente para executar suas músicas foi uma forma de proteção a Alice Ribeiro, a perfeição da moça nas interpretações das peças também muito ajudou a divulgar o trabalho do marido. Dupla pra lá de boa essa! Nem vou me alongar muito nos elogios porque eles vão acabar sendo redundantes depois das postagens já realizadas.

<< contracapa do disco autografada por Alice Ribeiro (está no arquivo para download)

No Primeiro Volume de A Voz de Alice Ribeiro na Canção do Brasil, a soprano coloca toda a sua delicadeza novamente em cena para interpretar canções de motivos populares do Brasil, contemplando compositores de várias partes do país, com destaques aqui para os dois autores mais contemplados: José Siqueira, paraibano arretado que vai buscar e defender a música com influência especialmente negra e nordestina, e Waldemar Henrique, este último, grande compositor paraense que se destacou especialmente pelas canções que criou, muitas ligadas ao folclore e à cultura do Amazonas. E as canções de ninar que ela canta, então (Papai Noel, Acalanto e Balança Eu)? Dá para embalar seus filhos ou netos para dormir até hoje.

O volume dois de A Voz de Alice Ribeiro na Canção do Brasil (e que voz!) é mais lento e tem uma característica mais de acalanto que o primeiro. É mais terno, mais intimista, mais maternal até. E segue com canções que estão exatamente no meio-fio entre o erudito (a música de concerto) e o popular: não são poucos os momentos em parece que estamos ouvindo uma daquelas músicas que apareciam nos antigos filmes dos estúdios da Atlântida. Isso se dá pela orquestração simples e pela leveza e clara dicção de Alice Ribeiro. Fica-se a questionar, novamente, se é que existe algo que divida o erudito do popular. As músicas aqui cantadas pela soprano, contemplando compositores cariocas (Lorenzo Fernandez, Roberto Duarte, Ricardo Tacuchian), paraibanos (os irmãos Siqueira) e paraenses (Waldemar Henrique, Jayme Ovalle), mostram exatamente isso, e são de um alto grau de pureza e de ligação com nossas canções.

Bom, chega de lenga-lena, vamos à música! Ouça! Ouça!

Ah, esse volume duplo leva o carimbo de IM-PER-DÍVEL!!!

Alice Ribeiro (1920-1988)
A Voz de Alice Ribeiro na Canção do Brasil – Vol.1

01. A Casinha Paquenina – arr. José Siqueira (1907-1985)
02. Coco Peneruê – Waldemar Henrique (1905-1995)
03. Papai Noel – Francisco Mignone (1897-1986)
04. Natiô – José Siqueira (1907-1985)
05. Engenho Novo – Leopoldo Hekel Tavares (1896-1969)
06. Acalanto – Ernani Braga (1888-1948) (letra Manoel Bandeira, 1886-1968)
07. Azulão – Jayme Ovalle (1884-1955)
08. Querer Bem não é Pecado – Osvaldo de Souza, Ricardo Tacuchian (1939)
09. Balança Eu – José Siqueira (1907-1985)
10. Nesta Rua – arr. José Siqueira (1907-1985)
11. Boi-bumbá – Waldemar Henrique (1905-1995)
12. Virgens Mortas – Francisco Braga (1868-1945)

Alice ribeiro, soprano
(sem informação da orquestra)
José Siqueira, regente
Rio de Janeiro, 1968

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE (84Mb)

Alice Ribeiro (1920-1988)
A Voz de Alice Ribeiro na Canção do Brasil – Vol.2

01. Toada Baré – Arnaldo Rebello (1905-1984), arr. Roberto Ricardo Duarte (1941)
02. Foi Numa Noite Calmosa – José Siqueira (1907-1985)
03. Maracatu – Waldemar Henrique (1905-1995), arr. Roberto Ricardo Duarte (1941)
04. Dorme Coração – Arnaldo Rebello (1905-1984), arr. Roberto Ricardo Duarte (1941)
05. Dentro da Noite – Oscar Lorenzo Fernandez (1897-1948), arr. Roberto Duarte (1941)
06. Você – José Siqueira (1907-1985)
07. Por Quê? – Mozart Camargo Guarnieri (1907-1993), arr. Ricardo Tacuchian (1939)
08. Toada para Você – Oscar Lorenzo Fernandez (1897-1948), arr. Elza Lakschevitz
09. Modinha – Jayme Ovalle (1884-1955), arr. José Siqueira (1907-1985)
10. Banho de Cheiro – Osvaldo de Souza, arr. Odemar Brígido (1941)
11. Tamba Tajá – Waldemar Henrique (1905-1995), arr. Roberto Ricardo Duarte (1941)
12. Cantiga para Ninar – Haroldo Costa (1930), arr. Ricardo Tacuchian (1939)
13. Que Sorte, Que Sina – João Baptista Siqueira (1906-1992)

Alice ribeiro, soprano
(sem informação da orquestra)
José Siqueira, regente
Rio de Janeiro, 1968

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE (191Mb)

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Bisnaga

In memoriam Cussy de Almeida: Orquestra Armorial acompanha Duo Assad (1977)

Duo Assad e Orquestra Armorial http://i27.tinypic.com/b3wmjk.jpgBom, eis o disco sugerido pelo leitor Fausto Silva – que eu nem sabia que havia se tornado raridade. Só espero que não pensem que milagres assim são possíveis sempre: foi uma enorme “gata” que eu tivesse esse disco!

Como nosso maior interesse no momento é o trabalho de Cussy de Almeida à frente da Orquestra Armorial, coloquei no início o concerto do Radamés Gnattali (pronúncia Nhátali, para os mais novos), que no vinil ocupa o Lado B. As demais cinco faixas são apenas a dois violões.

Se me permitem… tenho a sensação de que está aí um disco que tinha tudo para acontecer e não aconteceu. A orquestra está perfeita, limpa… Os irmãos Assad são sempre grandes… e Radamés Gnattali escreve muito bem. Mas parece que faltou um clic para esses três elementos entrarem em sinergia e de fato levantarem o concerto.

Mesmo assim, concordo que não se pode deixar esse disco naufragar no olvido. No mínimo é um documento importante de certas vertentes da produção musical brasileira dos 2.º e 3.º terços do século XX.

Além disso, a gravadora Continental realmente boiou na maionese na hora de nomear: “Latino América para duas guitarras”… Por que guitarras, se o nome brasileiro consagrado dessa variante do instrumento é “violão”? E por que “Latino América”, quando quase 90% do repertório é brasileiro? Por causa das 4 Micro-Peças do cubano Leo Brouwer, que inclusive não puxam nada para o lado nacionalista ou “típico”? E onde fica o italiano Castelnuovo-Tedesco, que ocupa tanto espaço no disco quanto Brouwer?

Bom, hoje eu estou ranzinza mesmo, como vocês devem ter notado… mas de modo nenhum estou sugerindo que não valha a pena baixar e ouvir esse disco! Eu mesmo vejo mais razões para baixar que para não baixar. Ou então não o teria carregado nas 15 mudanças que já fiz desde que o tenho… (se é que não esqueci nenhuma!)
 
 
Sérgio e Odair Assad (violões) – com Moacir Freitas, da OSB (oboé)
e as cordas da Orquestra Armorial, regida por Cussi de Almeida

Edição em vinil: Continental, 1977
Digitalizado por Ranulfus, jul. 2010

Radamés Gnattali (Porto Alegre, 1909 – Rio, 1988):
Concerto para 2 violões, oboé e cordas (dedicado ao Duo Assad)
Gravado ao vivo no Conservatório Pernambucano de Música
01 Allegro moderato
02 Adagio
03 Con spirito

Heitor Villa-Lobos (1887-1959)
04 Alnilan (de “As Três Marias” – transcrição)

Francisco Mignone (1897-1986)
05 Lenda sertaneja (peça dedicada ao Duo Assad)
06 Lundu

Mario Castelnuovo-Tedesco (1895-1968)
07 Siciliana (da Sonatina Canônica para dois violões)

Leo Brouwer (*1939)
08 Cuatro Micro-Piezas

. . . . . BAIXE AQUI – download here (Megaupload)

Ranulfus

Quintetos de sopro brasileiros (1926-1974) – Quinteto Villa-Lobos

Em razão da postagem com obras para sopros solistas de Mozart, me lembrei deste CD duplo do Quinteto Villa-Lobos que estava aqui guardado, esperando para ser postado. Ainda não estou de volta à ativa – vou demorar mais alguns meses em banho-maria – mas pude dar conta desta postagem porque não tenho muitas apreciações a fazer sobre o álbum: é uma compilação (a primeira) de obras importantes do ponto de vista histórico para esta formação instrumental, e algumas são muito bem escritas, mas não consigo ver transcendência, ousadia ou empolgação em quase nenhuma delas (a exceção no terceiro quesito ficou por conta do terceiro movimento dos quintetos de Marlos Nobre e Bruno Blauth; já ousadia, só encontrei no quinteto de Lindembergue Cardoso, mas aviso aos ouvidos menos afeitos à música do séc. XX que a obra é dissonante e fragmentária de cabo a rabo). Espero que vocês possam apreciá-las de alguma forma.

***

Quintetos de sopro brasileiros (1926-1974) – Quinteto Villa-Lobos

CD1
Oscar Lorenzo Fernandez – Suite para Quinteto de Sopros, Op.37
1. Pastoral. Crepúsculo no Sertão
2. Fuga. Saci Pererê
3. Canção. Canção da Madrugada
4. Scherzo. Alegria da Manhã

Claudio Santoro – Quinteto de Sopros
5. Alegre
6. Lento
7. Vivo

Osvaldo Lacerda – Variações e Fuga
8. 1º versão 1962, 2º versão, revista e reformulada 1994

José Vieira Brandão – Divertimento nº 1 para Quinteto de Sopros
9. Allegro Moderato
10. Andante Sostenuto
11. Allegro com Moto

Marlos Nobre – Quinteto de Sopro, Op.29
12. Lento. Animato
13. Lento
14. Vivo

Ernst Mahle – Quinteto
15. Poco Lento e Rubato-Vivace
16. Andantino “Noturno”
17. Vivo “Rondo”

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CD2
Mozart Camargo Guarnieri
1. Choro nº 3

José Siqueira
2. Brincadeira a Cinco

Francisco Mignone – 1º Quinteto para Sopros
3. Andante Calmo (Misterioso). Allegro. Andante Calmo
4. Scherzo
5. Adagio
6. Finale

Brenno Blauth – Quinteto para Sopros T.18
7. Moderado
8. Lento
9. Movido

Ricardo Tacuchian – Suite Brasileira para Quinteto de Sopros
10. Canto Místico
11. Canto Sentimental
12. Canto Festivo

Sergio Vasconcellos Correia – Dez Cantos Populares Infantis
13. Seu Sabiá, Terezinha de Jesus, A Moda da Carranquinha, Sapo Cururu, O Castelo Pegou Fogo, O Barqueiro, A Ponte do Avião, Cachorrinho, Você Gosta de Mim?, Eu sou Mineiro de Minas

Lindembergue Cardoso
14. Quinteto

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CVL