Ano novo, disco novo! O disco é de 2022 e tem muitas virtudes: ótimo solista e excelente orquestra. A escolha do repertório também. Cheguei a ele atraído pelo Concerto para Viola, que conhecia de um disquinho produzido pela Naxos. E o concerto está renovado neste disco, como que renascido. Há na parte de trás do disco um texto mencionando o pioneirismo de Telemann ao escrever música para solo de viola. Pois ouvindo tudo, lembro também a enorme habilidade que ele tinha de encontrar uma melodia adequada para cada instrumento.
Antoine Tamestit
O programa também nos oferece uma boa variação. Temos duas suítes orquestrais com música colorida e com um certo sabor exótico, uma sonata para duas violas e duas fantasias escritas para violino solo, arranjadas para viola pelo solista, Antoine Tamestit. Para fechar o programa, um concerto para duas violas.
Antoine Tamestit atua como músico de câmara, fazendo parte de um Trio de Cordas, com o violinista Frank Peter Zimmermann e com o violoncelista Christian Poltéra, com os quais gravou trios de Mozart e Beethoven. Tem atuado com a Akademie für Ancient Musik Berlin, participando da gravação dos Concertos de Brandemburgo. Antoine também gravou um concerto para viola escrito para ele pelo compositor contemporâneo Jörg Widmann. Este disco eu não ouvi, mas fiquei curioso.
Georg Philipp Telemann (1681 – 1767)
Overture (Suite) TWV 55:B8 em si bemol maior para cordas e b.c. ‘Ouverture burlesque’
Ouverture. Lentement – Vif – Lentement
Scaramouches. Vite
Harlequinade. Plaisant
Colombine. Con grazia
Pierrot. Vite
Menuet I – Menuet II. Vivement
Mezzetin en Turc. Très vite
Concerto TWV 51:G9 em sol maior para viola, cordas e b.c.
Largo
Allegro
Andante
Presto
Sonata en Canon TWV 40:121 em ré menor
Vivace ma moderato
Piacevole non largo
Presto
Fantasia para solo de violino No. 2 em sol maior, TWV 40:15
arr. for viola: Antoine Tamestit
Largo
Allegro
Allegro
Overture (Suite) TWV 55:g2 em sol menor para cordas e b.c. ‘La Changeante’
Overture. Lentement – Vite – Lentement
Loure
Les Scaramouches. Vitement
Menuet I – Menuet II. Doux
La Plaisanterie
Hornpip
Avec douceur
Canarie
Fantasia para solo de violino No. 1 em si bemol maior, TWV 40:14
Arr. for viola: Antoine Tamestit
Largo
Allegro
Grave
Allegro da capo
Concerto TWV 52:G3 em sol maior para duas violas, cordas e b.c.
Avec douceur
Gaÿ
Largo
Vivement
Antoine Tamestit, viola
Sabine Fehlandt, segunda viola (Sonata e Concerto)
A precursor in this field as in so many others, Telemann gave the viola its very first masterpieces, immediately establishing it as a solo instrument in its own right.
Alongside Sabine Fehlandt and the musicians of the Akademie für Alte Musik Berlin, Antoine Tamestit pays splendid tribute to this pioneering music, which blends melodic charm and contrapuntal rigour into an organic whole.
Este disco contém três cantatas para solo de baixo. Duas delas são espetaculares – BWV 56 e 82. Pesquisadores acreditam que ambas foram escritas para o mesmo solista, um estudante de direito em Leipzig, chamado Johann Christian Samuel Lipsius.
Eu tenho uma forte predileção pela Cantata BWV 82 e acho que o Johann Sebastian também tinha. Há quatro versões dela e a ária ‘Schlumert ein’, uma das mais bonitas que ele escreveu, também aparece em um caderno de música de Anna Magdalena Bach. É uma linda canção de ninar. Mas, um aviso aos navegantes, Albert Schweitzer a chamava Canção de Ninar para o Sono Eterno! Isso é porque toda a cantata reflete a perspectiva que o ambiente onde Bach vivia tinha sobre a morte – Ich habe genug –, o título e primeira frase da cantata, é algo assim como ‘Já deu para mim’. A morte era a passagem do misere terrestre, com dores e furúnculos, para o alívio e descanso eterno. Bom, muito o que pensar aqui, mas vamos a música, que é ótima!
Greco dando uma força para os baixos do Coral do PQP Bach em uma apresentação dia destes…
O solista do disco da postagem é australiano – David Greco – e completou sua formação na Holanda, onde colaborou com o pessoal do Luthers Bach Ensemble desde a sua formação. Assim, apesar de bastante jovem, ele é muito experiente para interpretar estas grandes obras.
Eu sei que este repertório já foi gravado por muitos cultuados intérpretes. Eu particularmente gosto das interpretações (bastante diferentes) de Olaf Bär, Thomas Quasthoff e Peter Kooy. Mas deixem essas feras guardadas e aproveitem esta beleza de disco. Ouça como a escolha de instrumentos dedilhados para reforçar o baixo contínuo torna esta gravação ótima.
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Cantata BWV 82 ‘Ich habe genug’
Ich habe genug
Ich habe genug! Mein Trost ist nur allein
Schlummert ein, ihr matten Augen
Mein Gott! Wann kömmt das schöne
Ich freue mich auf meinen Tod
Cantata BWV 158 ‘Der Friede sei mit dir’
Der Freide sei mit dir
Welt, ade, ich bin dein müde
Recitative and Arioso. Nun Herr, regiere meinen Sinn
Hier ist das rechte Osterlamm
Cantata BWV 56 ‘Ich will den Kreuzstab gerne tragen’
A primeira obra para órgão de Bach que ouvi foi a Toccata e Fuga em ré menor, interpretada pelo enigmático Capitão Nemo, no filme 20 000 Léguas Submarinas.
É claro, há a versão orquestrada no Fantasia, o famoso filme de Walt Disney, mas hoje estamos falando de órgão. Esta obra, apesar de ser uma das mais populares peças de Bach, assim como o coral Jesus, Alegria dos Homens e a tal Ária na Corda Sol, pode até ter nascido como uma peça para violino e há alguma dúvida se seria mesmo da autoria do grande compositor.
Não há muito o que se preocupar, apenas aproveite esta boa música, intensa e tão bem interpretada aqui pelo Simon Preston.
Simon prestando muita atenção aos pedidos feitos pelos nossos seguidores…
No entanto, devo dizer que cheguei a este disco em busca de outra peça, esta sim de Bach, as Variações Canônicas sobre o Hino de Natal ‘Vom Himmel hoch, da komm’ ich her’, BWV 769. Andava as voltas com o texto da última postagem de A Arte da Fuga e acabei mencionando-a. De enfiada, fui buscar alguma gravação para ouvir e lembrei-me dos discos gravados pelo ótimo Simon Preston, dos quais já postamos dois (1 & 2). O editor chefe postou uma antologia da série que pode ser acessada aqui.
Mas, voltando ao disco desta postagem, além das já mencionadas Toccata e Fuga e Variações Canônicas, há ainda outras excelentes peças. Destaque para a Fantasia e sol maior, que é uma delícia de se ouvir, e a última peça do disco, a imponente Prelúdio e Fuga ‘St. Anne’.
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Toccata e Fuga em ré menor, BWV565
Toccata: Adagio
Fuga
Fantasia em sol maior, BWV572
Très vitement
Gravement
Lentement
Variações Canônicas sobre o Hino de Natal ‘Vom Himmel hoch, da komm ich her’, BWV769
Variatio 1: Nel canone all’ottava
Variatio 2: Alio modo, nel canone alla quinta
Variatio 3: Canone alla settima
Variatio 4: Per augementationem. nel canone all’ottava
Variatio 5: L’altra sorte del canone al rovescio: 1) alla sesta, 2) alla terza, 3) alla seconda e 4) alla nona
O ano 2021 não terminou, mas esperneia seus últimos dias, o Natal já é folhinha arrancada do calendário. Eu olho a lista de decisões para o próximo ano e vejo: ouvir a Arte da Fuga, muitas vezes!
Entre as obras de Bach, esta é certamente uma das mais enigmáticas e, por isso, há fake news em torno dela.
Uma delas é a romântica visão de Johann Sebastian, já em ânsias de morte, escrevendo ainda uma fuga e sendo arrebatado pela süsse Tod, deixando-a assim, inacabada. Ou seja, como há uma fuga inacabada, fica a impressão que esta tenha sido a última obra composta por ele. Na verdade, a composição da Arte da Fuga remonta aos anos iniciais de 1740, o mesmo período de outras obras mais abstratas, Clavierübung, Cravo Bem Temperado e Variações Goldberg. Os últimos esforços de Bach foram para a publicação destas obras.
Outra questão foi mencionada pelo leitor Mario Olivero em sua resposta deixada nos comentários da postagem A Arte da Fuga/Le Consort de Violes des Voix Humaines sobre qual instrumento deveria ser usado na execução da obra, ou mesmo se a mesma teria sido escrita para ser executada ou apenas ‘lida’.
Essa pergunta se deve ao fato de a obra ter sido publicada sem qualquer indicação além das notas. Este tipo de escrita musical era usado para complicadas peças para órgão desde o século anterior. O próprio Bach havia publicado as Variações Canônicas sobre Vom Himmel hoch, BWV 769, primeiro nesta forma e posteriormente numa versão ‘executável’.
Acredito que Johann Sebastian muito apreciaria ver sua obra sendo executada e eu gosto de ouvi-la nas mais diferentes maneiras. Se bem que tenho uma certa predileção pelas gravações feitas ao piano. A menção da obra nos comentários mencionados certamente me colocou em boa disposição para audições e fui então mexer em meus guardados. Foi assim que cheguei a esta gravação, feita pelo Evgeni Koroliov. Algumas de suas gravações de outras obras (partitas, suítes francesas…) haviam me deixado um pouco reticente e só agora realmente ouvi a Arte da Fuga. Pois fui gostando um pouquinho mais a cada audição, tanto que decidi postá-la.
Nesta gravação, as fugas (contrapontos) estão dispostas em sequência e intercalados vez ou outra pelos cânones. A faixa 20, Fuga à 3 soggetti (Contrapunctus XIV) é aquela que Bach deixou inconclusa. As duas últimas faixas tocam após uma pequena pausa, com duas fugas para quatro mãos (2 claviere) que Bach deixou como fugas alternativas. Nestas peças Koroliov é acompanhado por Ljupka Hadzi-Georgieva.
Acho que nos próximos dias ouvirei as suas outras gravações novamente. Veremos…
Johan Sebastian Bach (1685 – 1750)
A Arte da Fuga
Contrapunctus I
Contrapunctus II
Contrapunctus III
Contrapunctus IV
Contrapunctus V
Contrapunctus VI à 4 in stylo francese
Canon allà ottava
Contrapunctus VII à 4 per augmentationem et diminutionem
Canon per augmentationem in contrario motu
Contrapunctus VIII à 3
Contrapunctus IX à 4 alla duodecima
Contrapunctus X à 4 alla decima
Contrapunctus XI à 4
Canon III alla decima in contrapunto alla terza
Contrapunctus XII à 4 in forma rectus
Contrapunctus XII à 4 in forma inversus
Contrapunctus inversus XIIIa à 3 forma recta
Contrapunctus inversus XIIIb à 3 forma inversa
Canon IV alla duodecima in contrapunto alla quinta
Gyorgy Ligeti said “if I am allowed only one musical work on my desert island, then I should choose Koroliov’s Bach, because forsaken, starving and dying of thirst, I would listen to it right up to my last breath.”
That’s written on the back of this CD package. What’s inside the package totally justifies the hyperbole. It is, in fact, one of the rare performances of Art of Fugue that truly transcends the idea that it is a work more for the eye and brain than the ear and heart.
This is playing of thoughtful mastery, profound and supremely articulated. As with Gould, there’s a strong personality at work, but this one is a bit less impious. Koroliov’s WTC and Goldbergs are excellent but this is his finest recording.
Qual é o limite entre música de câmara e música orquestral? Uma forma bem simples de decidir a questão é considerar o número de instrumentos usados na apresentação e estabelecer a fronteira – um noneto ainda seria música de câmara? Isso sem falar nas obras escritas para orquestra de câmara e toda a música escrita no período que vagamente denominamos ‘barroco’.
No entanto, há outros aspectos que transcendem o número dos instrumentos e que se refere à natureza da própria música. Quantos são os comentários que tratam das ‘dimensões orquestrais’ de certas sonatas para piano de Beethoven ou das ‘características camerísticas’ de algumas obras orquestrais de Mahler?
Como tudo na vida e em especial na música, a tentativa de rotular e estabelecer compartimentos estanques para colocar as coisas (e, pior ainda, as pessoas) sempre encontrará contraexemplos e deve ser tomado no sentido mais flexível possível.
Dia destes postei um disco com ‘reduções’ de obras orquestrais para conjuntos camerísticos – disco no qual se destacavam os nomes do Quarteto Arditti e de Arnold Schoenberg. O disco desta postagem vai na outra direção, onde temos arranjos para conjuntos maiores de obras originalmente escritas para conjuntos de câmara.
O arranjo de Quarteto Serioso, de Beethoven, feito por Mahler para orquestra (completa) de cordas foi destinado a um concerto com a Wiener Philharmoniker em 1899, a mesma orquestra desta gravação. Mahler fez arranjos e ajustes em obras que ele acreditava poderem atingir desta forma toda a sua potencialidade, levando em conta os recursos de sua magnífica orquestra. Imagine o tamanho do desafio colocado às cordas da orquestra, de manter o equilíbrio de música de câmera e a mesma agilidade esperada de um conjunto com poucos elementos, acrescentando o brilho e o volume possíveis de alcançar com a nova formação. Será que eles conseguiram em 1899 e nesta gravação? Você poderá julgar, pelo menos a segunda possibilidade.
De natureza um pouco diferente é a orquestração feita por Schoenberg do Quarteto com Piano de Brahms. As razões que o levaram a tal empreitada foram dadas por ele mesmo em uma carta escrita ao crítico americano Alfred Frankenstein: 1) Eu gosto desta peça; 2) Ela é raramente apresentada; 3) É sempre muito mal tocada, pois quanto melhor o pianista, mais alto ele toca e você nada ouve das cordas. Eu queria pelo menos uma vez ouvir tudo, e isto foi alcançado.
Apesar do uso de uma orquestra moderna, com muita percussão, incluindo xilofone, e novidades como glissando de trombone, a proposta de Schoenberg foi de ‘permanecer estritamente no estilo de Brahms’. Será que ele conseguiu? O que esta gravação nos diz?
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Quarteto de Cordas em fá menor, Op. 95
Arranjo para Orquestra de Cordas feito por Gustav Mahler (1860 – 1911)
O regente, Christoph Dohnányi, é alemão de origem húngara e nasceu em 1929. É neto do pianista e compositor Ernö Dohnanyi e fez sua carreira passando pelas posições de assistente e diretor nas casas de ópera e balés. Recebeu apoio de George Solti e teve importantes posições como Diretor de Ópera de Hamburgo e Frankfurt. Atuou também por bom tempo com a Cleveland Orchestra, da qual é Music Director Laureate.
Gramophone: Dohnanyi’s performance is lucid, transparent and generally well played – especially by the strings. The sound is pleasingly luminous…
Para responder a um debate sobre qual gravação das Partitas devemos preferencialmente ouvir – piano ou cravo – parti em busca das mais sensíveis testemunhas para debelar a questão por meio de um bem conduzido experimento.
Aproveitei o ambiente de trabalho, já que estes dias tenho dividido o escritório com minha cara metade, e tasquei o som, primeiro piano, depois o cravo. É claro, para manter a experiência sem qualquer interferência do experimentador, nada sobre isso falei para a minha querida, mas de quando em vez observava as reações dela pelos cantos dos olhos, enquanto as gravações se sucediam. É verdade que ela já está acostumada às minhas esquisitices, passou um bom pedaço de inverno ouvindo uma enfiada de sinfonias de Bruckner, e não demostrou outro sentimento que não fosse de satisfação com a música. Sendo assim, dei o experimento como inconclusivo e levei o exercício para o próximo estágio.
Neta chorando no colo, muito calor, liguei o ventilador e música no ambiente. Pasmem vocês, temos um vencedor, pelo menos até que novo debate se acenda no Grupo de WhatsApp dos blogueiros e amigos do PQP Bach. A coroa de louros vai para a gravação feita já há alguns anos (2001) pelo conhecido regente, cravista e organista, Masaaki Suzuki. Louros e direito à súbita postagem. A neném parou de chorar e adormeceu lá pela sarabanda da Primeira Partita e assim continuou até quase toda a Terceira Partita, que a segue no primeiro dos dois CDs.
Masaaki Suzuki talvez seja agora mais conhecido pelas suas gravações das Cantatas e outras obras corais de Bach, mas sua formação original foi como organista, estudando com Tsuguo Hirono. Também estudou cravo com Motoko Nabeshima. Em 1979 foi aperfeiçoar-se em Amsterdã, cravo com Ton Koopman e órgão com Piet Kee.
Eu certamente acredito que a qualidade da gravação, com produção exemplar do selo BIS, muito influiu para o sucesso de meus experimentos e vou continuar ouvindo esta gravação muitas vezes. Sugiro que você faça suas próprias experiências, ouvindo tanto o Suzuki quanto o Pinnock, para cravo. Ou ainda, o Esfahani. Se tiver dúvidas e quiser tentar gravações ao piano, pode incluir a segunda da Angela Hewitt e também a do articulado pianista Igor Levit, assim como Murray Perahia (I e II). Depois me conte…
If you like a bold harpsichord sound, this very realistic BIS disc should provide great satisfaction, for Suzuki’s Bach perceptions are fully revealed here and he plays thoughtfully, commandingly and spontaneously. [Penguin Guide to Recorded Classical Music – 2009]
Eu não senti a falta do livro de ouro nestes dias que antecederam mais este Natal com distanciamento social. Se bem que o tal distanciamento tem encurtado muito pra meu gosto e o social está em plena expansão…
O desfile de letras gregas continua, para a minha enorme preocupação, mas se você está lendo estas linhas, é véspera de Natal ou mesmo o próprio dia de Natal de 2021, o segundo que vivemos sob a sombra da pandemia.
A ocasião é propícia para uma avaliação do que temos feito de nossos dias e eu posso dizer que tenho me esforçado para fazer bom uso de todos os recursos, que são cada vez mais limitados. Busco ouvir apenas os discos mais promissores, progredi bastante nas técnicas de preparação para atividades a distância – síncronas ou assíncronas. Tenho tentado aplicar os três res: reuse, reduza e recicle!
Finalmente retomei alguma atividade física prazerosa – tênis uma vez por semana. Na primeira vez quase morri e lembrei-me da cena do filme em que Nick Nolte faz um jogador de futebol americano acordando num dia pós-jogo. Ainda bem que o tênis não é um dos chamados jogos de contato físico, limitando-se ao contato da bolinha com a raquete.
E você? O que tem feito de seus dias? Muito fb e poucas leituras? Maratonando aquelas séries ou maratonando as Sinfonias de Bruckner? Seja lá como for, espero que encontre um equilíbrio e que tenhas conseguido adentrar a lista de Papai Noel!
Para garantir, preparei aqui este presente natalino, uma gravação do Messias, Messiah, como quiser. A Emmanuelle Haïm tem todas as credenciais e qualificações para a obra. Ótima regente de coro e orquestra, acompanha os cantores maravilhosamente e tem muita experiência com a obra de Handel. Isso a permite até algumas liberdades e como o Messias é uma obra que foi apresentada muitas, muitas vezes, mesmo ao longo da vida do compositor, há muitas variantes. Portanto, você terá a oportunidade de ouvir tudo novamente.
A orquestra no melhor estilo ‘quem …. ?’
Eu gosto especialmente dos coros. Nem precisa mencionar o Hallelujah, ainda no primeiro disco você ouvirá o His yoke is easy, his burthen is light, mas o que me emociona sempre é o For unto us a child is born! O segundo arquivo começa com o assertivo Surely He hath borne our grifes, continua com outro coro, And with His stripes we are healed, que se completa com o delicioso All we, like sheep, have gone astray. Mas há árias, para tenor, contralto, soprano e baixo. Maravilhosas. O dueto O death, where is thy sting já prenuncia a vitória do Senhor sobre a morte. É verdade que no Natal celebramos o nascimento de Jesus, mas impossível não associar sua passagem por aqui sem considerar a morte e a ressurreição. Eis uma boa mensagem para todos aqui, seja qual for a sua fé ou mesma a sua não fé. Enquanto isso, vamos de boa música. Eu mesmo não me envergonho de quando em vez tirar um pequeno cisco do olho quando ouço esta música.
Bem não estou falando do austríaco fortão que ficou famoso como fisiculturista e ator, chegando a ser o governador da Califórnia, mas sim do outro Arnold, o Schoenberg, inventor de uma maneira totalmente nova de compor.
Podemos dizer que Arnold Schoenberg foi o compositor mais estudado e falado do século 20, mas também teve sua música bem pouco executada. Uma de suas peças bem conhecidas é o Sexteto de Cordas Verklärte Nacht (Noite Transfigurada), escrita em 1899 e se enquadra perfeitamente ao lado das peças da época – do romantismo tardio de Richard Strauss, por exemplo. Mesmo esta, que hoje poderíamos considerar peça comum nos programas de concertos e discos, foi recebida com pouco entusiasmo nos dias de sua composição.
Auf Wiedersehen, baby!
Nesta época de vacas magérrimas, no primeiro quarto do século 20, quando sua própria música não tinha qualquer chance de ser executada, Arnold fez muitas adaptações e arranjos de música de outros compositores, regeu coros amadores e até orquestrou algumas operetas para compositores muito ocupados… Tudo para colocar das Brot auf den Tisch. Obras do escopo de Guerrelied estavam a caminho, mas tiveram que esperar. Quem sabe algum dos nossos colaboradores mais versados nas obras deste compositor e de seus discípulos se anime e prepare assim uma cesta básica para a iniciação nessas obras.
A motivação da postagem de hoje – 23 de dezembro de 2021 – é ilustrar uma parte mais intimista e mais acessível do Arnold, além de apresentar uma peça que estreou exatamente 100 anos atrás, no dia 23 de dezembro de 1921, a Weihnachtsmusik.
Além de compositor, Arnold fazia auto-retratos…
Como era essencialmente impossível ter suas peças apresentadas regularmente em Viena, no início do século 20, Schoenberg fundou em 1918 uma Sociedade para Performances Musicais Privadas, que oferecia concertos semanais de música de câmara para audiências que se subscreviam e estavam interessadas nas novidades.
As peças eram compostas ou arranjadas para os programas e estes arranjos eram feitos por diversos músicos, pois que havia um espírito de coletividade pairando sobre a sociedade, tudo sob a liderança do Arnold.
Este disco é uma boa mostra do que ocorria nestes concertos: obras de Mahler e Busoni ao lado de valsas de Strauss, Johann Strauss II. Com destaque para esta linda peça que Arnold compôs de olho no Natal de 1921.
Feliz Natal!
Arnold Schoenberg (1874 – 1951)
Weihnachtsmusik, para harmônio, piano e quarteto de cordas
Gustav Mahler (1860 – 1911)
Lieder eines fahrenden Gesellen
(arr. A. Schoenberg voz, piano, flauta, clarinete, harmônio e quarteto de cordas)
I Wenn mein Schatz Hochzeit macht
II Ging heut’ morgen ubers Feld
III Ich hab’ ein gluhend Messer
IV Die zwei blauen Augen
Ferrucio Busoni (1866 – 1924)
Berceuse élégiaque, Op. 42
(Arranjo para harmônio, flauta, piano, clarinete e quarteto de cordas)
Johann Strauss, II (1825 – 1899)
Kaiser-Walzer, Op. 437
(arranjo para piano, flauta, clarinete e quarteto de cordas)
Rosen aus dem Süden, Op. 388
(Arranjo para piano, harmônio e quarteto de cordas)
Quarteto Arditti apresentando um programa com peças de Kurtág e Ligeti no Salão Dourado do PQP Bach Building de San FranciscoArnold, quando soube da postagem…
Semana cheia, muitos compromissos e Natal se aproximando – já quase dá para ouvir os sininhos das renas de Papai Noel! Não tem sobrado muito tempo para ouvir música, mas para o que gostamos, sempre se dá um jeito…
Na esteira do Concerto para Violoncelo de Shostakovich, continuei a explorar a música para violoncelo e orquestra de compositores russos e dei com meus costados neste disco espetacular. Gostei tanto que comecei a preparação da postagem, deixando a tradicional busca nos vaults da corporação para saber se ele já havia sido postado para depois. Pois lá estava, com a tradicional verve do nosso editor-chefe e o carimbo iso-PQP Bach de qualidade: IM-PER-DÍ-VEL !!!
PQP Bach menciona que Han-Na Chang superou Rostropovich nesta gravação. Bem, vale a pena dizer que a moça estudou bastante e teve aulas diretamente com Misha Maisky, que foi aluno de Rostropovich. Em 1994 ela ganhou o Quinto Concurso Rostropovich de Violoncelo e passou a estudar diretamente com ele. Assim, a moça fez sua lição de casa…
A Sinfonia Concertante, obra comum aos dois discos da postagem, foi escrita entre 1950 e 1952 como uma completa revisão do Concerto para Violoncelo, op. 58, composto entre 1933 e 1938.
Rostropovich dando umas dicas para o Prokofiev
Prokofiev ouviu em 1947 um jovem violoncelista de 25 anos interpretar seu concerto e gostou tanto que prometeu rever a obra para ele. É claro, o violoncelista era Mstislav Rostropovich e o resultado da promessa a Sinfonia Concertante.
Basicamente, uma sinfonia concertante é um concerto para um ou mais instrumentos que atuam como solistas, mas também se misturam sinfonicamente na textura musical mais ampla. Esse gênero musical deriva em parte dos concerti grossi do período barroco e floresceu na França nos dias de Devienne, Gossec e Playel. Nosso irmão de Londres, o Johann Christian Bach compôs obras desta natureza que eram apresentadas em Londres pela orquestra dos concertos da dupla Abel-Bach. Mozart certamente conhecia estas obras e escreveu uma obra-prima no gênero. Quando Papa Haydn andou por Londres, foi jogado em um ringue pela imprensa local, tendo no outro corner um dos seus ex-alunos, o já mencionado Ignaz Playel. Qual deles seria o campeão das sinfonias concertantes. Pois não é que o idoso compositor levou o cinturão com a sua Sinfonia-Concertante…
Apesar da terminologia, as sinfonias concertantes dos compositores mais recentes se colocam em seus próprios termos e há algumas gemas que merecem ser devidamente exploradas, assim como esta obra de Prokofiev.
Sergei Prokofiev (1891 – 1953)
Sinfonia Concertante em mi menor para violoncelo e orquestra, Op. 125
Andante
Allegro giusto
Andante con moto
Sonata em dó maior para violoncelo e piano, Op. 119
Andante grave – Moderato animato – Andante grave, come prima – Allegro animato
Moderato – Andante dolce – Moderato primo
Allegro, ma non troppo – Andantino – Allegro, ma non troppo
Chang and Pappano offer a fiercely communicative Symphony-Concerto and an equally distinctive, though more conventionally ruminative account of the Sonata. […] The cellist is placed closer than would be the case in live concert, but such technically invulnerable playing can take it.
Han-Na Chang’s disc is quite superb. [The Gramophone Classical Music Guide 2010]
Sergei Prokofiev (1891 – 1953)
Concerto em mi menor para violoncelo e orquestra, Op. 58
Whatever conclusions one draws from a direct comparison between the two works, there is little doubt that Alban Gerhardt is equally committed to both. [BBC Music Magazine 2009]
Matching menace with intense lyricism, these performances of two closely related works are compelling. Alban Gerhardt…can convey the lyrical lines mellifluously and also whet his cutting edge when the composer is at his most acerbic. [The Daily Telegraph 2009]
Cellista que cuida de seu pet tem postagem garantida aqui no PQP Bach!
Mais um destes discos que poderia passar por baixo do radar, especialmente se você está em busca de discos com selos de renome, música sinfônica ou intérpretes com nomes arrasa-quarteirão, os blockbusters!
Este aqui foi produzido pelo selo DUX e gravado no Krzysztof Penderecki European Music Center, em Lusławice, sob o apadrinhamento do diretor do Centro, Adam Balas.
O pessoal do Gruppo di Tempera dando uma palhinha no Festival PQP Bach de Música de Vento, em Pelotas
O Gruppo di Tempera é formado por músicos poloneses com o propósito de interpretar as lindas peças para conjuntos de sopros, eventualmente acrescido de um piano. Você pode saber mais sobre eles acessando a página do conjunto no facebook ou aqui.
Pois nada mais adequado do que um programa com música francesa – com muita tradição neste gênero. Os quatro compositores são praticamente contemporâneos e o disco todo é muito bom. Eu ouvi diversas vezes, mas esta manhã de domingo combinou especialmente bem com essa música. Não está muito quente e a preguiça permitiu ouvir sem pressa cada pedacinho, uma boa surpresa depois da outra.
Um gigante, o Francis…
O Sexteto do Poulenc é bem conhecido, mas os outros compositores são menos divulgados. As três peças de Jacques Ibert são deliciosas e eu adorei o nome da suíte do Darius Milhaud: Le cheminée du Roi René. Estas duas peças são típicas do que se chama neoclassicismo. Da música de Ibert o libreto menciona que reúne uma mistura de racionalismo, humor, perspicácia, extravagância e refinamento! A suíte de Milhaud é um arranjo de música escrita para um filme de Raymond Bernard, Cavalcade d’amour, para o qual também contribuíram outros compositores. Os nomes dos movimentos são uma alusão à um período antigo. Para completar o disco, a peça de Françaix, L’heure du berger é um pouco programática – com muito humor descreve personagens típicos de um café parisiense. Começando com Les vieux beaux, envelhecidos dândis presos ao passado, passando para as Pin-up girls, mulheres de posters dos anos 1940, com largos sorrisos e poucas roupas, sedutoras. Termina com Les petits nerveux, um rondó que acaba abruptamente.
Francis Poulenc (1899 – 1963)
Sexteto para flauta, oboé, clarinete, trompa, fagote e piano, Op. 100
Allegro vivace: Tres vite et emporte
Divertissement: Andantino
Finale: Prestissimo
Jacques Ibert (1890 – 1962)
Três peças breves para flauta, oboé, clarinete, trompa e fagote
Como ficou o pessoal do GT quando soube o número de acessos ao blog desde que a postagem foi ao ar…Darius explicando calmamente para a banda formada pelo pessoal do PQP Bach que eles precisam ensaiar um pouco mais…
Quando consideramos sonatas para piano, as peças de Beethoven vêm logo à mente, pois que formam um conjunto formidável de obras-primas, que foi construído ao longo de toda a vida produtiva do compositor. Além disso, como Beethoven produziu suas obras depois de Mozart, pode se ter a primitiva imagem que suas obras são, em algum sentido, melhores ou mais difíceis. Mas, uma viagem pela obra de Wolfgang, seja como ouvinte ou como intérprete, pode revelar que as questões podem ser bem mais difíceis de resolver.
As sonatas de Mozart oferecem desafios e tanto a quem se disponha interpretá-las e a escolha da gravação mais satisfatória pode ser muito divertido.
Mesmo as sonatas produzidas no início de sua carreira de compositor, como a maravilhosa Sonata em mi bemol maior, K. 282 (ouça os primeiros compassos e perceberá que há muita coisa linda a ser desfrutada) ou a primeira ‘grande sonata’ em ré maior, K. 284 ‘Dürnitz’.
Após a série de sonatas clássicas do primeiro período, você terá pela frente obras igualmente originais e belíssimas, como a Sonata em lá maior, K. 331, que inicia com um conjunto de variações e termina com a Marcha Turca.
Em nossas páginas não faltam Sonatas para Piano de Mozart. Eu mesmo já postei a integral com a Klára Würtz (1, 2 e 3) e mais alguns discos avulsos com algumas das sonatas, com o Murray Perahia e com a Alicia de Larrocha. Nosso editor chefe recentemente repostou a integral com a pianista Maria João Pires, na gravação da DG. Pela enfiada de comentários – os leitores de antes eram bem mais loquazes e participativas… – podemos concluir que a postagem foi um enorme sucesso.
Apesar disso tudo, considerando que é Natal, tomei a brava iniciativa de postar o ciclo completo (seja lá o que isso queira dizer) com a Mitsuko Uchida. Faço isso por amor que tenho às Sonatas do Wolferl e por que a interpretação da Uchida oferece uma opção que demanda ser ouvida por novos e não novos amantes da música de Mozart, inclusive em perspectiva das outras integrais mencionadas. Tudo isso sem entrar no mérito de comparações classificatórias, pois que já disse propriamente Stravinsky (ou seria Bartók?) que corridas são para cavalos…
Ah, já ia quase me esquecendo, faço isso também por que o BB pediu…
This is unfailingly clean, crisp and elegant playing, that avoids anything like a romanticised view of the early sonatas such as the delightfully fresh G major, K283. On the other hand, Uchida responds with the necessary passion to the forceful, not to say Angst-ridden, A minor Sonata, K310. Indeed, her complete series is a remarkably fine achievement, comparable with her account of the piano concertos. The recordings were produced in the Henry Wood Hall in London and offer excellent piano sound; thus an unqualified recommendation is in order for one of the most valuable volumes in Philips’s Complete Mozart Edition. Don’t be put off by critics who suggest that these sonatas are less interesting than some other Mozart compositions, for they’re fine pieces written for an instrument that he himself played and loved. [Gramophone Classical Music Guide]
Em uma crítica da gravação da Sinfonia No. 2 – Ressurreição – de Mahler, com a Philharmonia Orchestra regida por Otto Klemperer, encontra-se a frase ‘In this recording Klemperer rewards the composer’s faith with an interpretation of granite-like strenght, drawing magnificent performances from orchestra, chorus and soloists’.
A parte da frase ‘K rewards the composer faith…’ refere-se ao fato de que ambos terem se conhecido em Berlim, no início do século passado, justamente em uma apresentação da tal sinfonia. O jovem maestro Otto teria participado da apresentação e ganhou a simpatia do compositor, que lhe deu um ‘cartão de apresentação’, que Klemperer guardou por toda a vida. Mas, o que me chama a atenção na frase é a expressão ‘granite-like strenght’, referindo-se à interpretação de Klemperer.
Em uma outra crítica, esta sobre a Quinta de Beethoven, está a expressão ‘… with expositions repeats observed, this retains epic quality’. Esta qualidade épica nos diz bastante sobre o que se considerava uma ótima interpretação destas peças.
Outro nome que me ocorre ao considerar estas interpretações graníticas e épicas é o de Sergiù Celibidache, que não acreditava em gravações em estúdio, mas nos legou vários registros de suas interpretações feitas ao vivo.
Além de refletir o padrão das interpretações considerados de excelência, na verdade estas interpretações formavam estas opiniões, que permanecem em muitos até hoje.
A minha observação nesta postagem é a pergunta: Como os novos ouvintes, assim como os novos intérpretes, podem se afastar do passado glorioso e firmar seus próprios padrões?
Dausgaard regendo com vigor a PQP Bach Orchestra de Erechim
Pois bem, a melhor maneira de fazer isso é ouvir novas gravações, especialmente aquelas dos novos intérpretes, torcendo para que haja novas ideias. Eu sempre me interessei pelas novidades e fico feliz em ouvir novas abordagens para as obras que gosto. Foi com esta expectativa que saltei sobre este disco com a Terceira Sinfonia de Bruckner, a primeira que realmente chamou a atenção de um maior número de pessoas para as criações do Anton. As palavras encorajadoras de Wagner funcionaram como uma faca de dois gumes, uma vez que as opiniões sobre ele eram bastante polarizadas. A Sinfonia, no entanto, passou por várias cirurgias e há muitas edições. Este disco traz a primeira versão e assim é uma alternativa à gravação feita por Georg Tintner regendo a Scottish National Orchestra, para a Naxos, e a gravação feita por Rémy Ballot, regendo a Altomonte Orchester St. Florian (mais autenticidade impossível).
Verdade, eu falava em evitar comparações e imediatamente fico impressionado com a variação dos tempos entre essas três gravações e só por isso chego a mencioná-las.
Dito isso, vamos à música! Baixe o arquivo, ouça e depois me diga: do que gostou mais?
Anton Bruckner (1824 – 1896)
Sinfonia No. 3 em ré menor (Versão Original – 1873)
Não tá mole nem para o pessoal da Bergen Philharmonic Orchestra que precisa ir de metrô para o teatro…
Dausgaard explains the reason for his choice as follows: ‘The original version stands as a monolith … what you go through is musically so strong, swinging between timelessness and drive, despair and ecstasy, divine light and hellish fire, that in the end I feel you have to let yourself go and be won over by it.
Não se pode ter tudo neste mundo, mas aqueles que nascem em berço de ouro e fazem bom uso de seus talentos e oportunidades, conseguem ir bem mais longe.
Pois este foi o caso de Felix Mendelssohn, que nasceu talentoso e numa família rica. Mendelssohn foi compositor, pianista, regente, músico completo, além de bom desenhista e aquarelista. Estas últimas habilidades ele usou para retratar os lugares que visitou, como a Escócia e a Itália. Bem, fez isto também com a música. E qual pessoa neste mundo não reconhece, desde as primeiras notas e em qualquer arranjo que se apresente, a marcha nupcial que ele escreveu, parte da música incidental para a peça de William Shakespeare, Sonho de Uma Noite de Verão?
Vista de Florença – Aquarela de Mendelssohn
Este disco contém estas peças, a Abertura, que foi escrita antes, e as demais, além da ensolarada Sinfonia Italiana.
A gravação reúne a ótima Orchestra of the Age of Enlightenment, que usa instrumentos e práticas típicas da época em que as peças foram compostas, com a regência do experiente Sir Charles Mackerras. Tudo isto com a produção excelente do selo Virgin Veritas.
Sir Charles Mackerras regendo a Orquestra de Câmara PQP Bach de Pelotas…
I recommend this disc with all possible enthusiasm not only because of the superb playing, phrasing and sense of enjoyment, very characteristic of the intelligent conducting of Sir Charles Mackerras, but also because of the surprising benefits of listening to Mendelssohn on period instruments.
This 1988 recording is reproduced in clear and sparkling sound. (Meu Deus, já se passaram tantos anos…)
You should avoid it only if you absolutely cannot stand the sound of period instruments – but by all means hear it first. (Good advice!) Flyinginkpot
Mackerras directs fresh, resiliente, ‘authentic’-style performances of both the Symphony and the Midsummer Night’s Dream music. […] It is particularly good to have aa ophicleide instead of a tuba for Bottom’s music in the Overture, and the boxwood flute in the Scherzo is a delight. (This is what says the Penguin Guide to CDs. So, pay attention!)
Aproveite!
René Denon
Membros da OAE em foto mais recente
Se você gostou desta postagem, talvez queira visitar estas aqui:
Este é um disco que poderia facilmente ser deixado de lado, mas se você fizer isto, vai perder uma verdadeira pérola, uma belezura…
A capa poderia envolver música composta nos séculos XVII ou XVIII, mas as peças deste disco foram compostas na segunda metade do século XX. Uma, inclusive, é de 2002, no terceiro milênio.
A Suíte Antiga, para flauta, cravo e cordas, foi composta por John Rutter para o Britain’s Cookham Festival de 1979, para dividir o programa com o Concerto de Brandenburgo No. 5, o que influenciou a escolha dos instrumentos. A presença marcante da flauta faz pensar também na Suíte Orquestral No. 2. Rutter é conhecido por escrever música coral, mas aqui esbalda competência, criando uma linda peça. Aposto que você ouvira a Valsa – A Jazz waltz – e a Chanson mais de uma vez.
Eu conheço pouco a obra de Philip Glass, um compositor de música minimalista, mas entendi que neste Concerto para Cravo ele fez uma leitura moderna dos mestres do barroco. Particularmente bonito é o movimento ‘lento’.
A peça composta primeiro é a última no disco. Jean Françaix é um mestre da orquestração, com a expertise francesa para escrever para instrumentos de sopros, e com a leveza de um neoclassicista escreveu este lindíssimo concerto em 1959.
Christopher D. Lewis queria saber onde o pessoal do PQP Bach apara as madeixas…
O cravista Christopher D. Lewis nasceu no País de Gales, mas mudou-se em 2005 para o Canadá, para estudar com Luc Beauséjour e Hank Knox. Seu principal interesse, como fica evidente por este disco, é música moderna para cravo.
Ele tem uma excelente conexão com os músicos que o acompanham nesta gravação. Veja o que os críticos disseram: The WSCO deserves special praise under Kevin Mallon – balance is always an issue with a harpsichord, but those instances in this recording are scarce indeed. The orchestra is never too delicate, nor is it too hefty. Mallon deftly elicits warm, evocative performances from the orchestra while preserving the interplay, dialog, and cohesion of each work. (A WSCO com a direção de Kevin Mallon merece elogios especiais – equilíbrio com o cravo é sempre um problema, mas os exemplos nesta gravação são realmente escassos. A orquestra nunca é muito delicada, nem muito pesada. Mallon habilmente elicia performances calorosas e evocativas da orquestra, preservando a interação, o diálogo e a coesão de cada trabalho.)
Lewis wandering… Quando será que o pessoal do PQP Bach postará outro dos meus CDs?O cravo sorrindo para você!
BBC Music Magazine – Christmas Issue 2013: Typically adventurous, Naxos programmes Rutter’s pastoral prettiness with Glass’s insistent dancing patterns and Francaix’s lissom, quirky lyricism.
Gramophone – November 2013: [the Glass] makes for an understated and appealing piece, and one to which Christopher D Lewis is as responsive as he is to the other works here – sensitively accompanied by the West Side Chamber Orchestra under the attentive direction of Kevin Mallon…If the programme appeals, then there is no need to hesitate.
Aproveite!
René Denon
Rutter e seu pet… O PQ Bach apoia compositores que amam seus animais de estimação… especialmente quando sua música é boa…
Leipzig tinha uma tradição em música secular provida por diversas organizações – Collegia Musica – cujos membros eram estudantes da Universidade de Leipzig que desde os dias de Bach já era bem famosa.
Os diretores musicais da Igreja de St. Thomas também participavam dessas organizações. Duas se destacavam entre as demais: Collegium musicum fundado em 1702 por Georg Philipp Telemann e outra, fundada uns seis anos depois, por Johann Friedrich Fasch. Não é preciso dizer que esses grupos musicais guardavam rivalidades.
Com o passar do tempo e devido à dança das cadeiras dos empregos, o grupo criado por Fasch passou a ser dirigido por Johann Gottlieb Görner, diretor musical da Universidade, e o grupo criado por Telemann ficou aos cuidados de Balthasar Schott, organista da Neukirche. Schott havia se proposto ao cargo de Kantor de St. Thomas, mas esta posição ficou com Bach e Schott teve que se arrumar em outros empregos, ganhando bem menos. Ele também substituía Bach em muitas de suas ausências. É notório que o Conselho, que pagava o salário de Bach, viva às turras com ele.
Dorothea chegando para o concerto no Café PQP Bach de Erechim
Eventualmente Schott assumiu uma nova posição em Gotha e na primavera de 1729 Bach assumiu a direção do Collegium musicum, que se apresentava no Café Zimmermann. Os alunos que se apresentavam, durante o inverno, às sextas-feiras, das 6 às 8 da noite, não ganhavam muito, mas certamente ganhavam reconhecimento e perspectiva de emprego futuro. Nos meses mais quentes a música ganhava as ruas, era levada para fora, para os jardins do Café, para ‘frente do Portão Grimma, na estrada de pedra Grimma’, às quartas-feiras, de 4 às 6 da tarde. O dono do Café, Herr Gottfried Ziemmermann certamente ganhava com os lucros do Café, cuidava dos instrumentos e mantinha o Sr. João Sebastião feliz. E este mostrava todo o seu contentamento jorrando música excelente, como a que podemos ouvir neste disco.
Digamos que estava de passagem na cidade um (ou uma) flautista ilustre que foi convidada a se juntar ao Collegium, apresentando um programa que foi rapidamente montado pelo Sr. Ribeiro, com obras suas incluído flauta ou eventualmente oboé…
Leipziger Lerche
O Ensemble Barocksolisten München foi fundado em 2010 por Dorothea Seel e se apresentam como conjunto de câmera ou apresentam peças do tipo das que ouvimos aqui.
Se puder, imagine, ao ouvir este disco, que está no Café Zimmermann ouvindo este recital. Apesar de que durante a música o serviço era mantido com estrita discrição, você poderia querer aproveitar para conhecer algum dos famosos pratos do lugar, como o Leipziger Lerche.
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Concerto para oboé e violino em dó menor, BWV1060
Allegro
Adagio
Allegro
Concerto para flauta, violino e cravo em lá menor, BWV1044
Allegro
Adagio ma non tanto e dolce
Tempo di alla breve
Suíte Orquestral (Abertura) No. 2 em si menor, BWV1067
Calma, não são mais usadas cotovias para produzir a iguaria. E certamente não poderia faltar uma boa xícara de café… Mas, sobre isto, talvez em alguma outra postagem.
The catalog of Johann Sebastian Bach is characterized in part by arrangements of his own works, reusing motifs and themes, and general “material recycling.” + In addition to composing, Bach was also an avid teacher. In 1729 he took charge of the students’ Collegium Musicum. + The compositions featured on this album were written for the students of the collegium musicum. They are performed here by Barocksolisten Munchen.
Aproveite!
René Denon
Se você se interessou pela história do Café Zimmermann, não deixe de visitar estas postagens aqui:
Aproveito a efeméride para repensar minhas motivações para participar do blog. Com minhas postagens pretendo apresentar o tipo de música que me dá prazer, que aprecio e me move. A postagem precisa trazer alguma centelha, precisa de um motivo, que pode até transformar-se em um leitmotiv.
No caso desta postagem, como estamos comemorando os 15 anos do PQP Bach, vamos de valsa – afinal, até as filhas do velho Bach debutam!
Além do tema, é preciso de um disco (ou mais do que um) para fazer a postagem. Como eu adoro música com piano, ele quase sempre está presente… Assim, chegamos aos intérpretes, estes mediadores imprescindíveis para quem, como eu, não pode fazer a própria música. Eu sou avesso às unanimidades, basta que alguém seja por demais venerado para que eu o coloque na geladeira, por uns tempos. Mas, vamos aos discos!
Chopin & Ravel:
Valsas & Valses nobles et sentimentales
Stephen Kovacevich
Valsas de Chopin e Ravel interpretadas por (pasmem!) Kovacevich! Pois é, o cara é uma destas unanimidades, mas costuma ser ouvido por aqui em outro repertório, Beethoven, Schubert, Brahms…
Stephen contando para o pessoal do PQP Bach como gostou de participar da efeméride…
Este disco comprei com relutância (se fossem as Baladas, eu teria saltado sobre ele). O disco foi comprado no tempo em que a expansão da CDteca se dava a altas expensas e os investimentos eram cuidadosamente medidos e estudados. As Valses nobles et sentimentales do Maurice deram o empurrãozinho que faltava e o investimento rendeu muitas horas de prazer, e ainda rende! Nas primeiras semanas lá em casa, o disco não saia da vitrola…
Ouça de olhos fechados. A sequência das Valsas de Chopin que ele adota não é a convencional e a chegada do Ravel é uma transição deliciosa.
Para a próxima entrada, escolhi um disco com música de vários compositores, foco no intérprete!
Yuja Wang: Transformation
Stravinsky, Scarlatti, Brahms e Ravel
Acho fundamental ouvir novos artistas, sem expô-los à malvada comparação com antigos e bem estabelecidos. Manter ouvidos abertos e ter uma perspectiva atual pode render muitas horas agradáveis. É claro que entre os muitíssimos novos intérpretes, multiplicados tanto pelo número de pessoas talentosas que podem se dedicar à música, quanto pelos avanços das tecnologias, que permite que seus trabalhos sejam gravados e mais facilmente divulgados, há vários que fenecem por razões diversas, assim como aqueles que são afetados pela superexposição midiática. Quando as coisas passam do ponto, à lá Lang Lang, eu fico reticente. Mas adoro a Yuja Wang desde criancinha e este disco, um pouco pioneiro nessa onda de marketing de oferecer mais o artista do que o compositor, é ótimo!
Yuja foi experimentar o piano do PQP Bach Great Hall e deu trabalho para a brigada anti-fogo
As obras de Stravinsky e Brahms são belíssimas e demandam dedos a um tempo tecnicamente virtuosos e sensíveis. Nomes como Alexander Toradze, Maurizio Pollini, Julius Katchen ou Evgeny Kissin vêm à mente. Mas a Yuja Wang é pianista capaz de satisfazer os ouvintes deste time…
As lindas Sonatas de Scarlatti estão aí para revelar todo o talento da moça que também dá um show nos 11 e tantos minutos finais, tocando La Valse de Maurice!
Igor Stravinsky (1882 – 1971)
Petrushka
Danse russe
Chez Pétrouchkha
La Semaine grasse
Domenico Scarlatti (1685 – 1757)
Sonata em mi maior K. 380
Sonata: Andante comodo
Johannes Brahms (1833 – 1897)
Variações sobre um tema de Paganini em lá menor, Op. 35
Ao som da Chicago Symphony Orchestra todos valsam lindamente
Eu também gosto de músicos que vivem um pouco à margem dos holofotes, menos expostos aos clangores das mídias. O próximo disco traz o excelente pianista sueco, Olof Höjer interpretando música de Satie.
Satie (1866 – 1925):
Peças para Piano
Olof Höjer
Temos aqui as peças mais divulgadas de Erik, as Gymnopédies e as Gnossiennes, que não poderiam estar fora de uma antologia. Isto porque Olof Höjer é estudioso dedicado da obra de Satie e gravou todas as suas peças.
Mas eu fico com este resumo e indico a peça que eu mais gosto e que faz a conexão com a postagem de hoje, a valsa Je te veux. Esta é a motivação para que juntar mais este disco ao ramalhete que hoje ofereço à nossa debutante de 15 anos. Ah, eu não consigo ouvi-la uma só vez e insisto para a Alexa, como diria Humphrey, play it again, Sam (Alexa)!
Erik Satie (1866 – 1925)
3 Gymnopédies: I. Lent et douloureux
3 Gymnopédies: II. Lent et triste
3 Gymnopédies: III. Lent et grave
Gnossiennes: I. Lent
Gnossiennes: II. Avec étonnement
Gnossiennes: III. Lent
Gnossiennes: IV. Lent
Gnossiennes: V. Modéré
Gnossiennes: VI. Avec conviction et avec une tristesse rigoureuse
Pièces Froides, No. 1. Airs à faire fuir: I. D’une manière très particulière
Pièces Froides, No. 1. Airs à faire fuir: II. Modestemente
Pièces Froides, No. 1. Airs à faire fuir: III. S’inviter
Pièces Froides, No. 2. Danses de travers: I. En y regardant à deux fois
Pièces Froides, No. 2. Danses de travers: II. Passer
Pièces Froides, No. 2. Danses de travers: III. Encore
Para fechar o cortejo, não poderia faltar um jurássico, pois que sempre que vamos ao museu, visitar os ídolos do passado, encontramos muitos bem caídos e até amarelados, alguns mesmo que ficaram horrendos.
Strauss:
Valsas
Chicago Symphony Orchestra
Fritz Reiner
Mas há alguns que, como naquele juvenil filme de seção da tarde, retornam a vida sempre que o momento oportuno lhes é concedido. Fritz Reiner é um destes. Figura realmente presa ao passado, do ponto de vista da maneira como lidava com os músicos que trabalhavam com ele, com práticas que hoje seriam consideradas no mínimo inapropriadas e ficaram sepultadas no tempo. E o que retorna à vida são alguns de seus discos. Entre eles essa singularidade com Valsas de Joseph e Johann (II) Strauss.
Fritz esbanjando seu conhecido bom humor
Não subestime estas peças – há mais nelas do que você pode crer. Olhe-as com os olhos do Fritz. Veja o que disse deste disco o arguto Olivier Le Borgne: “Fritz Reiner leva a sério essa assim chamada música leve; como Brahms ou Schoenberg, que admirava o Strauss de Viena, ele sabe que por trás do sincopado três vezes estão sentimentos nobres, até mesmo profundas ansiedades existenciais.”
Lembre-se que Stanley Kubrick, que sabia tudo de cinema e muito de música, usou uma das peças deste disco em um momento especial de seu grande filme, 2001. Veja, já se passaram vinte anos, quinze dos quais com o PQP Bach encantando nossos seguidores…
Johann Strauss II (1825 – 1899)
Rosen aus dem Süden, Op. 388 (Roses from the South)
Kaiser-Walzer, Op. 437 (Emperor Waltz)
Morgenblätter Walzer, Op. 279 (Morning Papers)
Künstlerleben, Op. 316 (Artists’ Life)
Josef Strauss (1827 – 1870)
Dorfschwalben aus Österreich – waltz, Op. 164 (Village Swallows from Austria)
Johann Strauss II (1825 – 1899)
An der schönen, blauen Donau, Op. 314 (On the Beautiful Blue Danube)
Wiener Blut Waltz, Op. 354 (Vienna Blood)
Schatz-Walzer, Op. 418 (Treasure Waltz)
Josef Strauss (1827 – 1870)
Mein Lebenslauf ist Lieb’ und Lust (My Life is Love and Laughter)
Johann Strauss II (1825 – 1899)
Unter Donner und Blitz, Op. 324 (Thunder and Lightning – Polka)
Sobre o disco do Kovacevich: Only topped by Lipatti & Rubinstein
This is a truly brilliant and splendidly played set of Chopin’s Waltzes, bettered only by those of Lipatti and Rubinstein. However, the sound on this set is much better if that’s your thing. I must admit that until recently the only Kovacevich material I owned was his Beethoven concertos. I have since discovered that he has a wealth of very fine recordings, from Grieg and Schumann’s concertos to the Diabelli Variations (1968) and Beethoven’s sonatas. So, thanks to this disc and the above mentioned, I’ll be checking more into his recordings from the 60’s and 70’s especially. (J. Grant)
Des valses de Chopin ou Ravel qui prennent une dimension grandiose entre les mains de ce pianiste d’exception. A consommer sans modération ! (Megetoile)
Há críticos que discordam… Jed Distler, por exemplo, reclama de certas excentricidades. Bom, é com vocês a decisão. Eu fico com a opinião anterior, pode ser consumido sem qualquer moderação!
Se você vivesse no Norte do Paraná, nos fins da década de 70, quero dizer 1970, teria que ser ágil para comprar qualquer LP de música clássica que surgisse, caso este fosse seu interesse. LPs eram escassos e caros. Devo acrescentar que informações culturais não eram abundantes. Assim, o gosto musical do interessado era um pouco moldado pelas oportunidades – mais tentativa e erro, o método de aprendizado. Mas era imensamente divertido.
Eu já aprendera que o selo amarelo trazia conteúdo mais palatável e visitas constantes aos escassos pontos de venda acabavam rendendo novidades. O tempo dos sebos ainda estava por vir.
Em minha coleção havia desde coisas como Gypsy!, do Werner Müller and his Orchestra, com o phase4stereo spectacular, até o outro lado do espectro, com concertos para piano de Mozart interpretados por Pollini e Gilels, acompanhados pela mais mozartiana orquestra que eu conhecia, a Wiener Philharmonic, regida por Herr Böhm.
Nesta época, pouco mais, talvez, este disco (o da postagem, é claro… hahãmm) cruzou meu caminho e desde logo propunha algo novo. O violoncelista eu conhecia de outro disco, com o Concerto de Dvořák, acompanhado pela Berliner Philharmoniker regida pelo Herr Karajan. Mas aqui a luz era outra. O solista ostentando uma camisa de cowboy e o jovem regente com uma espécie de camisa indiana branca, com ares de hippie, demandava mais ousadia do propenso comprador. E o compositor da peça mais longa? Um ilustre, modernoso e desconhecido compositor russo. Sim, os LPs tinham as contracapas que eram lidas e relidas antes de qualquer movimento mais forte em direção da carteira…
A compra foi uma das mais ousadas e rendeu boas semanas de muitas audições, mesmo que carregadas de incertezas e levantamentos de sobrancelhas. É claro que tudo começa em grande estilo, o Canto do Menestrel do Glazunov, muito acessível. E bonito mesmo, para quem aprecia as românticas almas russas…
Mas o concerto de Shostakovich é bem mais inquietante e foi minha primeira experiência com música que precisamos conquistar antes de gostar. Começamos com uma espécie de lamento, e depois todas aquelas sonoridades percussivas rondando o canto do violoncelo. Bem, é preciso ouvir para entender.
Aprendi depois que o concerto havia sido composto pouco mais do que uma década antes daqueles dias e que o solista da gravação era a pessoa a quem o concerto fora dedicado e que também o havia estreado.
Descobri que o Concerto havia sido composto na última fase do compositor, que o havia completado enquanto se encontrava em um hospital, pois que já lhe falhava o coração.
A música é mais reflexiva do que extrovertida, coisa que vai bem com o violoncelo, e a orquestra, apesar de imensa, é usada com maestria e cuidado pelo compositor, evitando que o solista seja tragado por ela e possa se apresentar realmente como o protagonista.
Os dois últimos movimentos são ambos nomeados Allegretto e estão unidos nos arquivos em uma única faixa, pois a passagem de um para o outro se dá continuamente – attacca!
Espero que a audição deste notável disco faça com que você reflita sobre as belezas das músicas que precisamos conquistar e que ao final lhe seja tão compensador como tem sido para mim, todas as vezes que a ele retorno.
Aproveite!
René Denon
A alegria dos dois grandes músicos ao saberem que o disco seria postado aqui no PQP Bach…
Em outubro de 2019 fiz uma postagem com música de Prokofiev – Sonatas para Violino – e na propaganda da postagem que fiz no fb, eu dizia: Música que demanda um pouco de esforço, no princípio, mas uma vez conquistada, proporciona muito prazer!
Não poderia dizer nada diferente sobre a música desta postagem. Um disco espetacular, mas que demanda ser conquistado.
Steven Osborne
Não é por nada que o pianista é o mesmo da mencionada postagem, o selo do disco, a inglesa Hyperion, assim como o compositor – Prokofiev, o homem que não ganhou flores em seu funeral.
No disco, uma série de três sonatas para piano com uma sequência de numeração, 6, 7 e 8, assim como na publicação, Opp. 82, 83 e 84, evidência de como as três fazem parte de um grupo. Elas foram compostas durante a guerra, entre 1939 e 1944. Prokofiev trabalhou na composição das três simultaneamente, assim como em outras obras, como a ópera Guerra e Paz e o balé Romeu e Julieta. Em alguns momentos, especialmente nos movimentos lentos, nas sonatas, pode-se perceber ecos das danças usadas no balé. Ouça, por exemplo, o segundo movimento da Sexta Sonata.
Nas sonatas ouvimos as diferentes expressões da música para piano de Prokofiev. Dos ritmos percussivos aos momentos mais tranquilos. Um caminho recheado de armadilhas para os pianistas: martelar ou amarelar?
É por isso que a gravação é importante e a Hyperion mantem seus altíssimos padrões: produção primorosa, incluindo os detalhes. A capa do disco é um exemplo disso. A escolha da imagem nos coloca em imediata sintonia com a música – bela, moderna e ligeiramente alarmante. A arte de Marianne von Werefkin pode gerar uma certa inquietação, à la Edvard Munch, mas é também marcante, inesquecível.
Aqui está a proposta: ouça o disco uma duas, três vezes, e depois responda: valeu a pena?
Serge Prokofiev (1891 – 1953)
Sonata para Piano No. 6 em lá maior, Op. 82
Allegro moderato – Poco più mosso – Allegro moderato, come I
Allegretto
Tempo di valzer lentissimo
Vivace – Andante – Vivace
Sonata para Piano No. 7 em si bemol maior, Op. 83
Allegro inquieto – Andantino – Allegro inquieto, come I
Andante caloroso – Poco più animato – Tempo
Precipitato
Sonata para Piano No. 8 em si bemol maior, Op. 84
Andante dolce – Allegro moderato – Andante dolce, come I – Allegro
Andante sognando
Vivace – Allegro ben marcato – Andantino – Vivace, come I
Steven e o piano da biblioteca do PQP Bach Cultural Center de Volta Redonda
Nas notas do disco, Steven agradece a ajuda de sua fisioterapeuta, Bronwen Ackermann, que o ajudou a realizar o disco: From first electrifying note-punch to last, with so much poetry and poignancy in between, this is a tour de force of pianism highlighting what seems more than ever like the great sonata sequence of the 20th century.
Hyperion’s sound never flinches from Osborne’s colossal bass in climaxes. Is it any wonder he dedicates the disc to ‘Bronwen Ackermann, physio extraordinaire’? Whatever the fallout, he must know that it was worth it: this is legendary stuff. BBC Music Magazine
[…] Osborne is at his best in Sonata No 8 … no pianist in my experience has matched Osborne’s finale for acuity of touch, pinpoint transparency and airborne suppleness. The music dances off the page, tickles the ear, engages the mind and, for once, sounds far shorter than its nine-minute duration. […] Gramophone
Não deixe de visitar as postagens a seguir, caso tenha gostado desta…
Concertos para violino, de Bach? Concertos para cravo, de Bach? Sim, concertos para violino, de Johann Sebastian Bach.
O Concerto em ré menor BWV 1052 chegou até nós como um concerto para cravo e é um dos mais impressionantes da coleção de sete, mas é uma adaptação para cravo de um concerto originalmente escrito para violino, cuja partitura se perdeu.
Lisa
Johann Sebastian Bach estava encarregado do Collegium musicum de Leipzig, que se apresentava no Café Zimmermann e entre os músicos que tocavam havia excelentes cravistas, alguns com sobrenome Bach: o próprio Johann Sebastian e seus filhos, Wilhelm Friedemann e Carl Philipp Emanuel. Assim, entre 1735 e 1744, Bach adaptou para o cravo sete concertos assim como mais alguns para dois, três e até quatro cravos. Este último de um original de Vivaldi, para quatro violinos, mas esta é outra história, para alguma outra postagem.
Kaleidoskop
Nos disco desta postagem temos uma reconstrução do concerto para violino, que deu origem ao concerto de cravo em ré menor, BWV 1052, que soa muito bem na interpretação dos jovens músicos.
O segundo concerto do disco, em sol menor, BWV 1056, é uma reconstrução do Concerto em fá menor, para cravo. Este concerto tem de muito especial o movimento lento, que tem uma versão com solo de oboé no lugar do violino ou cravo, como queiram, e foi usado como a Sinfonia da Cantata BWV 156, ‘Ich steh mit einem Fuss im Grabe’ (Estou com um pé na cova, pasmem…).
Elfa
Para completar o programa, um dos concertos para violino(s) que sobreviveu, BWV 1043, em ré menor.
A solista do disco é a islandesa Elfa Rún Kristinsdóttir, que estudou em Freiburg e tem carreira como concertista, atuando com várias orquestras, como a Akademie für Alte Musik, Berlin. Ela também faz parte do Solistenensemble Kaleidoskop, grupo estabelecido em Berlim. Lisa Immer é a concertmaster do grupo e atua como segundo solista no último concerto.
Não se preocupem com o fato de todos os concertos serem em tons menores, há muita beleza assim como animação no disco todo…
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Concerto para Violino em ré menor, BWV1052
Allegro
Adagio
Allegro
Concerto para Violino em sol menor, BWV1056
(Allegro)
Largo
Presto
Concerto para dois Violinos em ré menor, BWV1043
Vivace
Largo ma non tanto
Allegro
Elfa Rún Kristinsdóttir, violino
Solistenensemble Kaleidoskop
Lisa Immer, violin (concertmaster e solista no Concerto BWV 1043)
Elfa testando a acústica da piscina de hidroginástica da sede do PQP Bach Private Club de Paraty…
“One would be hard-pressed to find a better debut recording than these interpretations of Bach . . . It is much too rare to hear Bach as fresh, lively and present-day as this.”Nordische Musik about Elfa’s Bach CD
“with the charming, wonderfully sensitive, but also thrillingly powerful music-making of the young Icelandic violinist Elfa Rún Kristinsdóttir . . . the brilliant and extremely versatile artist” Kultur Klassik
As Sonatas para Violino e Cravo formam um conjunto bem distinto entre as obras de câmara de Bach, ao apresentar o cravo como parceiro, dividindo igualmente o protagonismo da ação musical, ao lado do instrumento melódico. É lindo como o discurso musical é apresentado ora pelo violino, ora pelo teclado, um respondendo ao outro sobre o baixo que continua sustentando os dois protagonistas como, por exemplo, ocorre no início do segundo movimento da quinta sonata. Isso muito bem qualifica estas peças como verdadeiras sonatas em trio, Triosonaten. Uma explicação para toda essa novidade e inspiração de Bach pode ter sido, segundo o livreto que se encontra no arquivo, teria sido a chegada a Cöthen, em 1719, de um instrumento encomendado pelo Príncipe Leopoldo. O cravo era um instrumento tão maravilhoso que provocou uma extra centelha no gênio, resultando não só o conjunto de sonatas como também o primeiro dos concertos com instrumento de teclas solando, o Brandenburgo No. 5.
Eu sempre fui fascinado por estas obras e as gravações do conjunto completo que rondaram minhas primeiras audições foram as de Henryk Szeryng e Helmut Walcha no selo Philips-Living Baroque, mas sobretudo, de Arthur Grumiaux e Christiane Jaccottet.
As práticas autênticas com instrumentos de época mostraram suas armas com a gravação de Sigiswald Kuijken e Gustav Leonhardt e o mundo da música gravada nunca mais foi o mesmo. Para muitos esta gravação continua um marco intransponível. Na minha opinião, o balanço entre a presença do extrovertido e divertido Sigiswald e a sisudez de Herr Leonhardt acaba escorrendo mais para o lado do último…
Entre as pioneiras gravações HIP, a que me deixou um desejo enorme de ouvir foi a da dupla dos (então) jovens Monica Huggett e Ton Koopman. Vontade essa que só foi saciada dia destes. Não havia conseguido ouvi-la nos dias dos CDs e nestes tempos modernosos de arquivos digitais esse disco andou sumido, pelo menos nos meus terminais. Não mais, ainda bem…
Como gosto muito de Bach interpretado ao piano, sempre busquei gravações que usassem este instrumento, mas nem sempre com sucesso.
É conhecida a gravação feita por Jaime Laredo e Glenn Gould, que em geral aparece acompanhada da gravação feita por Leonard Rose e Glenn Gould, com violoncelo e piano, das sonatas para viola da gamba. Esta menção me faz lembrar da gravação destas obras com Maisky e Argerich, mas o parágrafo é muito pequeno para tantas personalidades e eu estou me afastando do assunto… O que dizer sobre estas gravações? Não fossem as cordas, eu talvez ainda as ouvisse.
Uma outra gravação desta época que eu ainda não consegui ouvir é a de Péter Csaba e Zoltán Kocsis, no selo Hungaroton. Kocsis que naquela época também gravou a Arte da Fuga, ao piano, que eu também não ouvi. De qualquer forma, devido a estatura dos artistas, achei que valia a pena mencionar e já me prometeram arranjar os arquivos…
Além disso, as gravações das quatro últimas sonatas com Renaud Capuçon e David Fray parcialmente me nutriram até agora e você poderá verificar se acessar esta postagem aqui.
Pois enfim chegamos ao disco da postagem, as seis sonatas interpretadas ao violino e piano – uma versão bastante contemporânea. A violinista Rahel Maria Rilling é filha do regente Helmuth Rilling, pré e pós HIP, especialista em música de Bach. Rahel Maria aprendeu tocar violinos desde a mais tenra idade e atua em orquestras como a NDR Elbphilharmonie de Hamburgo e frequentemente como convidada na Berliner Philharmoniker. Ela também tem carreira solo e como camerista.
O pianista Johannes Roloff atua como concertista internacional e também como solista de diversas orquestras, entre elas a Berliner Symphoniker e a RSO Berlin. Johannes também atua como compositor, arranjador musical de música para filmes, peças de teatro e operetas.
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Sonatas para Violino e Cravo, BWV 1014 – 1019
Sonata para violino e cravo No. 1 em si menor, BWV1014
Adagio
Allegro
Andante
Allegro
Sonata para violino e cravo No. 2 em lá maior, BWV1015
Andante
Allegro assai
Andante un poco
Presto
Sonata para violino e cravo No. 3 em mi maior, BWV1016
Adagio
Allegro
Adagio ma non tanto
Allegro
Sonata para violino e cravo No. 4 em dó menor, BWV1017
Siciliano. Largo
Allegro
Adagio
Allegro
Sonata para violino e cravo No. 5 em fá menor, BWV1018
Largo
Allegro
Adagio
Vivace
Sonata para violino e cravo No. 6 em sol maior, BWV1019
Rahel, a bruta-fofa de olhos grandes (die Brut-Nette mit den großen Augen), deu sentido à palavra tocar violino, porque quando toca nas casas de show e nos clubes da capital, parece brincadeira de criança e uma ou outra ideia maluca está sempre no começo . Café também.
Rahel Rilling toca um violino feito por Tomaso Balestrieri, de Cremona, em 1767.
Além de seu treinamento de violino clássico, ela sempre se entusiasmou com outros repertórios, além do pop e do jazz. Aos 14 anos apareceu com o grupo pop “Bruder” na MTV e VIVA. Seguiram-se numerosas gravações de estúdio para bandas como Rosenstolz, Echt, Olli Dittrich, Mousse T., Mando Diao, Michael Bublé, Rod Stewart e Rufus Wainwright.
Aproveite!
René Denon
Para uma outra abordagem destas magníficas sonatas, talvez você queira visitar esta outra postagem aqui:
Dia destes nosso editor-chefe postou quatro concertos para piano de Mozart numa evidente relação de amor e ódio – sob a perspectiva da interpretação, é claro – com a solista Alicia de Larrocha e o regente, Georg Solti.
É impressionante como algumas gravações sofrem, com o passar do tempo, o efeito de carregarem os usos e modismos do momento em que foram feitas. Basta lembrar os LPs da Archiv Produktion com suas capas de fundo creme ornadas apenas pelo logotipo da AP, títulos e nomes dos compositores e músicos, com um ar que sugeria uma publicação científica, trazendo música antiga gravada pelos experts da época. Karl Richter um notório exemplo.
É fato que algumas gravações desafiam o tempo, enquanto outras rapidamente esmaecem e fenecem e passam a interessar a apenas uma magra fatia dos alucinados melômanos.
Estes não muito organizados pensamentos me ocorrem numa manhã linda de domingo enquanto me debato entre a necessidade de corrigir algumas avaliações, trocar de imóvel e escolher o almoço. Para afastar de vez todas estas maçantes atribuições, Mozart!
Este disco com dois espetaculares concertos para piano, interpretados pelo articuladíssimo pianista e cronista, Jeremy Denk, além de cair, na minha opinião, naquela categoria dos discos que desafiarão o tempo, vem bem a calhar.
A sua audição, acompanhada da leitura do artigo do Jeremy, que você pode encontrar aqui, muito contribuiu para minha boa disposição em chegar contente ao fim do domingo.
Ele menciona que o melhor de Mozart está nas suas óperas e concertos para piano. Eu não poderia concordar mais…
Um disco com dois concertos, primeiro o Concerto em dó maior, que se lança com ares marciais, lembrando a canção do Fígaro, e o outro, em ré menor, tão conhecido por seus tons mais trágicos. Os concertões são separados, ou melhor, unidos, pelo Rondo em lá menor, que devido ao seu caráter mais melancólico e tristonho funciona como um momento de reflexão para o ouvinte, gerando um intervalo entre eles.
Miles Kending, assessor especial para discos com concertos para piano de Mozart
Eis um disco que deve agradar a antigos ouvintes de Concertos para Piano de Mozart, assim como aqueles que os estão descobrindo agora. Certo, Miles?
Duas sonatas para piano, do período em que Haydn estava a serviço da família Esterházy, e mais duas compostas na época em que ele estava às voltas com as viagens a Londres. Com esta fórmula Paul Lewis nos brindou com um disco maravilhoso, postado aqui.
Lewis gostou do passeio na sede de campo do PQP Bach Club de Pomerode
Pois ele repetiu a dose, com a mesma maestria – outro ótimo disco.
As sonatas para piano de Haydn levam uma numeração dada por H. C. Robbins Landon, musicólogo especializado na obra de Haydn, e uma outra mais antiga, proveniente do catálogo Hobken. Por exemplo, temos a Sonata No. 33 (Landon) em dó menor, Hob. XVI: 20 (Hobken), de 1771, e Sonata No. 53 em mi menor, Hob. XVI: 34, de 1778 ou 1783. As outras duas sonatas do disco são as No. 61 em ré maior, Hob. XVI: 51 e No. 62 em mi bemol maior, Hob. XVI: 52, ambas de 1794. Estas duas últimas, juntas com a No. 60 em dó maior, Hob. XVI: 50, gravada no outro disco de Lewis, foram as últimas sonatas compostas por Haydn, em 1794.
Todas estas sonatas são muito lindas e aparecem também no conjunto de sonatas gravadas por Alfred Brendel em vários discos reunidos em um só volume pela Philips, outra grande referência para quem gosta deste tipo de música.
As sonatas deste disco compostas na década de 1770 são próximas das composições de CPE Bach e as outras, da década de 1790, são típicas do estilo clássico vienense, como também são as primeiras sonatas para piano de Beethoven.
Não se iluda com o relativamente baixo número no catálogo da Sonata Hob, XVI: 20, em dó menor. Ela é favorita de pianistas como Alfred Brendel e András Schiff. A sonata começa moderadamente, com um arco inquisitório que vai se resolvendo com a enorme inventividade de Haydn. Não espere uma demonstração de virtuosismo, mas aprecie a elegância e graciosidade tão plenamente realizadas por Paul Lewis.
A Sonata em dó maior, Hob. XVI: 52 é uma das Top 10 da Gramaphone – uma das escolhidas para as melhores dez sonatas para piano, ever! (Pelo menos até que o editor não decida reescrever o artigo…)
O seu movimento final é ótimo exemplo do bom humor de Haydn.
O início da Sonata em mi menor, Hob. XVI: 34 é maravilhosamente borbulhante, cheia de perguntas seguidas de respostas afirmativas, deliciosa. O adagio é seguido de um brilhante finale, molto vivace, com a mesma verve do primeiro movimento, cheio do famoso bom humor haydniano.
Graciosidade também não falta na última sonata, em dois curtos movimentos, mas cheia de novas atitudes.
Franz Joseph Haydn (1732 – 1809)
Sonata para piano No. 33 em dó menor, Hob.XVI:20
Moderato
Andante con moto
Finale. Allegro
Sonata para piano No. 62 em i bemos maior, Hob.XVI:52
Esse foi olhar que Paul mandou quando perguntamos pelas gaivotas…
In 2018, Paul Lewis embarked on an exploration of one of the richest bodies of work of the Classical era: the keyboard sonatas of Haydn.
For his second volume, the British pianist tackles some of the most remarkable pieces in this vast oeuvre: the exceptionally concise Sonata in D major Hob. XVI:51, for example, which is surprisingly pre-Romantic (Schubert is not far off), or the celebrated Sonata in E flat major Hob. XVI:52, with which Haydn conferred well-nigh symphonic dimensions on the keyboard sonata for the very first time.
Piano do Joe Haydn
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No dicionário vemos a informação de que glosa significa ornamentação: glosa – anotação em texto para explicar o sentido de uma palavra ou esclarecer uma passagem (comentário). Se olharmos no dicionário com especificidade de música, veremos que glosa é um termo usado frequentemente pelos músicos espanhóis do século XVI indicando uma peça musical similar a um conjunto de variações. Pois a partir daí você começa a imaginar o que pode ser um Trattado de Glosas, que estamos para ouvir neste lindíssimo disco, mas que requer mais de seu tempo e de sua atenção para seu devido desfrute.
Diego Ortiz nasceu em Toledo e foi um compositor e mestre virtuose de viola e seu Trattado de Glosas de 1553 teve grande influência nas práticas musicais de sua época. O tratado foi publicado em Roma, mas apareceu também em Espanha. No entanto, nesta época, Diego estava em Nápoles, a serviço de Ferdinando Álvarez Toledo, Duque de Alba, vice-rei de Nápoles.
Neste disco temos as variações publicadas no tratado, as Recercadas, sobre os temas de La Spagna, O felici occhi miei, Doulce memoire, El passamezzo antiguo, La Romanesca e La folia. Estas variações são tocadas por um solista, papel intercalado por Bruno Cocset e Guido Balestracci, e são acompanhados por um conjunto de violas. As variações são, de quando em quando, intercalados por pequenos números musicais de compositores contemporâneos de Ortiz, acrescentando ainda mais beleza ao conjunto.
Um disco para amantes de viola e para aqueles que acreditam que é possível ser transportado no tempo, por um período curto que seja, e depois de volta…
Diego Ortiz (c. 1510 – 1570)
Recercadas del Trattado de Glosas (1533)
Recercada terçera para violone sola
Recercada primera sobre el canto Ilano La Spagna
Recercada segunda sobre el canto Ilano La Spagna
Recercada terçera sobre el canto Ilano La Spagna
Recercada quinta sobre el canto Ilano La Spagna
Recercada quarta sobre el canto Ilano La Spagna
Recercada sesta sobre el canto Ilano La Spagna
Luis Milán (1500 – 1561)
Fantasia XIII por el primer y segundo tono
Fantasia (vihuela)
Diego Ortiz
Recercadas del Trattado de Glosas
Recercada primera sobre el madrigal O felici occhi miei
Recercada terçera sobre el madrigal O felici occhi miei
Recercada segunda sobre el madrigal O felici occhi miei
Recercada quarta sobre el madrigal O felici occhi miei
Antonio de Cabezón (1510 – 1566)
Diferencias sobre la gallarda milanesa (órgão & cravo)
Diferencias
Tomás Luis de Victoria (1548 – 1611)
O magnum mysterium
Moteto
Diego Ortiz
Recercadas del Trattado de Glosas
Recercada quarta para violone sola
Recercada primera sobre la cancion Doulce memoire
Recercada segunda sobre la cancion Doulce memoire
Luis Milán
Fantasia I por el primer tono (vihuela)
Fantasia
Diego Ortiz
Recercadas del Trattado de Glosas
Recercada terçera sobre la cancion Doulce memoire
Recercada quarta sobre la cancion Doulce memoire
Recercada primera para violone sola
Recercada segunda para violone sola
Recercada primera sobre tenore El passamezzo antigua
Recercada segunda sobre tenore El passamezzo moderno
Recercada terçera sobre tenore El passamezzo antiguo
Recercada quarta sobre tenore La folia
Recercada quinta sobre tenore El passamezzo antiguo
Recercada sesta sobre tenore La Romanesca
Recercada settima sobre tenore La Romanesca
Recercada otava sobre tenore La folia
Antonio de Cabezón
Diferencias sobre El Cantodel Caballero (órgão)
Diferencias
Diego Ortiz
Recercada del Trattado de Glosas
Recercada sobre tenore Aria di Ruggiero Quinta pars
Bruno Cocset, solo
Guido Balestracci, solo
Les Basses Réunies
Maude Gratton, órgão
Bertrand Cuiller, cravo
Xavier Diaz-Latorre, viola e guitarra renascentista
Detalhes sobre a atuação dos músicos podem ser encontrados no livreto
Bruno esperando pacientemente que Guido termine o seu solo…
Bruno Cocset and Guido Balestracci take turns playing the solo bass (and sometimes treble) viol parts in these 27 ricercars, effectively elegant fantasies on mostly pre-existing pieces. They bring burnished flair to these varied gems, part of the Spanish master Diego Ortiz’s 1553 treatise on ornamentation. The Sunday Times
Guido, taking his time…
The result is simply flawless, in particular the two soloists Bruno Cocset and Guido Balestracci congenially transpose the elegant diminutions of this music. The exquisite timbres of their fellow campagners are more than just assistance. (…) The whole thing sounds like a discreet but varied and lasting introduction to the courtly sound universe in Southern Europe of that time. Concerto
Envernizar é fácil… o trabalho é tomar conta até secar!
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Pianistas russos e sonatas de Scarlatti vão bem juntos! Emil Gilels, Mikhail Pletnev e Yevgeny Subdin são alguns nomes que não deixam a frase no ar. O personagem pianista desta postagem é armênio de origem e estudou com Georgy Saradjev (aluno de Vladimir Sofronitsky) e posteriormente com Lev Naumov e Pletnev.
Parece coisa de filme, mas em 1991 o relativamente jovem Sergei Babayan se encontrava em Bruxelas, onde morava a já famosíssima Martha Argerich. Sergei buscou o nome dela em uma lista telefônica (não havia celulares como hoje, naqueles dias) é claro sem grandes expectativas. Mas, para sua grande surpresa, lá estava o nome e o número. Daí seguiu um telefonema que resultou em uma grande amizade e alguns projetos em conjunto.
Babayan e a sua rainha…
No entanto, o disco da postagem é solo e Babayan apresenta sonatas de um compositor que foi um virtuose do teclado, mas que nos seus dias tocava cravo. Domenico Scarlatti também teve a sorte de cair nas graças de uma rainha. No seu caso, a rainha da Espanha, Maria Bárbara, de origem portuguesa. Muitas destas sonatas foram escritas por Scarlatti para a rainha e chegaram até nós 555 delas. Isto foi em grande parte pelo zelo da rainha, que instou e certamente financiou o trabalho de cópia destas sonatas, supervisionado pelo compositor, mesmo que não houvesse uma publicação em perspectiva.
Scarlatti e a sua rainha…
Neste disco, Sergei nos brinda com 19 bem escolhidas sonatas desta enorme coleção. Na primeira delas ele mostra como devemos iniciar uma feliz jornada, sem correrias, admirando os detalhes e entrando no clima de que apreciaremos – uma sequência de maravilhosas peças.
Maria Madalena Bárbara Xavier Leonor Teresa Antónia Josefa, rainha portuguesa de Espanha, que muito contribuiu para a música e para a amizade entre os dois países…
Momento ‘The book is on the table’: Then, after hearing how Babayan handles the extraordinarily difficult repeated notes and runs in the toccata-like K. 141 I was sold. Here is a Major Scarlatti Player, and like none I’d ever heard before. Understand, I have Scarlatti recordings by probably thirty different keyboard artists (including all 555 sonatas by the late-lamented harpsichordist, Scott Ross), and I’d never heard one with this combination of technique and what I’d have to call ‘soul’, by which I guess I mean a fervent (and it occurred to me, a Spanish) expressivity. Not Horowitz (almost everyone’s favorite), Weissenberg (my own favorite), Dubravka Tomsic (a recent discovery for me), no one.
My favorable reaction held up to the very end of this lovely CD. I know I’ll be reaching for it again and again.
Não é incomum que em seus primeiros álbuns, jovens pianistas reúnam obras de compositores que geralmente não se encontram assim, tão associados. Para exemplificar o que quero dizer, basta lembrar um dos primeiros discos de Martha Argerich com obras de Chopin, Brahms, Liszt, Ravel e Prokofiev. É claro que não há aqui qualquer intenção de comparar o pianista australiano de Queensland com a musa de nossos queridos colaboradores do blog, mas o disco da postagem da vez reúne obras de Bach, Schubert e Chopin. É claro que todos três foram excelentes intérpretes e compositores de música para teclado, mas não é todo dia que nos deparamos com um disco reunindo uma trinca destas. Não se preocupe, o disco funciona muito bem como um lindo recital.
Abrindo os trabalhos, a Toccata em dó menor, BWV 911, de Bach. Peça que também aparece em um disco todo dedicado a Bach, da Martha Argerich. A Toccata é uma peça de juventude de Bach e tem um certo ar de improvisação que Gillham realiza com muita propriedade.
Durante o Festival Internacional de Perth de 2016, um crítico observou que Jayson Gillham tem um bell-like tone and… sense of expressive lyricism. Pois a escolha da Sonata em lá maior, D. 644, de Schubert, nos dá oportunidade de verificar esse tal senso de lirismo.
Funcionando como uma segunda parte do recital, temos as peças de Chopin. A transição da Sonata de Schubert para o universo de Chopin é bem marcada pelo Prelúdio que anuncia a Sonata No. 3, em si menor, Op. 58.
A crítica que eu li sobre o disco, que você pode acessar aqui, tem algumas reservas, mas é bastante positiva, vista em perspectiva. Eu, que sou fácil de agradar, gostei muito do disco, em particular da produção de gravação, aos cuidados de Andreas Neubronner, que costuma produzir discos de Murray Perahia.
O fotógrafo do PQP Bach teve muito trabalho para reunir os três compositores para esse flash…
Gillham says these particular works are close to his heart… Depois de ouvir o disco, eu diria: You bet!
Bach | Schubert | Chopin presents music of unparalleled beauty, vitality and joy by three masters of keyboard writing. The works highlight different aspects of Jayson’s superb musicianship.
