Sim, cravo e violino. Invertido assim mesmo! As sonatas para teclado e violino representam uma parte menos conhecida da obra de Carl Philipp Emanuel Bach. São executadas com muito menos frequência do que suas obras orquestrais, que os três quartetos que compôs no último ano de sua vida ou as sonatas para flauta, seja com baixo contínuo ou com uma parte teclado obbligato. Seu pai, Johann Sebastian, foi o primeiro compositor alemão a escrever sonatas para cravo e violino (BWV 1014-1019). Seu filho os avaliou muito bem: “Os 6 trios de Clavier … estão entre as melhores obras escritas por meu querido falecido pai. Eles ainda soam muito bem hoje e me dão grande prazer, apesar de terem mais de 50 anos. Há certos Adágios nelas cujas qualidades cantabiles são insuperáveis até hoje”, afirmou ele em uma carta a Johann Nicolaus Forkel em 1774. Parece provável que ele tenha composto suas próprias sonatas pensando no pai. Este disco termina com uma Sonata que por muito tempo foi considerada como sendo de Johann Sebastian. Meus ouvidos dizem que é mesmo! Mas a visão geral é que não seria uma obra de JS, e que provavelmente também não é de CPE Bach. Poderia ser algum aluno de JS. É notável que CPE se referisse às sonatas para teclado e violino de seu pai como ‘trios’. Assim também são chamadas suas próprias sonatas para esta partitura. Isso era bastante comum na época: as duas mãos no teclado eram contadas como duas partes. Lembre-se de que os quartetos a que me referi no parágrafo de abertura foram marcados para três instrumentos. E é incrível que essas excelentes sonatas sejam tocadas tão raramente.
Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788): Sonatas For Cravo e Violino (Loreggian, Guglielmo)
Sonata In D Major, Wq. 71
1 I. Adagio Ma Non Molto 2:50
2 II. Allegro 2:19
3 III. Adagio 2:26
4 IV. Menuet No. 1 – Menuet No. 2 2:54
Sonata In D Major, Wq. 72
5 I. Adagio Ma Non Troppo 2:43
6 II. Allegro 2:01
7 III. Allegro 3:08
Sonata In C Major, Wq. 73
8 I. Allegro Di Molto 3:16
9 II. Andante 3:53
10 III. Allegretto 7:19
Sinfonia In D Major, Wq. 74
11 I. Allegro 4:36
12 II. Andante 2:54
13 III. Tempo Di Minuetto 2:23
Sonata In B Minor, Wq. 76
14 I. Allegro Moderato 7:19
15 II. Poco Andante 4:52
16 III. Allegretto Siciliano 7:47
Sonata In G Minor, H. 542.5
17 I. – 3:43
18 II. Adagio 2:47
19 III. Allegro 5:13
Após o sucesso dos álbuns Giant Steps (1959-60), My Favorite Things (1960-61) e A Love Supreme (1964), John Coltrane era uma celebridade internacional e ele poderia passar muitos anos repetindo a formação de quarteto e lotando show dos dois lados do Atlântico Norte, ganhando prêmios e, claro, dinheiro.
Mas se repetir certamente não era o objetivo de Coltrane. No álbum Meditations, gravado em 1965, temos o quarteto “clássico” dos anos anteriores aumentado para sexteto com o saxofone de Pharoah Sanders e a a percussão de Rashied Ali. Mas na maior parte do tempo o piano e o baixo ficam mais discretos e o foco musical circula entre saxofones e percussão. Há exceções, como o fim de Consequences e o início de Serenity, onde finalmente temos uma participação mais marcante do pianista McCoy Tyner.
Através de sua carreira, a música de Coltrane foi tomando progressivamente uma dimensão espiritual. Ele dizia que, após esse acordar espiritual, “não dá mais para esquecê-lo. Torna-se parte de tudo que você faz. Nesse aspecto, este álbum é uma extensão de A Love Supreme, já que minha concepção dessa força continua mudando. Meu objetivo ao meditar sobre isso pela música, no entanto, continua o mesmo. É colocar as pessoas para cima, o máximo que eu posso. Inspirá-las a realizar mais e mais da sua capacidade de ter vidas cheias de sentido. Porque certamente há sentido na vida.” (John Coltrane no booklet de Meditations)
Por volta de 1957-58 ele havia largado o vício em álcool e heroína, embora essas substâncias sejam a provável causa do câncer de fígado que causaria sua morte aos 40 anos. E a partir desses fins dos anos 50, sua música vai se tornando cada vez mais permeada de religiosidade em um sentido amplo pois, como Coltrane dizia, “Acredito em todas as religiões”.
Rashied Ali (1935-2009) com vergonha de sorrir pra câmera
Ao mesmo tempo a música do Coltrane dos últimos anos vai se tornando mais estranha e inovadora, também, com influências do free jazz de Ornette Coleman e de Eric Dolphy (que tocou com Coltrane por cerca de um ano em 1961-62). Em Meditations, gravado em novembro de 1965, temos dois bateristas – e outra característica da última fase de Coltrane é a presença mais forte da percussão nos arranjos. Dizia ele que sentia necessidade de “mais ritmo ao meu redor. E com mais de um baterista, o ritmo pode ser mais multi-direcional.” Trata-se do último álbum com a presença do grande pianista McCoy Tyner, que por tantos anos fez a cama sonora para Coltrane brilhar. Justamente esse chão harmônico de Tyner não era mais o que Coltrane buscava a partir de meados de 1965, e o oposto também é verdadeiro: Tyner parecia um pouco sufocado pelas percussões intensas e, em muitos momentos de Meditations, sua participação é discreta, apesar de dois belos solos, sobretudo o do final de Consequences. Poucos meses depois, Tyner sairia do grupo (“I didn’t see myself making any contribution to that music… I didn’t have any feeling for the music, and when I don’t have feelings, I don’t play”), após mais de cinco anos juntos. Entraria no seu lugar Alice Coltrane, que já era uma pianista de longa carreira antes de adquirir esse sobrenome de casada. Com um estilo mais baseado em notas soltas e menos em acordes, ela se encaixaria bem nessa última fase da banda. Depois da morte de John, Alice gravaria alguns álbuns com Pharoah no sax, Garrison no baixo e/ou Rashied na bateria.
Enquanto o pianista Tyner estava perto de sair, o saxofonista Pharoah Sanders era um recém-chegado. O álbum utiliza bem a tecnologia stero, ainda recente à época, apenas por volta de 1958 surgem no mercado vitrolas capazes de reproduzir em dois canais separados, enquanto as transmissões de rádio FM em stereo se iniciaram em 1960. Sanders toca no canal direito, Coltrane no canel esquerdo (com fone de ouvido isso fica mais evidente… e os dois bateristas também estão um de cada lado!) Quando fazia uma dobradinha de saxofonistas com Cannonball Adderley (fim dos anos 50) ou com Eric Dolphy (início dos anos 60), Coltrane e seu colega frequentemente tocavam instrumentos de tamanho e alcance diferente: um no sax tenor e um no sax alto ou soprano, ou ainda no clarinete baixo. Aqui nessa fase final da carreira de Coltrane, que infelizmente durou apenas dois anos até sua morte precoce, Pharoah Sanders – que estava vivo e tocando fantasticamente até 2022 – toca um sax tenor igual ao de Coltrane, mas cada um com um timbre diferente, ao mesmo tempo em que um influencia o outro: muitos momentos de sopro intenso, forte e dando a impressão de estar forçando o instrumento para além do seu limite sonoro nos agudos…
Mas como Coltrane diz na entrevista que aparece no encarte de Meditations, não se chega nunca nesse limite:
“Nunca existe um fim”, Coltrane disse ao concluir nossa conversa sobre este álbum. “Sempre existem novos sons para se imaginar, novos sentimentos para se alcançar. E sempre há a necessidade de seguir purificando esses sentimentos e sons para vermos o que nós descobrimos no seu estado mais puro. Então podemos ver mais e mais claramente o que nós somos. Dessa forma, podemos chegar à essência, ao melhor do que somos. Mas para isso, a cada momento, temos que estar sempre limpando o espelho.”
Entenderam? Mais ou menos, né? Se fosse fácil de entender, não teria tanta graça…
John Coltrane: Meditations
1. The Father and the Son and the Holy Ghost
2. Compassion
3. Love
4. Consequences
5. Serenity
Personnel
John Coltrane – tenor saxophone, percussion (left channel)
Pharoah Sanders – tenor saxophone, tambourine, bells (right channel)
McCoy Tyner – piano
Jimmy Garrison – bass
Elvin Jones – drums (right channel)
Rashied Ali – drums (left channel)
Released: August 1966
Recorded: November 23, 1965, Van Gelder Studio, New Jersey
All tracks written by John Coltrane
Ela nasceu Eleanora Fagan, em 1915. Tornou-se Billie Holiday, cantora inovadora e precoce. Viveu num período difícil de ser mulher negra americana e teve uma vida cheia de relacionamentos complicados, com pessoas e substâncias. Ganhou de seu amigo e parceiro musical Lester Young o (lindo) apelido Lady Day. É uma das cantoras americanas mais incônicas e ao ouvir sua voz você entenderá a razão. Seu legado é apaixonante.
Suas principais inspirações, segundo ela mesma, foram Louis Armstrong e Bessie Smith, que ela conheceu ouvindo seus discos nos lugares onde viveu, trabalhou e começou a cantar. Ela tentava fazer com sua voz aquilo que ouvia Louis fazer com seus solos de trompete e de Bessie admirava a maneira intensa como ela cantava blues e como usava as suas características vocais.
Billie viveu 44 anos, dos quais muitos foram minados pelos seus problemas pessoais, mas seu legado é enorme. Aos 23 anos já havia gravado ou se apresentado com personalidades do jazz tais como Duke Ellington, Count Basie, Lester Young, Teddy Wilson, Benny Carter, Artie Shaw, entre outros.
Lester ‘Prez’ Young
Seu estilo de cantar se concentrava nas palavras, nas letras das canções, sua dicção e a maneira como apresenta a canção são inesquecíveis. Nesta postagem apresentaremos música que ela gravou em dois períodos (principais) de sua carreira. Por sete anos, iniciando em 1935, gravou lindas canções acompanhadas do pianista Teddy Wilson e seus músicos. Entre essas teremos as típicas I’ll Never Be the Same e Mean to Me, gravações onde poderemos ouvir o saxofone de seu amigo Lester Young, que ganhou dela o apelido de President, Prez… O estilo de Lester Young contrastava enormemente dos saxofonistas famosos daquela época, como Coleman Hawkins, por adotar uma maneira mais relaxada de tocar, mais cool, usando sofisticadas harmonias.
Norman Granz, produtor (Verve)
A partir de 1952 Billie Holiday gravou muitas canções para o selo Clef (posteriormente Verve) do produtor Norman Granz, culminando com uma série de seções em agosto de 1956 e janeiro de 1957.
O contraste entre as gravações feitas com Teddy Wilson e as gravações no selo Verve é grande. Muitos preferem as primeiras, onde a voz de Billie está em boa forma e as canções são dançantes e alegres. Nas gravações posteriores, a voz da cantora já apresentava o desgaste resultante de sua vida difícil. Por outro lado, a qualidade das canções escolhidas é espetacular assim como o acompanhamento musical, sem contar a qualidade sonora. Além disso, as interpretações certamente amadureceram com a cantora que ainda contava com perto dos 40 anos.
Ben Webster, sax tenor nas gravações da Verve
Escolhi três discos (CDs) para a postagem. Um disco de banca, da Coleção da Folha de São Paulo, trazendo 10 canções com produção de Norman Granz, gravadas principalmente em 1952, e 3 canções cujos acompanhamentos são de Teddy Wilson, gravadas na década de 1930.
Os outros dois CDs formam o Volume 7 da Billie Holiday Story na Verve. Esse conjunto reúne 26 canções que foram gravadas nas das seções de 1956 e 1957 e foram lançadas em três LPs – Body and Soul (1957), Songs for Distingué Lovers (1958) e All or Nothing at All (1959).
O primeiro CD dá um panorama desses dois períodos e contém algumas pérolas musicais, como Blue Moon, Love for Sale e How Deep is the Ocean? As outras músicas que formam os três LPs lançados entre 1957 e 1959 são verdadeiras joias musicais e formam um conjunto de canções americanas praticamente insuperáveis. Todos os monstros sagrados da música americana as gravaram e vários deles se declararam influenciados pelas interpretações de Billie Holiday. Você encontrará essas músicas associadas a nomes como Frank Sinatra e Ella Fitzgerald, entre outros. Os músicos que a acompanharam nestas gravações eram os melhores e todos se conheciam muito bem. No libreto descobrimos que essas gravações pareciam ser apenas ‘one more for the road’ – apenas uma saideira, até a próxima seção, mas tornaram-se muito especiais. Nestas canções, a cantora deu uma dimensão a mais, devido às suas experiências pessoais e com a música. Como disse Miles Davis: ‘Sometimes you can sing a song words every night for years, and all of a sudden it dawns on you what the song means’ (Você pode cantar as palavras de uma canção por anos a fio, e assim como que de repente, o significado da canção se revela para você). Ele certamente disse com bastante mais poesia…
Se você não conhece a língua inglesa, mas tem alguma curiosidade, vale a pena penetrar em algumas dessas canções. Eu sou fascinado por elas e acho que merecem nossa atenção por si só, mas a interpretação da Billie joga ainda mais beleza sobre elas.
Os compositores e letristas desse conjunto de canções formam um grupo formidável, como os irmãos Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter, Kurt Weil e Duke Ellington, alguns dos mais conhecidos. Muitas delas foram escritas para musicais da Broadway e algumas foram cantadas pela primeira vez por Bing Crosby, no palco e nos filmes. As letras são a um tempo imaginativas e cativantes. Uma boa maneira de penetrar na língua inglesa, pelo menos como é falada na terra do Tio Sam.Se você tiver pouco tempo para essa coisa das letras, escolha algumas poucas e faça uma tentativa. As recompensas podem ser enormes. Veja, por exemplo, Let’s Call The Whole Thing Off, de George e Ira Gershwin. A canção é uma enorme brincadeira sobre as diferentes maneiras de pronunciar as palavras, dependendo do sotaque: you say ‘ider’ and I say ‘aider’, you say ‘nither’ and say ‘naither’… Adorable! Essa canção também faz parte do repertório de Ella Fitzgerald e Louis Armstrong, jogando um para o outro…
Outra letra adorável é Comes Love, de Lew Brown. Diante de qualquer eventualidade, mesmo uma dor de dente, você já sabe o que fazer… mas quando é amor, nothing can be done! Nada se pode fazer. Ah, e a música! Solos de guitarra, de sax, intermediados com as letras. Você precisa ouvir muitas vezes.
Há canções que contam uma pequena história, ou narram uma cena, coisa de crônica. Veja, por exemplo, A Foggy Day, ainda dos irmãos Gershwin. Em poucas palavras descobrimos que a americana está em um nublado dia em Londres, se arrastando pelo Museu Britânico, mas o dia se torna ensolarado (metaforicamente, dã…) com a presença de ‘alguém’… E lá está, de novo, a música do pequeno enorme conjunto musical. Outra pequena crônica está em One For My Baby (And One More for the Road). O pobre garçom do bar tem que ouvir mais uma história…
Aqui LD ao lado de Jimmy Rowles, o pianista das gravações para a Verve
Todas as letras dessas canções estão ao alcance de seus dedos, na internet, e se você se der ao trabalho, dobrará ainda mais o prazer de ouvir a maravilhosa Lady Day, acompanhada por Ben Webster, ora por Lester Young ou Oscar Peterson e tantos outros.
Moonlight in Vermont e Stars Fell on Alabama são também inesquecíveis. Na verdade, não se pode deixar qualquer uma de fora.
Solitude (Coleção Folha de S.Paulo)
Solitude (Ellington/Mills/De Lange)
Blue Moon (Rodgers/Hart)
East of the Sun (Bowman/Brooks)
These Foolish Things (Link/Marvell/Strachey)
Tenderly (Gross/Lawrence)
Autumn in New York (Vernon Duke)
Love for Sale (Cole Porter)
Stormy Weather (Arlen/Koehler)
Yesterdays (Kern/Harbach)
How Deep Is the Ocean? (Irving Berlin)
I’ll Never Be the Same (Kahn/Malneck/Signorelli)
Mean to Me (Turk/Ahlert)
Miss Brown to You (Rainger/Robin/Whiting)
Billie Holiday, vocals
Faixas 1 a 6: Charlie Shavers (trompete); Flip Phillips (sax tenor); Oscar Peterson (piano); Barney Kessel (guitarra); Ray Brown (baixo); Alvin Stoller (bateria); Norman Granz (1952)
Faixa 7: Oscar Peterson (piano); Norman Granz (1952)
Faixas 8 e 9: Joe Newman (trompete); Paul Quinichette (sax tenor); Oscar Peterson (piano e órgão); Freddie Green (guitarra); Ray Brown (baixo); Gus Johnson (bateria); Norman Granz (1952)
Faixa 10: Charlie Shavers (trompete); Oscar Peterson (piano), Herb Ellis (guitarra); Ray Brown (baixo); Ed Shaughnessy (bateria). Norman Granz (1954)
Faixas 11 a 13: Teddy Wilson (piano); Buck Clayton (trompete, 11 e 12); Roy Eldridge (trompete, 13); Buster Bailey (clarinete, 11 e 12); Benny Goodman (clarinete, 13); Lester Young (sax tenor, 11 e 12); Ben Webster (sax tenor, 13); Freddie Green (guitarra, 11); Allan Reuss (guitarra, 12); John Trueheart (guitarra, 13); Walter Page (baixo, 11); Artie Bernstein (baixo, 12); John Kirby (baixo, 13); Jo Jone (bateria, 11); Cozy Cole (bateria, 12 e 13) – (1937, 11 e 12; 1935, 13)
Sem dúvida, as duas obras mais interessantes deste LP/CD são Contrastes, de Béla Bartók e o Trio de Khachaturian. A extraordinária Contrastes é uma composição de 1938 baseada em melodias de dança húngaras e romenas. Bartók escreveu a obra em resposta a uma encomenda do clarinetista Benny Goodman. Na época, o compositor já residia nos EUA, fugido do nazismo. Aram Khachaturian é geralmente celebrado como o principal compositor armênio do século XX, fazendo a junção da música clássica européia com elementos marcantes da música folclórica de seu país. Excelente maestro e professor, Khachaturian é lembrado hoje principalmente por sua música orquestral que compreende sinfonias, concertos, música para balé e filmes. Ele nasceu e foi criado em Tbilisi, Geórgia (então parte do império russo). Aos dezessete anos mudou-se para Moscou para buscar uma educação superior, primeiro em biologia, depois em performance de violoncelo e finalmente composição. Após anos de estudo e prática, Khachaturian alcançaria uma reputação internacional atraindo elogios de Prokofiev e Shostakovich, que, como o próprio Khachturian, ganhou prêmios e censuras fulminantes do estado soviético. Embora tenha escrito pouca música de câmara, em 1932 Khachaturian compôs um maravilhoso trio em três movimentos para clarinete, violino e piano. Este é magistral e único, uma mostra perfeita da mistura de elementos folclóricos clássicos e exóticos de Khachaturian, particularmente enfatizados pela instrumentação colorida. O primeiro movimento cujo título é Andante con dolore, con molto espressione, imediatamente evoca um novo mundo sonoro. Aqui e ao longo do trio, você ouve melodias ondulantes que evocam cantos emotivos e improvisados. O segundo movimento celebra a dança. O final mais moderado é um tema e variações baseadas em uma melodia folclórica uzbeque.
Bartók: Contrastes / Milhaud: Suíte para Violino, Clarinete & Piano / Khachaturian: Trio para Clarinete, Violino, & Piano / Prokofiev: Overture On Hebrew Themes para Clarinete, 2 Violinos, Viola, Cello & Piano (de Peyer, Hurwitz*, Crowson, Members Of The Melos Ensemble Of London)
Contrasts, For Violin, Clarinet & Piano
Composed By – Bartók
1st Movement: Verbunkos (Recruiting Dance) – Moderato, Ben Ritmato
2nd Movement: Pihenö (Relaxation) – Lento
3rd Movement: Sebes (Fast Dance) – Allegro Vivace
Suite For Violin, Clarinet & Piano
Composed By – Milhaud
1st Movement: Ouverture
2nd Movement: Divertissement
3rd Movement: Jeu
4th Movement: Introduction Et Final
Trio For Clarinet, Violin & Piano
Composed By – Khachaturian
1st Movement: Andante Con Dolore, Con Molto Espressione
2nd Movement: Allegro
3rd Movement: Moderato
Overture On Hebrew Themes, Op. 34 For Clarintet, 2 Violins, Viola, ‘Cello & Piano
Composed By – Prokofiev
Cello – Terence Weil
Clarinet – Gervase de Peyer
Ensemble – Members Of The Melos Ensemble Of London
Piano – Lamar Crowson
Viola – Cecil Aronowitz
Violin – Emanuel Hurwitz, Ivor McMahon
O instrumento mais próximo do meu coração é o piano, por mais que dezenas de outros disputem minha preferência: flauta, reco-reco, cuíca, órgão, sintetizador… Não tem jeito, desde bebê gorducho tenho fotos em um velho e desafinado piano de armário da família, não um Pleyel francês mas um Bentley inglês. Não me considero um pianista, mas uns dias atrás me sentei em frente a um Essenfelder em um bar praiano e, após algumas cervejas, acompanhei o amigo que tocava violão, tudo no improviso, apenas dando uma olhada nos acordes que ele tocava… posso dizer que não fiz muito feio, até porque a maresia tinha comido várias notas médias então tive uma boa desculpa para me concentrar em terças agudas fortes e extremos graves suaves… E os amigos alcoolizados foram pouco exigentes.
E nesses dias quentes, meu coração tem batido novamente por John Coltrane, mais especificamente pela sua íntima relação com o pianista McCoy Tyner, que tocou com ele de 1960 a 65. Quando Tyner não estava disponível, Coltrane tocava sem piano, com a exceção de uma gravação com Duke Ellington, um ídolo bem mais velho para quem não seria possível dizer não…
McCoy Tyner tinha 22 anos quando começou a tocar no quarteto de Coltrane, mas já estava pronto musicalmente, com todas as suas características: um toque percussivo, agressivo quando necessário, mas harmonicamente muito elegante, preciso, ao contrário da suavidade de um Bill Evans ou da agressividade de um Thelonious Monk, que se dava tanto em termos de peso nas mãos quanto de harmonias (intencionalmente?) caóticas – um crítico chamou Monk de “elephant on the keyboard”! Tyner era agressivo no toque, na dinâmica, dançante e negro nos ritmos (negro demais no coração, diria o Vinícius de Moraes), e ao mesmo tempo com harmonias e arpejos que daria pra confundir com um Chopin.
Outra característica de Tyner é sua facilidade com melodias cantáveis de standards como, nesse ao vivo na Áustria, Autumn Leaves (que Nat King Cole e vários outros gravaram) e Ev’ry Time We Say Goodbye (canção de Cole Porter). Essas duas canções têm melodias tão notáveis que Coltrane e Tyner nem precisam se esforçar tanto, é só seguirem a linha melódica e harmônica, é bola pronta pra chutar pro gol. Esse tipo de invenção jazzística mais contida sobre melodias notáveis ocupa todo o álbum Ballads, gravado em estúdio nos EUA apenas uma semana antes da turnê europeia que rendeu estes registros ao vivo, embora nenhum tema de Ballads apareça aqui.
Já em Bye-Bye Blackbird e My Favorite Things, melodias mais simples e banais, o quarteto faz um jazz bem mais modal, no qual a melodia original é apenas um pretexto inicial para invenções ao sabor do momento. Também é tipicamente modal a composição Impressions, do próprio John Coltrane, e que aparece no concerto na Áustria em um andamento mais lento e relaxado do que na gravação (também ao vivo) de 1961 no álbum de mesmo nome. Irmã de So What, do disco Kind of Blue no qual Coltrane também tocou, Impressions tem a mesma sequência de modos da composição de Miles Davis, que vão se repetindo tendo sempre o piano de Tyner como a cama, o chão.
O outro álbum que trago hoje, gravado na Suécia no mesmo mês de 1962, não tem o show inteiro, apenas dois destaques longos e cheios de improvisos: o standard Bye Bye Blackbird (de novo) e a autoral Traneing in. Lançado em 1981, este álbum ao vivo deu a Coltrane um Grammy póstumo de melhor performance de jazz instrumental.
John Coltrane Quartet: Konserthuset Stockholm, Sweden, 19 November 1962
1 Bye Bye Blackbird
2 Traneing In
John Coltrane logo após descer do avião (aeroporto de Schiphol-Amsterdam)
John Coltrane Quartet: Grosser Stefanien-Saal, Graz, Austria, 28 November 1962
1 Bye Bye Blackbird
2 The Inchworm
3 Autumn Leaves
4 Every Time We Say Goodbye
5 Mr. P.C.
6 I Want to Talk About You
7 Impressions
8 My Favorite Things
John Coltrane – tenor and soprano saxophones
McCoy Tyner – piano
Jimmy Garrison – double bass
Elvin Jones – drums
Um outro detalhe curioso: o quarteto de Coltrane podia brilhar tanto em grandes salas de concerto na Europa com cerca de 2 mil assentos (além dessas de Graz e Estocolmo, o Concertgebouw de Amsterdam e o Olympia de Paris), como também em inferninhos americanos. De forma geral, as grandes salas de concerto nos EUA pareciam menos abertas ao jazz: talvez a única aparição de Coltrane no Carnegie Hall tenha sido em um enorme evento beneficente em 1957 que incluía o saxofonista na banda de Thelonius Monk além de Billie Holiday, etc. Na Filadélfia, terra natal de Coltrane e Tyner, não sei se eles tocaram nas salas onde se apresentava na época a grande orquestra local com Eugene Ormandy, mas sei que em 1963 o quarteto de Coltrane se apresentou algumas vezes no Showboat, localizado no porão de um hotel, com capacidade para 200 pessoas bem apertadas, que pediam drinks aos garçons e certamente fumavam enquanto os músicos tocavam. Longe de mim dizer que esse espaço esfumaçado convenha menos ao jazz do quarteto de Coltrane do que a arquitetura e acústica refinada das salas europeias. Coltrane, Tyner, Garrison e Jones transitavam por esses dois ambientes e isso faz parte da sua grandeza.
A grandiosa sala de concertos em Graz data de 1885, lembra o Concertgebouw de Amsterdam, construído na mesma década
John Coltrane’s music is a cry, revolting against the coldness of our world […] Moreover he seems to be the only one who is able to present ballads with the emotional depth of a Hawkins, Webster or Elridge. His playing is characterized by straightforward, harmonically traditional themes that are the basis for ranging note cascades. (Review of a concert in Vienna Konzerthaus, Austria, 1962-11-27, by Willie Gschwedner)
Um bom disco de obras do filho predileto de Johann Sebastian com a extraordinária Akademie für Alte Musik Berlin. São Sinfonias e um belo concerto para cravo. Já falamos bastante de WF que, com suas reviravoltas cativantes e inesperadas, criam uma linguagem musical expressiva e única, mas aqui vai um pouco mais. Após sua morte, Wilhelm Friedemann Bach sofreu com a visão unilateral que muitos de seus contemporâneos tiveram dele em seus anos finais. O romance de Albert Emil Brachvogel, Wilhelm Friedemann Bach, insinuou que ele não era nada estranho à beligerância ou à embriaguez. Mas neste CD ele não briga nem se embriaga. Dá para ouvir sem medo. Nossa, a Sinfonia que fecha este CD (faixa 11 em diante) é uma obra-prima.
Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784): Sinfonias / Concerto para Clavecin (Akademie Für Alte Musik Berlin, Alpermann)
Sinfonie D-dur Fk 64 (8:51)
1 Allegro E Maestoso 3:10
2 Andante 2:39
3 vivace 3:01
Sinfonie F-dur Fk67 (15:18)
11 vivace 3:48
12 Andante 5:03
13 Alegro 3:39
14 Menuetto I e II 2:48
Fagote – Christian Beuse
Violoncelo – Antje Geusen , Jan Freiheit
Concertino – Stephan Mai
Contrabaixo – Matthias Winkler
Ensemble – Akademie Für Alte Musik Berlin
Flauta – Antje Schurrock , Christoph Huntgeburth
Cravo – Raphael Alpermann
Horn – Christoph Moinian , Oliver Kersken
Oboé – Kristin Linde , Xenia Löffler
Viola – Anja-Regine Graewel , Annette Geiger , Clemens Nußbaumer , Stephan Sieben (2)
Violin – Barbara Paulsen , Birgit Schnurpfeil , Daniel Deuter , Dörte Wetzel , Erik Dorset , Georg Kallweit , Kerstin Erben , Stephan Mai , Uta Peters
Fãs confessos que somos de Angela Hewitt, cada lançamento seu é muito comemorado por nós. E ganhamos de presente neste Natal de 2022 sua incursão nas sonatas para piano de Mozart. Não sei qual a reação dos senhores, mas cada vez que ouço qualquer uma destas sonatas sinto-me de bem com a vida. Essas obras animam e alegram meu coração, e como não se render a elas, mesmo às primeiras, obras juvenis, que já mostram o imenso talento do compositor?
Não sei se já comentei anteriormente com os senhores, mas estas sonatas me foram apresentadas pela primeira vez por Glenn Gould, e confesso que não entendi nada, ainda era jovem, e na verdade não entendi até hoje o que o grande pianista canadense pretendia. Algum tempo depois conheci Ingrid Haebler, pianista austríaca e uma das maiores intérpretes de Mozart, e foi só então que tive a oportunidade de apreciar melhor essas obras e poder imergir neste universo tão amplo, apesar de certos críticos considerarem as sonatas para piano obras menores dentre outras obras de Mozart.
Curiosamente, temos aqui outra canadense explorando este repertório, mas com maestria e respeito, com todo o respeito aos fãs de Gould, aos quais me incluo, mas mais especificamente às suas intervenções bachianas, estas sim geniais. As excentricidades cometidas por ele nestas obras me assustam até hoje. Para quem não sabe do que estou falando, sugiro uma das melhores postagens já feitas no PQPBach, com autoria do nosso querido Vassily Genrikhovich, que traduziu para nossa lingua uma ‘entrevista’ de Gould, onde ele explica as excentricidades citadas. E obviamente, nos traz as nefastas gravações.
Segundo Hewitt, que por sua vez cita Köchel, o responsável pela catalogação das obras de Mozart, estas sete primeiras sonatas foram datadas em 1778, então temos aqui um jovem de 22 anos de idade explorando todas as possibilidades do pianoforte, instrumento novo que ainda tentava se impor nas salas de concerto.
Neste CD duplo, Angela nos traz estas sete primeiras sonatas, e nos promete mais dois volumes, ambos cds duplos, onde pretende nos trazer a integral dessas obras. Esperamos ansiosamente. Enquanto isso, vamos degustando estas delícias aos poucos, como se estivessemos degustando um bom vinho.
Então vamos ao que viemos.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791): Sonatas para Piano de 1 a 7 (Angela Hewitt)
01. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in C major, K279 – 1: Allegro
02. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in C major, K279 – 2: Andante
03. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in C major, K279 – 3: Allegro
04. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in F major, K280 – 1: Allegro assai
05. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in F major, K280 – 2: Adagio
06. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in F major, K280 – 3: Presto
07. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in B flat major, K281 – 1: Allegro
08. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in B flat major, K281 – 2: Andante amoroso
09. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in B flat major, K281 – 3: Rondeau: Allegro
10. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in E flat major, K282 – 1: Adagio
11. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in E flat major, K282 – 2: Menuetto I & II
12. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in E flat major, K282 – 3: Allegro
13. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in G major, K283 – 1: Allegro
14. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in G major, K283 – 2: Andante
15. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in G major, K283 – 3: Presto
16. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 1: Allegro
17. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 2: Rondeau en polonaise: Andante
18. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 3: Tema: Andante –
19. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 4: Variation 1 –
20. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 5: Variation 2 –
21. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 6: Variation 3 –
22. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 7: Variation 4
23. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 8: Variation 5 –
24. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 9: Variation 6
25. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 10: Variation 7: Minore
26. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 11: Variation 8: Maggiore –
27. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 12: Variation 9 –
28. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 13: Variation 10
29. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 14: Variation 11: Adagio cantabile
30. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in D major, K284 – 15: Variation 12: Allegro
31. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in C major, K309 – 1: Allegro con spirito
32. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in C major, K309 – 2: Andante un poco adagio
33. Angela Hewitt – Mozart: Piano Sonata in C major, K309 – 3: Rondo: Allegretto grazioso
A primeira vez em que ouvi esta versão de “Be-Bop” foi em uma coletânea, um LP duplo, e fiquei impressionado. E não poderia deixar de ficar, afinal foi esta lendária música que nomeou o ritmo de jazz que se tornaria famoso no mundo inteiro, e que revelou gente com Dizzie Gillespie, Charlie Parker, Miles Davis, Coltrane entre tantos outros. E o que Coltrane e Jackson fazem aqui é de arrepiar.
Milton Jackson e John Coltrane são duas lendas no mundo do jazz, disso ninguém em sã consciência duvida. E o resultado da parceria desta dupla só poderia ser esse disco, “Bags & Trane”, fácil, fácil, classificável como um dos melhores discos de jazz gravados na história da indústria fonográfica. Ele é tão perfeito que fica difícil qualquer comentário, a única coisa que posso dizer aos senhores é para ouvir e ouvir e ouvir, e não esqueçam de ouvir inteiro, novamente, para preencherem seus cérebros com o que de melhor produziram dois dos maiores gênios da música do século XX. Lhes garanto que após sua audição irão enxergar o mundo com outros olhos, e um sorriso lhes vai brotar nos lábios quando lembrarem que quando chegarem em casa, este disco vai estar lhes esperando para ser ouvido, novamente.
Milt Jackson & John Coltrane – Bags & Trane
1 Stairway to the Stars (Matty Malneck, Mitchell Parish, Frank Signorelli)
2 The Late Late Blues (Milt Jackson)
3 Bags & Trane (Milt Jackson)
4 Three Little Words (Harry Ruby)
5 The Night We Called It a Day (Matt Dennis, Tom Adair)
6 Be-Bop (Dizzy Gillespie)
7 Blues Legacy (Milt Jackson)
8 Centerpiece” (Sweets Edison, Bill Tennyson)
Milt Jackson (vibraphone)
John Coltrane (tenor saxophone)
Hank Jones (piano)
Paul Chambers (bass)
Connie Kay (drums)
Recorded: January 15, 1959 – Atlantic Studios, New York City
Released: July 1961
Um disco alegre e muito bem interpretado por Thea King e orquestra. O som alegre do clarinete presta-se não apenas a Poulenc… Gostei demais das peças de Lutoslawski e de Seiber! Nos anos imediatamente após o fim da Segunda Guerra Mundial, os músicos e cineastas da Polônia floresceram repentinamente. Foi um notável ressurgimento, mas o regime comunista exigia uma música que fosse ‘acessível’ e folclórica. Witold Lutoslawski cumpria os requisitos sem comprometer muito seus princípios. Os Prelúdios de Dança são um produto desse período difícil e continuam sendo uma de suas obras mais populares. Mátyás Seiber foi um compositor que buscou refúgio na Grã-Bretanha durante tirania nazista. Seiber, aluno de Kodály em Budapeste, trouxe consigo sua herança húngara e o amor pelo jazz, bem como o conhecimento da música de seus contemporâneos mais ilustres, Bartók e Hindemith. Todas essas influências eventualmente se destilaram em um estilo pessoal cujo desenvolvimento foi cruelmente interrompido em 24 de setembro de 1960 por um acidente de carro fatal no Parque Nacional Kruger durante uma visita à África do Sul. Howard Blake nasceu em Londres em 1938. Aos dezoito anos ganhou uma bolsa de estudos para a Royal Academy of Music em Londres, onde estudou piano com Harold Craxton e composição com Howard Ferguson. Então, durante os dez anos seguintes, ele provou ser um músico versátil, trabalhando em Londres como pianista, regente e orquestrador, mas especialmente como compositor. Em 1971 ele deixou Londres para viver em Sussex, onde começou a forjar um estilo pessoal de composição – rítmico, contrapontístico e, acima de tudo, melódico.
Witold Lutoslawski / Matyas Seiber / Howard Blake: Concertos para Clarinete (King)
Howard Blake Clarinet Concerto
B1 – Invocation: Recitativo – Moderato, Molto Deciso 7:51
B2 – Ceremony: Recitativo – Lento Serioso 7:12
B3 – Round Dance: Vivace 6:28
Clarinet – Thea King
Composed By – Howard Blake (faixas: B1 to B3), Matyás Seiber (faixas: A6 to A10), Witold Lutoslawski (faixas: A1 to A5)
Conductor – Andrew Litton (faixas: A1 to A10), Howard Blake (faixas: B1 to B3)
Leader – José-Luis Garcia
Orchestra – English Chamber Orchestra
Belíssimo CD com os igualmente belíssimos Trios para Piano de Mendelssohn, um CD que estava guardado em um cantinho e reencontrá-lo e ouvi-lo novamente depois de algum tempo foi um prazer único. Quando foi ‘lançado’ Schumann comentou que era o melhor trio lançado em sua época, ao lado de dois outros de Beethoven e um de Schubert. A parte os exageros estilíscos de Schumann, comuns mas geralmente acertados, não há como negar a grandeza das obras. O de op. 49 nos propicia desde os primeiros acordes do violoncelo uma das mais belas páginas da história da música. E Mendelssohn, com estas obras, se estabeleceu em definitivo como o grande compositor que já era. Muitas vezes é difícil entendermos tal riqueza harmônica e contrapontística em uma obra para apenas três instrumentos. Apenas gênios conseguem isso.
Essa primorosa edição foi lançada em 2005, e a qualidade permanece. Sempre é um prazer imenso ouvir Mendelssohn, sua obra tem um quê de melancolia e tristeza juntas e misturadas. Escrevo este texto em um final de tarde de sábado, e entendo que é com chave de ouro que encerro essa semana que tirei de férias, segunda feira volto a rotina estressante, mas feliz.
Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847): Trios Para Piano – The Nash Ensemble
01. Piano Trio No. 1 in D minor, Op. 49 I. Molto allegro ed agitato
02. Piano Trio No. 1 in D minor, Op. 49 II. Andante con moto tranquillo
03. Piano Trio No. 1 in D minor, Op. 49 III. Scherzo. Leggiero e vivace
04. Piano Trio No. 1 in D minor, Op. 49 IV. Allegro assai appassionato
05. Piano Trio No. 2 in C minor, Op. 66 I. Allegro energico e con fuoco
06. Piano Trio No. 2 in C minor, Op. 66 II. Andante espressivo
07. Piano Trio No. 2 in C minor, Op. 66 III. Scherzo. Molto allegro – quasi presto
08. Piano Trio No. 2 in C minor, Op. 66 IV. Finale. Allegro appassionato
09. Variations concertantes, for cello & piano in D major, Op. 17
The Nash Ensemble
Marianne Thorsen – Violin
Paul Watkins – Cello
Ian Brown – Piano
Complementando os 3 discos dos anos 80 postados há uma semana, vão aqui os 5 dos anos 90, que formam um pacote encomendado pelo selo Point Music, de Philip Glass. Mas antes de falar deles quero anotar alguns pensamentos pessoais sobre o trabalho do Uakti em geral.
Antes de mais nada, é provável que haja quem pense que há sons ou efeitos produzidos eletronicamente no trabalho do Uakti – mas é tudo acústico.
Nunca esqueci a primeira vez que ouvi esses sons: foi em 1980-81, no meio de dois anos na Inglaterra. Visitava uma brasileira casada com europeu, personagem típico daquela época pré-internet: acabava de chegar do Brasil trazendo “o último do Chico, o último do Milton, uma cachacinha de Minas, uma goiabada cascão divina…” – e o último do Milton era Sentinela, onde o Uakti gravou pela primeira vez, respondendo pelo arranjo e acompanhamento de “Peixinhos do Mar”. (Isto é: primeira vez em disco, pois um ano antes haviam feito a trilha do filme Cabaré Mineiro).
Hoje é difícil imaginar o impacto inovador que cada disco de Milton Nascimento representou, de 1967 até este ou pouco depois – e a partir deste o que houve de inovação respondeu precisamente pelo nome Uakti. Lembro de ter ficado embasbacado não só pelo som em si, como também pelo fato de o Milton “ter recorrido a um arranjo inteiramente eletrônico” – pois sons assim só saíam do novo instrumento lançado havia 10 anos, o tal do “sintetizador”. Imaginem o tamanho da incredulidade quando me disseram que todo som ali era acústico.
Mas haverá algum valor especial em extrair de instrumentos acústicos sons que já se podiam gerar antes disso por meio eletrônico? Minha impressão é a de que há, sim, um valor especial – mas não me perguntem por quê. Do mesmo modo como se alguém conseguir com as tradicionais tintas a óleo efeitos de cor que pensamos só serem possíveis por computação gráfica. Não sei por quê, mas… vocês também não sentem isso?
Uma segunda coisa que me faz pensar é que o único instrumento “clássico” usado regularmente pelo Uakti é a flauta transversal. Acontece que esse também é o caso no Quinteto Armorial (pois o violino que há aí não é violino, é rabeca) – e em grande medida também nos conjuntos de choro. Será que isso sugere alguma conexão especial entre a flauta transversal e o jeito brasileiro de ser?
Avançando além da instrumentação: a uma audição superficial Uakti pode muitas vezes soar como “new age”, mera ambientação sonora… mas à audição atenta o ouvido experiente percebe claramente que é muito mais. Não é só a dimensão “timbre” que é explorada experimentalmente, são também as escalas, os ritmos, as formas (mesmo se geralmente constituem objetos pequenos, de duração relativamente curta). Isso se dá tanto como experimentação abstrata, cerebral (construções matemáticas) quanto aproveitando sugestões de fontes étnicas – isso porém no nível estrutural das composições, não como os “efeitos característicos” exteriores do século 19 e ainda antes, que geravam uma espécie de música vestida para baile à fantasia…
Há, p.ex., peças construídas sobre um pulso rítmico ao modo de música indígena das Américas. Quem já não tiver dado atenção a esse assunto sequer perceberá: é música universal, e ponto. Mas ao mesmo tempo é desenvolvimento das possibilidades do modo ameríndio de conviver com o som… sem precisar trombetear isso com nenhum cocar na cabeça. (No inesquecível Curso Latino-Americano de Música Contemporânea, em janeiro de 1978, em São João del Rei, fiquei muito impressionado com as pesquisas do compositor argentino Oscar Bazán nesse sentido. Agora me ocorreu: será que o Marco Antônio Guimarães também estava lá?)
Do mesmo modo, no balé I Ching (encomendado pelo Grupo Corpo), o trabalho com os elementos da concepção chinesa clássica do mundo e com as transformações de padrões combinatórios não tem nada de um misticismo nebuloso e sentimental, e sim com exercícios da razão e da observação do próprio mundo material. E o balé seguinte, “21”, explora de modo semelhante o nem sempre delicado mas sempre sutil espírito da arte poética japonesa.
O disco anterior e o posterior a esses dois balés (Mapa e Trilobyte) voltam a transitar entre o experimental e o melódico, este extraído mais uma vez de Milton Nascimento (Dança dos Meninos, Raça, Lágrimas do Sul) mas também de fontes como uma canção grega, e do “trovador renascentista do sertão baiano” Elomar Figueira de Melo, resultando, no meu ver, numa das faixas mais pungentes e hipnotizantes de toda essa discografia, Arrumação (faixa 5 de Trilobyte) – na qual o ouvido atento perceberá torrentes ao modo do jeu perlé (“toque perolado”) do piano do século 19 ambientando de modo insólito a regularidade sóbria dos versos madrigalescos.
O último dos 5 discos encomendados por Philip Glass terminou sendo preenchido com música do próprio, a qual foi também uma encomenda, desta vez do Grupo Corpo, para mais um balé. Já disse aqui que (assim como ao mestre PQP) de modo geral a música de Philip Glass me parece exasperantemente pretensiosa ao mesmo tempo que rala – mas aqui, com a instrumentação de Marco Antônio Araújo, confesso que acabei gostando bastante deste Águas da Amazônia (que vem com uma recriação de Metamorphosis I como bônus).
De que discos gosto mais? Acho que, no conjunto, do sétimo (Trilobyte, de 1996) e do terceiro (Tudo e Todas as Coisas, de 1984) –
… e aproveito para dizer aqui o que não gostei no trabalho deles: as elaborações em cima de standards de Bach e de “clássicos” diversos; não senti que o encontro enriqueceu nenhuma das partes, antes pelo contrário. Com isso, apesar de ainda me faltar ouvir um dos discos dos anos 00, aviso que prefiro parar com o que ainda me entusiasma, e deixar minhas postagens do Uakti só por estes oito álbuns já postados.
MAPA – 1992
(o nome homenageia o músico Marco Antônio Pena Araújo, falecido na época)
1 Aluá
(Marco Antônio Guimarães)
2 Dança dos meninos
(Marco Antônio Guimarães, Milton Nascimento)
3 Trilobita
(Artur Ribeiro, Paulo Sergio Santos, Marco Antônio Guimarães)
4 Mapa
(Marco Antônio Guimarães)
5 A lenda
(Marco Antônio Guimarães)
6 Bolero
(Ravel)
I CHING – 1994
Balé comissionado pelo Grupo Corpo
1 Céu
(Marco Antônio Guimarães)
2 Terra
(Marco Antônio Guimarães)
3 Trovão
(Marco Antônio Guimarães)
4 Água
(Marco Antônio Guimarães)
5 Montanha
(Marco Antônio Guimarães)
6 Vento
(Marco Antônio Guimarães)
7 Fogo
(Marco Antônio Guimarães)
8 Lago
(Marco Antônio Guimarães)
9 Dança dos hexagramas
(Marco Antônio Guimarães)
10 Alnitax
(Artur Andrés Ribeiro, Marco Antônio Guimarães)
11 Ponto de mutação
(Artur Andrés Ribeiro, Marco Antônio Guimarães)
“21” – 1996
Balé comissionado pelo Grupo Corpo
(falta determinar autoria das faixas)
1. Abertura
2. Hai Kai I
3. Hai Kai II
4. Hai Kai III
5. Hai Kai IV
6. Hai Kai V
7. Hai Kai VI
8. Hai Kai VII
9. Tema Em Sete
10. Figuras Geométricas
TRILOBYTE – 1995
1 Raça
(Milton Nascimento, Fernando Brant)
2 Lágrima do sul
(Marco Antônio Guimarães)
3 Xenitemeno mu puli [Meu pequeno pássaro em terras estrangeiras]
(Kristos Leonis, Albert Garcia)
4 O segredo das 7 nozes
(Artur Andrés Ribeiro)
5 Arrumação
(Elomar Figueira de Melo)
6 Música para um antigo templo grego
(Artur Andrés Ribeiro)
7 Trilobita II
(Paulo Sergio dos Santos)
8 Trilogia para Krishna:
Krishna I [Santa Afirmação]
(Artur Andrés Ribeiro)
9 Krishna II [Santa Negação]
(Artur Andrés Ribeiro)
10 Krishna III [Santa Reconciliação]
(Artur Andrés Ribeiro)
11 Parque das Emas
(Marco Antônio Guimarães)
12 Haxi
(Marco Antônio Guimarães)
13 Onze
(Marco Antônio Guimarães)
ÁGUAS DA AMAZÔNIA – 1999
Balé comissionado pelo Grupo Corpo
Todas as faixas de Philip Glass,
instrumentadas por Marco Antônio Guimarães
1 Rio Tiquiê
2 Rio Japurá
3 Rio Purus
4 Rio Negro
5 Rio Tapajós
6 Rio Madeira
7 Rio Paru
8 Rio Xingu
9 Rio Amazonas
—
10 Metamorphosis I
Um país que concede carteira de habilitação automobilística a um sujeito como eu, ‘barbeiro de carteirinha’, não pode ser um país sério, embora hoje, nesta data de 2 de janeiro de 2022 d.C., saibamos o quanto podemos ser seríssimos (pelo menos em pouco mais de 50% da população). Permitam-me contar, a propósito da tal credencial, que há alguns anos, quando ainda não aprendêramos a duríssimas penas o quanto poderíamos ser tão sérios, precisei renovar a carteira de motorista. Aproveitando o ensejo de estar num Taxi, indaguei ao chofer como andavam as coisas quanto a ‘renovação de carteira’. Ele me olhou ‘seríssimo’ e de olhos esbugalhados, me falou: “Ah, isso agora é uma DEMOCRACIA!”. Eu jamais cometeria a indelicadeza de rir do meu seríssimo informante e condutor, decerto desabituado a utilizar o termo ‘burocracia’; apenas me veio a ideia de que contaria o ocorrido a alguns colegas do meu círculo musical e eles dariam boas gargalhadas. Hoje, sob o lábaro do nosso gratíssimo momento histórico, me vem a lembrança deste divertido episódio, mais a referência de um ótimo livro de Tom Holland (historiador inglês, não o ator do Homem Aranha mais insosso do cinema). Em seu formidável “Fogo Persa”, Mr. Holland nos traz detalhes sobre a criação da Democracia (por vezes um verdadeiro presente de grego, mas ainda assim a melhor filosofia). Na lente da História os antigos nos sabem a semideuses. O fato é que onde há poder e porfia pelo mesmo, há veneno. Clístenes, filho de dona Agarista de Sicião com o compadre Mégacles, assomou pelos milênios como um dos pais, senão o pai, da chamada Democracia. Clístenes, vendo-se quase que literalmente com a peixeira no pescoço, num momento de sagacidade digna do Odisseu, lançou à multidão a ideia democrática e cativou o público. Angariando, todavia, o ódio dos asseclas com os quais chegara a Atenas aspirando a tirania. Enfim, em nossa História, só foi santo J. S. Bach. Evoco a Democracia nessa postagem, não apenas porque é a palavra do momento e a virtude cívica pela qual devemos primar. Trago o termo também porque não existe gênero musical mais democrático do que o Jazz.
Também não existe gênero musical mais difícil de se classificar, analisar e definir, quanto o Jazz – que um dia foi Jass. Fosse um termo indecoroso referente ao refocilo da carne ou uma referência aos jasmins dos cabelos das ninfas de ébano de New Orleans, este derivado do blues com o ragtime cumpriu uma celeríssima evolução no espaço de poucas décadas, na dinâmica de um século vertiginoso. Fazendo o século XX, como diria Dizzy Gillespie, soar como nenhum outro. No Jazz temos estilos conforme o tempo e lugar, e dentro de cada estilo intérpretes, os quais, cada um em si constitui um universo particularíssimo de manifestação musical. Não há também estilo mais gregário e dúctil, aberto a influências conforme diferentes culturas e veículo de novas expressões – únicas, a cada artista que o cultiva. Para além disso, o Jazz é dificílimo de se conceituar. Existem intérpretes que mal usam o material do blues, elemento considerado fundamental no gênero, embora seu espírito esteja presente. Defender que a preeminência da improvisação define o Jazz é plausível, todavia, a peça Fontainebleau, de Tadd Dameron, é escrita com o rigor de uma fuga barroca, sem espaços para improviso, e é Jazz. Mais inúmeros arranjos de orquestras e big-bands estruturadíssimos, apesar dos momentos de solo. O elemento do swing pode ser apontado como fator determinante para definir o que seria Jazz, porém que swing? New Orleans Style, Be-bop, Hard Bop, Jazz Manouche, Fusion… Louis Armstrong, Django Reinhardt, Basie, Ellington, Moacir Santos, Hermeto Pascoal… Impossível capturar uma definição precisa. Convenhamos, nada menos aplicável a uma arte do que um dogma. Assim sendo, melhor seguir o conselho do meu tio Wilde e aproveitar a rosa, ao invés de ficarmos analisando suas raízes num microscópio.
O mais puro exercício de democracia em música acontece numa Jam Session, onde cada um tem a sua vez na construção musical. Mesmo que parte da chamada cozinha, bass e drums, não se pronunciem em solo em todas as faixas, haverá sempre seus momentos, o que os ressalta de forma especialíssima. Não há ostracismo na Jam Session. Os longos movimentos em Tacet, onde o pobre tocador de pratos numa certa sinfonia de Tschaikovsky fica de castigo até o último momento. O chorus (o bloco harmônico a ser utilizado ao longo de certo número de compassos) é dividido em número pré estabelecido entre os solistas, e a ordem de atuação deve ser respeitada. Cada nota é um voto pela construção da obra total e, grande lição, pelo bem comum. Não há partidos numa Jam Session. E o único roubo se dá quando um solista aproveita e desenvolve uma ideia tocada pelo outro ao final do seu solo. Na verdade, uma reciclagem motívica.
Esta postagem traz dois tesouros da Pablo Records, que tantas maravilhas jazzísticas nos legou, envoltas em suas características e belas capas em preto e branco: Basie Jam 2 e 3 de 1976. Escolhi estes e não o Basie Jam 1, de 1973 (que poderá vir futuramente) porque ambos, 2 e 3, trazem o mesmíssimo grupo em ação e foram gravados em sequência. Temos aqui um brilhantíssimo exemplo da democracia musical supracitada, nas mãos de verdadeiros tótens do Jazz, liderados por Sua Majestade (sem qualquer apologia monárquica) Count Basie. Certa vez lhe indagaram como desenvolveu o seu lacônico estilo ao piano. Sutis tilintares no mar sereno da condução rítmica e harmônica, monossilábicas blue-notes que dizem tudo o que precisamos saber – ou sentir. Ele respondeu que tocando nas noites se via obrigado a revezar a sua mão direita entre o piano, o copo de whisky, o charuto e as mãos dos que vinham cumprimentá-lo. Ora, o que para outros gêneros musicais poderia ser uma limitação, no Jazz transmuta-se em estilo. Orbitando o piano de Basie, um gigante do trompete, o queridíssimo Clark Terry. Um daqueles artistas reconhecíveis com apenas duas notas. Dono de uma habilidade e verve que marcaram a história do gênero. Aqui deflagrando estonteantes solos repletos de feeling. Ao seu lado, no sax tenor, Eddie “Lockjaw” Davis, também chamado “Jaws” (nada a ver com o cara dos filmes de 007), devorando os solos como se come pelas beiradas um delicioso pastel quente. No trombone, Al Grey, egresso das melhores big bands, especialmente de Count Basie, onde se notabilizou pelo som vibrante, pelo contagiante swing dos seus solos e pelo uso da surdina plunger (desentupidor de pia), com a qual tecia verdadeiros e quase vocálicos comentários no efeito ‘wa-wa’. Integrando essa constelação, o grande Benny Carter no sax alto. Um dos músicos mais representativos do Jazz, como multi-instrumentista, compositor e arranjador, além de uma personalidade ímpar e admirável. Junto com Johnny Hodges foi pioneiro no seu instrumento (embora deva ser lembrado Frank Trumbauer, colega de copo e de orquestra do genial Bix Beiderbecke, que tocava algo similar, um chamado Sax Melody). Carter foi um dos mais destacados, prolíficos e queridos músicos do Jazz. Por trás desta quadra de ases, à guitarra, Joseph Anthony Jacobi Passalaqua, mais conhecido como o fenomenal Joe Pass. Outro dos mais relevantes e atuantes criadores daquele idioma musical, especialmente no seu instrumento, do qual é, inegavelmente e junto a Django Reinhardt, Charles Christian e Wes Montgomery, um dos maiores e influentes nomes – um daqueles nomes dos quais duas ou três postagens ainda seria pouco para se falar. No Double Bass, John Heard, baixista, mas também artista plástico. Pintor e escultor. Músico de extensa atuação junto a demarcados artistas e que aqui se ressalta especialmente pela virtude que se espera de um grande contrabaixista: uma base fidelíssima e cheia de swing, que a certa altura percebemos ser fundamental; sem a qual nada poderia acontecer na linha de frente. Finalmente, no trono da bateria, um dos brilhantes nomes desse instrumento junto a Chick Webb e Gene Krupa, o ítalo-americano Luigi Paulino Alfredo Francesco Antonio Balassoni: Louis Bellson, com sua ‘discretíssima’ e famosa peruca. Drumer, bandleader, compositor e arranjador, educador musical (ufa!); ah, e pioneiro no uso de dois Bass Drums, os tambores maiores da bateria. Como podemos ver, amigos, num time desses só falta o Rei Pelé – que Deus o tenha!
Dedico esta postagem ao amigo José Maria Avallone (em memória), clarinetista e artista plástico, um dos maiores amantes e conhecedores do Jazz que conheci.
BASIE JAM 2
1 Mama don’t Wear No Drawers (Basie, Carter, Terry)
2 Doggin’ Around (Battel, Evans)
3 Kansas City Line (Basie)
4 jump (Basie, Carter, Tery, J.J. Johnson)
BASIE JAM 3
1 Bye Bye Blues (Bennet, Gray, Lows)
2 Moten Swing (Bennie Moten)
3 I Surrender Dear (Berris, Clifford)
4 Song of the Islands (Charles King)
Talvez você já tenho ouvido com enorme prazer a música de Martynov e nem se deu conta. É dele parte da trilha sonora do notável filme A Grande Beleza, Oscar de filme estrangeiro de 2014. Lembram do passeio pelo Tibre durante os créditos finais? Bem, anos antes do filme, o Kronos solicitou ao autor que transcrevesse um de seus corais para quarteto de cordas. Martynov aceitou e o Kronos gravou a nova versão. É a obra que foi utilizada no filme. Ela se chama As Beatitudes. E, bem, na verdade o Quarteto Kronos encomendou todas estas obras ao compositor russo. As Beatitudes é fundamentalmente tonal, reiterando e distorcendo constantemente um belo tema. Em Schubert-Quintet (Unfinished) é o movimento lento do Quinteto de Cordas de Schubert que serve de modelo subjacente para ambas partes da obra, cada uma com mais de dez minutos de duração. No primeiro movimento, uma declaração de abertura robusta é comentada pelo violoncelo e violinos. O segundo faz quase a mesma coisa, mas é mais suave e introspectivo. O Kronos Quartet toca com um fraseado lindamente discreto. Der Abschied é o memorial de Martynov a seu pai. Ele abre com uma sucessão aparentemente interminável de acordes dissonantes e caminhantes e dá lugar, por fim, ao Abschied de Mahler de Das Lied von der Erde. É tocada de maneira linda e comovente.
Talvez a gente possa chamar Martynov de minimalista, mas esqueça o minimalismo feérico dos norte-americanos. Aqui é tudo paz, profundidade e emoção.
Vladimir Martynov (1946): Music Of Vladimir Martynov (Kronos Quartet)
1 The Beatitudes 5:24
Schubert-Quintet (Unfinished) (23:22)
2 Movement I 12:02
3 Movement II 11:20
4 Der Abschied 39:57
Cello – Jeffrey Zeigler
Viola – Hank Dutt
Violin – David Harrington, John Sherba
Mais uma vez a Terra está a completar uma volta em sua órbita celeste e nos aproximamos do fim deste peculiar ano de 2022. Alguns ciclos se completam, outros estão a vir, já anunciados. É um bom momento para, como Janus, olharmos para trás, considerando o que foi feito e desejarmos o que está chegando. Eu estou tentando criar espaço no presente para receber o que o futuro trará.
Passei em revista minha atividade no blog, entre 1 de dezembro de 2021 e 30 de novembro de 2022. Este ano não tive energia para verificar todas as publicações e limitei às que resultaram de meus próprios esforços. Estas postagens refletem meu envolvimento com música, que posso observar, é grande. Algumas delas foram fáceis de preparar, vindas de alguma boa inspiração, outras demandaram mais estudo e dedicação, mas todas me deram bastante prazer, ao longo do caminho. Prazer em ouvir a música, de eventualmente comparar com outras interpretações ou de seguir as direções que ela me apontava. Prazer também em burilar o texto, em catar as ilustrações e depois esperar que elas surgissem, no blog. Esperar os aguardados comentários, estes mais parcos do que eu gostaria. De qualquer forma, os que recebi ao longo deste período me pareceram sinceros e foi gratificante lê-los.
Olhar estas postagens mais uma vez me fez pensar o quanto é importante valorizar o tempo, que ouvir música demanda tempo. Talvez seja por isso que alguns de nós se agarre a um repertório mais restrito, voltando sempre aos mesmos intérpretes. Eu sou por demais curioso para isso, o que me força a constantemente abrir mão desse tipo de segurança, abrindo espaço para as novidades.
Neste período fiz 64 postagens e acabei selecionando uma playlist entre as peças que considerei representativas do total. Caso você tenha o tempo de ouvir, poderá se interessar em visitar a correspondente postagem e descobrir algumas outras novidades.
Três dessas postagens selecionadas são de nosso padroeiro, São Sebastião Ribeiro. Uma gravação estalando de nova das seis sonatas para cravo e violino, com o violinista Andoni Mercero e o cravista Alfonso Sebastián; um disco com cantatas para baixo interpretadas pelo (jovem) David Greco, acompanhado pelo Luthers Bach Ensemble, sob a direção de Tymen Jan Bronda; uma outra gravação (plena de reflexões feitas durante o afastamento social resultado da pandemia) das seis (maravilhosas) suítes para violoncelo pelo jovem e talentoso Bruno Philippe.
Duas postagens refletem essa minha busca por novidades. Assim, na minha playlist de Retrospectiva 2022 há duas peças que conheci este ano e que me impressionaram: num deles, o Concerto para Piano de Sir Michael Tippett, interpretado pelo veterano pianista Howard Shelley, com a Bournemouth Symphony Orchestra, regida pelo (late) Richard Hickox, num disco do selo Chandos, inglês em todas as instâncias; no outro, o Cantus Articus do compositor finlandês Einojuhani Rautavaara. A peça Cantus Articus foi a que me motivou investigar a música de Rautavaara e o disco também traz a sua Sinfonia No. 7 e o Concerto para flautas.
O repertório de música francesa dos séculos 19 e 20 aparece sempre nas minhas postagens e um exemplo é este disco de músicos poloneses (ótimos) tocando lindas peças de câmara com instrumentos de sopros, o Gruppo di Tempera. Veja o discreto charme deste La chaminée du roi René, de Darius Milhaud.
Outro exemplo é o disco Exotisme, sonorités pittoresques, com peças para piano solo ou a quatro mãos, interpretadas pelos ótimos Ludmilla Guilmaut e Jean-Noël Dubois. Uma mescla de música de compositores mais conhecidos com música de compositores que recebem menos exposição e que merecem maior divulgação. Muita alegria, charme e beleza, como num lindo buque de flores.
Cantores também me interessam muito e adorei ter conhecido o trabalho da mezzo-soprano Elisabeth Kulman cantando algumas canções de Mahler, acompanhada por um pequeno conjunto de músicos com o sugestivo nome Amarcord Wien.
Muito trabalho me deu a postagem das 40 árias, que passou incólume pelos nossos leitores. Muito trabalho, uma vez que ópera é um gênero musical que eu conheço pouco, mas muito prazer também em descobrir um pouco o sentido de tão belos momentos musicais. Para esta Retrospectiva 2022 escolhi algumas das árias que considerei mais emblemáticas. Entre elas Casta Diva, da ópera Norma, composta por Bellini, e Vissi d’arte, de Tosca, composta por Puccini.
Uma grata surpresa neste ano foi a descoberta da música para piano de Radamés Gnattali, num disco primoroso. O intérprete Luís Rabello é sobrinho do violonista Raphael Rabello e ótimo pianista.
Para completar essa retrospectiva, não poderia deixar de mencionar mais música barroca. Escolhi algumas sonatas de Scarlatti, parte da postagem de um disco da espetacular pianista Zhu Xiao-Mei e uma postagem dedicada ao Opus 3 de Vivaldi, pelo Concerto Italiano, sob a direção de Rinaldo Alessandrini. Esta coleção tem de especial o fato de que os concertos de Vivaldi estarem entremeados com algumas das suas transcrições feitas por Bach.
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Sonata No. 6 em sol maior, BWV1019
Allegro
Largo
Allegro
Adagio
Allegro
Andoni Mercero, violino
Alfonso Sebastián, cravo
Cantata BWV 82 ‘Ich habe genug’
Ich habe genug
Ich habe genug! Mein Trost ist nur allein
Schlummert ein, ihr matten Augen
Mein Gott! Wann kömmt das schöne
Ich freue mich auf meinen Tod
David Greco, baixo
Joanna Huszcza, violino
Amy Power, oboé
Luthers Bach Ensemble
Tymem Jan Bronda
Suíte para Violoncelo No. 6 in D major, BWV1012
Prélude
Allemande
Courante
Sarabande
Gavottes I & II
Gigue
Bruno Philippe, violoncelo
Michael Tippett (1905 – 1998)
Concerto para Piano e Orchestra
I Allegro non troppo
II Molto lento e tranquilo
III Vivace
Howard Shelley, piano
Bournemouth Symphony Orchestra
Richard Hickox
Darius Milhaud (1892 – 1962)
Le cheminée du Roi René, Op. 205
Cortege
Aubade
Jongleurs
La Maousinglade
Joutes sur l’arc
Chasse a Valabre
Madrigal – Nocturne
Gruppo di Tempera
Agnieszka Kopacka, piano
Agata Igras-Sawicka, flauta
Sebastian Aleksandrowicz, oboé
Adrian Janda, clarinete
Artur Kasperek, fagote
Tomasz Bińkowski, trompa
Gustav Mahler (1860 – 1911)
Ging heut morger übers Feld – Mahler (Lieder eines fahrenden Gesellen)
Ich atmet’ einen linden Duft – Rückert-Lieder
Blicke mir nicht in die Lieder – Rückert-Lieder
Liebst du um Schönheit – Rückert-Lieder
Adagietto – 4 movimento da Quinta Sinfonia
Elisabeth Kulman, mezzo-soprano
Amarcord Wien:
Tommaso Huber, acordeão
Sebastian Gürtler, violino
Michael Williams, violoncelo
Gerhard Muthspiel, contrabaixo
Einojuhani Rautavaara (1928 – 2016)
Cantus Arcticus, Op. 61 (Concerto para Pássaros e Orquestra)
Suo (Pântano)
Melankolia
Joutsenet muuttavat (Cisnes migrando)
Sinfonia Lahti
Osmo Vänskä
Claude Debussy (1862 – 1918)
Préludes, Livre 1, L. 117
Voiles
Ludmilla Guilmault, piano
Déodat de Séverac (1872 – 1921)
En Vacances, Vol. 1
Où l’on entend une vieille boîte à musique
Valse romantique
Ludmilla Guilmault; Jean-Noël Dubois, piano
Gabriel Fauré (1845 – 1924)
Dolly, Op. 56
Le pas espagnol
Ludmilla Guilmault; Jean-Noël Dubois, piano
40 Best Arias
Bellini- Norma – Casta Diva – Maria Callas
Verdi- Rigoletto – La Donna E Mobile – Richard Leech
Bizet- Carmen – Habanera – ‘L’amour Est Un Oiseau Rebelle – Julia Migenes
Bizet- Carmen – Flower Song – Placido Domingo
Offenbach- Les Contes d’Hoffmann – Barcarolle – Jennifer Larmore & Hei-Kyung Hong
Mozart- Don Giovanni – Dalla Sua Pace – [Don Ottavio] – Hans-Peter Blochwitz
Delibes- Lakme – Flower Duet – [Lakme, Mallika]) – Jennifer Larmore & Hei-Kyung Hong
Verdi- La Traviata – Brindisi- Libiamo Ne’Lieti Calici – Neil Schicoff & Edita Gruberova
Puccini- La Boheme – Che Gelida Manina [Rodolfo]) – Jose Carreras
Puccini- La Boheme – Si. Mi Chiamano Mimi – Barbara Hendricks
Puccini- Tosca – Vissi D’arte’ [Tosca] – Kiri Te Kanawa
Puccini- Tosca – E Lucevan Le Stelle [Cavaradossi] – Placido Domingo
Gluck- Orphee Et Eurydice – J’ai Perdu Mon Eurydice – Susan Graham
Rossini- La Cenerentola – Non Piu Mesta [Angiolina] – Jennifer Larmore
Radamés Gnattali (1906 – 1988)
Rapsódia Brasileira
Poema de Fim de Tarde
Manhosamente
Uma rosa para o Pixinguinha
Luís Rabello, piano
Domenico Scarlatti (1685 – 1757)
Sonata em mi maior, K. 531 (L. 430)
Sonata em si menor, K. 87 (L. 33)
Sonata lá maior, K. 533 (L. 395)
Sonata em ré menor, K. 32 (L. 423)
Sonata em lá maior, K. 39 (L. 391)
Zhu Xiao-Mei, piano
Antonio Vivaldi (1678 – 1741)
Concerto No. 8 for 2 Violins in A Minor, Op. 3, RV 522
Allegro
Larghetto
Allegro
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Concerto for organ after RV 522 in A Minor, BWV 593
[Allegro]
Adagio
Allegro
Antonio Vivaldi (1678 – 1741)
Concerto No. 10 for 4 Violins in B Minor, Op. 3, RV 580
Allegro
Largo
Allegro
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Concerto for 4 Harpsichords after RV 580 in A Minor, BWV 1065
Já faz muito tempo (2009) que esse baita CD foi postado pelo próprio PQPBach himself. Agradeço as gentis palavras a mim dedicadas, e trago novamente mais essa ‘prova’ da genialidade de Chick Corea (como se isso ainda fosse necessário).
Na minha opinião, este é um grande CD de autêntica música erudita. Creio que seja melhor, inclusive, que aquele outro de CC que o grande mano FDP Bach postou dia desses. Aqui, Chick Corea percorre facilmente aquele pequeno caminho que une o jazz à música erudita.
Sempre fico com um sentimento de pena quando leio aqueles comentaristas que dizem que o blog PQP Bach decaiu por este ou aquele motivo e depois tascam o verdadeiro problema: vocês postam jazz! Se há algo não nos afeta é esta pequena afirmação. Eu nem respondo a estas opiniões porque elas demonstram tanto preconceito (ou desconhecimento) e tal incompreensão da “coisa musical” que não merecem resposta.
No Septeto, Corea só retoma seu sotaque de jazz na última peça — The Temple Of Isfahan –, uma parente próxima da extraordinária La Fiesta, do disco Return to Forever, talvez ainda o melhor de Mr. Armando. Nas peças restantes, Corea sente-se inteiramente à vontade escrevendo uma peça erudita moderna e de excelente nível. Ele comprova que, assim como Mingus, é um compositor erudito que gosta de jazz. Ouçam com atenção porque este disco é de raro brilho.
Baita CD em 320 kbps!!!
Chick Corea: Septet
1. 1st Movement
2. 2nd Movement
3. 3rd Movement
4. 4th Movement
5. 5th Movement
6. The Temple Of Isfahan
Chick Corea: piano
Ida Kavafian: violin
Theodore Arm: violin
Steven Tenenbom: viola
Fred Sherry: cello
Steve Kujala: flute
Peter Gordon: French horn
Das Wohltemperirte Clavier
oder
Præludia, und
Fugen durch alle Tone und Semitonia,
so wohl tertiam majorem oder Ut Re Mi anlan-gend, als auch tertiam minorem oder Re
Mi Fa betreffend. Zum
Nutzen und Gebrauch der Lehrbegierigen
Musicalischen Jugend, als auch derer in diesem stu-
dio schon habil seyenden besonderem
Zeitvertreib auffgesetzet
und verfertiget von
Johann Sebastian Bach.
p.t. Hochfürstlich
Anhalt-Cöthenischen Capel-
Meistern und Di-
rectore derer Camer Mu-
siquen
Anno 1722.
ooOoo
[“O Teclado bem Temperado, ou Prelúdios e fugas através de todos os tons e semitons, tanto sobre terças maiores ou Dó Ré Mi, quanto sobre terças menores ou Ré Mi Fá.Idealizado e preparado para o benefício e uso da juventude musical ávida por aprender, bem como para o passatempo dos já qualificados neste estudo, por Johann Sebastian Bach, pro tempore Mestre de Capela da Corte Principesca de Anhalt-Cöthen e Diretor de sua Música de Câmara. Ano 1722″]
Em 1722, o príncipe Leopold de Anhalt-Cöthen, patrão de Bach e melômano inveterado, casou-se com uma senhora pouquíssimo afeita às artes, e o Demiurgo da Música, talvez já ouvindo chiar a banha em que seria frito, resolveu buscar novos rumos para si e sua já numerosa prole. Seu próximo emprego, como sabemos, seria o de Thomaskantor em Leipzig e o último de sua vida, e enquanto iniciava as tratativas para a mudança e lidava com a ocupadíssima rotina de compor e ensaiar música instrumental para o recém-casado empregador, nosso incansável herói achou tempo para trazer a público uma coleção de vinte e quatro prelúdios e fugas, em todas tonalidades maiores e menores, muitos dos quais composições anteriores retrabalhadas, transportas e expandidas, sob o título que todos já conhecemos, e que doravante preferirei, de maneira talvez antipática, provavelmente purista, mas sem dúvidas atenta ao original, chamar de “O Teclado bem Temperado”, ou TbT (e notem que, se daqui por diante eu usarei o termo “publicação”, esta foi tão só no sentido de torná-la pública, pois a obra seria conhecida somente por manuscritos, entusiasticamente copiados e compartilhados tanto por diletantes quanto por mestres, até seu encontro com a prensa, mais de meio século depois).
2022, por sua vez, e entre tantas outras coisas, marca tanto o tricentenário da publicação do primeiro volume d’O TbT quanto meu descalabro em deixar para o apagar das luzes do ano minha postagem alusiva à efeméride. Poderia alegar, como contribuinte cada vez mais bissexto deste blog, a estafa decorrente da devoção à mais sensacional das octogenárias – ou, como todo brasileiro, os paraefeitos do tremendo moedor de carne que se tornou respirar neste covidári…, er, atribulado país. Mas, nah: ninguém ligará para isso, muito menos para mim, e quiçá ninguém mesmo me lerá antes de 2023 – nem eu próprio, elevado que estarei à mesosfera pelo simples fato de despertar num Brasil em que ser boçal, racista e misógino (para deixar por pouco) não será mais política de Estado. Assim, enquanto os deixo na companhia de Pierre Hantaï, esse Midas do cravo que parece saído duma pintura de El Greco e cujo som maravilhoso conjura truques e feitiços de que ninguém mais parecer capaz em seu instrumento, faço-lhes a frouxa, inda que sincera, promessa de inaugurar com essa postagem uma série dedicada ao que de mais melífluo e significativo a discografia d’O TbT trouxe aos embrutecidos ouvidos do homem – e tão genuína quanto será minha alegria por encontrar, vivo, a primeira luz de 2023.
Johann Sebastian BACH (1685-1750)
Das wohltemperierte Klavier (O Teclado Bem Temperado), Prelúdios e Fugas sobre todas as tonalidades maiores e menores, Primeiro Livro, BWV 846-869
01-02 – Prelúdio e Fuga em Dó maior, BWV 846
03-04 – Prelúdio e Fuga em Dó menor, BWV 847
05-06 – Prelúdio e Fuga em Dó sustenido maior, BWV 848
07-08 – Prelúdio e Fuga em Dó sustenido menor, BWV 849
09-10 – Prelúdio e Fuga em Ré maior, BWV 850
11-12 – Prelúdio e Fuga em Ré menor, BWV 851
13-14 – Prelúdio e Fuga em Mi bemol maior, BWV 852
15-16 – Prelúdio e Fuga em Mi bemol menor, BWV 853
17-18 – Prelúdio e Fuga em Mi maior, BWV 854
19-20 – Prelúdio e Fuga em Mi menor, BWV 855
21-22 – Prelúdio e Fuga em Fá maior, BWV 856
23-24 – Prelúdio e Fuga em Fá menor, BWV 857
25-26 – Prelúdio e Fuga em Fá sustenido maior, BWV 858
27-28 – Prelúdio e Fuga em Fá sustenido menor, BWV 859
29-30 – Prelúdio e Fuga em Sol maior, BWV 860
31-32 – Prelúdio e Fuga em Sol menor, BWV 861
33-34 – Prelúdio e Fuga em Lá bemol maior, BWV 862
35-36 – Prelúdio e Fuga em Sol sustenido menor, BWV 863
37-38 – Prelúdio e Fuga em Lá maior, BWV 864
39-40 – Prelúdio e Fuga em Lá menor, BWV 865
41-42 – Prelúdio e Fuga em Si bemol maior, BWV 866
43-44 – Prelúdio e Fuga em Si bemol menor, BWV 867
45-46 – Prelúdio e Fuga em Si maior, BWV 868
47-48 – Prelúdio e Fuga em Si menor, BWV 869
O título deste disco – Forza Azurri! – soa um pouco estranho, uma vez que há uma Copa do Mundo acontecendo (pelo menos nos dias em que escrevo estas mal traçadas linhas) e a seleção da Itália não está participando. Não que já tenha sido eliminada, como a seleção da Alemanha, Holanda, Uruguai e Brasil, mas não chegou a passar da fase de eliminatórias.
Isto pode parecer insignificante para nossos leitores de gerações mais recentes, mas uma Copa do Mundo sem a Squadra Azzurra é um pouco estranha para mim. A Itália é tetra campeã e foi vice em 1970 (!) e 1994, quando Roberto Baggio chutou o último pênalti lá nas alturas.Talvez o título seja um incentivo visando as próximas competições vindo deste grupo de ótimos músicos (ingleses) – La Serenissima – que sob a liderança de Adrian Chandler toca maravilhosamente o repertório barroco italiano.
Durante o período que chamamos barroco havia uma grande demanda por música nos estilo ‘italiano’, não só nas cidades da Itália, mas também nas outras cidades europeias. Sempre havia emprego nas cortes e igrejas para um compositor ou músicos de origem italiana, especialmente violinistas e violoncelistas. Essa demanda determinou o destino de vários dos compositores representados neste disco.
Giuseppe Sammartini nasceu em Milão, filho do oboísta francês Alexis Saint-Martin e irmão do também compositor e oboísta Giovanni Battista Sammartini. Após sua formação em Milão, Giuseppe mudou-se para Bruxelas e depois para Londres, onde ficou pelo resto de seus dias. Atuou como compositor e músico, inclusive fazendo parte da orquestra das produções de Handel. Neste disco você ouvirá um concerto para flauta composto por ele.
Evaristo Felice Dall’Abaco nasceu em Verona e estudou violino e violoncelo com Torelli. Dall’Abaco foi músico e compositor da corte do eleitor Maximiliano Emmanuel, em Munique. Como este sofreu alguns revezes, Dall’Abaco seguiu com a corte para o exílio na Bélgica e depois para a França. Isso lhe deu a oportunidade de conhecer outros estilos musicais. No programa um dos seus concertos para cordas.
Outro compositor que cruzou os Alpes para viver mais ao norte foi Giuseppe Antonio Brescianello, que também estudou com Torelli. Brescianello teve uma passagem por Munique, mas firmou-se em Stuttgart, na Corte de Württemberg. Sua música está no disco na forma de uma suíte para orquestra de cordas.
A primeira peça do disco, que deve ter sido composta para abrir alguma apresentação teatral, é de Lorenzo Gaetano Zavareti, que nasceu e formou-se em Bolonha (outro aluno de Torelli). Diferente dos outros compositores apresentados, Zavareti permaneceu na Itália, atuando principalmente como violinista.
As outras três peças são de um compositor veneziano que dispensa apresentações, três lindos concertos do padre Antonio Vivaldi.
La Serenissima e Adrian Chandler nas escadarias do Castelo do PQP Bach em Novo Hamburgo
Lorenzo Gaetano Zavateri (1690 – 1764)
Introducione em sol maior para cordas e contínuo, Op. 1
Largo e spicco – Allegro assai – Largo e spicco – Allegro assai – Largo e spicco – Adagio
Allegro
Giuseppe Sammartini (1695 – 1750)
Concerto para flauta doce, cordas e contínuo em fá maior
Allegro
Largo
Allegro assai
Evaristo Felice Dall’Abaco (1675 – 1742)
Concerto No. 12 para cordas e contínuo em ré maior, Op. 6
Allegro
Grave
Allegro mà non troppo
Antonio Vivaldi (1678 – 1741)
Concerto para violino, cordas e contínuo em lá maior, RV 353
Allegro
Andante
Allegro
Concerto para flauta doce sopranino, cordas e contínuo em dó maior, RV 433
Allegro
Largo
Allegro molto
Concerto para violino, cordas e contínuo em mi menor, RV 281
São ingleses nascidos na virada do século XIX para o XX… A piada — ou a realidade — diz que não houve nenhum grande compositor nascido nas ilhas britânicas de Purcell até Britten, isto é, do final de século XVII até o início do XX. Mesmo Handel é emprestado… Apesar disso, este CD é leve, agradável e despretensioso, basta ver os títulos de Concertinos, Suítes Miniaturas e outras delicadezas. Há bons momentos como naquele Vivace de Gibbs (faixa 6) e outros. Quase todas essas obras foram escritas para orquestras escolares, instituições muito numerosas na Grã-Bretanha. Embora alguns desses compositores tenham trabalhado em formas mais extensas, aqui eles se tornam miniaturistas. Algumas pessoas ridicularizam o miniaturista como inferior ao sinfonista, mas na verdade os dois gêneros requerem habilidades diferentes. O sinfonista precisa manter o interesse a longo prazo. O miniaturista precisa manter o interesse o tempo todo, e é raro o compositor conseguir fazer as duas coisas. O sinfonista lida com maior complexidade; o miniaturista com a inspiração. Sei lá! Confiram aí!
Jacob (1895-1984): Concertino para piano e orquestra de cordas / Gibbs (1889-1960): Concertino para Piano e Orquestra de Cordas / Rootham (1875-1938): Suite Miniatura para Orquestra de Cordas e Piano / Milford (1903-1959): Concertino para piano e orquestra de cordas / Gibbs : Suíte “Peacock Pie” para Orquestra de Cordas e Piano / Dring (1923-1977): Festival Scherzo para Piano e Cordas (Guildhall Strings, Roscoe)
Concertino para piano e orquestra de cordas
Composição de – Gordon Jacob
1 Allegro Con Spirito 3:14
2 Andante 4:42
3 Allegro Scherzando 2:59
Concertino para Piano e Orquestra de Cordas Op 103
Composição de – Armstrong Gibbs
4 Con Moto Moderado 6:49
5 Lento Cantabile 3:25
6 Vivace 3:04
Suite em miniatura para orquestra de cordas e piano
Composição : Cyril Rootham
7 Allegretto 3:25
8 Lento Açaí 4:13
9 Allegro Moderato E Leggiero 1:56
10 Molto Vivace 2:10
Concertino em mi maior para piano e orquestra de cordas
Composição de – Robin Milford
11 Allegro Moderado 2:50
12 Romanza: Poco Adagio 3:52
13 Rondo: vivace 2:42
Peacock Pie – Suíte para Orquestra de Cordas e Piano
Composição de – Armstrong Gibbs
14 Os Caçadores (Allegro) 2:20
15 The Sunken Garden (Tranquillo Ma Non Troppo Lento) 4:34
16 The Ride-By-Nights (Con Brio) 2:51
17 Festival Scherzo para piano e cordas
Composição : Madeleine Dring
Direção, violino – Robert Salter
Ensemble – Guildhall Strings *
Piano – Martin Roscoe
O que você quer de um grande disco de jazz? Uma boa banda? Tem. Arranjos espetaculares e surpreendentes? Tem. Um monte de gente ouvindo um ao outro e criando belos contrapontos? Tem. Mingus revisitado? Tem. Um Monk cheio de novidades? Tem. Ainda pouco conhecido, Jean Philippe Scali oferece-nos aqui um lindíssimo álbum. O saxofonista faz-se acompanhar por excelentes músicos, majoritariamente do sul de França. Este é o primeiro álbum dele. É de 2012. Ouvi uma vez e tive que repetir e repetir. A cada vez, ouço novos sons, antes ocultos, óbvio. Um álbum muito bonito e divertido!
.: interlúdio :. Jean-Philippe Scali: Evidence
01. Brother James – 5:48
02. Autoportrait d’Un Chat Sauvage – 10:32
03. Fables Of Faubus – 9:19
04. Eternel Present – 5:37
05. Five Minutes’ Walk – 4:33
06. Come Sunday – 3:46
07. Evidence – 9:04
08. When The Saints Go Marching In… Suite (Part 1) – 4:53
09. When The Saints Go Marching In… Suite (Part 2) – 4:42
10. Hope – 4:54
11. Dragui’s Mood – 6:01
Personnel:
Jean-Philippe Scali, saxophone & compositions
Julien Alour, trumpet & flugelhorn
Jerry Edwards, trombone
Adrien Chicot, piano & Fender Rhodes
Simon Tailleu, bass
Manu Franchi, drums
Stephan Carracci, vibraphone
Bastien Ballaz, trombone
François Théberge, tenor saxophone
Thomas Savy, bass clarinet
Vai aqui um CD luminoso, presentinho de Natal! Nesta gravação a orquestra conta com 18 músicos, o mesmo número com que contava a orquestra a disposição de Haydn quando este compôs estas sinfonias, em 1761. Isso aconteceu logo que ele chegou a Esterhazy, para a alegria do príncipe que o contratara e que encomendou algumas peças programáticas, a là Quatro Estações.
Os nossos seguidores que moram próximos ao Rio de Janeiro e ouvem a Rádio MEC, certamente vão reconhecer trechos da Sinfonia No. 6, usados pela Rádio como vinhetas em alguns momentos.
Além de terem este aspecto programático, as três sinfonias apresentam momentos em que este ou aquele instrumento se apresenta como solista. Desde a flauta até o contrabaixo, passando pelas trompas, os músicos têm suas oportunidades de brilhar. Especialmente os operáticos violino e violoncelo.
A Solomon
Certamente os mais saudosistas vão suspirar pela ótima gravação da Academy of St. Martin-in-the-Fields, sob a regência de Neville Marriner, mas quem se aventurar a navegar por estas novas águas e ouvir esta gravação feita em Londres, em março deste ano (2022), será recompensado pela habilidade dos músicos em realizar tudo o que Haydn preparou para impressionar o príncipe e sua corte. Sem esquecer também a espetacular produção do selo Channel Classics.
Ashley Solomon é flautista e regente da orquestra Florilegium que atua há muitos anos e grava para o selo Channel Classics desde 1995. Com bastante flexibilidade, o grupo conta com excelentes músicos, como Bojan Čičič (violino), Jennifer Morsches (violoncelo), Reiko Ichise (viola da gamba) e Terence Charlston (cravo/órgão).
Solomon’s luminous tone and unfussy command of the complicated melodies conflate into something utterly beautiful. Slow movements are soulful in their infinite variety, fast ones are clever and with a wealth of invention behind them.
Solomon coaxes lively performances out of the members of Florilegium, with the depictions of rain, lightning and thunder conjured up by Haydn in the concluding storm movement of ‘Le Soir’ sounding particularly vivid.
O ano que chega ao seu último mês viu o aniversário de 160 anos de Claude Debussy e tivemos nossa série de postagens dedicadas às suas obras. Você poderia até imaginar que depois de um fartum como aquele ficaríamos sem muita vontade de ouvir ou postar qualquer outra coisa dele… Mas, quando um disco deste calibre surge, toda lógica vai por água abaixo. O disco do selo Hyperion com o ótimo pianista Steven Osborne apresenta uma coleção de peças (quase) avulsas, que como o título do disco – Early and Late Piano Pieces – sugere, foram compostas no início de sua carreira ou nos seus últimos anos. Na verdade, essas últimas são uma minoria, mas isso não importa.
Entre as peças do início da carreira, temos algumas pequenas gemas, como os dois Arabescos, de 1890. Numa coleção como esta não poderia faltar Clair de lune, que aí está assim como suas peças irmãs, compondo a Suite bergamasque.
Você também vai encontrar uma coleção intitulada Images, que ao ser bem posteriormente publicada passou a ser conhecida como Images oubliées, para diferencia-la das outras duas coleções que levam este nome e foram publicadas durante a vida do compositor. Assim como as outras, esta coleção é um tríptico e a peça central, a Sarabande, aparece de maneira revisada em mais outra coleção, Pour le piano. Com tantas interpretações postadas recentemente, vale a pena buscar uma delas e comparar as duas versões.
Entre as peças compostas nos últimos anos da vida do compositor, há uma pequena valsa escrita em 1909 para homenagear Haydn, nos 200 anos de sua morte, assim como a Élégie e Les soirs illuminés par l’ardeur du charbon, todas com mais ou menos dois minutos de duração. Esta última foi composta para homenagear seu fornecedor de carvão, que foi providencial no especialmente difícil inverno de 1916-17.
Steven adorou conhecer a Lagoa de Piratininga, onde fica uma das sedes sociais do PQP Bach Corp.
O pianista Steven Osborne é figurinha constante nas postagens aqui e você poderá dar uma busca, caso ainda não tenha ouvido seus discos. Em particular, seus outros dois discos com música de Debussy para o selo Hyperion você poderá encontrar aqui e aqui.
Claude Debussy (1862 – 1918)
[1] – Danse bohemienne (1880)
[2] – Mazurka (1890)
[3-4] – Deux arabesques, L. 66 (1890)
Andantino
Allegretto scherzando
[5] – Rêverie (1890)
[6] – Valse romantique (L. 71) (1890)
[7] – Ballade slave (1890)
[8-11] – Suite Bergamasque (1890)
Prélude
Menuet
Clair de lune
Passepied
[12] – Danse (Tarentelle styrienne) (1890)
[13] – Nocturne (1892)
[14-16] – Images oubliées (1894)
Lent: Mélancolique et doux
Sarabande
Quelques aspects de ‘Nous n’irons plus au bois’ parce qu’il fait un temps insupportable (1917)
[17] – Morceau de concours (1904)
[18] – Hommage à Haydn (1909)
[19] – Le petit nègre (1909)
[20] – Pièce pour l’oeuvre du ‘Vêtement du blessé’ (1915)
[21] – Élégie, L138 (1915)
[22] – Les soirs illuminés par l’ardeur du charbon (1917)
A programme which bridges Debussy’s first work for piano (the Danse bohémienne, from 1880) and his last (Les soirs illuminés par l’ardeur du charbon, from 1917). Steven Osborne is equally responsive to the very different musical moods of both.
Então é Natal !! E para não perder o costume, trago uma obra que comemora o nascimento de Cristo, mas uma obra que ainda não havia aparecido por aqui. Trata-se de um compositor alemão, que, apesar de professar a fé luterana, não deixou de compor obras dentro da tradição do Cânone Católico, Heinrich Schütz, compositor que pouco apareceu por aqui.
Assim como Bach, que viveu e produziu boa parte de sua obra em Leipzig, Schütz se estabeleceu em Dresden, como Kapellmeister do Eleitor Johann Georg I. Estudou em Veneza com Giovanni Gabrieli entre os anos de 1609 – 1612 e alguns anos mais tarde, com Monteverdi. Viveu em Dresden praticamente durante o resto de sua longa vida, veio a falecer em 1672, e é considerado o grande compositor alemão do século XVII.
Trago para os senhores algumas belíssimas obras composta por Schütz. que tem o espírito do Natal. A interpretação está a cargo da Yale Schola Cantorum e tem a direção de David Hill.
Então Feliz Natal e um ótimo 2023 !!!
P.S. Em anexo ao arquivo de áudio segue o livreto, com informações relevantes sobre o compositor, contexto da obra e solistas. Vale a leitura.
01 – Hodie Christus Natus Est, SWV 456
02 – Das Wort Ward Fleisch, SWV 385
03 – Der Engel Sprach Zu Den Hirten, SWV 395
04 – Ave Maria, SWV 334
05 – Ein Kind Ist Uns Geboren, SWV 384
06 – Magnificat, SWV 468
07 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #01 Introduction
08 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #02 Es Begab Sich Aber (Evangelist)
09 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #03 Der Engel Zu Den Hirten
10 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #04 Und Alsbald War Da Bei Dem Engel (Evangelist)
11 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #05 Die Menge Der Engel
12 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #06 Und Da Die Engel Von Ihnen (Evangelist)
13 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #07 Die Hirten Auf Dem Felde
14 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #08 Und Sie Kamen Eilend (Evangelist)
15 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #09 Die Weisen Aus Morgenlande
16 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #10 Da Das Der König Herodes Hörete
17 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #11 Die Hohenpriester & Schriftgelehrten
18 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #12 Da Berief Herodes (Evangelist)
19 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #13 Herodes
20 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #14 Als Sie Nun Den König Gehöret Hatten
21 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #15 Der Engel Zu Joseph
22 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #16 Und Er Stund Auf (Evangelist)
23 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #17 Der Engel Zu Joseph In Ägypten
24 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #18 Und Er Stund Auf (Evangelist)
25 – Historia Der Geburt Christi, SWV 435 – #19 Beschluss
Tentar atender um chavão como postar “O Quebra-Nozes” no Natal ao mesmo tempo que se o subverte marotamente é puro sumo deste blogue, pelo que resolvi trazer-lhes hoje estas gravações. Se certamente há na discografia de “Duke” álbuns mais brilhantes, também há muita beleza e humor nessas transmutações do balé de Tchaikovsky que fizeram tanto e tão tremendo sucesso em sua época quanto foram rapidamente esquecidas entre os jorros da cornucópia criativa de Ellington. Digno de nota é o destaque então inédito dado a seu braço direito: o incansável Billy Strayhorn, compositor de “Take the ‘A’ Train” e de “Chelsea Bridge”, excelente pianista e, sobretudo, arranjador responsável por muito do que de imediatamente reconhecível há no som de “Duke” e sua orquestra. Seu sobrenome aparece, merecidamente, entre os de “Duke” e Pyotr na capa do LP original, da mesma forma que seu nome ganha as mesmas maiúsculas que o dos colegas mais velhos na capa do álbum que lhes apresentamos na sequência, aquele que interrompeu inacreditáveis cinquenta anos até que tivessem a ideia de lançar o “Quebra-Nozes” de Tchai ao lado de sua suingueira recriação pelos talentos do Novo Mundo.
THE NUTCRACKER SUITE (1960)
Ellington – Strayhorn – Tchaikovsky
Música de Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)
Arranjos de Duke Ellington e Billy Strayhorn
1 – Overture
2 – Toot Toot Tootie Toot (Dance of the Reed-Pipes)
3 – Peanut Brittle Brigade (March)
4 – Sugar Rum Cherry (Dance of the Sugar-Plum Fairy)
5 – Entr’acte
6 – Volga Vouty (Russian Dance)
7 – Chinoiserie (Chinese Dance)
8 – Danse of the Floreadores (Waltz of the Flowers)
9 – Arabesque Cookie (Arabian Dance)
Duke Ellington, piano
Willie Cook, Fats Ford, Ray Nance e Clark Terry, trompetes
Lawrence Brown, Booty Wood e Britt Woodman, trombones
Juan Tizol, trombone valvulado
Jimmy Hamilton, clarinete e sax tenor
Johnny Hodges, sax contralto
Russell Procope, sax contralto e clarinet
Paul Gonsalves, sax tenor
Harry Carney, sax barítono, clarinete e clarone
Aaron Bell, contrabaixo
Sam Woodyard, bateria
Gravado em 26 e 31 de maio e 3, 21 e 22 de junho de 1960 nos estúdios Radio Recorders, Los Angeles, Estados Unidos.
NUTCRACKER SUITES (2013)
Harmonie Ensemble New York
Pyotr Ilyich TCHAIKOVSKY (1840-1893)
Suíte do baléShchelkuntchik (“O Quebra-Nozes”), Op. 71a 1 – Abertura
2 – Marcha
3 – Dança da Fada Açucarada
4 – Trépak (Dança Russa)
5 – Dança Árabe
6 – Dança Chinesa
7 – Dança das Flautas de Bambu
8 – Valsa das Flores
The Nutcracker Suite Arranjo de Billy Strayhorn e Duke Ellington para a Suíte do balé “Quebra-Nozes” de Tchaikovsky
9 – Overture 3:19
10 – Toot Toot Tootie Toot (Dance of the Reed Pipes)
11 – Peanut Brittle Brigade (March)
12 – Sugar Rum Cherry (Dance Of The Sugar Plum Fairy)
13 – Entr’acte 1:56
14 – The Volga Vouty (Russian Dance)
15 – Chinoiserie (Chinese Dance)
16 – Dance of the Floreadores (Waltz of the Flowers)
17 – Arabesque Cookie (Arabian Dance)
George Cables, piano
Lew Soloff, Robert Millikan e Steve Bernstein, trompetes
Art Baron, Curtis Fowlkes e Wayne Goodman, trombones
Scott Robinson, clarinete, sax contralto e flauta de bambu
Mark Gross, sax contralto
Bill Easley, clarinete e sax tenor
Bobby Lavell e Lew Tabackin, sax tenor
Ron Janelli, sax barítono e clarone
Hassan Shakur, contrabaixo
Victor Lewis, bateria
Harmonie Ensemble New York
Steven Richman, regência
Um lindo disco! As pessoas tendem a pensar em Johann Mattheson apenas como teórico. Mas ele foi também um excelente compositor. Em Hamburgo, competiu em um mundo que contava com Telemann e Handel. Não era fácil. Na verdade, todos eram amigos, às vezes rivais, e em um caso, ele e Handel até travaram um duelo… Mattheson teria vencido, mas um botão de casaco de metal de Handel impediu que a espada lhe penetrasse no peito… Melhor assim, imaginem a perda! A música de Mattheson foi lentamente revivida ao longo da última década. As três gravações lançadas pela cpo, da Köln Academy sob Michael Willens, são um esforço concentrado para tornar sua música mais conhecida. As árias são lindas, cheias de harmonias incomuns. Michael Willens mantém seu conjunto em tempos nítidos e excelente fraseado. Os cantores são perfeitos e a parte de Maria no oratório é habilmente cantada pela soprano sueca Susanne Rydén. Esse disco dá certamente uma nova visão sobre o compositor Mattheson.
Johann Mattheson (1681-1764): Das größte Kind / Christmas Oratorio / Oratório de Natal (Willens)
01. Part I. Corale: Gelobet seyst du Jesu Christ
02. Aria a 2 con Coro: Sey willkommen tausendmahl (Maria, Joseph, Coro)
03. Recitativo: So ist durch mich das Heil der Welt (Maria, Joseph)
04. Aria con Coro: Israel! freue dich (Maria, Coro)
05. Recitativo: Erstarre doch verfinsterte Natur (Joseph, Maria)
06. Aria: Heller Glanz von’s Vaters Licht (Joseph)
07. Corale: Das ewge Licht geht da herein
08. Aria a 2: Wer kann dieses recht erwegen? (Die Menschenkinder)
09. Corale: Er kommt aus seines Vaters Schooß
10. Part II. Corale: Er äußert sich all sein’ Gewalt
11. Recitativo: O allerliebstes Kind (Das Nachdenken)
12. Aria: Weg, du Kostbarkeit der Erden (Das Nachdenken)
13. Recitativo: Ist dis der Ort? (Die Hirten und Hirtinnen, Maria, Joseph)
14. Aria a 3: Es klopft noch unsre volle Brust (Ein Hirten)
15. Recitativo: Ja, was noch mehr (Ein Hirte)
16. Corale: In dulci jubilo
17. Aria con Coro: Großer Gott der du deine Allmacht neigest (Die Andacht, Coro)
18. Accompagnato: Gott hat mein Fleisch an sich genommen (Die Braut Christi)
19. Corale: O Jesu parvule
20. Accompagnato: Und will der Tod mir meine Augen brechen (Die Braut Christi)
21. Aria: Was schad’t mir der Tod (Die Braut Christi)
22. Corale: Ubi sunt gaudia
23. Recitativo: O frohe Nacht (Die Hirten)
24. Aria: Komme dann erwehlte Seele (Maria)
25. Recitativo: So laßet uns des Herren Güte (Joseph, Ein Hirte)
26. Corale: Das hat er alles uns getan
Maria/Eine Hirtin – Susanne Rydén, soprano
Die Braut Christi/Ein Menschenkind/Eine Hirtin – Nele Gramß, soprano
Ein Menschenkinde/Eine Hirte – Anne Schmid, alto
Melissa Hegney, alto
Die Andacht/Ein Hirte – Gerd Türk, tenor
Ulrich Cordes, tenor
Joseph/Ein Hirte – Wolf Matthias Friedrich, bass
Das Nachdenken – Thilo Dahlmann, bass
Kölner Akademie
Michael Alexander Willens, conductor
Não, não é preciso tirar as crianças da sala. Tio Zorn fez um disco de natal, sim, mas que é verdadeiramente cândido como um… disco de natal. Não, nada de torrentes agressivas de saxofone; na verdade nem há um saxofone nesse álbum. Mas, estranhamente, há uma guitarra havaiana, que reforça o clima de algumas canções: algo lounge, lembrando um tantinho o Beach Boys Christmas Album. Uma faixa puxa para o blues, e outras ainda são verdadeiramente peças de jazz onde se pode facilmente ignorar a temática. Apesar da mistura de estilos, o talento de Zorn se destaca exatamente na composição da banda e na sofisticação dos arranjos, que dão a uniformidade necessária. E ele ainda se sai (bem) com duas composições em meio aos standards: “Santa’s Workshop” and “Magical Sleigh Ride”.
O resultado é francamente agradável, e pra mim, uma surpresa; que quer o Zorn, judeu de quatro costados, Radical Jewish Culture series etc, tocando música de natal? Pesquisei, e deu o óbvio: lembranças de infância. A família dele celebrava o natal e esse disco é uma homenagem àqueles tempos, e uma tentativa de renovar as opções do catálogo disponível. Óbvio, justo, e possivelmente o melhor disco de natal já feito, junto com aquele do Charlie Brown.
John Zorn – A Dreamers Christmas /2011 [320] John Zorn, producer, arranger;
Cyro Baptista, percussion;
Joey Baron, drums;
Trevor Dunn, bass;
Mike Patton, vocal;
Marc Ribot, guitars;
Jamie Saft, keyboards;
Kenny Wollesen, vibes, chimes, glockenspiel
01 Winter Wonderland
02 Snowfall
03 Christmas Time is Here
04 Santa’s Workshop
05 Have Yourself a Merry Little Christmas
06 Let it Snow! Let it Snow! Let it Snow!
07 Santa Claus is Coming to Town
08 Magical Sleigh Ride
09 The Christmas Song
Sim, cravo e violino. Invertido assim mesmo! As sonatas para teclado e violino representam uma parte menos conhecida da obra de Carl Philipp Emanuel Bach. São executadas com muito menos frequência do que suas obras orquestrais, que os três quartetos que compôs no último ano de sua vida ou as sonatas para flauta, seja com baixo contínuo ou com uma parte teclado obbligato. Seu pai, Johann Sebastian, foi o primeiro compositor alemão a escrever sonatas para cravo e violino (BWV 1014-1019). Seu filho os avaliou muito bem: “Os 6 trios de Clavier … estão entre as melhores obras escritas por meu querido falecido pai. Eles ainda soam muito bem hoje e me dão grande prazer, apesar de terem mais de 50 anos. Há certos Adágios nelas cujas qualidades cantabiles são insuperáveis até hoje”, afirmou ele em uma carta a Johann Nicolaus Forkel em 1774. Parece provável que ele tenha composto suas próprias sonatas pensando no pai. Este disco termina com uma Sonata que por muito tempo foi considerada como sendo de Johann Sebastian. Meus ouvidos dizem que é mesmo! Mas a visão geral é que não seria uma obra de JS, e que provavelmente também não é de CPE Bach. Poderia ser algum aluno de JS. É notável que CPE se referisse às sonatas para teclado e violino de seu pai como ‘trios’. Assim também são chamadas suas próprias sonatas para esta partitura. Isso era bastante comum na época: as duas mãos no teclado eram contadas como duas partes. Lembre-se de que os quartetos a que me referi no parágrafo de abertura foram marcados para três instrumentos. E é incrível que essas excelentes sonatas sejam tocadas tão raramente.
