Continuando a série – Gostei, Postei! – um disco ótimo para ser ouvido em movimento. Eu o tenho levado para ouvir durante as caminhadas. Ele também serve bem para ouvir enquanto você prepara o jantar. Será surpreendido com headphones mexendo a salada ou virando a omelete. Pura diversão!
Veja que não há contraindicações caso você queira ouvi-lo escarrapachado no sofá, naquele momento de paz em que o pessoal que trabalha no condomínio já foi embora, calando as malditas máquinas de lavar a jatos e os cortadores de grama, e os vizinhos ainda não ligaram as TVs para o jornal ou novela. Bem, agora as pessoas maratonam séries. Deste moderno hábito tenho conseguido seguir incólume, so far…
Mas, divago… Milhaud teve uma longa vida e compôs muita música. Tinha o que ocorre com alguns de seus conterrâneos, o bicho que os faz viajar. Rodou mundo e absorveu muita música em diferentes culturas. As suas conexões com o Brasil, onde passou um tempo a serviço do Ministro Plenipotenciário (adorei o título) Paul Claudel, dão um colorido delicioso ao disco. Estão presentes em duas peças – no último movimento da primeira – Brasileira (Mouvement de samba), em Scaramouche, e na última, o Boi no Telhado!
Darius Milhaud nasceu em Marselha, em 1892, e é um dos integrantes do chamado “les Six”, um grupo de compositores franceses que se propunha a apresentar uma alternativa aos estilos wagneriano e ao impressionista. Entre 1916 e 1918, Milhaud trabalhou no Brasil a serviço da embaixada da França junto do adido cultural Paul Claudel. Neste período, teve intenso contato com a atmosfera da música popular urbana do Rio de Janeiro que serviu como fonte de inspiração para várias de suas obras, dentre elas “Scaramouche”, “Saudades do Brasil” e “O boi no telhado”.
Na sua música “Le Boeuf sur le toit” (ou “O boi no telhado”), Darius Milhaud faz uso de cerca de 28 melodias de músicas populares de compositores cariocas da época. Algumas dessas melodias são facilmente identificáveis, como “Corta-Jaca”, de Chiquinha Gonzaga, “Flor do Abacate”, de Álvaro Sandim, e “Apanhei-te, cavaquinho”, de Ernesto Nazareth, que era um dos compositores e instrumentistas mais admirados por Milhaud. O próprio título “O boi no telhado” também é de inspiração brasileira, pois faz referência a um tango de mesmo nome escrito em 1918 por José Monteiro, também conhecido como Zé Boiadeiro.
Outras partes das Américas estão no disco, como nas peças Kentuckiana e carnaval à la nouvelle-orléans.
O disco é magistralmente interpretado por Stephen Coombs, tarimbado na música para duo de pianos ou piano a quatro mãos, e o português Artur Pizarro, que tem uma carreira solo bastante distinta, mas aqui está em excelente sintonia com o outro músico. E o selo Hyperion nos dá um show de produção com um ótimo livreto.
An entertaining and delightful issue which brings some high-spirited pianism from these fine players.
The Penguin Guide of Recorded Classical Music
2011 edition
Eu confesso não saber se há alguma relação entre O Boi no Telhado de José Monteiro (Zé Boiadeiro) – Darius Milhaud e a maravilhosa história de O Boi Voador de Maurício de Nassau. Se há, digam me vocês…
Aproveite! Nem sempre se encontra um disco tão saboroso…
PS: Se você gostou deste disco, talvez se interesse por esta postagem:
Estamos nos aproximando da data da efeméride mor do (trágico) ano de 2020, 250 anos do nascimento do Ludovico, que se dará em 17 de dezembro de 2020. A agenda anda cheia, portanto, com tantas postagens com música do gênio. Eu mesmo já tenho contribuído com uma boa dose para esta Beethoven-Mania, mas ainda temos muitas coisas para oferecer. Espero que o apetite de nossos leitores seguidores continue insaciável. Aproveitando uma brecha na programação de nosso principal curador do que acabou tornando-se o Projeto #BTHVN250, retomo algumas postagens com peças de nosso admirado compositor.
Eu tenho particular prazer em ouvir as peças do jovem Beethoven, produzidas assim que ele chegou a Viena – os primeiros concertos para piano, as primeiras sonatas para piano, sonatas para piano e violino e outras obras de câmera.
Há nestas peças um olhar atento para a produção dos compositores já estabelecidos, principalmente Haydn e Mozart, mas há também um gesto de desafio, de novidade, da forte personalidade do compositor, afirmando sua própria voz.
Nesta postagem temos como foco as três primeiras sinfonias, regidas por Thomas Adès, um dos mais completos músicos ingleses do momento. Isto foi o que me atraiu inicialmente para o álbum, que agora divido com vocês. Thomas Adès é compositor e exímio pianista e aqui assume o papel de regente da orquestra que leva o nome de outro famoso músico inglês de uma geração anterior, que como ele foi compositor, regente e pianista – Benjamim Britten.
Para um toque de modernidade ao álbum, temos mais duas peças compostas por Gerald Barry, compositor irlandês contemporâneo. Barry conta que cresceu na região rural de Clare (Clarehill) e o pouco contato que teve com música nesta época foi através do rádio: ‘A coisa que me fulminou como um raio, assim como aconteceu com São Paulo a caminho de Damasco, foi uma ária de uma ópera de Handel, de Xérxes, talvez, que ouvi pelo rádio. Eu ouvi aquela mulher cantando e, bang – explodiu minha cabeça! Foi assim que descobri música’.
A peça intitulada Beethoven fica logo após as duas primeiras sinfonias e é para barítono e orquestra, baseada no texto da famosa carta de Beethoven à imortal amada. E após a Sinfonia Eroica, o seu Concerto para Piano.
Eu gostei mais do Concerto, com seus sons ásperos e modernosos. Você precisará ouvir para tirar suas próprias conclusões.
Uma crítica bastante própria ao álbum todo pode ser lida aqui. Veja o que nos diz sobre a interpretação da Eroica: An excitement exists throughout, as though a fiery character is always set to bubble over.
BBC Music Magazine – Julho 2020: This set cuts pristine interpretations of Beethoven’s early symphonies with Gerald Barry’s 21st-century zesty homage…Stone’s Beethoven swaps between falsetto and lower-range passages with impressive dexterity…Adès and the Britten Sinfonia present tightly knit performances [of the Beethoven Symphonies], and dynamic subtleties are largely preserved in the concert recordings.
Se você quiser conhecer o Thomas Adès compositor, poderá começar aqui:
Telemann tinha uma grande predileção pela flauta doce e nos deixou várias suítes, concertos e sonatas nas quais este instrumento tem destaque. Entre elas, a mais famosa é esta Suíte em lá menor que lidera o programa deste ótimo disco.
Há muitas gravações desta peça que é, digamos assim, obrigatória no repertório de todo flautista doce, maior ou menor. A primeira vez que a ouvi foi na gravação do patrono deles – Frans Brüggen. Depois vieram Michala Petri e também um despretensioso mas ótimo disco da Naxos com música de Telemann, regida por Richard Edlinger. Lamento não lembrar o nome do flautista.
Agora é a vez do ótimo flautista doce, Giovanni Antonini, que também dirige o Il Giardino Armonico, nos fazer as honras.
O programa do disco ainda nos traz dois concertos, um deles ‘de câmera’, e para dar um colorido diferente, uma sonata para dois chalumeaux. O chalumeau é um instrumento de sopro de madeira que antecedeu o clarinete. Telemann que adorava explorar outras sonoridades (chegou a compor um concerto para flauta doce e flauta transversa), nos deixou esta linda peça com uma sonoridade, digamos assim, um tanto exótica.
No libreto em italiano, pude perceber que a peça que abre o disco, um oportuno prelúdio de um minutinho, é uma homenagem a Jacques-Martin Hotteterre – um virtuose, compositor e construtor de flautas doce francês, assim como as suítes que Telemann também adotou.
Jacques-Martin Hotteterre (1674 – 1763)
Prelúdio para flauta doce (module simplesmente ‘Tendrement sans lenteur’)
Prelúdio
Georg Philipp Telemann (1681 – 1767)
Suíte em lá menor para flauta doce, cordas e baixo contínuo TWV 55: a2
Ouverture
Les Plaisirs
Air à Italien (Largo, Allegro, Largo)
Menuet I et II
Réjouissance Vite
Passepieds I et II
Polonaise
Concerto em dó maior para flauta doce, cordas e baixo contínuo TWV 51: C1
Allegretto
Allegro
Andante
Tempo di Menuet
Sonata em fá maior para duas chalumeaux, violinos e baixo contínuo TWV 43: F2
Largo
Allegro
Grave
Vivace
Concerto de Câmera em sol menor, para flauta doce, dois violinos e baixo contínuo TWV 43: g3
[Allegro]
Siciliana
Bourrée
Menuet et Trio
Il Giardino Armonico
Giovanni Antonini, flauta doce, chalumeau tenor e direção
Aqui um trecho da crítica do disco na famosa BBC Music Magazine:
Antonini proves an athletic and affectionate communicator of this sophisticated music, enlivening the dances with well-judged tempos, cogent articulation and a light tread that would grace any…
Aproveite!
René Denon
PS: Se você gostou deste disco, pode ser que goste das seguintes postagens:
Beethoven apresentou-se pela primeira vez ao grande público em Viena no dia 29 de março de 1795, quando foi o solista de seu Concerto em si bemol maior. Mesmo os ouvidos menos atentos notaram uma nova e grandiosa voz que se elevava. Um primeiro movimento com fanfarras prenuncia algumas de suas obras posteriores, notoriamente o Concerto Imperador, o solo de piano que apresenta uma individualidade que o destaca do restante da orquestra e mais o movimento lento, com prenúncios de romantismo, indicavam as novidades.
Eu adoro estes dois primeiros concertos para piano de Beethoven, que podem ser facilmente subestimados, se os colocarmos em perspectiva com os três que os seguiriam. Mas eu sei muito bem que comparações deste tipo raramente são pertinentes ou vantajosas.
Este disco eu fui buscar no fundo do meu baú para contribuir na festiva comemoração do Blog pelos 250 anos de nascimento de Beethoven. É verdade que já temos nossas deliciosas matinais postagens vassylianas, que vem a célere passo apresentando a obra completa do mestre, com excelentes e interessantes gravações, deixando a tarefa de encontrar algo que possa interessar nossos caríssimos leitores ainda mais apimentada.
Assim, preciso de uma justificativa deveras consistente para lançar mais uma postagem neste remoinho de #BTHVN250. Pois bem, além de ser um disco do qual gosto muitíssimo, critério primeiro a ser verificado para a sua escolha, ele tem uma coisa que o diferencia dos tantos outros discos com estes dois concertos.
Verdade, o solista é o jovem Lars Vogt, acompanhado pela City of Birmingham Symphony Orchestra, regida pelo seu maestro de então – Simon Rattle – que em 1994 ainda não sabia que se tornaria o Direktor da Berliner Philharmoniker.
Lars estava deslanchando sua carreira de pianista, que ganhara grande impulso uns quatro anos antes, quando ele participou do Leeds International Piano Competition, conquistando o segundo lugar. Na ocasião tocara o Concerto de Schumann, acompanhado pela CBSO e Rattle, concerto que gravou logo depois, junto ao Concerto de Grieg, acompanhado pelo mesmo time.
O atual Lars, tentando escapar do fotografo especial do PQP Bach Corp.
Atualmente Lars Vogt também exerce a regência e é o diretor da Royal Northern Symphony, orquestra com a qual gravou todos os concertos para piano de Beethoven, atuando como solista e regente. Não satisfeito com esta façanha, fez o mesmo com os dois concertos de Brahms. Espero que dia deste algum de meus colegas postem estas coisas. Eu vou garantir este belíssimo disco, mas quase me esquecia de contar o que o torna tão especial, pelo menos para mim.
Na edição que eu tenho, a capa do libreto traz em pequenas letras vermelhas a informação que as cadências do Concerto em dó maior foram compostas por Glenn Gould. E é por isto, 2’20 (dois minutos e vinte segundos), contados a partir de 12’20 na primeira faixa – a cadência do primeiro movimento – que eu verdadeiramente adoro este disco. Eu não consigo ouvir uma só vez. E toda vez que ouço esta cadência, ela me contagia, eu me remexo todo, agito as mãos, o corpo todo. Estes dois minutos e pouco de música me dão uma grande energia.
As cadências (a do terceiro movimento também) foram compostas por Glenn Gould em 1954 para uma apresentação em um concerto com a Montreal Symphony Orchestra.
Assim, temos dois concertos de um jovem compositor, interpretados por um jovem virtuose, e que com a sua escolha de cadências faz uma reverência ao seu predecessor. E se pensarmos bem, em 1994, Rattle que ainda não fizera quarenta anos, era um jovem maestro. Portanto, ouça lá este disco prestando alguma atenção no final da primeira faixa e depois me contem… Será que meu entusiasmo se justifica?
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Concerto para Piano No. 1 em dó maior, Op. 15
Allegro com brio (Cadência de Glenn Gould)
Largo
Rondo (Allegro) (Cadência de Glenn Gould)
Concerto para Piano No. 2 em si bemol maior, Op. 19
Veja um comentário que observei em uma crítica do disco que você poderá ler na integra aqui.
The most distinctive aspect is the strong contrast between the styles of the soloist and the orchestra: Vogt cultivates a light, airy sparkling tone that looks back to Haydn, while Rattle’s statements from the orchestra are forceful and spacious.
Aproveite!
René Denon
PS: Se você gostou deste álbum, também poderá gostar de ver estas postagens:
Hoje chegou pelo correio uma caixa com CDs de Mahler – Sinfonias –, quase todas, regidas pelo jovem James Levine, diversas orquestras. Eu já havia esquecido que havia pedido. Gosto particularmente da gravação que ele fez da Terceira e da Quinta Sinfonia e assim pedi a coisa toda que ele gravou. Vai dar trabalho, mas será divertido. Mas o que eu realmente queria dizer é que chegou novamente dias de ouvir Mahler. Para tanto, é preciso entrar na vibe, sentir uma certa apetência. Não creio que alguém simplesmente acorde e diga – hoje ouvirei a Oitava Sinfonia de Mahler, a menos que seja um dia especial.
O universo deste compositor é um tanto complexo e sua exploração pode durar uma vida toda, se você souber dosar. Eu não entendi direito ainda a Sexta, Sétima e a Oitava. Adoro de paixão a Nona e a Canção da Terra, mas ouço estas obras com parcimônia, quando posso realmente me entregar a elas com a dedicação que eu acho que elas merecem.
Sobrou o que? Bom, as outas sinfonias que eu ouço com mais frequência, a Quarta prima entre elas.
Mas, se você ainda é noviç@ na arte de Mahler, ou mesmo iniciad@ mas que ainda tem arcanos a galgar, precisa ouvir os Lieder. Na minha opinião, o caminho para o coração da música de Mahler passa por suas lindas canções.
E este disco, que você encontra aqui no PQP Bach ainda antes do seu lançamento, que será no dia 16 de outubro de 2020, traz assim um buquê delas, todas muito boas, algumas espetaculares. A cantora, Christiane Karg, já tem alguns discos lançados, mas este é o primeiro dela que ouço. Buscarei muitos outros.
Temos seis canções do conjunto intitulado “Des Knaben Wunderhorn”, com poesias folclóricas e cheias de sabedoria popular e sete canções do conjunto intitulado “Lieder und Gesänge aus der Jugenszeit”, do tempo de juventude. Tem também cinco canções maravilhosas, com letras de Friedrich Rückert, as “Rückert Lieder”, e para fechar o cortejo, algo deveras especial.
Em 1905, Edwin Welte inventou uma maneira de gravar os pianistas da época em rolos de papel e Mahler foi um dos que deixaram registro. Ele gravou arranjos de algumas de suas obras. Pois, usando estes raríssimos documentos, nas duas últimas canções, Christiane Karg é acompanhada por ninguém menos do que o próprio compositor. Bem, ela teve que dar um jeito de se adaptar aos andamentos ousados do Gustav, mas é isso o que temos. A última canção, em particular, tem como letra um poema da coleção “Des Knaben Wunderhorn” – Wir geniessen den himmlischen Leben – e tornou-se o quarto movimento da Quarta Sinfonia. A canção é uma descrição da vida no Céu pelos olhos de uma criança.
É claro, cada um pode ouvir a música como quiser, inclusive escolhendo uma ou outra canção e depois seguir para outros arquivos. Mas se você se permitir um pouco mais de tempo e dedicação, poderá usufruir muito mais. De um libreto de outro disco, tirei o seguinte parágrafo: Há outro aspecto dos Lieder de Mahler: eles devem ser vistos como os germes de suas obras sinfônicas. Não é por acaso que muitos deles existem em duas versões, com acompanhamento de piano e com acompanhamento orquestral. Na coleção de poemas intitulado “Des Knaben Wunderhorn”, que refletem a realidade em uma maneira simplista, Mahler encontrou algo de seu próprio e real despertar primitivo. Essas canções antecipam o que suas sinfonias mais tarde iriam definir – a relação entre felicidade e nostalgia, medo e amor pela natureza, pesar e o fantasmagórico.
Por exemplo, um pouco de esforço revela o rico universo folclórico das canções do KW. A primeira delas a ser apresentada aqui, Rheinlegendchen (Lendazinha Renana), conta de um camponês que sente saudades de sua amada e de uma forma mágica e misteriosa seu anel (ou aliança) cai no rio, corre para o mar e acaba na barriga de um peixe. O peixe, depois de assado vai para a mesa do rei que acha o anel! E, é claro, a jovenzinha reconhece o anel e volta correndo para devolvê-lo…. Bom, você acha que isso tudo demora uns quinze minutos para contar, não é? Nada, a canção demora meros 3 minutos! Por isso é preciso ouvir e ouvir…
Outra canção maravilhosa é Des Antonious von Padua Fischpredigt, que conta como o caridoso santo, não encontrando qualquer pessoa na igreja, foi pregar aos peixes. E todos os peixes o escutaram com a atenção que o santo merece. Mas, ao fim do sermão, cada um se volta para sua própria vida, o peixe lúcio continua um ladrão, as enguias grandes amantes, o sermão agradou, mas eles continuam como sempre foram. Verdadeira sabedoria folclórica.
Há canções nas quais o intérprete faz mais do que uma voz, como na Das Irdishe Leben – A Vida na Terra – em que há uma criança faminta, uma mãe que lhe promete o pão e o narrador. E tem Verlorne Müh’ – Inútil Esforço – em que a garota tenta atrair o rapazola, mas com diz o título, o esforço é em vão.
Eu gosto muito das canções com letras de Friedrich Rückert, que também escreveu a letra para os Kindertotenlieder. Há três canções curtas, belíssimas, e duas mais parrudas – Um Mitternacht, que é muito séria, e dá um pouco de medo, e a que eu mais gosto de todas, Ich bin der Welt abhanden gekommen. Acho que nesta canção há uma parte essencial da obra de Mahler, que não seria completa sem ela.
Escrevi mais do que havia planejado, não sei se você continua comigo até aqui ou se já foi para outra postagem. Espero que meu entusiasmo por essas coisas lhe contagie de alguma maneira e que o disco lhe seja agradável!
Vale!
Gustav Mahler (1860 – 1911)
Rheinlegendchen (Des Knaben Wunderhorn)
Wer hat dies’ Liedlein Erdacht? (Des Knaben Wunderhorn)
Hans und Grete (Lieder und Gesänge aus der Jugendzeit)
Ablösung im Sommer (Lieder und Gesänge aus der Jugendzeit)
Scheiden und Meiden (Lieder und Gesänge aus der Jugendzeit)
Verlorne Müh’ (Des Knaben Wunderhorn)
Des Antonius von Padua Fischpredigt (Des Knaben Wunderhorn)
Das irdische Leben (Des Knaben Wunderhorn)
Wo die schönen Trompeten blasen (Des Knaben Wunderhorn)
Rückert-Lieder
Blicke mir nicht in die Lieder!
Ich atmet’ einem linden Duft!
Um Mitternacht
Liebst du um Schönheit
Ich bin der Welt abhanden gekommen
Erinnerung (Lieder und Gesänge aus der Jugendzeit)
Phantasie aus Don Juan (Lieder und Gesänge aus der Jugendzeit)
Nicht wiedersehen (Lieder und Gesänge aus der Jugendzeit)
Christiane Karg, soprano
Malcolm Martineau, piano
Ich ging mit Lust (Lieder und Gesänge aus der Jugendzeit)
For her first solo recital on harmonia mundi, Christiane Karg, alongside her faithful partner Malcolm Martineau, presents an incursion into the most intimate aspect of Mahler’s music: the songs from Des Knaben Wunderhorn take us to the heart of the composer’s creative process, as do the songs from his youth and the later Rückert-Lieder.
Aproveite!
René Denon
Se você gostou desta postagem, pode se interessar por estas aqui:
O lançamento deste disco foi ontem (escrevo na linda tarde de 2 de outubro de 2020) e deixou-me assim, um pouco surpreso.
O Fauré Quartett é formado por Konstantin Heidrich (violoncelo), Erika Geldsetzer (violino), Sascha Frömbling (viola) e Dirk Mommertz (piano). Estes quatro músicos alemães formaram este conjunto de câmera há 25 anos, quando estudavam em Karlsruhe. A escolha do nome se deve ao fato de que naquele ano de 1995 comemorava-se os 150 anos de nascimento do Gabriel e a música deste ótimo compositor francês os reuniu e mostrou a possibilidade de assim atuarem profissionalmente.
Minha surpresa vem do fato de que, apesar do nome, o grupo ainda não havia registrado as peças do homônimo compositor. Realmente, eles gravaram os quartetos de Mozart, de Brahms, e realizaram outros interessantes e ousados projetos para a Deustche Grammophon, mas nada de Fauré, até ontem…
Parece que eles passaram 25 anos se preparando para realmente fazer jus à música que tanto os inspirou. Posso vos garantir que valeu a espera. O disco é excelente.
O pianista do grupo, Dirk Mommertz, explica que os membros do grupo estão realmente muito conectados e isto gera algum risco: manter exatamente aquilo que uma música como a de Fauré precisa, o imprevisível, uma sensação de estar no ar, de leveza, mas também a profundidade que está dentro dela.
Dame Janet Baker
Veja como o Google tradutor do alemão verteu a mensagem de lançamento do álbum: O lançamento do novo disco é iminente! Estamos comemorando 25 anos do Quarteto Fauré. É por isso que Gabriel Fauré pode ser ouvido no CD. Muito! Seus dois quartetos de piano, Op. 15 e Op. 45, são adoçados com cinco canções: Notre Amour, Les Berceaux, Après un rêve, Clair de lune e Mandolin em um arranjo agradável de Dietrich Zöllner. O CD estará disponível a partir de 2 de outubro!
Gérard Souzay
Adoçados (versüßt) pode não ser muito elogioso para nossos ouvidos, mas tenho certeza que o contexto cultural alemão deve ser diferente. Digo isso por que achei os arranjos de impecável bom gosto. Acrescentei no arquivo que você já deve estar baixando gravações das canções Les Berceaux, Après un rêve, Clair de lune e Mandolin, nas vozes excepcionais de Gerard Souzay e Janet Baker, para que você compare e tire as suas próprias conclusões.
Gabriel Fauré (1845 – 1924)
Quarteto com Piano No. 2, Op. 45
Allegro molto moderato
Allegro molto
Adagio non troppo
Allegro molto
Canções arranjadas para Quarteto com Piano (Dietrich Zöllner)
E o pianista do Fauré Quartett continua explicando: “One discovers much that is wonderful in Fauré’s music, from the darkest depths in the slow C minor movement, to the airiness and cheerfulness of some of the art songs we arranged and recorded” […] It is “incredibly challenging to cope with such emotional fluctuations along with all the imponderables as a member of an ensemble that has been rehearsing this music for over twenty years now. But it is exactly this that has perhaps driven us to rethink just about everything as much as possible. You have to look for a truth that offers validity.”
Na minha opinião, eles saíram-se brilhantemente do desafio!
Aproveite!
RD
Se você gostou desta postagem, poderá se interessar por estas aqui:
Discos com música de um único compositor costuma ser o normal, mas há também aqueles discos nos quais o artista apresenta um recital escolhendo peças de vários compositores que mais se adequam às suas características ou habilidades. Estes discos podem ser apenas montados pelas gravadoras para homenagear o artista ou para fins comerciais mesmo.
Que foi? Nunca viu um par de jarros?
Entre estes extremos temos aqueles discos que reúnem duas obras que se tornaram ‘dobradinhas’ ao longo da história das gravações. As duplas mais famosas são os quartetos de cordas de Debussy e Ravel e os concertos para piano de Schumann e Grieg.
Digo Schumann e Grieg pois Schumann é mais velho e compôs o seu concerto primeiro, que serviu de inspiração para o mais jovem compositor. Mas as prevalências acabam aqui, pois que os dois concertos são obras espetaculares e, a menos que você seja um absoluto negacionista do romantismo, deve amar estas obras.
Seguindo, portanto, a linha de apresentar obras representativas do repertório clássico para o Desafio PQP, escolhi estes dois concertos para esta que já é a quarta rodada.
Conta a história que em 1845 Clara Schumann estreou o Concerto do maridão como solista em uma apresentação em Dresden. Alguns anos depois, em outro concerto que fez em Leipzig, esteve presente o então jovem norueguês Edvard Grieg, que ficou encantado com a obra do compositor mais velho e inspirado pela sua beleza e romantismo logo deitou mãos à obra. E então, como diz o adágio, o resto é história.
Para tornar o desafio ainda mais interessante, temos aqui não uma gravação, mas duas gravações deste par de ‘cavalos de batalha’. Doravante elas serão tratadas por Desafio A e Desafio B.
Para ganhar o nome inscrito em um tijolo na virtual calçada da fama do PQP Bach, você precisará nomear os artistas das duas gravações.
E mais não digo pois que os nossos argutos e dedicados Sherlockes musicais são capazes de farejar mesmo nos mais rarefeitos bites digitais dos arquivos postados.
Vamos, aproveitem estas duas gravações dos lindos concertos e digam-me sem demora os nomes e sobrenomes dos intérpretes!
Robert Schumann (1810 – 1856)
Concerto para Piano em lá menor, Op. 54
I. Allegro affetuoso
II. Intermezzo: Andantino grazioso e III. Allegro vivace
Neste ambiente foi descoberta a solução do último desafio – verdadeiro trabalho de Sherlock!
Reafirmo aqui a questão motivadora desta espécie de ‘coluna’ do PQP Bach… Como se fosse a Seção de Palavras Cruzadas:
O quanto o conhecimento antecipado do intérprete afeta nossa apreciação de um disco?
Nossos ouvidos podem ser levados a apreciar com mais condescendência aqueles intérpretes que amamos ou ficarem de sobrepostos para as escorregadelas daqueles com os quais não simpatizamos. Isto sem contar com as muitas gravações que não nos chamam particularmente a atenção. Pois aqui você tem a oportunidade de ouvir uma boa música sem pré-julgamentos de qualquer tipo… Pelo menos até que o desafio não seja resolvido!
Aproveite!
René Denon
PS: Se você se interessou pelos desafios, poderá encontrar os anteriores clicando nos links a seguir.
Houve um tempo em que as escolhas de repertório eram limitadas e a música que ouvíamos vinha dos LPs nos quais conseguíamos deitar a mão. Muito Tchaikovsky, uma porção discos de Karajan e maestros e músicos que os principais selos se davam ao trabalho de lançar por aqui. É claro, havia muita coisa boa, mas acho que vocês me entendem. O que havia é descrito pela expressão em inglês – mainstream – o repertório mais convencional.
Lembro de estar na loja do Rubão, o aristocrático Sr. Rubens, que flanava entre suas gôndolas repletas de LPs da Deutsche Grammophon e Philips, com seu blazer castanho e ar inglês, e ver entrar uma figura do meio artístico teatral buscando – música de câmara de Fauré. É preciso ouvir a música de câmara de Gabriel Fauré, afirmava ele… Pois é, ele quase desmaiou quando viu os preços.
Qual é o trompista e qual é o pianista?
Atualmente, com a facilidade oferecida pelas plataformas de música, muitos avatares digitais do que seria os LPs, temos o problema reverso – como escolher um bom disco em meio a tantas ofertas? É preciso muita, muita disposição e alguma disciplina.
Eu, que fora um assíduo praticante da Lei do Xadrez – disco colocado é disco ouvido! – tive que adaptar a regra. Adaptei para Sinfonia (Concerto, Sonata…) começada é Sinfonia ouvida. Mas como ouço muito Bruckner e Mahler, estou em negociação com a Casa dos Deliberantes Neurônios uma adaptação da Regra: Movimento (Lied, Ária de Ópera) começado é Movimento ouvido. Tudo isto por que o que nunca muda é que o dia é composto de 24 horas das quais precisamos dispor com alguma sabedoria…
Assim, quando chego a um disco – ou avatar digital de um álbum – um arquivo de música que ouço do começo ao fim e que deixa a sensação de que seria bom ouvir de novo, é por que a música muito me agradou. Certo, tem umas coisas de momento, mas em geral, o que vai bem no tardar da noite e se confirma pela manhã, é coisa boa.
Foi com esse tipo de disposição que cheguei a este lindo álbum com música de câmara de Poulenc, com instrumentos de sopro e piano. As peças que abrem e fecham o disco também estão em um álbum que postei dia destes, mas lá elas fazem companhia a dois concertos. Aqui elas estão entre peças do mesmo gênero.
O disco começa com a partitura mais antiga, o Trio para Piano, Oboé e Fagote, de 1926, dedicado a Manuel de Falla. Poulenc mencionou a influência de um alegro de Haydn para o primeiro movimento e do Segundo Concerto para Piano de Saint-Saëns no Rondó Final. O Sexteto é sparkling, acerbic and mocking (borbulhante, ácido e zombeteiro) segundo o biógrafo de Poulenc, Henri Hell. O contraste entre o episódio inicial da abertura com o trecho mais melancólico que segue é marcante.
A Sonata para Piano e Flauta, de 1957, é uma das obras mais conhecidas do disco, provavelmente, e foi estreada no Strasbourg Festival no mesmo ano, pelo compositor ao piano e o imenso Jean-Pierre Rampal, na flauta. Com um padrinho destes, a peça não poderia começar melhor.
Benny & Lenny
As duas últimas peças do disco foram compostas no final da vida de Poulenc e foram estreadas após sua morte. A Sonata para Oboé e Piano foi dedicada (postumamente) à Prokofiev e a Sonata para Clarinete e Piano foi estreada por Benny Goodman e Leonard Bernstein, em abril de 1963, no Carnegie Hall. Segundo Poulenc, estas duas sonatas ‘simmered in the same pot’ – foram cosidas na mesma panela!
O grupo musical que nos apresenta estas peças é excelente. O Arabesques Ensemble é um grupo de instrumentistas que surgiu com o festival criado em 2011 em Hamburgo e reúne músicos das três principais orquestras da cidade. O festival busca apresentar musica de compositores desconhecidos e peças musicais menos conhecidas.
O pianista Paul Rivinius estudou com Gerhard Oppitz em Munique e foi membro da Gustav Mahler Youth Orchestra sob a direção de Claudio Abbado.
Francis Poulenc (1899 – 1963)
Trio para piano, oboé e fagote, FP 43 (1926)
Presto
Andante
Rondo
Sexteto para piano, flauta, oboé, clarinete, fagote e trompa, FP 100 (1932 – 39)
Para nosso momento ‘The book is on the table’ escolhi uma frase de uma crítica feita ao disco no site da Amazon por Dean Frey: ‘This splendid collection of chamber music with piano is organized chronologically, but there’s no real story arc of development or decline here; just Poulenc’s prodigious, regular eruption of brightness and melancholy, of boisterous cheer and haunted longing’.
Em 12 de maio de 2011 PQP Bach postou dois discos de Antonio Vivaldi que torno a postar. Motivações há várias, a principal é que a música é ótima e os links estavam já em avançado estado de decomposição. Além disso,
Giunt ‘é a Primavera e festosetti
La Salutan gl’ Augei com lieto canto
É chegada a Primavera!
Os pássaros celebram seu retorno com uma canção festiva
Esta postagem faz parte da já lendária série PQP Originals!!
Vejam aqui o texto da postagem original:
Esplêndido CD duplo da Deutsche Harmonia Mundi! Todos nós conhecemos e caracterizamos Totonho por seus concertos. Dos 241 concertos para violino que compôs, muitos deles têm títulos programáticos. O violinista barroco italiano Enrico Casazza, selecionou seis concertos cujos nomes referem-se às paixões humanas (L’Amoroso ou L’Inquietudine). O CD bônus inclui quatro concertos inicialmente compostos para outros instrumentos que não o violino. Estes trabalhos foram arranjados para violino e orquestra de cordas por Pablo Queipo de Llano. A orquestra de nome modestíssimo — La Magnifica Comunità — é, tá bom, bem boa mesmo.
Caso você queira ler os comentários da época, clique aqui.
Qual a melhor maneira de planejar um disco de Vivaldi? Há muitas, quase todas ótimas, o Padre Vermelho era um bamba e prolífico. Aqui temos um conjunto de concertos nomeados reunidos sob o tema – La Passioni dell’Uomo. Note que a paixão é barroca, o romantismo ainda estava por vir. Mas os concertos são espetaculares, especialmente Il Favorito, com seu movimento lento que conforta e embala qualquer coração.
O segundo disco é assim um spin-off e é bom também. Quatro concertos reconstruídos (algumas páginas dos originais estavam faltando).
Antonio Vivaldi (1678 – 1741)
Le Passioni dell’Uomo / Concertos para Violino
Disco 1
Concerto para Violino em mi menor, RV 277 “Il Favorito”
Allegro
Andante
Allegro
Concerto para Violino em ré maior, RV 234 “L’Inquietudine”
Allegro
Largo
Allegro
Concerto para Violino em mi maior, RV271 ‘L’Amoroso’
Allegro
Cantabile
Allegro
Concerto para Violino, cordas e baixo contínuo em dó menor, RV 199 “Il Sospetto”
Allegro
Andante
Allegro
Concerto em si menor, RV 387 ‘Per Signora Anna Maria’
Allegro
Largo
Allegro
Concerto para Violino em dó menor, RV 761 ‘Amato Bene’
Allegro
Largo
Allegro
Disco 2
Concerto para Violino e cordas em si menor, RV 378R
Allegro
Largo
Allegro
Concerto para Violino e cordas em sol menor, RV 320
Allegro
Largo
Allegro non molto
Concerto para Violino e cordas em si bemol maior, RV 432R (originalmente para Flauta)
Allegro
Largo
Allegro non molto
Concerto para Violino e cordas em sol menor, RV 322
Veja o que disse do disco Lindsay Kemp, da Gramophone: This is an attractive and expansive Vivaldi, at ease with himself it seems, and able to express delicate shades of emotion – can there be a sweeter opening to a Baroque concerto than that of L’amoroso?
Mike, na Amazon: Un’interpretazione superlativa dei concerti per violino vivaldiani, molti dei quali con eponimo e in modo minore (primo cd) altri (secondo cd) inediti in quanto ricostruzioni da frammenti isolati. […] Anche sotto il profilo tecnico nulla si può eccepire in un doppio cd da non lasciarsi sfuggire.
Aproveite! Non lasciarsi sfuggire!
René Denon
Grande Canal, Venezia
Se você gostou desta postagem, talvez queira visitar esta aqui:
Christopher Hogwood foi o diretor da Academy of Ancient Musik e no auge do movimento HIP gravou uma imensidão de discos regendo esta orquestra, acompanhando diversos solistas, para o selo L’Oiseau Lyre, que se tornou um ramo da DECCA, dirigido por Peter Wadland e dedicado à música antiga, barroca e clássica.
Notoriamente eles gravaram as sinfonias de Beethoven e Mozart, algumas de Haydn. Com Christoph Coin deixou alguns lindos discos, alguns destes de Vivaldi, assim como também de outros mestres. Gosto especialmente da gravação das Suítes Orquestrais de Bach.
Conforme a onda HIP foi se arrefecendo, Hogwood interagiu com outras orquestras, inclusive convencionais. Assim, não foi surpresa ver seu nome em um disco de outro selo, regendo outra orquestra que não a AAM, mas mesmo assim, chamou-me a atenção. Como gosto bastante de seus discos de Vivaldi, tratei logo de investigar este aqui. Temos aqui uma coleção de peças que Vivaldi usava na abertura de suas óperas, mas não são aberturas no mesmo sentido que as aberturas de óperas de Mozart ou Rossini. São mesmo concertos, na maioria com três movimentos e várias combinações de instrumentos, inclusive instrumentos de sopros. A crítica na Gramophone nos dá mais algumas poucas informações:
A maioria das peças foram compostas para cordas, mas a revigorante Abertura de Bajazet, o cara que foi conquistado por Tarmelano, encampa um ressonante par de trompas, enquanto oboés se destacam proeminentemente na abertura da primeira ópera de Vivaldi, Ottone in Villa. Vivaldi sabia usar o artifício de emprestar de suas próprias obras e temos um pouquinho disto aqui. Notavelmente em Dorilla in Tempe, onde ele cita o primeiro movimento da ‘Primavera’, das Quatro Estações, e L’Olimpiade, que no seu último movimento, ele empresta material de ‘Ut collocet’, do Laudate pueri (RV 601), provavelmente escrito dois anos antes.
Federico Guglielmo
A contracapa nos diz que Federico Guglielmo é figura importante no projeto que ele idealizou e no papel que desempenhou na preparação da orquestra. De qualquer forma, os esforços conjuntos funcionaram e o disco é um primor.
Antonio Vivaldi (1678 – 1741)
Il Bajazet – Sinfonia em fá maior, RV 703
Allegro (I)
Andante molto (II)
Allegro (III)
L’Olimpiade – Sinfonia em dó maior, RV725
Allegro (I)
Adagio – Presto – Adagio (II)
Allegro (III)
Allegro molto con l’arco attacco (IV)
La Verità in cimento – Sinfonia em sol maior, RV 739
Allegro (I)
Andante (II)
Allegro, e forte (III)
Concerto para Violino em dó menor, RV 761 ‘Amato bene’
Allegro (I)
Largo (II)
Allegro (III)
Ottone in Villa – Sinfonia em dó maior, RV 729
Allegro (I)
Larghetto (II)
Concerto em fá maior, RV 571
Allegro (I)
Largo (II)
Allegro (III)
Dorilla in Tempe – Sinfonia em dó maior, RV 709
(I) (sem indicação de tempo)
Andante (II)
Allegro (III)
Il Farnace
Sinfonia em dó maior, RV 711
Sinfonia em sol maior, RV 149
Allegro molto (I)
Andante (II)
Allegro (III)
Concerto em ré menor, RV 128
Allegro non molto (I)
Largo (II)
Allegro (III)
Il Giustino – Sinfonia em dó maior, RV 717
(I) (sem indicação de tempo)
Andante (II)
Allegro (III)
Christopher Hogwood
L’Arte Dell’Arco
O projeto foi planejado e a orquestra ensaiada por Federico Guglielmo
Para nosso ‘Momento Babel’: Crítica na Amazon: This is why Hogwood will be sorely missed. Vibrant, dynamic pieces and performances – if you don’t know Viv’s operatic overtures, snap this gem up.
Outra: Dirigenten und Liebhaber barocker Instrumente, wie sie das L’ARTE DELL’ARCO besitzt, sind bravourös dargestellt. Als Hilfsmittel gegen malade Stimmungen ist diese CD sehr zu empfehlen!
Realmente, este CD é altamente recomendado contra monotonia! Aproveite!
René Denon
PS: Se você gostou deste álbum, poderá gostar desta postagem aqui:
Até o momento em que começo a escrever esta postagem não consegui verificar se Bach e Biber encontraram-se alguma vez, mas eu creio que não. Heinrich Ignaz Franz (von) Biber nasceu em 1644, 41 anos antes de Bach, e quando morreu, Bach era um jovem de 19 anos. Mas acredito que Bach conhecia alguma música de Biber, especialmente por este ter sido um grande violinista e suas composições, como as sonatas deste disco, além das famosíssimas Sonatas do Rosário (Die Rosenkranz Sonaten) expandiram as técnicas de tocar o violino.
Foto do artista quando muito jovem…
De qualquer forma, a combinação das peças de Bach com as do músico mais antigo, dão um toque interessante ao programa. Ouça de olhos fechados, ou pegue uma faixa qualquer aleatoriamente. Acredito que você conseguirá adivinhar logo qual dos dois é o compositor. As sonoridades de Biber são um tanto mais técnicas enquanto a música de Bach me parece mais melodiosa (uso esta por não me ocorrer alguma palavra mais apropriada). As tais scordaturas dão um toque especial às peças de Biber, assim como sua inventividade. Por exemplo, o último movimento de uma de suas sonatas tem uma ária com variações.
Mas as peças foram escolhidas para mostras as habilidades do jovem violinista. Evgeny Sviridov nasceu em São Petersburgo e iniciou seus estudos no conservatório da cidade. Enquanto ainda estudava participou de competições como Menuhin Competition em Cardiff e Paganini Competition em Gênova, em 2008. Mas foi em 2010 que ocorreu algo realmente especial. Aparentemente inspirado pelas interpretações de música em instrumentos de época, como as de Reinhard Goebel, inscreveu-se no International Bach Competition e ganhou o primeiro prêmio. Este disco de 2011 é uma consequência disto. Isto catapultou sua carreira e ele aprofundou seus estudos nesta área. Hoje, Sviridov tem uma carreira completamente estabelecida e suas atividades como artista e como professor são impressionantes, como você poderá descobrir lendo seu perfil nesta página aqui.
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Sonata para violino e cravo No. 3 em mi maior, BWV 1016
Adagio
Allegro
Adagio ma non tanto
Allegro
Heirich Ignaz Franz Biber (1644 – 1704)
Sonata para violino No. 4 em ré maior, c. 141
Presto
Gigue – Adagio
Adagio – Adagio
Aria – Variatio 1 – 2 – 3 – 4 – Finale – Presto
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Sonata para violino em sol maior, BWV 1021
Adagio
Vivace
Largo
Presto
Heirich Ignaz Franz Biber (1644 – 1704)
Sonata para violino No. 8 em lá maior, c. 145
Sonata – Allegro
Aria
Sarabanda
Allegro – Allegro
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Partita para violino solo No. 3 em mi maior, BWV 1006
Para nosso espaço Babel, selecionei alguns trechos de críticas dos trabalhos do Evgeny..
“Seine Interpretation ist ein Ereignis. Da ist nicht ein Bogenstrich unkontrolliert oder unreflektiert. Jeder Akzent, jede Klangfarbe erweist sich als wohlüberlegt und präzise gesetzt.”
“If you think the Baroque violin sounds wiry and thin, Sviridov’s silky, silvery tones will make you think again. Fingerwork and bowings are supple, light-weight and agile, producing effects by turns balletic, poetic, rhetorical and lyrical.”
“Ce très grand interprète donne ici une splendide illustration de ce qu’on peut faire de mieux avec des œuvres majeures même dès le jeune âge. Il est troublant de ressentir à l’écoute d’œuvres connues, maintes fois entendues, une nouvelle émotion. C’est simplement magnifique !”
O repertório deste disco é muito diverso. Temos uma Fantasia, dois Rondós e duas Sonatas de Wolfgang Amadeus Mozart, aquele que, segundo Manuel Bandeira, no dia 5 de dezembro de 1791
entrou no céu, como um artista de circo, fazendo
piruetas extraordinárias sobre um mirabolante cavalo branco.
Diverso por que a Fantasia é diferente das Sonatas e dos Rondós na forma, as sonatas são de períodos muito diferentes na vida do compositor e os rondós também, diferem um do outro pelo nível de maturidade. Digo isso para chamar sua atenção para as peças, como elas iluminam diferentes aspectos da arte de Mozart.
A Sonata em ré maior, ‘Dürnitz’, é a última de um conjunto de seis, compostas em 1775, quando Mozart ainda estava em Salzburgo. Mas deste conjunto ela é a maior e a única do grupo a ter sido publicada ainda em vida do compositor. Note que seu último movimento é um conjunto de variações.
A Sonata em fá maior tem este estranho número de catalogação por ter tido seus dois primeiros movimentos, que foram compostos em 1786 completados por uma recomposição de um rondó que havia sido composto anteriormente. Mas nem por isso podemos notar qualquer mudança no nível de inspiração, temos uma linda sonata com tradicionais três movimentos.
Devemos ter em mente, ao ouvir estas peças para piano de Mozart, que estas composições, na época da vida do autor, eram para uso doméstico, para amadores assim como para connoiseurs. Elas habitam o universo das peças de Haydn e de Carl Philippe Emanuel Bach, que compunha für Kenner und Liebhaber. Isto é, antecedem as sonatas do Ludovico.
Mencionadas estas coisas, chamo a atenção para o pianista, que tem ótima mão para Mozart. Já ouvi um disco em que ele toca concertos e sei que há ainda outro por aí… Espero poder postar mais coisas do Franceso, que é suíço e ainda bastante jovem. Em sua formação estudou com grandes pianistas, como Alfred Brendel, Cécile Ousset e Alexis Weissenberg. Assim, não se surpreenda por ouvi-lo interpretar Schubert, Debussy ou Liszt, além do Mozart que hoje trazemos.
O editor e compositor Franz Anton Hoffmeister pensou ter encontrado uma maneira de conseguir uma boa grana quando encomendou a Mozart três quartetos com piano. Ele imaginava vender as partituras para grupos de músicos amadores, acostumados às peças no estilo galante e ávidos por boa música que pudesse ser executada em casa, nos idos de 1785. Quando Mozart entregou o primeiro quarteto, em sol menor, estes músicos amadores ficaram desnorteados, com a tonalidade, as demandas técnicas nas partes, os uníssonos ao longo do imenso e complexo primeiro movimento. Hoffmeister desistiu da encomenda e o segundo quarteto, em mi bemol maior, pronto em 1786, não chegou a ser impresso, apesar de ter sido posteriormente publicado por Artaria. Mais uma ideia que não gerou lucros para Hoffmeister ou Mozart, que pode pelo menos ficar com o adiantamento (que bem provavelmente já havia sido gasto). De qualquer forma, ficamos com estas duas maravilhosas peças que enchem o álbum desta postagem. Mais ainda, os atentos compositores que vieram depois também deixaram algumas obras memoráveis neste gênero musical, como é o caso de Schumann, Brahms e Fauré.
O simpático pessoal do Leopold Trio
Minha referência para estas obras antes de encontrar este disco em um blog da concorrência, era a gravação do Fauré Quartett. Continuo ainda apreciando muito esta gravação, mas acho que o disco desta postagem, que tem ao piano o excelente Paul Lewis, vai um pouquinho além. Uma das diferenças está na ‘arquitetura’ da peça. Os primeiros movimentos têm dois trechos marcados para a repetição na partitura.
Esta gravação observa as duas repetições, enquanto a maioria das outras gravações, incluindo a do Quarteto Fauré, só faz a primeira repetição. Mas gostei muito do conjunto da obra do disco da Hyperion, produzido pelo excelente Andrew Keener.
Os dois quartetos se completam bem (apesar de serem assim, um pouco Esaú e Jacó…). O primeiro é mais trágico, mais sombrio e o outro mais extrovertido.
O pensativo Paul…
Estas obras deram trabalho ao genial compositor. Contrário da imagem de facilidade e superficialidade, dos rascunhos que ficaram verifica-se que pelo menos duas ideias para um tema do larghetto do K. 493 foram abandonadas antes que Mozart se desse por satisfeito.
O entrosamento dos intérpretes é magistral, como pode-se observar no allegretto desta peça, a última faixa do disco. Há no ar um sentimento de contentamento com a música, muito verdadeiro. É como se eles não quisessem terminar a música, tamanho prazer. Diferente das situações em que parece que os músicos querem acabar o concerto e correr para o jantar.
Para nosso momento ‘The Book is on the Table’, escolhi alguns trechos de críticas do álbum:
‘It is in fact clear from the opening that this is a performance to reckon with, exemplified by its careful measured tempo, its poise and its subtle handling of the balance between strings and piano. A real winner, this disc; warmly recommended’ (Gramophone)
‘These are deeply musical performances, perceptive and satisfying, of two masterpieces’ (International Record Review)
‘The Leopold Trio gives a crisp, clear and engaging performance’ (The Strad)
Quando deitei os olhos neste disco, notei os nomes Mozart, Haydn, Abbado, mas notei também a ausência da cor amarela na capa. Um olhar mais detalhado revelou o nome do selo suíço – Claves, ótimo, mas que não costuma abrigar nomes assim estelares como o do maestro Abbado.
Lucas Macías Navarro
A história deste disco é interessante e está na net. O principal oboé da Concertgebouw Amsterdam ligou para um produtor do selo perguntando se haveria interesse de gravar o concerto de Mozart com a orquestra e o maestro. Certamente, foi a resposta. Mas, um pouco de cautela era necessário, pois ao que parece, o oboísta é dado a brincadeiras. Para nossa grande felicidade, desta vez a coisa era séria. Alguns anos passados na agenda de todo mundo e com a ajuda de algum gracioso patrocínio, o disco foi gravado na Espanha em 2013.
E como de um só concerto não se faz um disco, a Sinfonia Concertante de Haydn completou adoravelmente a empreitada, permitindo aos outros músicos da orquestra brilharem, assim como nos proporcionar ouvir Abbado regendo Haydn.
Noto que esta Sinfonia Concertante em si bemol maior, Hob. I/105, de Haydn, escapou da Grande Postagem do colega Ammiratore, com todas as Sinfonias de Haydn. Esta é ‘concertante’…
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Concerto para Oboé em dó maior, K. 314 (1777)
Allegro aperto
Adagio non troppo
Allegretto
Joseph Haydn (1732 – 1809)
Sinfonia Concertante em si bemol maior, Hob. I/105 (1792)
Para nosso ‘Momento Babel’, duas críticas ao disco:
BBC Music Magazine on Mar 15, 2017
“The performance of the Mozart Oboe Concerto is admirably beautiful, with fine playing from Lucas Macias Navarro, and every orchestral phrase lovingly caressed by Abbado. At 40 minutes the disc isn’t generously filled, but few would want to measure the musical riches it offers by the clock.”
Grandiose!!!
George F. on Jan 18, 2016
Magnifique album et si étonnant qu’un petit label indépendant ai pu l’enregistrer! À écouter et ré-écouter sans limite, grandiose Claudio Abbado!!
Magnífico, grandioso! Você deve ter pego a ideia. Aproveite!
René Denon
Se você gostou deste álbum, poderá também gostar de:
Meu amigo a se tornar chegava agitado do trabalho e, após alguns minutos de arrumação das coisas triviais, colocava na vitrola algum LP que refletisse essa agitação. Algum álbum de Bob Dylan ou Jose Feliciano eram típicos. Com o andar da carruagem, no entanto, discos de outra natureza começavam a sair de seus guardados e, invariavelmente a coisa toda acabava em Mozart. O ‘Elvira Madigan’, na antológica gravação de Géza Anda, era seu porto seguro. Finalmente ele chegava em casa. Como que para depurar as agruras do dia, usava este percurso da música.
Uma varanda comum que dava para quintais sobre a Ladeira do Ascurra, no Cosme Velho, que em noites juninas, lindas, exibia balões (perigosíssimos) pelo ar, sobre a goiabeira, mais as saudades de casa, a minha lá no sul do país, a dele no nordeste, e principalmente o gosto profundo pela música de Mozart, nos fez amigos primeiro, compadres depois. Não há como ouvir o Concerto No. 21 de Mozart sem que me lembre de meu amigo. E como este disco me pareceu particularmente bonito, certamente seria do agrado dele, decidi trazê-lo nesta postagem.
O disco tem, além do Concerto No. 21, o poderoso Concerto No. 24, em dó menor, que tanto impressionou o grande Ludovico.
A gravação tem como solista o ótimo pianista francês, enorme em música de Gabriel Fauré, e que aqui tem muito a dizer sobre Mozart. Jean-Claude Pennetier não é só pianista, é músico completo, rege, ensina, toca pianoforte e, como se diz em inglês – he’s been around. Isso faz muita diferença.
A orquestra toca com instrumentos modernos e é regida por um ótimo maestro, mesmo que não muito badalado. Note especialmente como eles estão seguros das lições do movimento HIP, tocando com precisão e leveza, com grande presença dos instrumentos de sopros e madeiras. A espontaneidade também se deve ao fato de a gravação ter sido feita ao vivo. Mas não se preocupem aqueles que não gostam de ruídos estranhos ou aplausos no final. A produção do selo Mirare é ótima.
Os dois concertos se completam muito bem, formando um ótimo par para um álbum assim. Outros grandes músicos usaram esta combinação antes. A beleza e leveza do Concerto No. 21, com seu sublime e justamente famoso andante, é completada pela intensidade do Concerto No. 24, de cores mais sombrias. E tudo isto tocado pela mágica de Mozart e também dos músicos franceses.
Para o momento ‘The Book is on the table’ temos um trecho da crítica do The Sunday Times de 25 de junho de 2017: Two Mozart concertos in performances that on the whole rise to these incomparable works. Aged 75, Pennetier is a lively soloist, and his cadenzas are exceptional…the Paris orchestra, under Popper, is sweet-toned and crisp, with prominent woodwind.
Eu concordo com exceptional!
Jean-Claude espairecendo no jardim de inverno das instalações do PQP Bach Corp.
Eu já ouvia música há algum tempo e naqueles dias a mídia era LP e o streming de música clássica emanava da Rádio MEC. Uma amigo, colega da Matemática, entrou certo dia em meu escritório e ouviu meu radinho de pilhas ligado – estão tocando o Concerto No. 2 de Chopin – disse ele. E como você sabe? Para minha surpresa, ele respondeu que conhecia por já tê-lo estudado e até tocado. Não é que meu amigo, antes de se enveredar pela Matemática havia estudado música e piano com o Arnaldo Estrella!
Passamos a entabular mais conversas além da Matemática e naqueles dias meu assunto musical era os Concertos para Piano de Brahms. Estava especialmente impressionado com o impetuoso Concerto No. 1, mas meu amigo insistia nas profundezas do Segundo Concerto. Acabei lhe emprestando dois de meus preciosos LPs com este último concerto que foram, pasmem, retornados em perfeitas condições, amigo assim há que se preservar. Um destes LPs era a gravação do apolíneo Pollini, acompanhado pela Wiener Philharmoniker regida pelo Claudio Abbado. O outro era um LP de banca de jornais, gravação do Gyorgy Sandor ao piano, acompanhado pela Orquestra da Rádio de Baden-Baden, regida pelo Rolf Reinhardt. Os comentários de meu amigo me deram material para pensar. Ele, é claro, reconhecia a excelência da gravação do Pollini – permite ouvir cada nota como que saída da partitura, com precisão espetacular, mas a outra gravação é mais ao meu gosto, tem mais calor humano. E eu despertei para o fato que a apreciação musical é algo mais complicado do que simplesmente veem os olhos. Há mais dimensões a se considerar.
Casa de Brahms em Baden-Baden
Assim, com esta motivação toda, vamos ao Terceiro Desafio PQP Bach, que tem a intensão de instigar a curiosidade de nossos seguidores ouvintes a também buscar algo mais na apreciação musical, além (é claro) do prazer que ela nos dá.
A escolha do repertório tem sido de propósito feita na parte mais tradicional do repertório para facilitar o trabalho dos adivinhadores.
Johannes Brahms (1833 – 1897)
Concerto para Piano No. 1 em ré menor, Op. 15
Maestoso
Adagio
Allegro non troppo
Concerto para piano No. 2 em si bemol maior, Op. 83
Brahms visitando a turma do PQP Schütz, um precursor do pessoal do PQP Bach…
Que a apreciação desta gravação dos majestosos e lindos concertos de Brahms possam dar aos atentos ouvintes a oportunidade de descobrir algo novo neles e além disso, muito prazer!
Aproveite!
René Denon
PS: Assim como fiz nas postagens deste tipo até agora, em momento oportuno será revelada a identidade dos intérpretes para que recebam os créditos pelos méritos ou os eventuais repolhos e tomates…
O nome Lars Ulrik Mortensen cruzou meu caminho pela primeira vez quando ouvi os concertos para vários cravos de Bach, na gravação da Archiv Produktion, o ramo da Deutsche Grammophon especializada em música antiga. Os principais cravistas do set são Trevor Pinnock e Kenneth Gilbert, seguidos dos nomes de Lars e Nicholas Kraemer. Estes dois últimos – excelentes músicos – eu desconhecia na época da gravação deste disco. Lars tinha sido aluno de Trevor Pinnock, que além de reger é um espetacular cravista.
Estava assim na expectativa de postar um disco para apresentar Lars como protagonista, mas também com um certo aplomb, para nossos leitores e seguidores. Como cravista ele tem ótimos discos como os que trazem a música de Buxtehude ou de Frescobaldi. Mas acabei optando por este, no qual ele atua como regente da ótima orquestra EUBO. Isso também nos dá a oportunidade de apresentar um álbum atraente para os amantes da música barroca e para os que querem descobrir ou expandir um pouco mais seu repertório neste tipo de música.
O disco tem três suítes orquestrais e traça um breve panorama deste delicioso gênero musical. A primeira delas é uma suíte obtida reunindo dez números musicais da ópera Zoroastre de Jean-Philippe Rameau, que foi quase contemporâneo de Bach, Handel e Scarlatti. Inicialmente ele produziu muita música para cravo e ficou famoso por publicações em teoria musical. Ao chegar aos cinquenta anos, como se dizia lá em terras de minha meninice, garrou a compor óperas e nunca mais parou. E foi tão bem nesta toada que em Paris chegou-se a estabelecer uma regra – não mais do que duas óperas de Rameau por ano.
Se você se lembra disto, é melhor levar distanciamento social a sério!
Zoroastre foi levada aos palcos pela primeira vez em 1749 e passou por grandes remodelações para outra apresentação em 1756 (ano do nascimento do zauber Mozart). Foi um enorme sucesso. Tinha de tudo, magia, efeitos especiais que demandavam um grande orçamento e muita boa música. As óperas apresentadas em Paris naqueles dias tinha entremeados em sua ação, números de balé e os dez movimentos que compões a suíte eram estes trechos de música para dançar. Isso é então uma típica suíte – uma sequência de danças encabeçada pela abertura (ouverture). Outros exemplos de Suítes de Rameau são as das óperas Les Boréades, Dardanus, Castor et Polux, Naïs. Comece com este Zoroastre, regido pelo Lars Ulrik Mortensen.
Pois as suítes orquestrais francesas fizeram tanto sucesso que ganharam vida própria fora da ópera, começaram a ser apresentadas em outros países. Os pragmáticos compositores germânicos perceberam e começaram a produzir suítes como um gênero independente da ópera. As duas outras peças do disco são exemplos disto.
Johann Joseph Fux foi longevo, nasceu antes de Bach em 1660 e viveu 81 anos – um feito notável para aqueles dias. Fux passou sua vida em Viena e chegou a servir três imperadores da dinastia Habsburgo e a julgar pelo quadro que temos dele era bastante rígido e formal. Foi mais famoso como teórico musical do que como compositor. Seus escritos sobre contraponto foram lidos por Bach, Haydn, Mozart e Beethoven. Que feito!! Mas, a julgar pela Suíte a 7 que nos encanta aqui, com sua abertura e mais cinco movimentos de dança, deixa-nos com gostinho de quero mais.
Assim como Fux, Bach não escreveu ópera, mas quatro lindas suítes orquestrais e a primeira delas completa o álbum.
Momento ‘The Book is on the Table’: The orchestral suite was written to entertain, and these three great examples do not disappoint, from the fluid orchestral sound of Rameau to the clean and crisp approach of his German contemporary, Johann Fux. And to round things off, one of Johann Sebastian Bach’s very finest orchestral works: a tour de force of rhythm and melody.
Uma das melhores suítes de Bach!
EUBO
Se você gostou deste disco, poderá tentar também estes aqui:
A música de Schumann apareceu por aqui no período de seu aniversário de 210 anos, deu até trabalho apagar tantas velas sobre o imenso bolo e depois sumiu. Assim, pretendemos reparar tamanha falta com nosso romântico compositor. Minimizar também é uma palavra que poderia ser usada… Se bem que, por pouco, não era só Schumann que sumiria, foi-se por uns dias o blog todo.
François-Xavier fazendo sua imitação de Jack Nicholson para o pessoal do PQP Bach…
Este disco traz uma combinação bem típica dos álbuns atuais e, por isso, é tão bom desfrutá-lo. François-Xavier Roth é um maestro com experiência em reger orquestras que usam instrumentos e práticas de época. Aqui ele coloca esta experiência para dirigir uma orquestra tradicional, a Gürzenich-Orchester Köln, que leva este nome por apresentar-se no Gürzenich Concert Hall, em Colônia (sim, eu sei que Köln é Colônia) e é ativa desde 1827. François-Xavier Roth é o Gürzenith-Kapellmeister, o seu diretor, desde 2015.
Gurzenich, Colônia
Neste álbum eles tocam as Sinfonias Nos. 1 e 4 de Schumann, que são distantes apenas na numeração, pois foram ambas compostas em 1841. A Primeira Sinfonia, chamada ‘Primavera’, foi um sucesso, agradou até o sogro de Robert. Mas, a outra sinfonia, em ré menor, com seus aspectos mais inovadores, confundiu um pouco as audiências e Schumann a deixou um tempo na geladeira. Seu número de opus é mais alto devido a ter sido reapresentada em 1851, com algumas modificações. A versão de 1851 é que normalmente ouvimos, mas aqui Roth apresenta a versão original, que recebe um tratamento de primeira e as duas sinfonias vão muito bem juntas, assim. Os ritmos são vivos, os timbres da orquestra são leves e a agilidade está presente em todo o disco. A produção é excelente, apesar da gravação ter sido feita ao vivo. Eu notei mais as diferenças desta versão mais antiga da Quarta Sinfonia no último movimento. Espero que você aprecie o trabalho deste conjunto excelente e desfrute desta música tão cheia de vida do romântico Robert.
Robert Schumann (1810 – 1856)
Sinfonia No. 1 em si bemol maior, Op. 38 – ‘Primavera’
Andante un poco maestoso – Allegro molto vivace
Larghetto
Scherzo. Molto vivace
Allegro animato e grazioso
Sinfonia No. 4 em ré menor, Op. 120 (Versão Original – 1841)
No momento ‘The book is on the table’, um trecho de uma crítica do disco: ‘If it [Symphony Nr. 4] had received as persuasive a performance as this at its premiere, Schumann may well have left the score alone. Coupled with that joyous First, it adds up to one of the most exciting Schumann discs in years, a triumph for Roth and his musicians’.
Os concertos compostos por Handel faziam parte dos espetáculos que ele promovia, apresentando-os nos intervalos de suas obras corais, as odes e os oratórios. Esses concertos certamente ajudavam atrair a audiência, mas por isso tinham um caráter ligeiramente diferente dos concertos normalmente compostos por outros compositores. Sem explorar o brilho ou virtuosismo de um dado instrumento, eles estavam mais próximos dos chamados Concertos Grossos (Grandes), como os compostos por Corelli. Assim surgiram os Concerti Grossi Op. 3, Op. 6 e também os inovadores Concerto para Órgão.
Banda militar com instrumentos de sopros
Estes três Concerti a due cori foram compostos e arranjados para acompanhar as apresentações corais no Covent Garden, nos anos 1747 e 1748 e levaram muitas novidades ao público. Handel fez ‘transcrições’ para orquestra de trechos famosos de suas obras corais. Além disso, como muitas bandas militares foram desfeitas em Londres a partir de 1745 e havia um bom número de músicos de instrumentos de sopros desempregados. Com essa oferta, ele pode usar na orquestração destes concertos diversos oboés, fagotes e trompas, além das tradicionais cordas, criando espetaculares efeitos sonoros. Assim, os concertos ficaram totalmente adequados para as apresentações ao lado das outras obras corais.
Nesta postagem temos uma gravação bastante recente feita por uma das melhores orquestras de música barroca em atividade. Além disso, a divisão da orquestra em dois grupos é um convite para brilharem os dois principais líderes da orquestra, Gottfried von der Goltz e Petra Müllejans.
Uma festa para os amantes da música barroca e uma bela oportunidade para aqueles ouvintes que estão se interessando por este tipo de música agora.
George Frideric Handel (1685 – 1759)
Concerti a due cori HWV 332, HWV 333, HWV 334
Concerto a due cori em fá maior, HWV 334
1. Ouverture
2. Allegro
3. Allegro ma non troppo
4. Adagio
5. Andante larghetto
6. Allegro
Concerto a due cori em si bemol maior, HWV 332
7. Ouverture
8. Allegro ma non troppo
9. Allegro
10. Largo
11. A tempo ordinario
12. Alle breve moderato
13. Minuet
Concerto a due cori em fá maior, HWV 333
14. Pomposo
15. Allegro
16. A tempo giusto
17. Largo
18. Allegro ma non troppo
19. A tempo ordinario
Freiburger Barockorchester
Gottfried von der Goltz & Petra Müllejans
Distanciamento social… mesmo nos studios do PQP Bach Coop.
Outras gravações costumam acrescentar outras obras a este repertório, uma vez que o disco é relativamente breve para os padrões atuais. Mas isto não é uma grande preocupação para quem vai desfrutar de 45 minutos de música excelente com maravilhosos intérpretes. E tudo muito bem gravado!
Eu tomava o bondinho da St. Charles Avenue quase no ponto final, próximo à St. Clairborne Avenue e fazia uma adorável viagem de uns quarenta minutos, em direção ao French Quarter. Depois de uma curva de noventa graus, o bondinho seguia em um trajeto que parece um arco, por uma região lindíssima. Eu preferia sentar à esquerda, para avistar as margens do Mississipi. Passávamos o Audubon Park com suas magníficas árvores, pelo Uptown com suas grandes mansões, seguindo justamente a St. Charles Avenue até o cruzamento com a Jackson Avenue, onde normalmente descia do bondinho.
Audubon Park
À direita, o rio Mississipi, em frente, o velho mercado, e à esquerda um emaranhado de ruas e avenidas repletas de cultura, belezas, sons e sabores. New Orleans é uma das cidades mais belas dos Estados Unidos da América. Certamente é uma das mais ricas em cultura. O melting pot, Big Easy. Os nomes das avenidas e dos lugares revelam as diferentes culturas que por lá passaram e deixaram suas marcas e costumes, num rico caldo cultural. Jefferson Avenue, Napoleon Avenue, Tchoupitoulas, Calle Real ou Royal Street.
Cafe Du Monde, French Quarter , New Orleans
Depois de tomar um café com beignets no Café Du Monde, uma paradinha na La Madeleine, um passeio pelas lindas lojas de antiguidades, você chega à Jackson Square. Um pouco de preguiça, espiar a fauna do lugar, música nas ruas. Aí, você enfia pela St. Peter street para ir a um lugar que não se pode deixar de ir – Preservation Hall.
Este disco me fez lembrar disso tudo, com saudade, mas saudade boa, daquela que conforta, que revigora a gente.
É verdade, este disco foi gravado uns trinta anos antes de que eu andasse por lá, mas é ainda mais autêntico por isso.
O Preservation Hall foi criado em 1961 e o disco gravado em 1963, you do your math…
A criação do Preservation Hall foi fundamental para (perdão pelo trocadilho, mas a ideia é exata) preservar a autêntica cultura musical, o jazz como havia nascido por lá. Nos comentários que estão na contracapa do disco pode-se entender a importância desta instituição. ‘Tocar no Preservation Hall tirou a demanda comercial, a pressão artificial da Banda do Barbarin e também de sua seleção (de músicas): nada do tradicional atacar de The Saints, nada de acelerar o tempo da música. A música de Barbarin, The Second Line, surge com uma inocência e simplicidade que mostra o trompete de Cagnolatti e o clarinete de Cottrell, ao lado do suave dedilhar de Sayles, no que eles têm de melhor’.
O disco é composto de duas sessões. Uma ocupada pela banda de Paul Barbarin e a outra pela turma do “Punch” Miller. Eles eram tão autênticos músicos de New Orleans quanto pode haver.
Se levarmos em conta apenas a imagem estabelecida pelos retratos de Johann Sebastian Bach chegamos a acreditar que ele já nasceu enrugado, com peruca e cara de quem está sofrendo de gota. Uma espécie assim de Benjamin Button da música.
Stepan Simonian
Mas como todos os outros mortais, Bach passou todas as fases da vida, incluindo uma adolescência sob os cuidados dos irmãos mais velhos. Na juventude foi impetuoso e cabeçudo. No libreto as palavras em inglês usadas para explicar essa fase incluem hothead, brawl e rows (with the employers). Houve até uns dias em uma cadeia.
A música deste álbum é deste tempo de juventude.
O termo toccata é do italiano toccare, assim como o nosso tocar. Tocar qualquer tipo de instrumento de teclado. Estas peças são obras que foram compostas por Johann Sebastian antes 1708, período de formação e afirmação de sua linguagem pessoal. Assim como os prelúdios e fantasias, as toccatas são peças que emergiram da prática de improvisação, comuns para os músicos especialistas em instrumentos de tecla, como o cravo ou o órgão.
Estas sete peças de Bach diferem das outras quatro toccatas escritas para órgão no sentido de terem sido compostas para instrumento de tecla sem pedais. Nas partituras das obras para órgão há uma extra pauta para os pedais. Mesmo assim estas sete toccatas também visavam o treinamento de candidatos a organistas, que não tinham a sua disposição muitos instrumentos para isso. Mesmo os cravos não eram assim abundantes e clavicórdios também eram comumente usados. Para saber mais sobre a diferença entre estes instrumentos você pode acessar este link aqui.
Aqui temos uma gravação feita usando o piano moderno por um artista de origem e formação russa. Ele estudou com Pavel Nersessian e Evgeni Koroliov. A gravação feita pelo selo Genuin é de ótima qualidade técnica e a interpretação do Stepan esbanja beleza e virtuosismo. No entanto é preciso dizer que o setor de artes visuais e capas ainda está em desenvolvimento. Se você tem arroubos puristas e quer comparar com uma gravação feita ao cravo, pode gostar desta postagem aqui. Uma outra gravação interessante, feita por uma pianista muito bem estabelecida nas interpretações das obras de Bach ao piano, pode ser ouvida acessando esta postagem aqui.
Stepan contando as cordas do Grand Piano do lounge do PQP Bach Corp.
Para uma reflexão sobre o tema de qual tipo de instrumento usar na interpretação da música do passado, temos aqui um link para um texto curto, mas excelente, escrito por Rosalyn Tureck.
Para terminar, nosso momento Babel (sem merchandising…).
Crítica escrita por José E. Pérez Díaz, atribuindo 5 estrelas para o disco da postagem.
★ ★ ★ ★ ★
Bach al piano. una versión estupenda.
Reviewed in Spain on 27 November 2018
Un muy buen sonido y un pianista que toca con dominio absoluto. Las obras suenan como lo que son: luminosos y profundos alardes de maestría y musicalidad. Parece que cada vez más pianistas se deciden a acercarse a Bach sin complejos ni fundamentalismos. No es un Bach “romántico”, sino maravillosamente bien tocado.
Antes de Google e Wikipedia, valíamos de enciclopédias e publicações desta sorte para escavar informações sobre compositores e suas obras. Mas as informações sobre Dario Castello não eram abundantes. E o advento de tanta tecnologia não acrescentou muita coisa.
As poucas evidências de sua existência se devem às duas publicações de suas obras, assim como reedições das mesmas. Em 1621 temos Sonate concertate in stil moderno, que nos conta que ele era Capo di Compagnia de Musichi d’Instrumenti da fiato, em Veneza – piffari!
Em 1624 ele constava como sonador di violino no grupo liderado por Claudio Monteverdi.
Sua segunda publicação, de 1929, música que preenche este álbum, diz que era Musico della Serenissima Signoria di Venetia, em San Marco e Capo di Compagnia de Instrumenti.
Roland escolhendo o instrumento adequado para a Duodécima Sonata do Dario…
Encontrei o trabalho de Eleanor Selfridge-Field, do qual pude ler a apenas primeira página, com o sugestivo título ‘Dario Castello: A Non-Existent Biography’. Uma biografia não-existente! Além das evidências de suas publicações, há apenas confirmações duvidosas de sua existência. Isto é tanto surpreendente quando consideramos a qualidade, a popularidade e a dificuldade de suas obras, que são instrumentais, nos dias em que a música predominante era a música vocal.
Há registros de dois outros nomes com o sobrenome Castello. Um Francesco e outro Giovanni Battista. O Francesco foi contratado como trombonista em San Marco em 1624 e mais tarde no mesmo ano, Giovanni Battista como violinista e posteriormente como fagotista.
Um Francesco Castello, que seria o melhor violinista de Veneza, foi contratado por Heinrich Schütz para a Orquestra da Corte de Dresden em 1627 e teria morrido lá em 1631. O nome Giovanni Battista era muito comum na época (Viva São João!!!!) e pode ser que Dario e Giovanni tenham sido a mesma pessoa, talvez apenas uma mudança de nome.
Parte da turma da Musica Fiata…
Uma possibilidade é que ele teria morrido em 1630 de peste bubônica. Batendo três vezes na madeira, espero que tenha ocorrido outra possibilidade, pela qual ele teria vivido até os anos de 1650. De qualquer forma, uma nota em uma reedição de 1658 de suas sonatas sugere que então ele já havia morrido.
A importância da obra de Castello é ter levado a maturidade a música instrumental em um período no qual prevalecia a música coral. O livreto que acompanha os arquivos musicais nos diz que nestas revolucionárias sonatas, seus conceitos são tão consumados que permaneceram como modelo básico para os próximos cinquenta anos e mais.
No prefácio de sua publicação de 1629 Castello expressou seu desejo de que, assim como os pais desejam uma vida feliz para seus filhos, os ‘filhos’ de seu intelecto, concebidos com árduo trabalho, tivessem uma longa vida. Seu desejo realizou-se, uma vez que suas obras não só tiveram uma longa vida pelo século XVII como também têm experimentado vida nova em nossos dias.
Roland fazendo teste para o papel de Teo, em Amacord. Como o papel acabou ficando com o Ciccio Ingrassia, Roland dedicou-se só a música…
A música vocal do inovador Claudio Monteverdi, como os duetos que observamos nas Vésperas da Virgem, certamente influenciaram a obra de Dario Castello. Veja lá e depois me conte…
Um disco quase todo russo! Rimsky-Korsakov faz as honras da composição contribuindo com três obras largamente conhecidas: o Capricho Espanhol, a Abertura ‘A Grande Páscoa Russa’ e a suíte orquestral ‘Scheherazade’. O regente também é russo – Vasily Petrenko. Bom, pelo menos nascido, que agora o cara anda lá pela Inglaterra e outras paragens também. Tem sido diretor da orquestra da gravação, a Oslo Philharmonic Orchestra, até este difícil ano de 2020. A orquestra não é russa, é norueguesa, mas tornou-se uma das melhores do mundo pelas mãos do grande Mariss Jansons. Assim, é norueguesa, mas sabe falar russo também.
Prepare-se para um disco com sonoridades exóticas e maravilhosas, que Rimsky-Korsakov era o cara da orquestração. Fez escola e entre seus alunos mais ilustres ninguém menos do que Igor Stravinsky. Rimsky-Korsakov dedicou seis anos de sua vida à Marinha Russa, como cadete naval. Três destes anos passou viajando e visitando os portos do mundo afora. Mas já sabia que dedicar-se-ia à música. Assim, depois disto, retornou à Mãe-Rússia para não sair mais.
Eu adoro estas peças, especialmente o Capricho e a Abertura. Esta última está entre uma das primeiras peças musicais que ouvi. Vejam o disco aí, numa foto gentilmente cedida pelo nosso colaborador Ammiratore. Grazie mille, commendatore!!
Portanto, aproveitem para mergulhar neste mundo de contos de fadas, de encantamentos sonoros, com lindos solos de violino, belíssimas melodias. Este disco é para quem gosta de música e não tem vergonha de ser feliz!!
Nikolay Rimsky-Korsakov (1844 – 1908)
Capricho Espanhol
Alborada
Variazioni
Alborada
Scena e canto gitano. Allegretto & Fandango asturiano
Vejam como são lisonjeiras as palavras desta crítica sobre o álbum da postagem: ‘The playing from the Oslo Philharmonic is flawless. All the solos are played with sophisticated levels of expression; phrasing throughout is architectural, but not predictable. String tones are varied and percussion timbres are nicely chosen, adding something distinctive to Petrenko’s vision‘.
Martyn Hill é um nome inglês e a qualquer desavisado lembra nome de piloto de Fórmula 1. Realmente, Martyn é um inglês nascido em Kent, mas em vez de seguir na direção dos autódromos, dedicou-se à música. Estudou no King’s College, Cambridge e depois no Royal College of Music. Cantor de ópera e de recitais de canções, contribuiu com o Volume 10 do grande projeto de Graham Johnson reunindo em gravações pelo selo Hyperion todas as canções de Schubert. Martyn Hill também contribuiu para incontáveis gravações de óperas, oratórios e toda a sorte de música.
Martin Hill, antes de colocar o macacão de piloto…
Neste disco ele revela uma outra abordagem para as principais canções do grande Ludovico, bastante diferente daquela oferecida pelos consagrados barítonos alemães. Acompanhado ao fortepiano pelo saudoso Christopher Hogwood, ele quase nos convence ser fácil cantar estas canções. Podemos pensar, mesmo que só por diversão, que podemos cantarolar lado a lado com ele, pelo menos aqueles trechos que já sabemos de cor.
Se você não conhece as principais canções do grande Ludovico, em especial o ciclo da Amada Distante, tem aqui uma boa oportunidade. Certamente esta não é a interpretação mais convencional, mas eu a considero a mais singela e humana entre as que conheço.
Este disco não foi muito bem recebido pela crítica quando lançado e submergiu com o fim dos LPs. Sua reencarnação como CD só ocorreu em meio a estas imensas coleções do tipo ‘todas as gravações da L’Oiseau-Lyre’. Mesmo que você volte posteriormente a ouvir as gravações por cantores mais incisivos, digamos assim, encontrará aqui um certo refrigério e uma boa hora de ótima música. Alerto, no entanto, que esta postagem ainda não esgotou as versões do ciclo de canções da Amada Distante!
Adrian Chandler e sua maravilhosa banda – La Serenissima – tem produzido alguns álbuns de música barroca que se destacam pela excelência musical, mas também por sair da rotina da escolha de repertório e pelos títulos. Já postamos alguns deles aqui, mais notoriamente ‘The Italian Job’, que reúne música de vários mestres do barroco italiano, maiores e menores.
Signore Chandler
Pois ele volta aqui com força total em um álbum que traz na capa o vestiário de um time de futebol cuja escalação enche os olhos de qualquer cartoleiro da música barroca. Vivaldi entra com a camisa 7. Não poderia pensar em melhor ponta esquerda!
Este novo projeto (o lançamento do disco é recente) surgiu de obras previamente escolhidas para projetos anteriores e que por esta ou aquela razão acabaram ficando de fora. Assim a propriedade do nome do álbum – Extra Time – nossa tradicional ‘Prorrogação’. E cada golaço fazem estes nossos compositores. Se bem que o Albinoni atua sob os arcos, como diriam os patrícios. Mas ouvindo sua Sinfonia com trompetes e oboés, diria que o Tadeu diria lá no Fantástico – Albinoni, como um gato… impediu o gol que era certo.
Enquanto Albinoni e Vivaldi são nomes bastante conhecidos dos amantes do barroco, os outros dois titulares do time são Giuseppe Antonio Brescianello e Nicola Matteis. Sobre o Nicola já demos informações em uma antiga postagem, que você pode revisitar clicando aqui. Italiano, atuou principalmente em Londres. Foi um excepcional violinista. Segundo Roger North, seria o reserva oficial de Arcangelo Corelli, titular de qualquer seleção.
Brescianello nasceu em Bologna (La Dotta, La Grassa, La Rossa!) mas há registros de suas atuações como músico e compositor em cortes e cidades que hoje se encontram na Alemanha.
De qualquer forma, temos um disco repleto de ótimas peças do repertório barroco que se alternam entre tradicionais concertos para violino e cordas e música para outras ocasiões, envolvendo trompetes, oboés e tímpanos. Viva o Barroco!
Tomaso Albinoni (1671 – 1751)
Sinfonia de ‘La Statira’ para 2 Trompetes, 2 Oboés, Cordass & Continuo
Allegro
Andante
Allegro
Antonio Vivaldi (1678 – 1740)
Concerto per la Solennità di S. Lorenzo para Violino, Cordas & Continuo em fá maior, RV 286
Largo molto e spiccato
Andante molto
Largo
Allegro non molto
Giuseppe Antonio Brescianello (1690 – 1758)
Concerto para Violino, Cordas & Continuo em sol maior, Bre 9
Allegro
Largo
Allegro
Nicola Matteis (c. 1670 – c. 1690)
Balletto di Cavalieri Romani, Spagnuoli, e Africani do Ato III de ‘Scipione nelle Spagne’ (Antonio Caldara) para 4 Trompetes, Timpani, 2 Oboés, Fagote, Cordas & Continuo em dó maior
Balletto
Antonio Vivaldi (1678 – 1740)
Concerto per Sua Maestà Cattolica Cesarea para Violino, Cordas & Continuo em dó maior, RV 171
Allegro
Largo
Allegro non molto
Concerto para Violino, Cordas & Continuo em si bemol maior, RV 365
Allegro poco
Largo
Allegro
Nicola Matteis (c. 1670 – c. 1690)
Ballo do Ato III de ‘Cajo Marzio Coriolano’ para 4 Trompetes, Timpani, 2 Oboés, Fagote, Cordas & Continuo em dó maior
Momento ‘I adore my English teacher’: The entire repertoire of La Serenissima is edited by director Adrian Chandler from manuscript or contemporary printed sources, a testament to its vision to enrich life by sharing its passion for Italian baroque music.
Mas, divago… Milhaud teve uma longa vida e compôs muita música. Tinha o que ocorre com alguns de seus conterrâneos, o bicho que os faz viajar. Rodou mundo e absorveu muita música em diferentes culturas. As suas conexões com o Brasil, onde passou um tempo a serviço do Ministro Plenipotenciário (adorei o título) Paul Claudel, dão um colorido delicioso ao disco. Estão presentes em duas peças – no último movimento da primeira – Brasileira (Mouvement de samba), em Scaramouche, e na última, o Boi no Telhado!Na sua música “Le Boeuf sur le toit” (ou “O boi no telhado”), Darius Milhaud faz uso de cerca de 28 melodias de músicas populares de compositores cariocas da época. Algumas dessas melodias são facilmente identificáveis, como “Corta-Jaca”, de Chiquinha Gonzaga, “Flor do Abacate”, de Álvaro Sandim, e “Apanhei-te, cavaquinho”, de Ernesto Nazareth, que era um dos compositores e instrumentistas mais admirados por Milhaud. O próprio título “O boi no telhado” também é de inspiração brasileira, pois faz referência a um tango de mesmo nome escrito em 1918 por José Monteiro, também conhecido como Zé Boiadeiro.
Outras partes das Américas estão no disco, como nas peças Kentuckiana e carnaval à la nouvelle-orléans.
