Arrumação dos CDs nas prateleiras faz parte do rol das inúteis coisas que fazemos para nosso próprio prazer. Organizar por ordem alfabética de nomes de compositores pode fazer Alkan morar próximo de Albinoni, o que me parece um disparate. Ordem cronológica dos compositores coloca ombro a ombro gentes como Bach, Handel e Scarlatti – para saber a sequência correta é preciso descobrir os horóscopos de cada um deles. Mas, onde colocar os discos com músicas de dois ou mais compositores? Bem, digam-me lá como fazem vocês… organizar pela cor das lombadas?
A alegria do Melvyn quando soube que o disco seria postado…
Estava eu em mais uma dessas arrumações quando dei com este despretensioso disco, alocado com os discos-encartes de banca. Quem é visto, é lembrado… e lá foi ele para o DVD player que por ora uso nessas situações. A proposta do disco é explorar o gênero musical noturno, no qual o maioral é Chopin, é claro, mas nem só de peças de Chopin ele é composto. Temos três peças do compositor irlandês John Field, intercaladas nas seis primeiras faixas, com três de Chopin. Quão interessante é essa parte do disco. Por mais charmosas e brilhantes que sejam as peças de Field, as obras de Chopin se sobressaem. O mais charmoso dos noturnos de Field, para mim, é o de número 6. Depois temos mais alguns noturnos de Chopin. E como é lindo Noturno em sol maior op. 37/ 2! (Quizz PQP Bach – em qual propaganda esse noturno foi usado?)
Não sei como a produção do disco não escolheu algumas peças de Fauré, outro compositor de noturnos, mas acho que aí entrou o dedo (seria melhor dizer ‘os dedos’?) do intérprete Melvyn Tan. Debussy tem uma conexão bem forte com a Chopin, apesar das imensas diferenças. De qualquer forma, fiquei assim conhecendo o Noturno para piano de Debussy, que compôs também noturnos para orquestra, e me deliciei com a sequência de Prelúdios escolhida para completar o disco.
Devo dizer que esse disco foi gravado no apagar das luzes do século passado e naqueles dias Melvyn era mais conhecido como intérprete de pianoforte, membro ativo do uso de instrumentos de época. Tenho escutado o disco agora várias vezes, sempre com bastante gosto, especialmente a parte inicial. Tanto que vou dar uma busca nas gravações dos intérpretes de John Field, tais como o também irlandês John O’Conor ou Benjamin Frith…
JOHN FIELD (1782 – 1837)
Noturno No.4 em lá maior
FRÉDÉRIC CHOPIN (1810–1849)
Noturno em fá maior, Op. 15/1
JOHN FIELD
Noturno No. 5 em si bemol maior
FRÉDÉRIC CHOPIN
Noturno em sol menor, Op. 15/3
JOHN FIELD
Noturno No. 6 em fá maior
FRÉDÉRIC CHOPIN
Noturno em sol menor, Op. 37/1
Noturno em sol maior, Op.37/2
Noturno em mi menor, Op. 72/1
Noturno em mi maior, Op. 62/2
Noturno em si maior, Op. 9/3
CLAUDE DEBUSSY (1862 – 1918)
Noturno
Prelúdio: La Fille Au Cheveux De Lin
Prelúdio: Brouillards
Prelúdio: Feuilles Mortes
Prelúdio: Les Sons Et Les Parfums Tournent Dans L’air Du Soir
Prelúdio: La Terrasse Des Audiences Du Clair De Lune
Beatrice Rana brilhou para o mundo da música ao ganhar o Concurso Musical Internacional de Montreal, em 2011, e novamente, ao ganhar a Medalha de Prata no 14º. Van Cliburn International Piano Competition, dois anos depois. O disco do Concurso de Montreal tem os Prelúdios de Chopin e uma sonata para piano de Scriabin. O disco do Concurso Van Cliburn tem os Estudos Sinfônicos de Schumann, Gaspard de la nuit, de Ravel e Out of Doors, de Bartók, apenas…
A jovem pianista já se apresentou aqui nos palcos do PQP Bach interpretando Bach, Chopin e Ravel, sempre com sucesso de crítica e público. Encorajado por esse retrospecto e verdadeiramente mesmerizado por esse novo disco, nada mais certo do que a trazer novamente para essas páginas.
Esse disco reúne pela primeira vez (talvez) duas sonatas para piano que são emblemáticas da obra de cada um dos compositores. Ela mesma explicou as razões dessas escolhas em uma entrevista para Jeremy Nicholas, que poderá ser lida na íntegra no livreto que acompanha os arquivos musicais da postagem. Aqui está um resumo.
Sobre a Hammerklavier, ela disse que teve tempo de estuda-la bastante durante a pandemia: Eu realmente encontrei uma conexão profunda com essa música, especialmente por causa da época em que aprendi a Sonata: o isolamento, estar trancada longe do resto do mundo. O terceiro movimento fala muito sobre solidão, sobre ir fundo em si mesmo, um espelho completo do que eu estava vivenciando. Ao mesmo tempo, o quarto movimento, com sua grande fuga, me mostrou que também havia uma chance de escapar dessa condição. É uma peça que afirma muito a vida, apesar do fato de que também refletia muito do que estava acontecendo em nosso mundo naquela época.
Sobre a Sonata de Chopin: Eu absolutamente adoro esse período intermediário de Chopin em particular, quando a Sonata foi escrita: uma época em que ele estava experimentando com som, harmonias e estrutura. Eu acho isso tão visionário. […] É muito mais aventureiro do que em suas composições finais, que são muito clássicas de certa forma. Então a Segunda Sonata, mesmo agora, é incrível. Quando você pensa no quarto movimento, é tão moderno, tão experimental. Sim, a Sonata de Beethoven é uma sonata muito humana, mas a Sonata de Chopin é humana de uma forma muito diferente. O trio no meio da marcha fúnebre [terceiro movimento] é meio que übermenschlich – como um filósofo pode descrever a superação de si mesmo de uma forma transcendental.
Sobre a reunião das duas peças em um só disco: Essas duas sonatas em si bemol transcendem a condição humana de maneiras muito diferentes — mas não totalmente diferentes, porque ambas têm muito a ver com o medo da morte, com o medo da solidão. Cada uma encontra uma solução de maneira diferente. Acho que isso tornou a junção dessas duas peças muito interessante. Mas também, embora esses compositores fossem próximos cronologicamente, eles parecem totalmente separados. E de certa forma, a Sonata de Chopin é muito Beethoveniana porque sua estrutura — a do primeiro movimento especialmente — é muito compacta. Há tanta linearidade na arquitetura. Ela está sempre avançando — não é um ciclo, é uma única história que se está contando. Tecnicamente, os dois compositores não têm muito em comum, mas ambos estão experimentando. Acho que quando você olha para os últimos movimentos das duas sonatas, ambos são experimentos — experimentos no mais alto nível e de maneiras completamente diferentes.
FRÉDÉRIC CHOPIN (1810–1849)
Piano Sonata No.2 in B flat minor Op.35 “Funeral March”
Grave – Doppio movimento
Scherzo
Marche funèbre: Lento
Finale: Presto
LUDWIG VAN BEETHOVEN 1770–1827
Piano Sonata No.29 in B flat Op.106 “Hammerklavier”
O dia foi alucinante, hético! Logo pela manhã recebemos a notícia que três CDs da coleção do Sumo Sacerdote estavam corrompidos, pálidos, translúcidos, desprovidos de suas seivas musicais, inaudíveis! Toda a equipe da casa colocou-se prontamente em alerta, havíamos de reconstruir, mesmo que virtualmente, digitalmente, os tais desmemorizados CDs. Parecia que eles haviam sido abatidos por um dementador que lhes havia sugado todo o teor musical, para sempre…
Pois a equipe passou o dia dando buscas em arquivos, até mesmos arcaicos HDs foram vasculhados em busca das faixas perdidas. Pelo fim da tarde virtualmente todas haviam sido resgatadas, com exceção de duas delas: BWV 582 e BWV 590.
É claro que nossos bem informados leitores devem ter percebido de cara, os discos eram da coleção de obras de Bach, naquelas caixotas prateadas da Archiv Produktion, com a foto quadradinha do santo padroeiro do blog na frente. Isso é o que tornava nossa urgência, urgentíssima!
Mas, uma miríade de outras coisinhas miúdas, tarefas nossas outras, bem mais mundanas, nos pegaram, pois que a equipe do PQP Bach além de seus momentos de heróis, tem muitas horas para serem apenas Clark Kents e Bruce Waynes. No cair da noite, quando começou a resenha do dia com os colegas foi que me dei conta – BWV 590 é uma Pastorale e havia uma gravação da danadinha em uma de minhas postagens, porém com outro competente organista – Simon Preston! E não é que a BWV 582 é a poderosa Passacaglia! Essa peça também está em um dos discos do Simon Preston, mas esse eu ainda não havia postado. Daí, lembrei-me que iniciei o projeto de postar toda a sua série, mas interrompi o processo na postagem que fiz na época em que ele, Simon Preston, foi tocar instrumentos mais celestiais…
Sir Simon Preston (O órgão lhe deu ‘asas’)
Pois quem está atento aos sinais que o destino nos aponta, deve escutá-los e agir. Assim, aqui está, mais um disco do Simon Preston, este com os maravilhosos ”Schübler Chorales” e encerrando com a Passacaglia e tem outras coisas mais, que deixo para você mesmo descobrir…
Ah, essas duas peças foram também localizadas e em breve seguirão para os HDs do Sumo Sacerdote, ufa, que dia…
Espero que você passe bons momentos desfrutando esse disco e que seu interesse pela obra de Bach para órgão aumente… pois há mais ainda por vir! Agora, me desculpem, mas ainda há um peça interpretada por Trevor Pinnock ao cravo que queremos localizar e ninguém quer deixar o boss desapontado, não é?
O que primeiro chama a atenção nesse lançamento é como parece jovem esse regente! Tarmo Peltokoski é finlandês e desde muito jovem decidiu por se tornar regente. Nascido em 2000, já é reconhecido como um “um talento de um século” (Tagesspiegel). Seu conhecimento e versatilidade permitem que ele se apresente em concertos e em óperas – ele conduziu seu primeiro ciclo completo do Anel aos 22 anos – em um repertório que varia do clássico ao contemporâneo. No espaço de apenas dois anos, ele foi nomeado Diretor Musical Designado da Orchestre National du Capitole de Toulouse, Diretor Musical e Artístico da Orquestra Sinfônica Nacional da Letônia e Maestro Convidado Principal da Orquestra Filarmônica de Roterdã, bem como da Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. Tarmo sentiu-se atraído para a regência muito cedo, ao assistir no YouTube um trecho da obra de Wagner.
No entanto, em seu primeiro disco, três sinfonias (maravilhosas) de Mozart! O que dizer? Eu digo: gostei do disco! Esse é sempre o critério para que eu escolha um disco para postar. A interpretação é bastante contemporânea, digamos assim. A orquestra usa instrumentos modernos, mas adota uma postura atenta às práticas de instrumentos de época, com pouco vibrato e com tímpanos bem presentes (até demais, poderiam dizer alguns).
Como se fosse um bônus, entre as sinfonias você poderá ouvir o jovem maestro Tarmo exibir seus talentos como pianista, improvisando sobre temas das sinfonias. Eu não sei se ouviria essas improvisações todas as vezes que ouvisse o disco, mas certamente ouvirei as sinfonias mais vezes.
Sobre as obras, eu diria que as sinfonias de Mozart não ocupam em sua obra o mesmo espaço que as óperas e os concertos para piano, mas as seis últimas são obras primas. As primeiras, compostas na infância e juventude são brilhantes e bem-acabadas, mas superficiais. Entre as que foram compostas no período mediano destacam-se as Sinfonias No. 25 em sol menor e No. 29 em lá maior, na minha opinião. Todas essas obras foram compostas no período em que Mozart vivia em Salzburgo, apesar de suas muitas viagens.
A Sinfonia No. 35 é a primeira da série de seis últimas e foi composta em 1782 quando Wolfgang já morava em Viena, mas foi resultado de uma encomenda que viera de Salzburgo, da família Haffner, enviado pelo papá Leopold. O pedido veio na forma de uma serenata, como uma que já havia sido composta quando Wolfie ainda morava lá. Mozart estava atolado de trabalho, aulas, cuidando de terminar o Rapto do Serralho, sem contar as coisas mundanas como casamento, mudanças, essas coisas. Mesmo assim, um a um os movimentos da nova serenata seguiam para Salzburgo, apesar de provavelmente não ter cumprido o prazo. Pois ao fim de tudo, não é que a música ficou supimpa… tanto que ele resolveu adaptá-la na forma de uma sinfonia, que assim tornou-se a Sinfonia No. 35 – ‘Haffner’.
Algum tempo depois, em 1783, Mozart estava de volta de uma visita a Salzburgo, acompanhado da patroa, Sra. Constanze, e decidiu fazer uma parada em Linz, para visitar um velho amigo da família, o Conde de Thun. O conde queria uma apresentação de Mozart com a orquestra local, mas nenhuma partitura de sinfonia estava à mão. Isso não era um problema para o gênio criativo que em apenas três dias compôs um primor de sinfonia, esta belezura que conhecemos como Sinfonia No. 36, propriamente apelidada ‘Linz’.
Mozart ainda comporia quatro mais sinfonias, uma em Praga, em 1786, e as três últimas no verão de 1788. Apenas a Sinfonia No. 40 é em tom menor e é justamente famosa por sua profundidade e intensidade emocional, refletindo um lado mais sombrio e turbulento da personalidade musical de Mozart. Este período foi marcado por dificuldades pessoais e financeiras, o que pode ter influenciado o tom sombrio da peça.
Deutsche Kammerphilharmonie Bremen na entrada do PQP Bach Großer Saal de Blumenau
Summing up his relationship with his players and the works on this album, Peltokoski says, “It’s a luxury to perform Mozart with The Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, and to put these three symphonies on record is a dream come true.”
Aproveite!
René Denon
Solícitos como nunca, incompetentes como sempre, os membros do departamento de artes do PQP Bach Publishing House forneceram essa foto do jovem maestro Tarmo Peltokoski
Há várias ótimas gravações das sinfonias de Schumann, tais como Sawallisch regendo a orquestra Staatskapelle Dresden ou Leonard Bernstein, regendo a Wiener Philharmoniker, ambas bigbands… Seria injusto não notar a gravação do então comportado John Eliot Gardiner regendo a Orchestre Révolutionnaire et Romantique, uma orquestra com instrumentos e práticas de época, nos idos 1998. O chamuscado e temperamental Gardiner gravou essas sinfonias mais recentemente regendo uma orquestra moderna, a London Symphony Orchestra. Parece que o segredo de uma boa interpretação dessas obras tão lindas consiste em permitir que a orquestração (criticada e incompreendida) de Schumann se apresente de maneira translúcida, leve, mas ainda assim, forte e a tempo.
Foi isso que eu ouvi nesses dois discos lançados recentemente – uma ótima orquestra com tradição e ao mesmo tempo um ouvido para as práticas de época e um regente que tem uma combinação de precisão, ótima dinâmica, mas sem se tornar distante e frio.
A Stavanger Symphony Orchestra tem sede em Stavanger (!), na Noruega, e além de ter ótimas instalações, tem um programa de Música Antiga, que teve entre seus diretores nomes como Frans Bruggen, Philippe Herreweghe e Fabio Biondi. Como nosso informado leitor sabe, esses nomes são ligados ao movimento de música antiga.
O regente Jan Willem de Vriend tem uma enorme discografia que inclui um ótimo ciclo de sinfonias de Beethoven e assim como um ciclo das sinfonias de Schubert. Você poderá ouvi-lo regendo os Concerti Grossi de Handel, se acessar essa postagem aqui.
A primeira das sinfonias de Schumann que eu conheci foi a Terceira, que tem apelido “Renana”, certamente uma das mais bonitas. A Primeira também tem apelido, “Primavera”, e faz jus a ele. A Segunda ocupa um ótimo lugar no ranking das sinfonias e foi composta durante um período difícil da vida de Robert. Veja a tradução de um trecho do comentário de Kenneth Woods que pode ser lido na íntegra aqui.
Não se engane: em 1844, Robert Schumann adoeceu, quase mortalmente doente, tanto quanto se tivesse desenvolvido câncer. O fato de ele ter se recuperado dessa doença para escrever sua maior obra-prima mostra uma força de vontade quase sobre-humana e grande coragem pessoal, não fraqueza. No auge de sua doença, Schumann não conseguia ouvir ou trabalhar com música, torturado como estava por alucinações auditivas. Ao começar sua recuperação, ele se voltou para um intenso estudo pessoal da música de JS Bach. Inspirado por Bach, Schumann começou a trabalhar em sua obra-prima enquanto ainda estava doente e compôs seu caminho de volta à saúde. Ao longo da obra, Bach parece ficar em segundo plano, ao lado de Haydn e Beethoven como um trio de anjos da guarda, guiando Schumann de volta à sua musa.
É claro que a Quarta é o patinho feio das sinfonias, mas eu gosto muito dela também. Ouça essa gravação estalando de nova e descubra se é mesmo assim como eu disse… e depois me conte.
Jan deu uma entrevista ao pessoal do PQP Bach na Praia de Camboinhas e adorou o inverno carioca…
The second and final instalment in Jan de Vriend’s survey of Robert Schumann’s symphonies. De Vriend conducts the wonderful Stavanger Symphony Orchestra and they both enjoy the fantastic acoustic of the Fartein Valen hall, considered one of the best in the world. [Do site da gravadora]
“Such accomplished, high-class music-making makes the imminent follow-up with the Rhenish and Fourth Symphony en enticing prospect.” – Gramophone – UK (on CC 72958 – Symphonies nos. 1 & 2).
“de Vriend strives for a balance between a magnificent orchestral sound and a transparent polyphony that also seeks to illuminate the complex inner life of Schumann’s orchestral sound with brisk tempi.” – Rondo – DE (on CC 72958 – Symphonies nos. 1 & 2)
“Swagger and elegance.” – BBC Record Review (on CC 72958 – Symphonies nos. 1 & 2)
“…the sound of this new release is excellent: Every section of the orchestra is placed nicely in the soundstage, and it puts the listener in an ideal position to revel in the clarity and power of the orchestra. “ [Fanfare Magazine, 01-7-2024]
Este disco é recente, foi produzido o ano passado, e é repleto de concertos duplos compostos pelo Padre Vermelho.
Chandler reclamando do fotógrafo do blog que só levou filmes em pb para a Rolleiflex…
Esses concertos eram compostos para ocasiões especiais – festas religiosas – e são cheios de grandeur, esperavam impressionar suas audiências mais do que os concertos para um instrumento solista. E certamente o faziam, caso fossem interpretados assim como o são aqui, com flair e maestria, pela excelente La Serenissima e seu fundador, Adrian Chandler.
A maioria dos concertos são para pares de instrumentos solistas: dois violoncelos, duas flautas, dois violinos ou dois oboés. No entanto, o primeiro concerto do disco é ainda mais suntuoso, empregando seis solistas: dois violinos, dois oboés e duas flautas doce. Fechando o cortejo com chave de ouro temos o famoso Concerto Il Proteo ò il Mondo al Roverscio para violino, violoncelo, duas flautas, dois oboés e cravo, além das cordas e contínuo.
Antonio Vivaldi (1678 – 1741)
Concerto for 2 violins, 2 oboes, 2 recorders, strings & continuo in C Major, RV 557
Allegro non molto
Largo
Allegro non molto
Concerto for 2 cellos, strings & continuo in G Minor, RV 531
Allegro
Largo
Allegro
Concerto for 2 flutes, strings & continuo in C Major, RV 533
Allegro molto
Largo
Allegro
Concerto for 2 violins, strings & continuo in G Major, RV 516
Allegro molto
Andante
Allegro
Concerto for 2 oboes, strings & continuo in C Major, RV 534
Allegro
Largo
Allegro
Concerto for 2 violins, strings & continuo in B-Flat Major, RV 524
Allegro
Andante
Allegro
Concerto Il Proteo ò il Mondo al Roverscio for violin, cello, 2 flutes, 2 oboes, harpsichord, strings & continuo in F Major, RV 572
A follow up to their album Vivaldi X2, this new offering from baroque specialists Las Serenissima combines further double concerti by Antonio Vivaldi with works for violin, cello, oboe, recorder and continuo. The previous album received rave reviews including Recording of the Month from BBC Music Magazine. These are some of Vivaldi’s most colourful and joyful works, and with director Adrian Chandler at the helm listeners can look forward to further baroque excellence from this dynamic ensemble. [Signum]
… after being obsessed by the composer and his musical world for more than 30 years, Chandler by now is almost Vivaldi incarnate…The playing style is forthright without being strident, and the notes are dispatched without the quirky additions (folksy improvisations, stamped feet) beloved of free spirits such as Nigel Kennedy. [The Times – August 2024]
A postagem de hoje é um convite para uma voltinha pelo lado mais selvagem da música. Assim como investidores, os amantes da música se dividem em conservadores, moderados, arrojados e aqueles que vivem em outro planeta.
Os conservadores se destacam por insistir sempre no mesmo repertório ou na segurança daqueles eternos mesmos intérpretes, mesmo quando esses tais intérpretes começam a definhar. No outro lado do espectro encontramos uma tribo que se interessa por novos intérpretes ou intérpretes menos badalados, ou compositores que ainda não conseguiram o ticket para o panteão da imortalidade. Aqui estou pensando nos ouvintes arrojados, pois que os que estão em outro planeta podem ser bem fora das caixinhas, com programas de música experimental, construção de novos instrumentos ou tudo junto e misturado.
Eu gostaria de crer que me encontro entre moderado e arrojado (moderojado?). Nos meus dias de arrojo, instigado pela curiosidade, deixo a segurança dos selos mais conhecidos e tradicionais, de repertório conhecido por algum cheiro de novidade. Foi o caso desse disco da postagem. Simpatizei com o Quarteto Minetti, que pelo repertório de seus discos é bastante conservador: Haydn, Beethoven, Schubert e Mendelssohn. Mas tem também esse álbum, que começa com uma maravilha – o Quarteto Op. 3 de Alban Berg, um desses compositores mais esquisitões, mas que compôs peças dolorosamente bonitas. Ouça os dois movimentos que formam este quarteto e entenderão o que eu quero dizer.
Shostakovich é um grande enigma para mim. Sei que é compositor respeitadíssimo, que o boss aqui da repartição o tem em altíssima conta, que adora suas peças e que ele compôs uma enfiada de quartetos de cordas e de sinfonias, além de muitas outras coisas, como ópera, inclusive. Ouvir um quarteto de Shosta (é assim que a ele se refere o patrão…) é uma das minhas ousadias. E não foi que gostei! Acho que vou insistir um pouco mais nessas coisas. Tem um outro quarteto dele que já ouvi mais de uma vez, creio que seja o Oitavo.
O resto do disco tem o Primeiro Quarteto de Ligeti, cuja obra foi bastante divulgada aqui em nossas páginas por ocasião da celebração de seu centenário de nascimento.
Então é isso, fica a dica, é muito bom ouvir umas novidades de vez em quando… a menos que você seja do time dos arrojados e já conheça todas essas músicas. Se bem que o ainda jovem quarteto seja bastante bom e você que já é perito nesse tipo de música poderá desfrutar bastante do disco.
O nome “Quarteto Minetti” faz referência a uma peça do escritor Thomas Bernhard, que viveu em Ohlsdorf, no Salzkammergut, onde os dois violinistas do quarteto cresceram.
O Quarteto Minetti é vencedor de vários concursos internacionais de música de câmara (Concurso Schubert, Concurso Haydn) e recebeu o prêmio austríaco “Grande Gradus ad Parnassum”, a bolsa de estudos inicial do Ministério Federal Austríaco e a bolsa Karajan.
Entre os mentores do Quarteto Minetti temos Johannes Meissl e os membros do Quarteto Alban Berg na Universidade de Música de Viena, onde o quarteto se reuniu em 2003. Como participantes da Academia Europeia de Música de Câmara (ECMA), eles também foram muito incentivados e receberam apoio artístico de Ferenc Rados, Alfred Brendel e dos membros dos Quarteto Artemis, Quarteto Amadeus e Quarteto Hagen. A Hänssler Classic lançou quatro gravações de CD com quartetos de cordas de Haydn, Mendelssohn, Beethoven e Schubert, e a Avi music lançou quintetos de clarinete com Matthias Schorn, todos com ótimas críticas.
Alban Berg (1885 – 1935)
Quarteto de Cordas, Op. 3
Langsam
Mäßige Viertel
Dmitri Shostakovich (1906 – 1975)
Quarteto de Cordas No. 7 em fá sustenido menor, Op. 108
Allegretto
Lento
Allegro – Allegretto
György Ligeti (1923–2006)
Quarteto de Cordas No. 1 ‘Métamorphoses nocturnes’
Allegro grazioso
Vivace
Adagio, mesto
Presto
Prestissimo
Andante tranquillo
Tempo di valse, moderato con eleganza, un poco capriccioso
O Quarteto Minetti esperando na entrada do PQP Bach Saal, em POA, antes de sua apresentação…
The Minettis show a marked aff inity for the soundworld of 20th-century string quartet repertoire, rising to the Berg’s tortured passion and performing with characterful range and versatility in Ligeti’s ‘Métamorphoses nocturnes’. For my money, though, Shostakovich No. 7 is the album’s gem, its sparser textures allowing more room for rhythmic elegance and elasticity. [BBC Music Magazine]
Aproveite!
René Denon
Shosta, depois de ter lido a crítica do disco pela BBC Music Magazine
Houve um período no qual enormes maestrossáuros andavam pelos territórios musicais e regiam tudo à sua volta! Uma dessas típicas criaturas era Herr Karajan, que dominava as melhores orquestras, os melhores festivais e casas de ópera. Com a Berliner Philharmoniker ele gravava (over and over) seu vasto repertório sinfônico para o selo amarelo, iniciando tudo de novo a cada novo avanço tecnológico. Em geral, suas melhores contribuições ocorreram na década de 1960. A postagem de hoje, no entanto, explora outra parte de suas gravações, feitas com a Wiener Philharmoniker para a gravadora DECCA. O produtor aqui era John Culshaw, uma verdadeira lenda das gravações. O repertório aqui incluía óperas e música sinfônica, mas nada de ciclos completos.
Reuni para essa postagem quatro sinfonias: Sétima de Beethoven, Primeira e Terceira de Brahms e Oitava de Dvořák. Uma festa para quem gosta dessas sinfonias interpretadas com grande orquestra.
Regendo a Filarmônica de Viena: Em Salzburgo, em 1934, von Karajan liderou a Filarmônica de Viena pela primeira vez e, de 1934 a 1941, foi contratado para conduzir concertos de ópera e orquestra sinfônica no Teatro Aachen.
Sobre a criatura: Como diretor e administrador, ele tolerava pouca interferência, mas como maestro, ele era camaleônico em sua abordagem às orquestras: um professor nato e um ensaiador habilidoso que, nas palavras de Walter Legge, “conhecia a psicologia de uma orquestra provavelmente melhor do que qualquer pessoa viva”. Os críticos notaram isso pela primeira vez no Festival de Salzburgo de 1957 quando, após um cancelamento de Otto Klemperer, Karajan foi obrigado a reger a Filarmônica de Viena e sua própria Filarmônica de Berlim em noites sucessivas. Ambas as orquestras são carros dos melhores fabricantes, observou o Die Presse de Viena, e Karajan dirige ambos com igual habilidade. “No caso da Filarmônica de Viena, sua direção é calma e sem ostentação. Ele não pressiona a orquestra; ele sabe que ela prefere um ritmo fácil e uma maneira relaxada. Os berlinenses, por outro lado, tocam da ponta de seus assentos.” Dito isso, a Filarmônica de Viena também podia tocar da ponta de seus assentos, particularmente em grandes peças orquestrais, como mostram essas gravações.
George Li é um pianista americano de 28 anos. Li fez sua primeira apresentação pública no Steinway Hall de Boston aos dez anos de idade e, em 2011, se apresentou para o presidente Obama na Casa Branca em uma noite em homenagem à chanceler Angela Merkel. Entre os muitos prêmios de Li, ele recebeu o Avery Fisher Career Grant de 2016, o Gilmore Young Artist Award de 2012 e o primeiro prêmio das audições internacionais de jovens artistas de concerto de 2010. George começou seus estudos de piano aos 4 anos com Dorothy Shi, antes de continuar com Wha Kyung Byun no New England Conservatory aos 12 anos. Em 2019, ele concluiu o programa de dupla graduação Harvard/New England Conservatory, com um bacharelado em literatura inglesa e um mestrado em música. Posteriormente, ele se formou com um diploma de artista no New England Conservatory em 2022. Quando não está tocando piano, George é um leitor e fotógrafo ávido, além de um fanático por esportes.
Li é um artista exclusivo da Warner Classics, com seu álbum de recital de estreia lançado em outubro de 2017, que foi gravado ao vivo no Mariinsky. Sua segunda gravação para o selo apresenta obras solo de Liszt e o Concerto para Piano No. 1 de Tchaikovsky, que foi gravado ao vivo com Vasily Petrenko e a Filarmônica de Londres e lançado em outubro de 2019. Este maravilhoso disco é seu terceiro álbum com o selo, que inclui peças solo de Schumann, Ravel e Stravinsky.
A primeira peça do disco é o Arabesco, que faz jus ao nome, e a coleção de peças Davidsbündlertänze que faz parte de um ótimo disco que postei há pouco tempo.
Tudo muito lindo, as últimas notas de Schumann fazem parecer que ele foi embora à francesa. Em seguida, uma interpretação espetacular das Valsas Nobres e Sentimentais, do ótimo Maurice Ravel. Impossível não querer retornar a elas vez e outra ainda.
Para completar, os três movimentos de Petrushka, só para mostrar que Stravinsky que era bamba de orquestração, também sabia muito de piano. Por que será o nome do disco, Movements? Ouça tudo e me conte depois…
A bracing, fearless account…Mr. Li’s playing combined youthful abandon with utter command.
New York Times
I can’t think of another pianist who portrays Ravel’s aesthetic with greater relish or sympathy. The subtlest rhythmic impulses are given their due, even as the colour and dynamic spectra seem almost incalculably wide. … da sisuda Gramophone…
Essa gravação da Nona Sinfonia de Bruckner é a terceira e última da coleção chamada ‘CPO Live 100 CDs’, lançada pela DR Classics Cultural Development, gravada na Sala da Cidade Proibida. As outras duas gravações, das Sinfonias No. 4 e No. 8, já foram postadas aqui no BRUCKNER 200 ANOS!
A Nona Sinfonia nos chegou em uma só versão, ao contrário de outras sinfonias de Bruckner, que se deixou levar por influências várias, tentando sempre tê-las executadas. Há um projeto de gravação de todas as suas sinfonias em todas as suas ‘oficiais’ versões sendo completado agora em 2024, todas sob a regência de Markus Poschner, no qual há três gravações da Terceira Sinfonia e mais três gravações da Quarta Sinfonia.
Por outro lado, a Nona Sinfonia tem o apelido ‘Inacabada’, por ter apenas três movimentos, terminando com um Adagio. Consta que Bruckner trabalhou em sua composição até seu último dia e havia um esboço completo do último movimento, apesar de não estar orquestrado. No entanto, dois alunos de Bruckner, Ferdinand Löwe e Franz Schalk aparentemente deram e venderam páginas desse Finale. Devido a isso, o que restou são apenas fragmentos com interrupções e a Sinfonia ficou nesse formato de três movimentos, a despeito do compositor ter dado a sugestão de usar o seu Te Deum como último movimento.
Aqui está um link para um ótimo Guia da Nona Sinfonia de Bruckner, apesar de estar em inglês.
Jonathan Nott
O regente Jonathan Nott é inglês e iniciou seus estudos de música na Inglaterra, mas sua formação como regente se deu na Alemanha, seguindo os empregos de regente de pequenas orquestras e casas de ópera. Passou um bom período como regente da Bamberger Symphoniker, com a qual gravou um bonito ciclo de Sinfonias de Mahler. Foi também o diretor da Orquestra Sinfônica de Tokyo, com a qual gravou a Sinfonias Nos. 5, 8 e 9, de Bruckner. Atualmente Jonathan Nott é regente de L’Orchestre de la Suisse Romande.
Sobre a Sala de Concertos: A Sala de Concertos da Cidade Proibida (中山公园音乐堂) é um local multifuncional com 1.419 lugares em Pequim. O nome do local veio do fato de estar localizado dentro do Parque Zhongshan de Pequim, um vasto antigo altar imperial Shejitan e agora um parque público localizado a sudoeste da Cidade Proibida e na Cidade Imperial.
Cidade Proibida Púrpura 紫禁城 (zǐ jìn chéng)
O nome de do regente traduzido para Chinês significa Jo-na-than Nott…
Jonathan Nott – 乔纳森·诺特 (Qiáonàsēn·nuò tè)
Parte de uma crítica sobre uma gravação da Sinfonia No. 4 de Bruckner, com a Tokyo Symphony Orchestra, regida por Jonathan Nott, cuja íntegra pode ser lida aqui: From the first shimmering tremolo bars overlaid by the smoothest of horn calls, this live performance of the version of this symphony which is the most often played sets just the right tone – and the weight of the orchestral entry underpinned by suitably prominent timpani confirms that sense of propriety. Nott’s tempi are to my taste ideal; they are on the “conventionally-leisurely” side, very similar to Karajan’s 1970 recording but with slightly slower first and second movements. The playing of the Tokyo Symphony Orchestra is flawless – mightily impressive – especially that of the principal horn and his fellow brass-players. This is one of those recordings where the listener need fear no flaws or idiosyncrasies but just sit back and let the music take over.
A formação de meu gosto musical se deu no vai-e-vem dos discos usados, comprados e trocados nos sebos da vida. Com o passar do tempo e dos LPs pela agulha da vitrola, certas escolhas se tornaram mais decisórias e algumas empolgações acabaram descartadas. Lembro-me de um período imerso nos concertos para violino de Paganini e Vieuxtemps, que não durou muito.
Uma dessas escolhas que se reforçou cedo e que permanece até agora é a de ouvir a música para teclado de Bach interpretada ao piano. Discos com essa característica estavam sempre na minha mira. Havia um disco do Wilhelm Kempff, bem famoso pelo Mozart e Beethoven, com a Suíte Francesa No. 5, que ainda me encanta e também um disco com transcrições, gravado por Alexis Weissenberg. Depois dois discos do então ainda húngaro András Schiff, que sempre me deram muito prazer. Um disco definitivo tem como intérprete o controverso pianista croata Ivo Pogorelich. Acho seus discos com música de Bach e Scarlatti maravilhosos e você poderá ouvi-los clicando aqui e aqui.
Muitos nomes de pianistas, famosos e não tão famosos, recheiam minha lista de bons discos com esse tipo de música, mas não deixo de sentir curiosidade e até uma certa antecipação ao encontrar um disco como este da postagem. O pianista Rudolf Buchbinder (Rodolfo Encadernador) é um bamba e, como diria meu amigo Adrew, he has been around… Gravou muitos discos para a TELDEC (Telefunken-Decca), depois passou um tempo com a Sony, período no qual gravou esse disco, e desde 2019 tem contrato exclusivo com o gravadora do selo amarelo. Veja como o site da DG o apresenta: Admirado por colegas intérpretes, aclamado pela crítica e reverenciado por amantes da música em todo o mundo, Rudolf Buchbinder está entre os grandes pianistas do nosso tempo. Suas interpretações fluem de uma fusão única de percepção espiritual e rigor intelectual, espontaneidade expressiva e controle técnico, refinados ao longo de uma carreira que abrange mais de sessenta anos. O poder irresistível de sua arte continua a crescer, reforçado pelo estudo incansável e uma paixão ao longo da vida pelas obras-primas da literatura do piano.
Sobre o disco de Bach, a Gramophone inicia a crítica com essa promissora frase: Rudolf Buchbinder oferece uma interpretação de Bach cheia de confiança e inteligência, sem medo de ornamentar e interessado em destacar o drama da música. Posteriormente, algumas rugas surgem na testa do crítico, mas eu não sou assim tão rigoroso e gostei bastante do disco…
Rudolf Buchbinder visitando a ala de encadernações do complexo editorial do PQP Bach
[…] the delight of this recording lies in the detail. When full-dress grandeur is called for, as in the Sinfonia to the Second Partita, Buchbinder provides it in spades, and when athleticism is required – as in the final two movements of that work – he’s ready with that too…his next Bach recording can’t come too soon. BBC Music Magazine November 2015
Edgar Moreau já fez sua estreia aqui no blog como camarista, tocando violoncelo em um disco que achei lindo, com peças de Claude Debussy, acompanhado de uma turma de peso. (Aqui…)
Nesta postagem a proposta é outra e o disco é mais antigo, foi o segundo disco do violoncelista, uma coleção de concertos que abrange os períodos barroco e clássico, mas com uma ‘pegada’ mais barroca, com interpretações virtuosísticas e cheias de fantasia, mas também com lindos momentos de ‘galenteios’.
Haydn e Boccherini são compositores do período clássico, enquanto Vivaldi e os menos conhecidos Platti e Graziani são barrocos, se bem que nessa transição é melhor não rotular as coisas tão taxativamente. No momento estou ouvindo o movimento lento do concerto de Grazini, um belíssimo Larghetto grazioso com portamento!
Carlo Graziani, nascido na cidade italiana de Asti por volta de 1710, foi um dos primeiros virtuosos do violoncelo. Viajado, em 1747 ele estava em Paris, depois em Londres, onde tocou com Mozart, em seus 7 anos, em 1764. Graziani se casou com uma cantora de ópera italiana e o casal mudou-se para Frankfurt. Foi contratado pelo príncipe herdeiro do trono da Prússia, que se tornaria Frederico Guilherme II, como seu professor de violoncelo. Aposentou-se da corte prussiana em 1773, sendo sucedido por Jean-Pierre Duport, mas continuou a trabalhar para Frederico Guilherme II com uma pensão muito generosa. Deixou muitos conjuntos de sonatas e vários concertos para seu instrumento.
Giovanni Benedetto Platti era oboísta, mas também um músico muito versátil, pois dominava o violino, cravo, violoncelo, flauta e composição. Com essas características foi contratado pelo Príncipe Arcebispo Johann Philipp Franz von Schönborn, cujo irmão, o Conde Rudolph Franz Erwein von Schönborn era violoncelista amador. O Conde tinha uma coleção de sonatas e concertos de violoncelo, entre eles obras de Vivaldi escritas para ele. Ainda estão na coleção do castelo do Conde, em Wiesentheid, os autógrafos de 22 concertos para violoncelo de Platti, muitos deles comissionados pelo Conde.
Partes da crítica da Gramophone: In fact, Moreau’s ‘giovincello’ qualities are what this disc is all about. The balance is engineered so as to place his singing, silkily intense and muscular tone absolutely in the foreground, along with the sound of his fingerboard and his gasps of exertion. […] the Vivaldi’s dramatic final movement is the perfect vehicle for Moreau’s en pointe virtuosity, while the aria-like central movement of Graziani’s concerto leaves us in no doubt as to his ability to sculpt extended phrases with poetry and sense of line.
Il Pomo d’Oro
Na verdade, as qualidades de ‘giovincello’ de Moreau são a essência deste disco. O equilíbrio é projetado de forma a colocar seu tom cantante, sedosamente intenso e muscular absolutamente em primeiro plano, junto com o som dos seus movimentos de dedos e seus suspiros de esforço. […] o dramático movimento final de Vivaldi é o veículo perfeito para o seu virtuosismo, enquanto o movimento central do Concerto de Graziani, semelhante a uma ária, não nos deixa dúvidas quanto à sua capacidade de esculpir frases extensas com poesia e sentido de linha.
Chega de tanto videogame, eu disse aos meus filhos, vamos assistir a uma ópera de Mozart, algo que alegre o coração e nos afaste dessa violência virtual desses jogos… Assim, fomos ver (no DVD da sala, é claro), o Rapto do Serralho!
Pois eles adoraram e Osmin foi, por um bom tempo, um dos seus personagens preferidos, ao lado do Goku e do Vedita. E eu gostei tanto da música e dos costumes turcos que institui lá em casa uma espécie de ritual. Sempre que voltava do trabalho a esposa colocava em fila quem estivesse na área, filhos, cachorrada, e assim que eu adentrasse pelo portão soava em altos brados o coro dos janissários saudando o Paxá Selim:
Singt dem großen Bassa Lieder
Töne feuriger Gesang;
Und vom Ufer halle wieder
Unsrer Lieder Jubelklang!
Que se elevem ao grande Paxá nossas vozes em ardente aclamação;
Que desde a praia ecoem os alegres sons de nossa canção!
Vivíamos então propriamente em Piratininga…
Paxá Selim, Osmin e os dois casais…
1781 foi um daqueles anos ainda mais complicados na vida de Mozart. Foi o ano no qual ele finalmente levou um pé-no-traseiro, livrando-se de vez do Arcebispo Coloredo, indo morar em Viena. Apesar de todas as incertezas financeiras e das confusões com os assuntos pessoais, em função de sua relação com Constanze, Mozart era agora dono de seu próprio nariz.
O Rapto do Serralho é fruto de uma encomenda para o National Singspiegel, que havia sido fundado há poucos três anos pelo Imperador José II. A obra devia ser uma espécie de ópera cantada em alemão, mas também com diálogos, e era vista como uma forma menor do que as óperas em italiano. Essa perspectiva certamente era reforçada pelos cantores italianos que viviam em Viena, assim como pelos compositores de ópera em italiano.
A obra foi sendo composta calmamente, mas desde sua estreia em julho de 1782 experimentou um enorme e imorredouro sucesso – o primeiro de Mozart em Viena. Tanto que quase instantaneamente suas melodias foram arranjadas para conjuntos de sopros e eram tocadas em todas as partes.
O Serralho é o palácio do Paxá, onde ele mantém seu harém e onde estão presos a mocinha Konstanze (coincidência?), sua criada inglesa, Blonde, e Pedrillo, o servo de um nobre espanhol, o amado da Konstanze, chamado Belmonte, que está em busca dos três. Eles foram raptados por piratas turcos e vendidos como escravos para o Paxá Selim.
É claro que o Paxá está de olho na mocinha, mas ele é do tipo que não gosta de forçar a barra, e está dando um tempo para a moça aceita-lo.
As bastonadas não eram brinquedo, não…
Tudo isso sabemos por ter-nos sido contado por um passarinho verde e a ópera começa com Belmonte chegando ao Serralho em busca de informações, perguntando por Pedrillo a Osmin, o guardião e buldogue do Paxá, e que adoraria mostrar ao rascal Pedrillo todas as belas formas de torturas locais, entre elas as famosas bastonadas…
Como há de se esperar, mil confusões se seguem, com o astucioso Pedrillo apresentando o amo Belmonte ao Paxá como se fosse um arquiteto que dará um repaginada no Serralho.
Neste ponto é impossível não traçar um paralelo entre alguns dos personagens dessa ópera com membros do elenco de outro grande sucesso de Mozart: a Flauta Mágica: O casal Konstanze/Belmonte está para Tamina/Pamino assim como Pedrillo/Blonde está para Papagena/Papageno. O Paxá Selim corresponde a Sarastro e Osmin lembra um de alguma forma a Monostatos, apesar da grande diferença dos tipos vocais – baixo e tenor.
Voltando ao Rapto, o plano de fuga tramado pelos reféns envolve embriagar Osmin e raptar as moças, fugindo em seguida para a Espanha. A trama começa, mas, como se poderia esperar, as coisas desandam e eles são pegos. Belmonte então se apresenta como filho de um nobre espanhol, dando uma clara carteirada, tão nossa conhecida. Pois o tiro sai pela culatra, o tal nobre espanhol pai de Belmonte é o desafeto-mor do Paxá, ele mesmo tendo sido outrora nobre espanhol que fora traído justamente pelo dono da carteira usada pelo Belmonte – vá saber o que bebiam ou fumavam os libretistas daqueles dias.
Reação do Gardiner quando o pessoal do PQP Bach quis saber qual a marca de suas luvas de box: Everlast?
Com o filho de seu arqui-inimigo nas mãos, já se pensa, Osmin em grande alegria planeja os requintes de sofrimentos a serem infligidos aos sacripantas. No entanto, mais uma vez seus desejos serão adiados, o Paxá decide pagar com o bem os maus tratos de outrora e perdoa a todos e os manda de volta para casa. Os quatro partem com os bons votos do magnânimo Paxá que recebe mais uma vez o exultante Coro dos Janízaros, assim como pode ser visto na sequência do lindo filme Amadeus.
Uma das razões para o instantâneo sucesso dessa obra foi o uso da chamada música turca, que andava especialmente no gosto dos vienenses naqueles dias. Quem não conhece o movimento de Sonata para Piano, chamada Marcha Turca, de Mozart? Outros exemplos de música turca são encontrados nas obras de Haydn e mesmo Beethoven. Veja mais aqui e aqui.
Outro aspecto interessante sobre o Rapto é o fato de que Mozart não refrescou para os cantores e criou para ela algumas de suas árias mais difíceis. Uma delas é a ária de Konstanze chamada Martern aller Arten, na qual Konstanze explica ao atônito Paxá que preferiria experimentar os requintes de tortura turca a trair a memória de seu antigo amor.
Escolher uma boa gravação para a postagem se revelou uma tarefa a um só tempo divertida e difícil. Há muitas escolhas e na rodada final restaram muitas possibilidades na mesa. Das gravações mais antigas cogitei uma com Karl Böhm na regência, mas apesar das vozes maravilhosas, achei que a segunda gravação de Josef Krips, com selo EMI, é imbatível nesse segmento. Mas queria alguma coisa mais recente. Uma gravação destas que gostei bastante é a (segunda) de George Solti (quem diria?). Aqui a orquestra é a Wiener Philharmoniker e Kathleen Battle canta lindamente. Acabei optando por uma gravação historicamente informada, mas não apenas por isso. Acho que essa gravação, com a direção do maestro John Eliot (Manitas de Piedra) Gardiner, é uma das que mais facilmente eu retornaria, em qualquer situação. No entanto, se você tiver a oportunidade, há também gravações com Christopher Hogwood, René Jacobs, William Christie e Nikolaus Harnoncourt que valem a pena de serem ouvidas. De qualquer forma, talvez alguma das versões mencionadas possa aparecer num futuro não muito distante.
Colin mostrando apresentando sua iguana para o pessoal do PQP Bach
Considerei, no processo da montagem da postagem, que uma outra bela possibilidade para a audição seria a gravação com Colin Davis regendo a Academy of St. Martin-in-the-Fields. Essa gravação está na caixa da Philips com a ‘Obra Completa’ de Mozart, editada por volta de 1991, para faturar bastante, na esteira das edições em datas significativas, no caso, duzentos anos de morte de Mozart. Afinal, os filhos dos donos das gravadoras precisam manter suas Ferraris, Lamborghinis ou Bugattis.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Die Entführung aus dem Serail (O Rapto do Serralho)
One of the main attractions to this recording is the rarely recorded Luba Orgonášová. This Slovakian soprano reminds me of what Joan Sutherland might have sounded like if she performed the entirety of Konstanze’s music. She brings a large beautiful sound to the coloratura and long sensitive phrasing, however, at times her interpretation lacks feeling and clear diction.
John Eliot Gardiner
Die Entführung aus dem Serail (O Rapto do Serralho)
Trecho de um blog interessante: When I began listening to Mozart, Colin Davis’ interpretations were always my first pick. Not only do his records showcase some of the best singers in these roles, but he also brings out fine details in the orchestra while at the same time letting the voices shine. Despite approaching the score with a full orchestra rather than one with period instruments, Davis still manages to let the music stay light and breathe.
In addition to Davis, this recording is great for beginners because the German dialogue is severally reduced leaving only the essentials.
Colin Davis apreciando a flexibilidade das cordas da PQP Bach Sinfonietta
Umas das características da música russa é um certo elemento fantástico, de mitos e seres lendários, folclóricos. Isso está presente na primeira peça do disco, também pioneira nesse gênero por lá – Uma Noite no Monte Calvo – que saiu da mente imaginosa de Mussorgsky. Mas, teve que esperar a intervenção (e orquestração) de Rimsky-Korsakov para se firmar no repertório. Tornou-se tão popular que fez parte, em 1940, do filme Fantasia, de Walt Disney.
Outra característica da música russa é a orquestração requintada, um pouco exótica, arte que certamente deve bastante ao já mencionado Rimsky-Korsakov, compositor de duas outras peças do disco, justamente famosas – favoritas do público. A Abertura da Páscoa Russa e o Capricho Espanhol são figurinhas carimbadas em concertos de viés mais popular e justamente, pois encantam pela riqueza das melodias e dos timbres orquestrais.
A quarta faixa do disco, assim como a faixa bônus, as Danças Polovitsianas e Nas Estepes da Ásia Central, são composições de Borodin, outra figura importante da música russa. Eu incluí essa última composição por ser uma das minhas preferidas, desde sempre.
É interessante como esses dois compositores que tanto contribuíram para a música russa tiveram vida profissional dupla. Rimsky-Korsakov foi membro da Marinha Imperial Russa, seguindo a tradição familiar, e Borodin, além de músico, foi médico e químico atuante.
Gennady deu uma passadinha na redação do PQP Bach Press para um chá e um papinho…
Quanto aos intérpretes, o dito nas entrelinhas dos memorandos aqui na repartição é que, para música russa, o melhor é intérprete russo! Assim, para a postagem escolhi um disco que cumprisse, pelo menos em parte, o adágio local. Gennady Rozhdestvensky rege uma orquestra que não é russa, mas é espetacular e conhece o repertório como poucas, dada sua relação com músicos e compositores russos. O disco foi gravado no início da década de 1970, mas tem um produção excelente e é espetacular, a começar pela capa…
Veja a descrição do estilo do maestro: Rozhdestvensky foi considerado um maestro versátil e um músico altamente culto com uma técnica flexível. Ao moldar as suas interpretações, dava uma ideia clara dos contornos estruturais e do conteúdo emocional da peça, combinados com um estilo performático que fundiu lógica, intuição e espontaneidade.
A faixa extra é uma gravação de outra estirpe, Leonard Slatkin regendo a Orquestra de Saint Louis, conjunto e maestro que se conhecem como ninguém.
Eu adoro essa peça, a caravana surgindo no horizonte e passando até se perder de vista novamente. Veja a descrição deixada pelo próprio compositor: No silêncio das monótonas estepes da Ásia Central ouve-se o som desconhecido de uma pacífica canção russa. Ao longe ouvimos a aproximação de cavalos e camelos e as notas bizarras e melancólicas de uma melodia oriental. Uma caravana se aproxima, escoltada por soldados russos, e segue em segurança seu caminho pelo imenso deserto. Ele desaparece lentamente. As notas das melodias russas e asiáticas unem-se numa harmonia comum, que se extingue à medida que a caravana desaparece ao longe.
Modest Mussorgsky (1839 – 1881)
A Night On Bare Mountain (orquestração de Rimsky-Korsakov)
Alexander Borordin (1833 – 1887)
Polovtsian Dances From “Prince Igor”, Act 2 (Orquestração de Rimsky-Korsakov & Glazunov)
Seção ‘The Book is on the Table’: Gennadi Rozhdestvensky is the son of two famous musicians. He received his musical education at the Moscow Conservatoire, studying conducting with his father and piano with Lev Oborin. While still a student there, he made his debut at the age of twenty in Tchaikovsky’s Sleeping Beauty at the Bolshoi Theatre. By the time he graduated he was already well known as a conductor both in the USSR and abroad.
Considerando o enorme sucesso da postagem Mahler para milhões, decidi dar continuidade recriando o LP virtual Tchaikovsky para milhões. Dessa vez não consegui todos os arquivos das gravações originais do famigerado LP, mas as substituições foram escolhidas criteriosamente e tenho certeza que Peter Ilyich não ficará contrariado. No LP original havia duas faixas com dois números musicais da ópera Eugene Onegin interpretados pela Orquestra Sinfônica da Rádio de Berlim, regida por Férénc Fricsay, e a Marcha Eslava, interpretada pela Filarmônica de Berlim, regida por Ferdinand Leitner, e eu não encontrei essas gravações. Todo o resto, no entanto, está aí. E vocês poderão ver nos créditos da postagem, assim com poderão verificar com os seus próprios ouvidos que os artistas escolhidos para essas obras são de grande magnitude.
O que chamou a minha atenção depois de colocar todas as peças juntas, foi a importância da dança na obra de Tchaikovsky. A importância e a força. Além de ser um bamba das melodias, belíssimas, aquelas que grudam na gente, era um espetacular compositor de música de balé. O Lago dos Cisnes, A Bela Adormecida e especialmente O Quebra Nozes, transcendem o mundo da música clássica e suas músicas são reconhecidas por todos.
No lado B do disco encontram-se três movimentos das três últimas sinfonias, as valsas das Sinfonias Nos. 5 e 6 e um Scherzo da Sinfonia No. 4, onde as cordas nunca são tocadas pelos arcos… Você vai descobrir o significado em música da palavra pizzicato. Aproveite bem, pois esses três movimentos foram trazidos de uma das gravações mais famosas das três últimas sinfonias de Tchaikovsky: Leningrad Philharmonic Orchestra regida por Evgeny Mravinsky, gravados em Londres e em Viena, pela DG. Para fechar essa sequência espetacular, a Valsa da ópera Eugene Onegin. Um disco cativante…
O pessoal do PQP Bach ensaiando a Dança Chinesa para não fazer feio na apresentação do fim de ano em Blumenau…
Quando a maioria de nós pensa em Tchaikovsky, pensamos nos seus balés – O Lago dos Cisnes, A Bela Adormecida e O Quebra-Nozes, este último tão onipresente na época do Natal como o Messias de Handel. Entre a estreia de O Lago dos Cisnes em Moscou, em 1877, e a estreia de O Quebra-Nozes, em São Petersburgo, em 1892, Tchaikovsky elevou o padrão da música de balé russo. Ele substituiu as melodias banais e os ritmos previsíveis normalmente encontrados nos palcos do balé russo por músicas cheias de melodias elevadas e inventivas, harmonias ousadas e vitalidade rítmica. Seus três balés tornaram-se clássicos que perduram até hoje. Leia a integral [aqui].
Cena de Eugene Onegin
Suas obras mostram de forma quase exemplar que o desafio da música de balé vai muito além desse nível funcional (o balé como como um nicho musical que visa simplesmente fornecer a base para os movimentos de dança). Em seus três principais balés, Tchaikovsky consegue retratar musicalmente processos dramáticos e psicológicos, desenvolvendo-os e tornando-os compreensíveis. Igor Stravinsky, o mais famoso compositor do gênero balé depois de Tchaikovsky, caracterizou acertadamente as qualidades da Bela Adormecida: “Cada entrada, cada ação no palco em geral, é sempre tratada individualmente de acordo com o caráter da respectiva pessoa, e cada número tem cara própria.” Leia a integral [aqui].
Aproveite!
René Denon
PQP Bach Quizz: O que é a máquina que aparece estilizada na capa do LP?
a) Parte de um samovar exposto no Museu Tsaritsyno, em Moscou
b) Astrolábio musical russo do século XIX
c) Apontador de batutas usado por Tchaikovsky em suas turnês pela Europa
d) Balança para pesar a quantidade de melodias usada por Tchaikovsky em seus balés
O clima de olimpíadas está no ar e a Cidade Luz mais cativante do que nunca – se bem que as (de)cantadas águas do Sena não parecem tão festeiras assim, segundo concluiu o triatleta belga…
Com essa motivação toda, dei com os costados em um balaio de discos com inspiração francesa e Paris em particular. Esse da postagem me pareceu tão interessante, deliciosamente alegre e estimulante, que resolvi apresenta-lo à nação PQP-Bachiana.
O disco começa com todo o charme das morceaux populaires brésiliens costuradas uma depois da outra por Darius Milhaud, para compor seu Le Boeuf sur le toit. Depois uma orquestração original para a Bourée fantasque de Emmanuel Chabrier, que a escreveu originalmente para piano. Seguindo com violino e orquestra, temos a famosa Tzigane, de Maurice Ravel.
Para terminar a festa parisiense em altos espíritos temos a bela, clássica e juvenil Sinfonia de Bizet. E tudo isso interpretado por uma peculiar orquestra, da qual não havia ouvido falar antes, mas que me deixou curioso e com vontade de quero mais. Você poderá descobrir um pouco mais sobre ela, a violinista e o maestro assistindo a este relativamente curto vídeo aqui.
Darius Milhaud (1892-1974)
Cinéma Fantaisie for Violin and Orchestra, Op. 58b
(After Le bœuf sur le toit, Cadenza by Arthur Honegger)
Fantasia
Emmanuel Chabrier (1841-1894)
Bourrée fantasque
Bourrée fantasque
(Arr. for Violin and Orchestra by Thibault Perrine)
This recording, a testament to the musical and human affinities forged over many years between these performers, is also a return to the sources of creative fount, with the first recording of Tzigane in the new and the first recording of the orchestration of Emmanuel Chabrier’s Bourree fantasque according to the sketches left unfinished by the composer. From the crinolines of Georges Bizet’s adolescence to the wisps of cigar smoke in the dreamy Brazil of Le Boeuf sur le toit, let’s immerse ourselves in an era when Paris set the tempo for cosmopolitan, carefree celebrations.
Esta gravação, um testamento das afinidades musicais e humanas forjadas ao longo de muitos anos entre esses artistas, é também um retorno às fontes da fonte criativa, com a primeira gravação de Tzigane no novo e a primeira gravação da orquestração de Bourree fantasque de Emmanuel Chabrier de acordo com os esboços deixados inacabados pelo compositor. Das crinolinas da adolescência de Georges Bizet aos fios de fumaça de charuto no Brasil sonhador de Le Boeuf sur le toit, vamos mergulhar em uma era em que Paris definiu o ritmo para celebrações cosmopolitas e despreocupadas.
Aproveite!
René Denon
Alexandra quer saber se você gostou do disco… deixe um comentário!
Este disco certamente se qualifica tanto para o projeto BRUCKNER 200 ANOS! quanto para a série The Best of Jurassic World!
capa da primeira edição em CD
A Sinfonia No. 9 de Bruckner é uma das mais lindas e aqui temos uma gravação antológica. Ademais, Bruno Walter nasceu em 1876, em Berlim e foi amigo de Gustav Mahler. Ele ficou famoso por suas interpretações das obras de compositores austro-germânicos como Mozart, Beethoven, Schubert, Brahms, Wagner, Bruckner e seu amigo Mahler. Foi o maestro que regeu a primeira apresentação da Canção da Terra, em 1911.
Em 1939 Bruno Walter mudou-se para os Estados Unidos, escapando dos horrores da guerra e do nazismo. No novo mundo passou a gravar seu repertório para a Columbia, regendo a Orquestra Filarmônica de Nova Iorque. Em fevereiro de 1957, teve um ataque cardíaco enquanto gravava a Segunda Sinfonia de Mahler. No entanto, em 1958 ele terminou a gravação da apropriadamente chamada Sinfonia da Ressurreição. Depois disso, Bruno Walter passou a gravar novamente seu repertório, mas em Los Angeles, onde morava, em Beverly Hills, com uma orquestra de estúdio, formada por músicos da Filarmônica de Los Angeles e de músicos dos estúdios de Hollywood, nomeada Columbia Symphony Orchestra. Essas gravações tiveram a extra motivação da nova tecnologia – estéreo – e ficaram conhecidas por terem sido feitas durante seu ‘Indian Summer’. A gravação desta postagem é um ótimo exemplo do sucesso da empreitada.
Trechos de críticas dispostas no site da Amazon: Bruno Walter once described his experience of understanding Bruckner. He said that for many years he didn’t especially like the music. Then one day he heard a Bruckner work while ill in bed. Disarmed, receptive and uninhibited by prejudice, the music overpowered him. Suddenly he understood.
That must have been an astounding epiphany, because this 9th could not be more subtle, more beautiful, exquisite, loving, serene, plumbing … I don’t have the words.
Identifique esses autênticos jurássicos…
While Walter underplays the emotional weight of the music compared to a conductor like Karajan, Bruckner’s message of end of life resignation and fulfillment — especially in the closing pages of the finale — is more truthful and compelling than in more dramatic versions. It is as if Walter, at the end of his illustrious career, was perfectly suited to conduct this music, which was composed at the end of Bruckner’s life.
Esta coleção de obras de Brahms contendo principalmente as quatro sinfonias é excelente! A orquestra não poderia ser mais qualificada, a produção é impecável, com exceção da Abertura, tudo foi gravado ao vivo, a capa é sensacional – Art Noveau.
A Rapsódia para Contralto, interpretada pela ótima Anne Soffie von Otter, com acompanhamento do Arnold Schoenberg Chor é muito tocante.
O regente é James Levine, um tipo Dr. Jekyll e Mr. Hyde da batuta. Ele foi um maestro americano que chegou muito cedo a posições de destaque e dirigiu as melhores orquestras – Philadelphia, Chicago, Boston, Berlin e Wiener Philharmoniker. Sua mais longa ligação foi a frente do Metropolitan Opera de Nova York. Foi nomeado maestro em 1976 e viveu um rico período de realizações. No entanto, essa relação terminou de maneira tumultuada. Ele foi afastado em 2017, acusado de abuso sexual de vários músicos. Essas denúncias vieram à tona na ocasião do movimento #Me Too.
J Levine e sua toalhinha…
No que tange a música, Levine foi músico completo – regente de obras sinfônicas, grandes obras corais e ópera. Foi excelente acompanhante de solistas, tanto como regente (Kissin, Volodos, Mutter) quanto como pianista (Kathleen Battle, Christa Ludwig, Jessie Norman). Também atuou como músico de câmara junto a ótimos conjuntos. Seu legado de gravações é imenso e de muito bom nível. Esse ciclo de Brahms, gravado ao vivo, é o seu segundo. Há um ciclo gravado para RCA, com a Chicago Symphony Orchestra, que é também excelente. Você perceberá, desde as primeiras notas da Primeira Sinfonia, passando pelo seu exuberante último movimento. Não deixe de ouvir. Não é por nada que ele foi estagiário de George Szell.
Johannes Brahms (1833 – 1897)
Symphony No. 1 In C Minor, Op. 68
Un poco sostenuto – allegro
Andante sostenuto
Un poco allegretto e grazioso
Adagio – più andante – allegro non troppo, ma con brio
Alto-Rapsody op.53
Adagio- poco andante- adagio
Symphony No. 2 In D Major, Op. 73
Allegro non troppo
Adagio non troppo
Allegretto grazioso (quasi andantino) – presto ma non assai
Alguns críticos diziam que faltava ao seu trabalho uma marca distintiva, lembra o principal crítico de música clássica do New York Times, mas, quando dirigia, as suas apresentações eram “lúcidas, ritmicamente incisivas sem serem obstinadas, e estruturadas de forma convincente, dando ainda às linhas melódicas espaço para respirarem”.
Acima de tudo, acrescenta Anthony Tommasini, Levine “valorizava a naturalidade, sem que nada soasse forçado, fosse uma explosão tempestuosa de uma ópera de Wagner ou uma passagem reflexiva de uma sinfonia de Mahler”.
[…] faltava ao seu trabalho uma marca distintiva […] Rigorosos, não acham? Eu sou bem mais fácil de agradar e gostei muito de ouvir essas gravações. Depois você me conta.
O jovem pianista de olhos azuis e cabelos louros se deu conta que o piano estava afinado um bemol abaixo assim que, com o violinista cigano que acompanhava, atacaram a sonata de Beethoven… Mas, não perdeu a pose, transpôs tranquilamente, de memória, a parte correspondente para um semitom acima. Estamos falando dos dias de juventude de um dos três ‘B’s da música. Hannes, como era chamado pelos íntimos, além de compositor aspirante, um pianista exímio e extremamente experiente.
A dupla Eduard Reményi e Johannes Brahms não poderia ser mais contrastante, mas como geralmente acontece nessa sorte de associação, complementavam-se de certa forma. Eles não permaneceram juntos por muito tempo, mas o gosto pelas melodias ciganas ficou. Em breve Hannes conheceria outro violinista húngaro, travando uma amizade longa com Joseph Joachim.
O disco da postagem traz uma linda coleção de peças da obra para piano de Brahms, interpretada pelo jovem pianista Denis Kozhukhin. O Tema e Variações é uma transcrição do segundo movimento do Sexteto de Cordas, op. 18, e tem uma dessas melodias ‘chiclete’, que gruda na memória da gente… Em seguida as 4 Baladas, pois que o compositor da postagem, mesmo acusado de ‘clássico’, quando isso era démodé, tinha alma romântica. Para finalizar, uma das coleções de peças curtas, produzidas no final da vida, as Fantasias op. 116. Veja como as perspectivas podem elevar ou detrair, dependendo do caso. (Por isso, devemos ter cuidado com as palavras.) Sobre essas peças, Eduard Hanslick, que era da turma do Wagner, as descreveu como um ‘breviário do pessimismo’ (ele talvez preferisse as valsas), enquanto Rüger menciona ‘gentil melancolia’. Eu sempre gostei dessas peças, desde o filme ‘Chuvas de Verão’. Espero que o disco sirva de estímulo para maiores explorações pelas diferentes interpretações dessas peças e do resto da obra para piano de Brahms.
Seção ‘The book is on the table’: “These works by Brahms reflect the many aspects of the life of a great man; the intellect of an exceptional mind and the emotions of a profoundly sensitive human being. From the Ballades with their resonance of a young man wondering about an uncertain future, to the Phantasies, with their sickening contrasts, which move from the despair of a man who suffered great loss to the powerful resilient strength of a human being who refuses to accept the approaching end.” – D. Kozhukhin
Russian pianist Denis Kozhukhin studied in Spain, Italy, and Germany. This fine recital of Brahms piano music consists of short pieces drawn from the beginning and end of the composer’s career. […] This is an immensely satisfying disc, raising a thirst for more Brahms from Kozhukhin. Bring on the Handel variations and the Third Piano Sonata! – Richard Kraus
The Ballades confirm his mastery of sonority, balance and deportment. Kozhukhin takes care to articulate each note, where the majority of pianists phrase by the bar…this is worth pursuing. – Diapason April 2017
Esse incrível disco foi gravado em 1979, no formato analógico, e é parte do projeto de gravar todas as sinfonias de Mozart usando instrumentos e práticas de época. Este pioneiro projeto lançado pelo selo L’Oiseau-Lyre, a versão ‘Archive Produktion’ da companhia inglesa Decca, foi completado e a caça pelas caixinhas com os discos nas lojas daqui, naqueles dias, era uma verdadeira caça ao tesouro. O projeto Haydn, bem mais extenso, não teve a mesma sorte, as agruras das gravadoras o atingiram ainda em pleno voo. O disco da postagem terminou como o terceiro do Volume 5, cuja capa ilustra a abertura da postagem.
Era maravilhosamente surpreendente ouvir essa música interpretada nessa forma autêntica. A música de Mozart surgia sob uma nova luz, como as pinturas de Rembrandt após a limpeza da sujeira e das camadas de verniz. Os grandes intérpretes de Mozart naqueles dias eram regentessáuros tais como Bohm, Karajan, Szell, Kubelik, Jochum, Solti… Entre os mais antigos venerados por muitos, mas que já estavam no caminho da fossilização, tínhamos Bruno Walter, Josef Krips, Otto Klemperer.
Detalhe de “A Ronda Noturna”, feita em 1642, por Rembrandt – antes e depois da restauração
Havia os mais moderninhos, que tocavam com bandas menores, como Marriner e a ASMF, Jeffrey Tate e a ECO, Sir Charles Mackerras e a Orquestra de Câmara de Praga, mas o som da L’Oiseau-Lyre era libertador.
Escolhi esse disco para postar por gostar da música e por achá-lo sempre atual e destacando-o assim da coleção com todas as outras sinfonias. Integralidade nem sempre a maneira mais interessante de ouvir a música de Mozart, na minha opinião.
A Sinfonia No. 35 nasceu como mais uma possível Serenata a ser composta por Mozart para o pessoal da família Haffner, de Salzburgo. A encomenda havia chegado a Viena, onde Mozart morava em 1782, enviada pelo seu pai, Leopold Mozart. Wolfgang havia composto uma ‘Serenata Haffner’ enquanto ainda morava em Salzburgo e que fizera muito sucesso, tanto que ganhou o apelido.
Mas Mozart agora estava ocupadíssimo, trabalhando na ópera ‘O Rapto do Serralho’, às voltas com sua noiva e futura esposa, além de aulas muitas. Mesmo assim, foi compondo partes da Serenata e enviando para Salzburgo. O prazo da encomenda venceu e Mozart pediu de volta o que já havia mandado. Gostou tanto do que estava pronto (imagine a pressa com que foi compondo…) que rearranjou o material, acrescentou instrumentos na orquestração e assim surgiu a que agora conhecemos como ‘Sinfonia Haffner’.
A outra sinfonia (pela qual tenho uma especial afeição) é a Sinfonia No. 36, escrita em 1783: A Sinfonia “Linz” foi escrita em três dias! Em 1783, Mozart e sua mulher, Constanza, fazem uma viagem a Salzburgo, para verem o pai e a irmã do compositor. No regresso a Viena, o casal detém-se em Linz, em visita ao velho conde de Thun, grande amigo da família. O conde queria muito que Wolfgang se apresentasse com a orquestra local, mas Mozart não tinha nenhuma de suas partituras à mão. Desejoso de agradecer a boa acolhida, começa uma nova sinfonia e consegue estreá-la no dia programado. [Veja o texto completo aqui]. Essa seria a ‘Sinfonia Linz’.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Symphony No. 35 In D Major “Haffner” K.385
March K. 408 No. 2 [K.385a]
Allegro Con Spirito
Andante
Menuetto & Trio
Presto
Symphony In C Major “Linz” K.425
Adagio – Allegro Spiritoso
Andante
Menuetto & Trio
Presto
The Academy of Ancient Music [on period instruments]
Christopher Hogwood – conductor
Recording locations: St. Jude’s, Hampstead Garden Suburb & St. Paul’s, Arnos Grove,
O disco foi relançado individualmente numa série com preços modestos, como se dizia então…
Nesta gravação eles mantiveram a marcha que havia sido composta para a versão original na forma de uma serenata, mas que foi descartada por Mozart na versão final como Sinfonia. Acho que eles fizeram isso para exibir os tímpanos…
You cannot get any better than this set. It is outstanding. All of the Mozart Symphonies in one package is impressive enough on its own. But this is a very special package. The Academy of Ancient music under Christopher Hogwood have always been a quality act and their work on this set is no exception.
Não posso deixar de concordar…
Aproveite!
René Denon
PS: Não deixe de visitar essa outra postagem com os mesmos artistas…
Cavalos de Guerra! Eu sempre gostei dessa expressão, talvez por minha vadia juventude repleta de livros com histórias cheias de aventuras e de pouca televisão. Quando muito, uma seção na matiné do único cinema da cidade. Em música ela significa ‘algo (como uma obra de arte ou composição musical) que se tornou excessivamente familiar ou banal devido a muitas repetições no repertório usual’. E poucos concertos para piano se classificam tanto como esses dois, do disco da postagem, para a tal expressão. Ambos estão enumerados na curta lista (ah, que seria da nós sem as listas?) de melhores concertos para piano da Gramophone. Despertei sua curiosidade? Verifique quais são os outros concertos da tal lista aqui….
O Concerto No 1 de Tchaikovsky teve um início de carreira um pouco hesitante. Tchaikovsky o revisou três vezes, especialmente o início do concerto. Os acordes iniciais tocados pelo pianista, seguidos pela orquestra tocando o tema principal, eram originalmente arpeggios. Como já mencionei em outras postagens, agarrar a atenção do ouvinte logo de cara é muito importante para o sucesso da peça. O compositor também tinha a expectativa que a obra fosse interpretada pelo pianista e compositor Nikolai Rubinstein, mas este não recebeu muito bem a obra. De qualquer forma, o concerto tornou-se um exemplo de concerto romântico, quase encabeçando a lista (sim, temos uma segunda lista nesta postagem, agora a dos concertos românticos para piano).
O líder dessa lista é o segundo concerto do disco, o Concerto para Piano No. 2, de Rachmaninov. Você deve saber tudo a respeito dessa obra, especialmente de como foi composta após um período no qual o compositor amargou uma enorme depressão, da qual saiu com a ajuda de um psiquiatra que fazia uso da hipnose… Não perca tempo, leia tudo aqui.
A capa da fita cassette
O disco é um primor e faz parte de uma coleção lançada pela Philips em torno do período de surgimento dos CDs, e se chamava Concert Classics. A capa deste disco é típica da série, com a ilustração de Erik Kessels que usa uma colagem com recorte de uma foto.
Os dois concertos reunidos no disco (para a série) têm a interpretação do mesmo pianista – Werner Haas – e o mesmo regente – Eliahu Inbal – mas, foram gravados em momentos diferentes e fazem parte de específicos projetos.
O concerto de Tchaikovsky foi gravado em Monaco, em 1970, juntamente com seus outros dois irmãos menos famosos, os Concertos Nos. 2 e 3. Veja este projeto completo na postagem do FDP Bach, aqui. O concerto de Rachmaninov é de 1974, em Frankfurt, e lançado em um disco com a Rapsódia sobre um tema de Paganini. Esta gravação foi feita em som ‘quadrifônico’. Na verdade, o som do disco é mais uma evidência de como a Philips era uma grande gravadora, especialmente quando piano tomava parte do projeto.
Werner Haas
O pianista é famoso por suas interpretações das obras de Debussy e Ravel, gravadas pela Philips. Foi aluno de Walter Gieseking, mas infelizmente morreu cedo, aos 45 anos, em um acidente automobilístico. O regente Eliahu Inbal tem 88 anos e foi regente de diversas orquestras, incluindo a Orquestra da Rádio de Frankfurt, que aparece neste disco. Sua última atuação foi como regente da Taipei Symphony Orchestra. Após sua aposentadoria, Inbal foi nomeado maestro laureado desta orquestra, em 2023.
Peter Tchaikovsky (1840 – 1893)
Piano Concerto No.1 In B Flat Minor, Op. 23
Allegro Non Troppo E Molto Maestoso – Allegro Con Spirito
Andantino Simplice – Prestissiomo – Tempo I
Allegro Con Fuoco
Sergei Rachmaninov (1873 – 1943)
Piano Concerto No.2 In C Minor, Op. 18
Moderato
Adagio Sostenuto
Allegro Scherzando
Werner Haas, piano
Orchestre National De L’opera De Monte Carlo (Tchaikovsky)
Sobre o RACH#2: Eliahu Inbal is one of the most underrated conductors around. It’s good to have so many old recordings of his again available and in this glorious sound as well. This one has definitely aged gracefully and survived the test of time. […] This is highly charged reading, truly emotional and never overblown. Haas is a true virtuoso, but has expressive power most of today’s Kissins and Lang Langs are missing. The piano sound is captured in its full glory
Quem ainda não ouviu a frase ‘Eu gosto de um piano bem tocado…’? Como se alguém preferisse ouvir um piano ser maltratado… Mas, quem não gosta de ouvir ao piano lindas melodias, especialmente as mais conhecidas, que nos trazem lindas memórias, lembranças queridas?
Este disco é assim, uma coleção de peças, breves em sua maioria, com as quais os pianistas brindam as audiências ao fim do recital. Eu me interessei em postar essa coleção por lembrar-me de uma fase boa da minha primeira vida.
Meu amigo Paulo e eu íamos a muitas lojas de discos na década de 1980 e os encontros com os frequentadores mais assíduos eram constantes, já havia até uma certa camaradagem entre nós. Os atendentes das lojas conhecíamos todos e os mais diversos eles eram. Um do qual gostávamos muito era o Sr. Rubens, que trabalhava numa loja do Shopping da Gávea, sempre com um colete de lã – por causa do ar condicionado – e um lenço de seda ao pescoço, que lhe dava um certo ar de lorde. Seu Rubens guardava no peito um coração de ouro, mas tinha uma maneira seca de ser, era bem formal. Era necessário um certo esforço para que ele permitisse uma maior proximidade. Deu-me generosamente umas tantas dicas e sempre boas sugestões. Mas, meu amigo e eu adorávamos provoca-lo com afirmações que sabíamos que ele contestaria sobre peças ou intérpretes dos quais ele não gostava.
Uma vez, estávamos lá, com os narizes enfiados nas gôndolas repletas de novidades, fazendo ginásticas mentais pensando nos parcos recursos que guardávamos nas carteiras, quando entrou no salão dos clássicos uma senhora que levou a paciência e a fleuma de Seu Rubens (Rubão, nas nossas conversas longe dele…) ao limite extremo. Ela queria um disco com peças avulsas para piano – para serem ouvidas durante o encontro com as amigas, para o chá e fofocas. E ela se esforçava – aquele assim, com pecinhas bonitas, uns bombonzinhos. Pois foi aí que Rubão não aguentou: Minha senhora, para comprar bombonzinhos é melhor ir a uma bomboniere…
Esse se tornou nosso bordão – tem aí, Seu Rubens, um disco com bombonzinhos? Ele mesmo não resistia à provocação e caíamos todos na gargalhada.
Pois então, nessa nossa ‘loja de discos’, onde nos encontramos virtualmente para fuçar as gôndolas em busca de boa música, agora também tem um disco com bombonzinhos e boa memória de amigos na música.
Gran Quizz PQP Bach: Relacione o nome das peças na coluna à esquerda com o nome do compositor, na coluna da direita.
The Man I Love ( ) Schubert
21 Hungarian Dances, WoO 1: No. 1, Allegro molto ( ) de Falla
Kuolema: Valse triste, Op. 44 No. 1 ( ) Chopin
In das Album der Fürstin Metternich, WWV 94 ( ) Tchaikovsky
El Amor brujo: VIII. Danza ritual del fuego ( ) Bach, C P E
Easy Variations on Folk Themes, Op. 51: Merry Dance ( ) Gounod
Keyboard Sonata in B Minor, Wq. 55 / 3, H. 244 ( ) Scriabin
Tango (No. 2 from Espana, Op. 165) ( ) Mozart
3 Songs, Op. 21: III. Jeg giver mit digt til våren ( ) Satie
Marche funèbre pour une marionnette ( ) Gershwin
Suite bergamasque: Clair de lune ( ) Wagner
3 Pieces, Op. 2: I. Etude ( ) Prokofiev
Foglio D’album ( ) Sibelius
Moments Musicaux, D780: No. 3 in F minor ( ) Bach, J S
The encore, an end-of-concert ritual, is always highly appreciated by the audience. In a way, through them the listener gets to know the artist a little better, as encore choices reveal taste and personality. Thus, pianist Tristan Pfaff interprets above all pieces he loves: from the Baroque era of Bach to music of the 20th century by Prokofiev and Kabalevsky, a very broad musical horizon is proposed. Popular song is also present with Gershwin’s ‘The man I love’, in its piano version.
Aproveite!
René Denon
Tristan Pfaff na festa de pré-lançamento da postagem no PQP Bach Great Hall, vendo se aproximar um garçom com mais uma bandeja de bombonzinhos servidos durante o rega-bofes…
Dizem que a metade da vida ‘útil’ de um alaudista é gasta afinando o danado do instrumento. Como John Dowland viveu pouco mais de 60 anos, passou uns 20 dormindo e uns 10, pelo menos, afinando seus alaúdes… criando assim suas lindas melodias, as quais preenchia com poesias que tratavam das dores do amor, sofrência pura, melancolia. Mas, era a o que ditava a moda de então…
Julian Bream verificando se o instrumento estava realmente afinado…
O próprio Dowland criou o trocadilho ‘Semper Dowland, semper dolens’ e a sua música mais conhecida é uma melodia que se chama ‘Lachrimae antiquae”.
Esse disco apresenta uma coleção de danças – galliardas, gigas e alemandas – interpretadas pelo espetacular Julian Bream. A produção é de 1964, portanto apresenta características pré-instrumentos de época, mas a arte de Bream é tão refinada e tão impecáveis são a sua técnica e o seu gosto que o disco merece toda a atenção.
Talvez não seja justo ou conveniente ouvir tudo de uma sentada, se você ainda não é do ramo (é claro, essa é apenas a minha opinião), mas é uma coleção à qual tenho retornado com muito gosto. Tenho uma queda especial pela Frog Gallaird, que apresenta a melodia da canção Now, O now, I needs must part. Veja lá e depois me conte…
Julian afinando um dos violões da coleção do PQP Bach
Como disse John Duarte, da Gramophone: Many of today’s most famous lutenists began with but abandoned the guitar; Bream has maintained a uniquely distinguished career with both instruments. […] If he is not a ‘real’ lutenist then few will know the difference and fewer will care about it; most will happily settle for these wonderfully live and human performances of music by the greatest of all English lutenists, as I feel Dowland himself might have done. The sound is magnificent […]. This is, pace the purists, as important a recording of lute music as any on offer, a statement of what this marvellous music is really about.’
1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, … Você seria capaz de adivinhar qual seria o próximo número? E o outro?
Essa que parece uma charada de Facebook ou pergunta típica de matemático amador é o início da famosa Sequência de Fibonacci.
Fibonacci, o filho de Bonacci, foi um matemático italiano que viveu entre 1170 e 1250, era chamado Leonardo e exatamente por ser filho de Bonacci foi educado no Norte da África, na cidade hoje conhecida como Bugia, na Argélia, onde seu pai era representante comercial da então República de Pisa.
Leonardo desde muito jovem aprendeu a matemática praticada no mundo árabe, especialmente o sistema numérico hindu-arábico e divulgou esses conhecimentos pela Europa Medieval.
Quando meu pai, que havia sido nomeado por seu país como notário público na alfândega de Bugia, atuando em nome dos mercadores de Pisa, me convocou quando eu ainda era uma criança, e pensando na utilidade e conveniência futura, desejou que eu ficasse lá e recebesse instrução na escola de contabilidade. Lá, quando fui apresentado à arte dos nove símbolos hindu através de ensinamentos notáveis, o conhecimento da arte logo me agradou acima de tudo […]
Ele escreveu vários livros, entre eles o Liber abaci, que contém uma coleção de problemas, entre eles o dos coelhos, que se refere à sequência famosa:
Um certo homem colocou um par de coelhos em um lugar cercado por um muro por todos os lados. Quantos pares de coelhos podem ser produzidos a partir desse par num ano se for suposto que todos os meses cada par gera um novo par que a partir do segundo mês se torna produtivo?
Apesar da inicial resistência, típica dos retrógados, as boas novas matemáticas divulgadas por Fibonacci se estabeleceram como a prática. A enorme vantagem do sistema numérico hindu-arábico sobre o sistema numérico greco-romano, então usado, é o fato de ser um sistema posicional. Tente multiplicar, usando algarismos romanos, 17.347 por 23.781…
Mas por que estou falando disso tudo? Bem, porque eu gosto dessas coisas e o nome do conjunto musical que gravou esse belíssimo disco é justamente The Fibonacci Sequence. Há algum tempo postei uma série de cinco discos gravados por eles, três deles destacando um certo instrumento musical, um disco com música de Messiaen e um com o Octeto de Schubert. Esse deve ser um disco deles que eu perdi na pilha que se amontoa aqui, na mesa de trabalho do PQP Bach Co.
As peças são maravilhosas, começando com o famoso poema sinfônico As Aventuras de Till Eulenspiegel, numa redução para cinco instrumentos feita por Franz Hasenöhrl, passando pelo conhecido Quinteto com Trompa, de Mozart e seguido por outros compositores bem diversos. Cada peça tem uma diferente distribuição de instrumentos tornando a audição bastante interessante. Mais um disco para a coleção do conjunto como nome de objeto matemático…
Composto por músicos de renome internacional, o conjunto musical Sequência Fibonancci distingue-se pela variedade e imaginação da sua programação. Aqui, eles exploram o repertório de trompa com o membro fundador e renomado trompista Stephen Stirling como músico de câmara.
Ricahrd Strauss (1864 – 1949)
Till Eulenspiegel einmal anders!
(arranjo de Franz Hasenöhrl, para violino, contrabaixo, clarinete, fagote e trompa)
Till Eulenspiegels lustige Streiche
Alexander Glazunov (1865 – 1936)
Idyll, para trompa e quarteto de cordas
Idílio
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Quinteto para trompa e cordas em mi bemol maior, K407
Allegro
Andante
Allegro
Charles Koechlin (1867 – 1950)
Quatre Petites Pièces
Andante
Très modere
Allegretto
Scherzando
Carl Nielsen (1865 – 1931)
Serenata in Vano, para violoncelo, contrabaixo, clarineta, fagote e trompa
Se você não conhece pelo menos superficialmente os principais acontecimentos da vida de Xiao-Mei, deve procurar saber. Ela cresceu durante a Revolução Cultural Chinesa e para seguir sua vocação de pianista precisou passar por várias vicissitudes, até estabelecer-se como como uma grande artista. Ela dedica-se à obra dos compositores que mais admira, como Scarlatti, Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert e Schumann. A obra de Bach está no centro de suas atenções, especialmente os grandes ciclos, como o Cravo Bem Temperado, as Partitas e as Variações Goldberg.
Aqui ela interpreta duas lindas obras de Robert Schumann num belo disco, romântico, mas delicado. Em seguida alguns trechos tirados do livreto que acompanha os arquivos musicais, traduzidos pela inteligência artificial (…)
Sobre as Cenas Infantis: Eu tinha apenas três ou quatro anos na época, mas me lembro muito bem. Foi no nosso apartamento em Pequim. Naquela tarde desabou uma tempestade sobre a cidade. Minha mãe não pode sair. Ela sentou-se ao piano e tocou para mim o Träumerei (Sonhando), das Cenas Infantis (Kinderszenen). Isso teve um impacto enorme em mim! Eu acho que foi naquele momento que minha mãe entendeu que eu também tinha um sonho: tocar piano e ser músicista. Esta é uma obra que passei a tocar desde muito cedo e com a qual cresci.
Sobre as Danças dos Companheiros de Davi: Se foi Kinderszenen que deu origem à minha vocação musical na China, Davidsbündlertänze foi a primeira grande composição que trabalhei quando emigrei para o Ocidente, para os Estados Unidos. E, da mesma forma, nunca parei de toca-la desde então. Para mim, é a obra na qual Schumann abre o seu coração mais completamente. Com o Davidsbündler – os ‘Companheiros de David’ – e através do fluxo constante de artigos por ele publicados, Schumann declarou guerra a todos os compositores que pensava serem superficiais ou reacionários. O que ele queria era colocar a poesia, em toda a sua grandeza, mais uma vez, no coração da música. Ao mesmo tempo estava a ponto de ganhar a mão de Clara. O resultado de tudo isso foi um trabalho no qual Schumann realmente queria mostrar ao mundo tudo o que era capaz. A obra é um incrível caleidoscópio de sentimentos e emoções. Na minha opinião, Schumann nunca mostraria tanta versatilidade de novo . . .
Sobre o compositor: [Entrevistador]: Como você vê a influência de Bach em Schumann? [Z X-M]: Na minha opinião, ele foi talvez o melhor aluno que Bach já teve e, de qualquer forma, o mais original. Schumann é um compositor de sonhos e poesia. Muitas vezes, em um sonho, nossas ideias se chocam umas com as outras, algumas desaparecem, outras passam do primeiro plano para o fundo e vice-versa. Schumann transmite essas diferentes camadas de consciência, como se poderia chamá-las, por meio da polifonia, a grande tradição polifônica derivada de Bach.
This is beautiful, moving playing: As always with this superb musician she makes the music sing. This is beautiful, moving playing. A true artist who sounds like no one else yet always convinces me of the music. This may be Schumann’s most personally revealing piece and she seems to reveal the man behind the music. Kevin M. Moore
Ravishing and illuminating: Fabulous. Sensitive rendering of beautiful pieces. Miss Zhu Xiao-Mei has a tender and delicate approach which speaks straight to the soul! However, don’t be fooled. She can also be forceful and intense when required, revealing the depths of Schumann’s complexity which is underrated, in my opinion. I think there’s something enchanting about her playing. Anônimo
