Eu descobri a importância cultural de artistas do calibre de Elizete Cardoso — cujo centenário de nascimento é comemorado hoje — pelos olhos e pelos comentários, mas principalmente pelo interesse que por eles tinha meu amigo islandês. Em uma de minhas vidas passadas tive um amigo islandês que adorava o Brasil. Ao ponto de, enquanto estudava alta Matemática na Alemanha, também fazia um curso de Português. É verdade que estudavas com nossos patrícios, o que lhe deixou uma mistura de sotaques que chegava a nos fazer chorar de tanto rir. Era rrrorrível…. Somos assim, certas coisas nossas só apreciamos devidamente quando são vistas pela perspectiva de outros, os outsiders.
Temos aqui, não sei por quanto tempo, a postagem de um disco comprado na megastore da Tower Records que fica no 214 S Wabash Avenue, Chicago, próxima do Art Institute. O disco reúne nomes da mais alta linhagem da arte musical brasileira, que é reconhecida e apreciada nos mais estranhos e inusitados cantos do mundo. Que ele também encontre um cantinho em seu pen-drive com a inscrição ‘GoldenCDs’ ou o equivalente de seu próprio uso.
Canção do Amor Demais
Elizete Cardoso
Chega de Saudade
Serenata do Adeus
As Praias Desertas
Caminho de Pedra
Luciana
Janelas Abertas
Eu Não Existo Sem Você
Outra Vez
Medo de Amar
Estrada Branca
Vida Bela
Modinha
Canção do Amor Demais
Elizete Cardoso
A.C. Jobim, arranjos, regência e piano
João Gilberto, violão
Irany Pinto, violino e arregimentador
Nicolino Copia, flauta
Gaúcho e Maciel, trombones
Herbert, trompa
Vidal, contrabaixo
Juquinha, bateria
Sete violinos, duas violas e dois violoncelos anônimos
Newark é uma cidade americana no estado de New Jersey muito próxima a Nova Iorque. Newark detêm uma enorme concentração de brasileiros. A razão disto é que, antes dos brasileiros, era um reduto de portugueses. Os patrícios chegaram lá primeiro e acabaram nos acolhendo. Se você está há algum tempo nos EUA e bater aquela vontade de comer um pastel acompanhado de caldo de cana ou guaraná, basta dar um pulo em Ironbound, a brazilian neighborhood. Encontrará muitas opções. Mas nosso interesse hoje em Newark é outro. Foi nesta cidade, em 17 de agosto de 1918, que nasceu Ike Quebec, o cara do disco desta postagem. Um disco de jazz.
Grant Green
Na página do selo Blue Note, para o qual ele gravou seus discos e onde trabalhou como arranjador e no setor de A&R, descobrimos que ele foi influenciado por Coleman Hawkins e Ben Webster. Inicialmente era dançarino e pianista e tinha grande habilidade para ler qualquer partitura de primeira vista, mas adotou o saxofone tenor como principal instrumento. E fez muito bem, pois foi do primeiro time de saxofonistas nos anos 1940 e 1950. O disco da postagem foi gravado em 1961, um período de breve retorno às gravações, uma vez que Ike Quebec morreu em 1963. Breve retorno, pois durante os anos 1950 gravou pouco, devido a problemas pessoais e também devido ao decrescimento do interesse na música das Big Bands.
Blue & Sentimental é um ótimo disco que mistura baladas românticas e músicas de ritmo mais envolvente. Prepare aquele pen-drive especial para o fim de tarde e se houver companhia então…
Ike Quebec
Blue & Sentimental
“Blue and Sentimental” (Count Basie, Mack David, Jerry Livingston) – 7:28
“Minor Impulse” (Quebec) – 6:34
“Don’t Take Your Love from Me” (Henry Nemo) – 7:04
“Blues for Charlie” (Green) – 6:48
“Like” (Quebec) – 5:21
“That Old Black Magic” (Arlen, Mercer) – 4:52
“It’s All Right With Me” (Porter) – 6:05
“Count Every Star” (Bruno Coquatrix, Sammy Gallop) – 6:16
Ike Quebec- saxofone tenor, piano (faixas 2, 4, 7)
Grant Green- guitarra
Paul Chambers(faixas 1-7), Sam Jones (faixa 8) – baixo
Louis Hayes(faixa 8), Philly Joe Jones (faixas 1-7) – bateria
Sonny Clark- piano (faixa 8)
Gravado em 16 de dezembro (faixas 1-7) e 23 de dezembro (faixa 8) de 1961.
Momento dedicado aos nossos professores de inglês: The Allmusic review by Steve Huey awarded the album 5 stars and calling it “a superbly sensuous blend of lusty blues swagger and achingly romantic ballads… a quiet, sorely underrated masterpiece”.
In 2004, critic Richard Cook wrote that the album “might be Quebec’s masterpiece”.
Por mais gravações de sonatas para piano de Beethoven que eu tenha ouvido, sempre que vejo um disco novo minha curiosidade dispara. Não foi diferente com o disco desta postagem. O que realmente foi diferente é que gostei muito. Assim, tratando-se de um disco recém lançado no mercado, decidi oferece-lo aos nossos assíduos leitores ou seguidores. Eu sei, sempre penso nos senhores como ‘leitores’, mesmo que muito de vocês (possivelmente) não deem a mínima para as mal traçadas que aqui deixamos.
Voltando ao disco da postagem, já o tenho ouvido por alguns dias, e várias vezes, em alguns destes alguns dias. Usando assim o critério de persistência na vitrola, ofereço-o ao julgamento de vocês.
Gostei da escolha do repertório – três sonatas de períodos diferentes, com a Sonata ‘à Thérèse’ funcionando um pouco como um intermezzo entre a Tempestade, que inicia o disco, e a lindíssima última sonata composta pelo grande Ludovico.
Kotaro Fukuma tem todas as credenciais para um grande pianista. Nascido em Tóquio, estudou no Conservatório de Paris, onde ganhou o Primeiro Prêmio de Piano em 2005. Seguiu ganhando muitos prêmios e construindo uma sólida carreira de concertista. Uma de suas características é o forte interesse por música contemporânea. Já estreou obras de compositores como Takemitsu e Rautavaara, por exemplo.
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Sonata para Piano No. 17 em ré menor, Op. 31, 2 – ‘Tempestade’
Largo – Allegro
Adagio
Allegretto
Sonata para Piano No. 24 em fá sustenido maior, Op. 78 – ‘à Thérèse’
As sonatas para cravo e violino de Bach são peças espetaculares – inovadoras quando foram compostas – no sentido de elevarem o papel do cravo a mais do que um mero acompanhante do instrumento melódico. Ambos instrumentos passaram a desempenhar papel de igual importância na apresentação da música.
Renaud Capuçon
Este disco é ‘recheado’, mas não temos uma ‘integral’ das sonatas. Mas nada de ficar olhando para a metade vazia do copo, pois o que temos aqui abunda em maravilhas.
O disco começa com a Sonata No. 5 que inicia com um movimento sem indicação de tempo, mas é um Largo. Segue depois as Sonatas Nos. 3 e 4, fechando com a Sexta Sonata, com seus cinco movimentos, que inclui um solo para o instrumento de teclado.
Resgatamos a foto que Fray enviou à Rede Globo para o teste de ator de telenovela…
Uso esta terminologia pois temos mais um diferencial neste lindo disco – os instrumentos usados são modernos, o instrumento de tecla aqui é um piano.
Mas calma, contenha seus ímpetos puristas, os intérpretes tocam com inigualável beleza. O violino de Capuçon é ágil, articulado, sem enormidade, mas com toda a energia necessária.
David Fray é ótimo pianista e bastante conhecido por suas interpretações de música de Bach. Além disso, esses excelentes solistas funcionam aqui como um time, reagindo de maneira espetacular cada um ao talento do outro. Fica então o convite para passar uma hora e tanto desfrutando da música de Bach apresentada com talento por estes ótimos intérpretes.
Em nosso momento ‘The book is on the table’, veja o que a Gramophone disse do álbum:
Fray is the star of this album. Duo partner Renaud Capuçon’s sound is velvety, sometimes tender. But, on the whole, it is overly charged with electricity… — Gramophone Magazine, June 2019
Incidências, co-incidências… coincidências. Sincronismos? Acontecimentos que se buscam…
Passei alguns dias ouvindo os concertos para piano de Haydn em preparação de uma postagem, há bem pouco tempo. Dúvidas – qual disco escolher? – Algum que represente bem o compositor e o repertório e que seja bom – ótimo, na verdade. E fugir do óbvio, se possível. Busquei uma gravação do Emanuel Ax, que não encontrei, ouvi alguns discos dos puristas com instrumentos de época, alguns encantadores, mas outros, nem tanto. Achei a solução do quebra-cabeças no disco do Leif Ove Andsnes.
Pois assim é a vida, agendada a postagem, cai no meu colo este disco especial, do Arturo Benedetto Michelangeli. Sem perder um segundo sequer, apresento-o aos leitores-seguidores do blog, como uma opção ao disco do Andsnes. Melhor, um complemento, mas não como se a este algo estivesse faltando, capisce? Considere também que ABM dispensou o concertinho em fá maior, mas que em mãos como a do Andsnes, pode ser muito bem apreciado. Mas, como a arquivos dados não se olha os kbites, aqui vai!
Arturo, chegando para falar do disco…
Atentem para o som, especialmente nas cordas na abertura do primeiro concerto do disco, um pouquinho ‘passado’, afinal a gravação é da década de 1970. Mas, a vivacidade da orquestra faz com que nossos ouvidos rapidamente se adaptem. A entrada do piano – bem destacado – mostra logo quem é o protagonista nesta (injusta) contenda. Prestem bastante atenção nas cadências do primeiro e segundo movimentos do concerto em sol maior. Elas são do Nino Rota!
Papa Haydn certamente merece ter sua obra divulgada por um disco como este.
Franz Joseph Haydn (1732 – 1809)
Concerto para Piano No. 11 em ré maior, Hob XVIII: 11
Vivace
Um poco adagio
Rondo all’Ungarese (Allegro assai)
Concerto para Piano No. 4 em sol maior, Hob XVIII: 4
Allegro moderato – Cadência de Nino Rota – Tempo I
Adagio cantabile – Cadência de Nino Rota – Tempo I
Por volta de 2000 e seus adjacentes, uma de minhas alegrias era ‘fazer a ronda’, dar uma passada pelos sebos de CDs do centro do Rio, com uma obrigatória parada no Arlequim, que ficava no Paço Imperial, bem perto da saída das barcas vindas de Niterói. Havia um almoço com um amigo, um café e para arrematar uma passadinha na banca do Osni, para ver se havia uma nova edição da Gramophone ou da BBC Music Magazine. Bons tempos…
A edição de janeiro de 2001 da Gramophone sobreviveu aos ataques de cupins e ainda está comigo. Neste número há uma seção chamada Critics’ Choice, na qual os contribuidores da revista fazem uma lista dos discos que mais gostaram entre os que resenharam ao longo do ano de 2000 indicando entre eles o favorito. Eu adoro estas listas e as releio ainda hoje, concordando com alguns, fazendo muxoxos a outros, mas sempre me divertindo muito. Vez ou outra, estas listas me fazem correr à prateleira em busca de um CD ou outro, ou ainda um arquivo para verificar a veracidade de uma afirmação, ou somente pelo prazer de fazer isto.
Foi assim que cheguei a este CD que estou postando aqui. Ele é o último da lista de Edward Greenfield, um crítico sênior da Gramophone, editor do Penguin Guide to Classical Music – a nata da crítica inglesa, que infelizmente faleceu em 2015. Sobre este CD ele diz: Meu outro disco de concerto que fica no alto da lista é do mágico clarinetista Michael Collins, no brilhante arranjo feito por Mikhael Pletnev do Concerto para Violino de Beethoven, tão bem tocado que silencia qualquer dúvida’.
Assim, esclarecida a dúvida, não acharam mais um concerto de Beethoven, encontrado em algum baú que ficou esquecido em algum sótão ou caído atrás de alguma prateleira de uma biblioteca empoeirada. É o Concerto para Violino transcrito para clarinete. Claro que pode… pode sim! O próprio Beethoven o arranjou para piano. E para arredondar de vez o disco, uma tremenda interpretação do maravilhoso Concerto para Clarinete de Mozart.
Wolfagang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Concerto para Clarinete e Orquestra em lá maior, K. 622
Allegro
Adagio
Allegro
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Concerto para Clarinete (Violino) e Orquestra em ré maior, Op. 61
Na resenha escrita para a revista, Greenfield termina assim: ‘Like his teacher, Thea King, Collins uses a basset clarinet in Mozart’s great work, relishing the extra downward range and richness of timbre. This is as masterful a reading as there is in the catalogue […]. It is a reading not just elegant but powerful, too, as well as deeply poetic in the slow movement. […] This is a unique and generous coupling which brings out the mastery of this brilliant artist more compellingly than ever.’
Enquanto Mozart usava de seus concertos para piano para mostrar seu virtuosismo e atrair o público para os concertos que organizava, no caso de Haydn a motivação era diferente. Apesar de suas habilidades ao teclado, ele não era um virtuose. Seus concertos (ou divertimentos) foram compostos na medida que eram demandados por suas funções a serviço de seus patrões.
A lista de seus concertos para piano não é curta, mas agrega peças para cravo, órgão ou piano e entre os quatorze itens, apenas os três gravados neste disco são claramente de sua autoria.
Schantz, 1790
Os Concertos em fá e em sol maior devem ter sido compostos para o cravo como instrumento solista, enquanto que o Concerto em ré maior pode ter sido composto para o pianoforte. Haydn adquiriu um destes instrumentos construído por Wenzel Schantz em 1788 e passou a preferi-lo no lugar do cravo, devido ao seu ‘tão particular toque claro, leve e agradável’. Os concertos são obras musicais do tipo ‘galante’ e sua orquestração usando apenas cordas, com um par de oboés e de trompas acrescentados no concerto em ré maior. Este é o mais popular dos três possivelmente devido ao seu inesquecível último movimento, o Rondo all’Ungarese (Allegro assai).
Maria Theresa von Paradis
O Concerto em sol maior foi apresentado no dia 18 de abril de 1784 em Paris, em um sofisticado Concert Spirituel, pela pianista, cantora e compositora cega, Maria Theresa von Paradis. Mozart teria completado em setembro deste mesmo ano, também para ela, o seu Concerto em si bemol maior, K. 456.
Eu andei ouvindo outras gravações além desta que estou postando, inclusive algumas onde o cravo ou o pianoforte é usado. Ouvi também alguns outros concertinhos, uns com órgão, dos que não são atribuídos a Haydn. Todos são agradáveis, mas estes três realmente se destacam.
Franz Joseph Haydn (1732 – 1809)
Concerto para Piano No. 4 em sol maior, Hob XVIII: 4
Allegro
Adagio
Finale (Rondo – Presto)
Concerto para Piano No. 3 em fá maior, Hob XVIII: 3
Allegro
Largo cantabile
Finale (Presto)
Concerto para Piano No. 11 em ré maior, Hob XVIII: 11
A gravação de Leif Ove Andsnes é de 2000 e o disco recebeu (merecidamente) louvores e prêmios de crítica. Como disse um destes críticos naqueles dias: “In his hands and those of the Norwegian Chamber Orchestra […] these concertos blossom’.
O quanto o conhecimento antecipado do intérprete afeta nossa apreciação de um disco?
Eu sempre considero esta questão, que pode funcionar em dois sentidos. O mais óbvio é o caso no qual idolatramos um artista a ponto de ficarmos insensíveis às suas falhas ou mesmo às suas tentativas menos frutíferas.
Só para ilustrar esta possibilidade, consideremos o caso da gravação do Concerto Tríplice de Beethoven feita pela EMI com a estelar ‘tróica’ Richter-Oistrakh-Rostropovich acompanhados pela Berliner Philharmoniker, regida por Karajan. A história está no livro ‘Maestros, Obras-Primas & Loucura’, do Norman Lebrecht. No dia da gravação, depois dos abraços no início, tudo deu errado. Oistrakh e Richter acharam os andamentos de Karajan muito solenes e mais outras reclamações. Rostropovitch entregou os pontos e passou para o lado do regente. Todo mundo reclamando de todos… A equipe de produção disse que Karajan tinha outros compromissos e queria encerrar as gravações. Quando Richter e Oistrakh solicitaram mais uma tomada de som, o produtor Peter Andry disse que já tinha material suficiente. O tempo restante na agenda de Karajan era para a foto da capa. Richter, que não tinha papas na língua, disse que a gravação ficou horrível e outras coisas que não repetirei aqui. Apesar de tudo, o disco segue aparecendo em reedições… Eu ouço uma gravação mais antiga (ainda) desta obra, aquela que reúne Lev Oborin, David Oistrakh, Sviatoslav Knushevitzky acompanhados pela Philharmonia Orchestra, regida por Malcolm Sargent e ainda farei uma comparação para tirar minhas próprias conclusões. Seria o disco assim, um fiasco, ou seria implicância do Lebrecht?
Alguém errou…
O outro sentido da questão ocorre quando há pré-julgamento e temos a situação: não ouvi e não gostei! Eu certamente tenho destas coisas e, recentemente, acabei dando a mão à palmatória. Não tenho grande estima pelo maestro americano Lorin Maazel. Além do disco no qual ele acompanha o Gidon Kraemer tocando o Concerto para Violino de Tchaikovsky, com a famosa capa em que o solista parece estar dizendo – Não fui eu! – pouco ouvi do maestro. Pois é, tenho seguido a vida sem ouvir discos outros com o Maazel. Então, dia destes ouvi a Oitava Sinfonia do grande Anton Bruckner em uma gravação EMI-Berliner Philharmoniker-Lorin Maazel. Não é que foi uma grata surpresa?
Assim, decidi fazer esta postagem de um repertório super conhecido, mas sem os nomes dos artistas… Uma proposta de audição às cegas, um blind listening test!
Justiça?
Claro, a questão dos créditos aos artistas envolvidos, tanto para receber os louros e loas, como para levar as tomatadas e apimentadas críticas, se apresenta imediatamente. Após vários tratos a bola, achei que a melhor solução será a de apresentar assim a postagem, sem os nomes, mas a mesma será reeditada, quarenta dias desde sua publicação – uma quarentena! – para que os nomes dos ilustres artistas sejam então claramente nomeados e que seja dado a cada um, segundo o seu talento, o seu devido quinhão.
Espero que você, leitor assíduo e atento de nosso ilustre blog, participe da brincadeira, ouvindo atentamente e anotando as suas impressões. Posteriormente, quando as identidades dos mascarados artistas forem reveladas, que você leia as suas impressões e descubra se elas poderiam ter sido influenciadas pelo prévio conhecimento.
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Concerto para piano e orquestra No. 5 em mi bemol maior, Op. 73 – ‘Emperor’
Allegro
Adagio um poco mosso & III. Rondo
Fantasia para piano, solistas, coro e orquestra, Op. 80 – ‘Fantasia Coral’
Como está difícil viajar, pelo menos para os simples mortais, vamos completar nossa miniturnê flautista, que iniciou em Leipzig com a música de Wilhelm Friedemann Bach, passou por Paris com a música charmosa de Boismortier, chegando à ensolarada Itália. Fechamos o ciclo com este disco contendo quatro sonatas de Locatelli. A bem da verdade, Locatelli passou boa parte de sua vida em Amsterdã, mas suas raízes são italianas e não é uma má ideia visitar Amsterdã.
O Ton holandês…
Apesar deste disco ter sido gravado em 1980, enquanto os anteriores são de 2005 (Bach) e 2014 (Boismortier), achei que o conjunto representa bem as diferenças dos estilos musicais. Aqui temos o modelo da sonata barroca que surgiu na Itália, com quatro movimentos: lento-rápido-lento-rápido. Locatelli foi aluno de Corelli e contemporâneo de Vivaldi. Em Amsterdã, ele ocupou-se, entre outras coisas, de assessorar os editores de música, por onde passaram as obras do outro Antonio.
Foto ‘vintage’ do Wilbert…
Estas peças de Locatelli, que era flautista e violinista, são ainda de um período no qual ele observava os modelos estabelecidos. Posteriormente sua obra ganhou mais em virtuosidade e ele faz parte da linhagem de virtuoses como seu antecessor Torelli, seu quase exato contemporâneo Tartini e posteriormente Paganini. E já que mencionamos este tema, é justo ciar outro quase exato contemporâneo de Locatelli, mas de outro país, o virtuose Jean-Marie Leclair.
Um de seus contemporâneos disse de Locatelli que a expressividade de suas interpretações fariam um canário cair de seu poleiro em êxtase de prazer – apesar de que como compositor lhe faltaria o inovador talento de Vivaldi. Mas, divago… O que interessa é o disco do Wilbert e Ton, que nos apresentam, com a ajuda do Richte, quatro lindas sonatas para flauta e baixo contínuo. O disco é do tempo em que não era necessário gravar todo o opus 10, bastando duas sonatas para cada lado do LP, permitindo aos músicos escolherem as sonatas que mais os agradavam. A mudança da tonalidade das sonatas deve ter influenciado a escolha da ordem de apresentação das mesmas. A segunda a ser apresentada é em sol menor, enquanto a terceira, que excepcionalmente é em três movimentos, em sol maior. O disco termina com uma sonata em ré maior.
Veja o que Nicholas Anderson disse sobre este disco, lá pelos idos de 1987…
‘I enjoyed these lively and imaginative performances. Hazelzet has a wonderfully supple rhythmic sense, a warm, rounded tone and a very impressive technique. He gives affectionate accounts of the four sonatas included in his recital and is alertly supported by an excellent continuo team, Ton Koopman and Richte van der Meer. […] Recommended.‘
Está esperando o que? Baixe logo os arquivos e ‘knock yourself out’!
Com esta postagem completamos a apresentação das gravações de peças de Debussy feitas por Paul Jacobs para o selo Nonesuch. Aqui os Prelúdios, que como no caso de Chopin, somam 24, pelo menos se considerarmos aqueles reunidos por Chopin no Opus 28. No entanto, no caso de Debussy, não há um plano de contemplar as tonalidades, como no caso de Bach e Chopin. As suas motivações são outras. Uma análise disto está fora do escopo de uma simples postagem como esta, mas garanto que neste conjunto de peças há muito para se conhecer e admirar. Deixo aqui o link para um trabalho que, mesmo com muita informação técnica, poderá ser de boa leitura, se você tiver interesse e paciência de buscar as informações.
Fadas são encantadoras dançarinas…
Gostaria muito de imaginar que alguns de vocês vão ouvir várias vezes estas peças, pois que sucessivas audições permitem que nos aproximemos mais das intenções do compositor, tais como são reveladas pelo intérprete. No caso de Paul Jacobs, temos uma interpretação que busca não se interpor entre o compositor e o ouvinte e além de ser musicalmente muito refinada, é bastante afirmativa.
Em uma de minhas vidas passadas, durante um bastante rigoroso inverno, com muita neve e céus cinzentos, passei muitas tardes na companhia de uma outra gravação destas peças, mas as sucessivas audições me tornaram um absoluto admirador da obra. Não que tenha esgotado meu interesse por elas, muito pelo contrário, passei a buscar outras e outras gravações. Como não se render a tão pessoal e bela música?
Paul Jacobs
Pode haver título mais poético e evocativo do que ‘Les sons et les parfums tournent dans l’air du soir’? Este prelúdio foi inspirado pelo poema “Harmonie du soir”, de Baudelaire. No entanto, Debussy queria que os títulos viessem depois da música, sugerindo que a alusão do nome não deveria ser tomada ao pé da letra, como nos explica Jacobs no libreto da gravação.
Mas como não ser tocado por um título magistral como ‘La terrasse des audiences du clair de lune’? Aqui o título evoca uma noite em um templo na Índia. Faz me pensar no grande filme de David Lean, ‘A Passage to India’. Enfim, não demore e mergulhe logo neste maravilhoso conjunto de obras e o explore por bastante tempo.
Claude Debussy (1862 – 1918)
Préludes
Livre I
Danseuses de Delphes
Voiles
Le Vent dans la plaine
‘Les sons et les parfums tournent dans l’air du soir’
Este disco passou por baixo do radar dos nossos colaboradores aqui do PQP Bach Corp mas foi detectado pelo meu sistema de busca e apreensão de discos com concertos para piano. Sorte a minha assim como a de vocês, caros leitores-ouvintes do blog, pois o disco é ótimo.
O pianista britânico Mark Bebbington já dedicou-se às obras de Frank Bridge, John Ireland e Vaugham Williams. Agora cruzou o Canal da Mancha e nos brinda com um ótimo disco com música de Francis Poulenc.
Wanda e Francis
Poulenc compôs cinco obras para instrumento solista de tecla e orquestra. A primeira delas foi o Concert champêtre, para cravo e orquestra. Em junho de 1923 Poulenc assistiu a estreia da peça El retablo de maese Pedro, de Manuel de Falla, que ocorreu na casa da Princesa de Polignac. Esta obra emprega um instrumento que então era um pouco inusitado, um cravo. Naquele dia, o cravo foi tocado pela lendária Wanda Landowska. Wanda e Francis então se falaram e acabaram tornando-se calorosos amigos. Desta amizade surgiu, entre abril de 1927 e agosto de 1928 o Concert champêtre, com solo de cravo. A primeira apresentação deste concerto ocorreu em 3 de maio de 1929, na Sala Pleyel, em Paris, com Madame Landowska como solista, acompanhada da Orchestre Symphonique de Paris, regida por Pierre Monteux.
Apesar de afirmar que a apresentação deste concerto com piano no lugar do cravo fosse o pior que poderia acontecer, Poulenc foi o solista nesta forma em diversas ocasiões.
O Concerto para piano é de 1949 e foi comissionado pela Boston Symphony Orchestra, a pedido do maestro Charles Munch, como uma obra a ser apresentada por Poulenc e a orquestra em sua segunda turnê na América, que ocorreu em 1950. O concerto não foi um sucesso retumbante, mas segundo uma carta de Poulenc para Munch, escrita posteriormente, foi melhor do que ele esperava. Ufa!!
Completando este disco e funcionando com interlúdio entre os dois concertos, temos um lindo trio para piano, oboé e fagote, escrito por Poulenc ainda em 1926. Gosto muito desta peça e em particular do movimento lento.
Fechando o cortejo temos a última peça de vulto escrita por Poulenc em 1962, em memória de Serge Prokofiev, mas que acabou sendo estreada no memorial do próprio Poulenc. Nada que isto deva preocupar nosso caro ouvinte-leitor, se é que você chegou até aqui. Há quem diga que as pessoas apenas baixam os arquivos musicais. Coisa que eu duvido, pois a segunda coisa que as pessoas que gostam de música mais apreciam são as histórias e anedotas sobre música e músicos. E assim, antes que eu devaneie ainda mais, não demore, baixe este excelente disco, com música que é vital, alegre, charmosa, com ótimas melodias e sonoridades lindas.
Francis Poulenc (1899 – 1963)
Concerto para Piano e Orquestra
1. Allegretto
2. Andante con moto
3. Rondeau, à la Française
Temos aqui um disco especial, diferente em alguns sentidos. A pianista Edna Stern usa alguns dos Prelúdios e Fugas do Cravo Bem Temperado para ‘contar uma história’. Na ‘montagem’ do disco ela usa quatro corais que servem para dar a ‘deixa’ para os prelúdios e fugas que os seguem. A escolha se baseia em um aspecto técnico – as tonalidades – mas também usa um aspecto mais subjetivo, para formar assim a sua ‘narrativa’.
Em uma entrevista que você poderá ler no livreto, ela explica o projeto. Numa das perguntas, o entrevistador aponta o eixo geral usando três palavras: struggles, sorrows e então, serenity. Certamente serenidade é tudo o que precisamos nestes tempos tão conturbados e assustadores que estamos vivendo.
Eu gostei imenso da interpolação dos quatro corais entre os doze prelúdios e fugas escolhidos – três para cada um deles.
Ferruccio, pensando em dó sustenido menor…
Um dos corais é de Brahms, escrito para órgão, mas aqui interpretado ao piano. A transição deste coral para o prelúdio seguinte (a faixa 8 para a faixa 9) é um dos momentos mais marcantes de todo o disco. Os outros três corais são transcrições para piano dos originais de Bach (que faz uso de antigos e conhecidos corais luteranos) feitas por Ferruccio Busoni. Eu gosto particularmente do ‘Wachet auf, ruft uns die Stimme’. O disco é tecnicamente impecável, adorei o som do piano, maravilhoso! A pianista já nos deu o ar da graça aqui no PQP Bach em postagens de PQP e FDP Bach, onde acompanha a famosa violinista Amandine Beyer. Ambas são excelentes postagens.
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Coral ‘Nun komm’ der Heiden Heiland’, BWV 659 (Arr. Busoni)
Prelúdio e
Fuga No. 2 BWV 847 em dó menor
Prelúdio e
Fuga No. 15 BWV 860 em sol maior
Prelúdio e
Fuga No. 10 BWV 855 em mi menor
Schmuecke dich o liebe Seele (No. 5 do Opus 122, de Brahms)
Prelúdio e
Fuga No. 9 BWV 854 em mi maior
Prelúdio e
Fuga No. 19 BWV 864 em lá maior
Prelúdio e
Fuga No. 6 BWV 851 em ré menor
Coral ‘Ich ruf’ zu dir, Herr Jesu Christ’, BWV 639 (Arr. Busoni)
Prelúdio e
Fuga No. 12 BWV 857 em fá menor
Prelúdio e
Fuga No. 11 BWV 856 em fá maior
Prelúdio e
Fuga No. 22 BWV 867 em si bemol menor
Coral ‘Wachet auf, ruft uns die Stimme’, BWV 645 (Arr. Busoni)
Sobre a arte da pianista Edna Stern a revista francesa Diapason disse ter ‘o panache de Martha Argerich, a musicalidade de Leon Fleisher e o impecável acabamento de Krystian Zimerman’. Isso tudo por que ela foi aluna de cada um destes grandes mestres em diferentes etapas de sua formação…
Ouça você e depois me diga qual foi a história que o disco te contou…
Wilbert explicando o que é um ‘crescendo’ para a turma do PQP BachGilbert de Wit
Os pequenos mestres podem nos proporcionar grandes prazeres! Eu pesquei esta frase na minha pesquisa para escrever estas mal traçadas sobre Joseph Bodin e agora não consigo lembrar onde, para dar algum crédito, pois a frase é danada de boa.
Dia destes postei um disco com música de Wilhelm Friedemann Bach interpretada pelo Hazelzet e trago esta outra face da moeda. Temos agora um repertório francês que mostra a versatilidade do flautista.
Boismortier foi um compositor francês que fez muito sucesso, inclusive econômico, pois foi um dos primeiros músicos a não depender de patrões diretos e editava sua própria música. Seu estilo incorporava os gostos francês e italiano, como a música deste lindo disco exemplifica, bem ao estilo de ‘les goûts réunis’. Ele não se acanhava ao aplicar o princípio de ‘flatter l’oreill’.
Na verdade, a capa deste disco diz muito sobre o mesmo. É uma prova que a escolha da capa adequada é uma arte a parte.
Observe que o título da música coloca o cravo antes da flauta e estas peças são da linhagem da música para cravo que posteriormente incorporou um instrumento melódico ou mesmo um grupo de instrumentos. Prática que remonta a François Couperin e outros mestres franceses.
O livreto que acompanha os arquivos musicais nos conta que em Paris, Boismortier manteve contato com músicos que atuavam nos Concerts Spirituels, como Louis Albert, Jean-Joseph Cassanéa de Mondoville, Jean-Baptiste Senaillé, Jean-Marie Leclair e Michel Blavet. Este último era assim o James Galway, o Jean-Pierre Rampal da época.
Para os mais jovens amantes da música, o falutista Michel Blavet era o Emmanuel Pahud daqueles dias. Para artistas deste calibre e para audiências de gosto refinado que Joseph Bodin escreveu estas charmosíssimas peças.
Wilhelm Friedemann foi o filho mais velho do casal Johann Sebastian e Maria Barbara. Era chamado por seu pai de Friede (Paz) e a sua educação devemos pelo menos o surgimento de obras como as Suítes Francesas, as Invenções a duas e a três Partes, o Cravo Bem Temperado e as Triosonatas para órgão. E foram efetivas essas obras pois no fim de sua vida Friede foi lembrado como um dos maiores organistas (e improvisador) de seu tempo.
Wilbert Hazelzet
Wilhelm Friedemann cresceu recebendo sólida formação musical de seu pai e teve oportunidade de prosseguir nos estudos, inclusive com formação acadêmica. Estudou Lei, Filosofia e Matemática na Universidade de Leipzig e estudou violino com Johann Gottlieb Graun. Mas nem tudo foram flores na vida do filho mais velho de Johann Sebastian. Ele teve dificuldade para manter seus empregos e morreu na pobreza. A reputação como cuidador da parte que lhe coube do acervo de seu pai não é impoluta. De qualquer forma, estamos em família aqui e não queremos ferir suscetibilidades. O compositor, amigo de Goethe e professor de Mendelssohn, Karl Friedrich Zelter, disse de Wilhelm Friedemann: ‘como compositor ele tinha o tic douloureux de ser uma pessoa original, se distanciando de seu pai e irmãos, recorrendo a relações tolas, mesquinhas e inúteis nas quais ele era facilmente reconhecido como quem fecha seus próprios olhos para se tornar invisível’.
Mas o que principalmente nos interessa aqui é a música, que é ótima! Um disco com música de câmera com flauta ou, eventualmente, flautas.
Jacques Ogg
Eu sei, há quem seja som-de-flauta-intolerante. Neste caso, aconselho que seja mastigada uma pastilha daquelas antes de encarar o disco ou que se ouça uma ou duas sonatas por vez… Garanto-vos, no entanto, os prazeres e as surpresas com a inventividade do compositor, assim como com a habilidade dos músicos e a qualidade da produção serão largamente compensadores.
Wilhelm Friedemann Bach (1710 – 1784)
Sonata para flauta e baixo contínuo em mi menor, F 52
1. Allegro ma non tanto
2. Siciliano
3. Vivace
Triosonata para duas flautas e baixo contínuo em lá menor, F 49
4. Allegro
Sonata para flauta e piano em fá maior
5. Largo
6. Allegretto
7. Allegro assai e scherzando
Triosonata para duas flautas e baixo contínuo em ré maior, F 48
8. Andante
9. Allegro
10. Vivace
Sonata para flauta e piano em fá maior, F 51
11. Allegro non troppo
12. Andantino
13. Vivace
Triosonata para duas flautas e baixo contínuo em ré maior, F 47
14. Allegro ma non troppo
15. Largo
16. Vivace
Wilbert Hazelzet, flauta
Marion Moonen, flauta [F 47, 48, 49]
Jacques Ogg, cravo ou piano
Jaap ter Linden, violoncelo [F 47, 48 e 52]
Produção de Bettina Gerber
Gravado em Janeiro de 2005 na Lutherse Kerk, Haarlem, Holanda
Observação: O piano usado na gravação é uma cópia de um Piano Silbermann de 1746.
Quanto a observação deixada por Zelter, façamos como foi sugerido no livreto (que acompanha os arquivos da música): Vamos fechar nossos olhos às suas falhas enquanto abrimos o mais que pudermos nossos ouvidos para a sua música. Seu tic douloureux não lhes causara qualquer mal.
Alexander toca violoncelo, Einar toca piano. Alexander é russo e estudou no Conservatório Tchaikovsky de Moscou. De uma geração anterior, Einar é norueguês e possivelmente um dos músicos mais notórios da Noruega. Gravou toda a obra para piano de Grieg e é jurado em muitos concursos de piano.
Estes dois músicos se encontraram pela primeira vez em 2002 em um concerto dedicado à Grieg na Academia Russa de Música. Com apenas uma oportunidade para ensaiar, pois encontraram-se apenas na véspera do concerto, fizeram uma apresentação que convenceu as pessoas que já tocavam juntos há muito tempo. Desde então passaram a colaborar, tocando e gravando juntos em várias ocasiões.
Alexander e Einar
Neste disco, gravado em 2018, apresentam-se alternadamente como solistas de concertos para piano, de Bach, e para violoncelo, de Vivaldi. Eles são acompanhados por uma orquestra de 18 membros, todos professores.
Se você é do tipo purista, que prefere instrumentos originais, aconselho que leve seu ‘mouse’ para outras postagens. Mas se resta uma alma que gosta de boa música em você, não se faça de rogado e clique sem dó! É um grande disco.
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Concerto para Piano No. 1 em ré menor, BWV 1052
Allegro
Adagio
Allegro
Antonio Vivaldi (1678 – 1741)
Concerto para Violoncelo em lá menor, RV 422
Allegro
Largo cantabile
Allegro
Johann Sebastian Bach
Concerto para Piano No. 4 em lá maior, BWV 1055
Allegro
Larghetto
Allegro ma non tanto
Antonio Vivaldi
Concerto para Violoncelo em sol maior, RV 413
Allegro
Largo
Allegro
Johann Sebastian Bach
Concerto para Piano No. 5 em fá menor, BWV 1056
[Allegro]
Largo
Presto
Einar Steen-Nøkleberg, piano
Alexander Zagorinsky, violoncelo
The Chamber Orchestra of the Vologda Philharmonic Society
A única crítica deste álbum que consegui localizar termina assim: ‘Eu gostei imensamente deste CD, que merece muito sucesso. Ele deveria ser ouvido pelos amantes de música barroca que insistem em “instrumentos de época”. Eu garanto que se Bach e Vivaldi pudessem ouvir suas músicas tocadas tão esplendidamente, eles ficariam encantados’.
No meio do mês de junho do ano passado (2019) assisti a um concerto na Sala Cecília Meireles no qual a Orquestra Sinfônica CESGRANRIO, sob a regência de Eder Paolozzi, acompanhou a pianista Sylvia Thereza tocando o Concerto de Schumann. Foi uma noite inspiradora. O Concerto de Schumann foi o ponto alto e o bis da pianista, o belíssimo ‘Reflets dans l’eau’, de Debussy, ‘extrapetacular’!!
Nestes dias em que estou trancado em casa, estas lembranças parecem ainda mais caras. Mas deixemos de tristezas, pois como se diz, suspiro de vaca não arranca estaca! Mas tenho ouvido várias gravações do Concerto do Robert por conta das lembranças daquela noite.
A postagem também é para homenagear os 210 anos de seu nascimento.
Houve um tempo em que achava que os concertos de Schumann e de Grieg haviam sido compostos para serem apresentados juntos, tipo Concertos-Cosme e Damião. Havia o disco de Arrau, de Kovacevich, Leon Fleisher, Radu Lupu, Perahia e outros. Entre as gravações mais recentes destes dois concertos reunidos, recomendo fortemente a do Leif ove Andsnes. Nesta gravação o acompanham nada menos que a Berliner Philharmoniker regida pelo saudoso Mariss Jonsons. Se bem que esta gravação já não é mais ‘tão’ recente, o tempo voa!
Algumas destas gravações mencionadas devem ser postadas pelos meus amigos aqui do blog. Assim, optei por postar uma gravação do Concerto para Piano de Schumann de 2016 que no lugar do Concerto de Grieg tem a companhia de outras peças de Schumann.
Just when I thought I was out, they pull me back in!
O jovem pianista canadense Jan Lisiecki já apareceu por aqui sob os auspícios do FDP Bach. A Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia tem muita tradição, foi regida por Carlo Maria Giulini entre outros. Sob a direção de Antonio Pappano, um grande regente em muitas gravações com solistas, nos oferece interpretações excelentes das peças.
As duas peças para piano e orquestra que dão continuidade ao concerto são mais raramente apresentadas e tem ótimos momentos. A Introdução e Allegro appassionato em sol maior e foi estreada por Clara Schumann em 4 de fevereiro de 1850. A Introdução e Allegro de concerto em ré menor foi composta em 1853, uma das últimas composições de Schumann e foi dada como presente de aniversário à Clara.
O maestro e o solista em pose para a coluna do PQP Bach Publishing House
Para completar o disco, Jan Lisiecki oferece a famosíssima Träumerei, um número de Kinderszenen.
Na minha opinião, o ponto forte do disco é apresentar um repertório romântico de forma equilibrada, com suficiente bravura e impetuosidade, mas permitindo seus momentos de ‘devaneios’. Isto tudo sem incorrer em excessos, que pode ser bastante perigoso neste tipo de repertório.
Veja um resumo da crítica feita ao álbum no ‘The Guardian’: Esta gravação revela uma performance extraordinária. A música de Schumann pode não ser a mais tecnicamente difícil do repertório romântico, mas seus momentos de bravura, especialmente o gesto de abertura do concerto e a parte atlética de seu movimento final, foram realizados com absoluta autoridade. Mais precisamente, a parte que requer mais sensibilidade e introversão na maior parte do solo foi realizada com excepcional maturidade e equilíbrio. Pappano e seus músicos uniram-se de maneira impecável ao pianista, com destaques especial aos solos das madeiras.
Robert Schumann (1810 – 1856)
Concerto para piano e orquestra em lá menor, op. 54
I. Allegro afetuoso
II. Intermezzo. Andantino grazioso & III. Allegro vivace
Introdução e Allegro appasionato em sol maior, Op. 92
I. Introdução
II. Allegro appassionato
Introdução e Allegro de Concerto em ré menor, Op. 134
Introdução e Allegro
Kinderszenen, Op. 15
Träumerei
Jan Lisiecki, piano
Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia
What a lovely CD, great, clear and neat recording!
Intelligent and inspiring performance.
This young man from Calgary, Canada, is one hell of a piano player. The orchestra isn’t all that shabby either. Gorgeous stuff!!!
Molto interesse per questo prodigio giovanissimo, e conferma ora, che sempre giovane è, ma con tanta esperienza in più, il Direttore Pappano non ha bisogno di presentazioni
Schumann demorou a decidir-se entre a literatura e a música e quando a música foi escolhida, oscilou entre compor e tornar-se um virtuose. Esta última opção, alas, não pode acontecer, mas ele encontrou na pequena Clara uma intérprete para realizar qualquer dificuldade técnica que fosse necessária para realizar musicalmente suas inspirações.
Inicialmente compôs música para piano e posteriormente passou a produzir música de câmera e para orquestra, assim como as suas maravilhosas canções.
Mesmo compondo três sonatas para piano, que talvez venham a aparecer por aqui, sua música para piano é formada principalmente por conjuntos de peças.
Este disco maravilhoso que foi produzido pelo selo holandês Brilliant, que parece ter um orçamento bastante regrado, têm como intérprete a excepcional pianista húngara Klára Würtz.
Não se deixe enganar pela capa um pouco simples e concentre-se na música. No repertório três coleções – Fantasiestücke, Walderszenen e Kinderszenen, além de uma peça única, o Arabeske.
Klára Würtz
As três coleções de peças devem bastante à literatura, mas falarei um pouquinho aqui da Fantasiestücke, na qual coabitam dois aspectos da personalidade de Schumann que pode ser interessante conhecer: Florestan e Eusebius. Enquanto Eusebius é o sonhador, Florestan representa o lado passional. Ou ainda, Eusebius é introvertido (triste) enquanto Florestan é extrovertido (alegre). Sei que colocando assim pode parecer muito simplista, mas a intensão aqui é mais sugerir pistas para futuras investigações. Veja, mesmo que seja apenas a primeira página do artigo escrito por Judith Chernaik para o Musical Times, que poderá ser acessado aqui.
Nas primeiras peças de Fantasiestücke os dois aspectos se alternam, primeiro o sonhador, depois o passional. Eventualmente nas outras peças eles são reunidos e se alternam até a última peça. Pode ser interessante ouvir a música tendo estas diferenças em mente, mas non tanto…
Klára Würtz tocando no concerto de fim de ano para a turma do PQP Bach e convidados…
Possivelmente a peça mais conhecida deste disco seja Träumerei, que está na coleção Kinderszenen e merece toda a fama que tem. Esta coleção também está em um disco postado há algum tempo, mas cujo link está ativo e muito se alegrará se receber uma visita. Para descobrir qual é, clique aqui.
Neste peculiar ano de 2020, além do #BTHVN250, temos no dia 8 de junho a comemoração pelos 210 anos de nascimento do romântico e atormentado Robert Schumann. Para juntar esforços meus aos dos entusiasmados pela sua música e aumentar os festejos, escolhi postar algumas gravações das obras deste compositor que ouço com mais frequência.
Começamos em grande estilo (assim espero) com estas elogiadíssimas gravações das sinfonias. A orquestra Staatskapelle Dresden tem todas as credenciais para dar vida a estas peças sob a regência inspirada de Wolfgang Sawallisch numa combinação vencedora.
Veja o que o Penguin Guide to CDs disse sobre este time: ‘A interpretação da orquestra combina excelente disciplina com uma estimulante naturalidade e espontaneidade. Sawallisch apresenta todas as variações de humor de Schumann e sua regência tem um vigor esplendoroso’.
A primeira das sinfonias de Schumann que ouvi foi a Sinfonia Renana, de que gostei desde sempre. A gravação fazia parte de uma coleção de LPs contidos em uma caixa editada pela Reader’s Digest com discos do selo RCA. O Reno e a linda cidade de Colônia, com sua desafiante Catedral sempre foram fonte de inspiração para Robert.
Depois ouvi a Primeira Sinfonia, A Primavera, que também achei adorável. (Eu sei, sou fácil de ser agradado…) Esta sinfonia foi composta em pouquíssimo tempo no ano de 1841, ano que também viu a composição de uma primeira versão da que seria reformulada como a Quarta Sinfonia, em 1851.
Depois vieram outras gravações e tornei-me ouvinte de frequência constante destas lindas peças. A Primavera regida pelo Karajan, em dobradinha com a Primeira de Brahms, A Segunda Sinfonia na gravação do Thielemann regendo a Philharmonia, a Quarta regida por Szell e sua incrível orquestra do Meio-Oeste Americano e tantas outras gravações. Entre elas, com lugar de honra, esta integral que vos apresento.
Robert Schumann (1810 – 1856)
CD1
Sinfonia No. 1 em si bemol maior, Op. 38 ‘Primavera’
Wiener Philharmoniker & Leonard Bernstein (Big band, gravação ao vivo, um dos regentes mais carismáticos que já houve…) Clique aqui, aqui e aqui;
Apesar do comentário do FDP Bach, eu gosto da Sinfonia No. 2…
Chamber Orchestra of Europe & Yannick Nézet-Séguin (Visão contemporânea com ótimo som, mesmo que gravado ao vivo em 2012, na Cité de la Musique, Paris) Clique aqui.
Esta postagem é também uma homenagem a Robert Schumann, por ocasião dos 210 anos desde seu nascimento.
Schumann nutria diversas paixões, afinal foi uma figura enorme do romantismo. Entre estas paixões estava a literatura, a música e (é claro) a pequena e linda Clara Wieck. Estas muitas paixões convergiram e no ano 1840 apenas, Robert (ouso tuteá-lo) deitou em papel cerca de 150 canções – einhundertfünfzig Lieder. Entre elas, as que foram compostas sobre os poemas de Heinrich Heine e Joseph von Eichendorff, que acabaram reunidas em dois ciclos: o Dichterliebe, Op. 48 e o Liederkreis, Op. 39. Dichterliebe significa Amor do Poeta, mas prefiro pensar em Os Amores do Poeta, uma vez que poeta merece certas regalias. Já Liederkreis é mais burocrático e significa Ciclo de Canções e este nome foi usado para outros grupos de canções.
Heinrich (Dichter) Heine
O Dichterliebe é o mais famoso dos dois e acho que merecidamente, mas o outro ciclo tem suas muitas belezas.
Percebi na primeira vez que ouvi esta coleção de canções, na voz do inigualável Dietrich Fischer-Dieskau, que gostaria delas para sempre. Pois que há música da qual gostamos, mas que podemos deixar de gostar. A introdução brevíssima ao piano, seguida da frase ‘Im wunderschönen Monar Mai’ – No Maravilhoso Mês de Maio – é uma combinação matadora. Trata da chegada da Primavera, que no hemisfério norte inicia em maio.
Interior da Catedral
Pleno de expectativas começa o ciclo, que se desenrolará para uma decepção amorosa, passando antes por algumas outras paradas. Entre elas, a majestosa Catedral de Colônia, próxima do Reno, com a imagem da Santa, cujos olhos, lábios e bochechas (palavra que em Português perde um pouco de seu romantismo) são tais quais os da amada. Já deu para sentir que vai rolar um pouquinho de ‘dor de corno’. Mas é parte do filme. Vá lá, ouça por você…
Geoffrey Parsons
Do ponto de vista da música, o que eu acho maravilhoso no ciclo é a alternância de ritmos, uma canção mais lenta seguida de outra que dança e outra que acelera. Eu poderia ouvi-lo vez e mais outra e outra ainda. Sem cansar. Especialmente nesta linda, linda gravação do barítono Olaf Bär, acompanhado do excelente pianista Geoffrey Parsons, que teve o talento que não é dado a muitos, de saber acompanhar os cantores. De certa forma, Geoffrey fez o papel que foi exercido por Gerlad Moore uma geração antes. Pena ter ido embora relativamente cedo, em 1995. Olaf Bär esteve atuante nas décadas de 1980 e 1990 como cantor de ópera e de Lieder. Tem uma voz maravilhosa, curiosamente em algumas situações, bonita até demais. Eu não ouço mais sua gravação do ciclo Die Schöne Müllerin por isso. E também por que acho que ele se dá muuuiito tempo. Mas não é hora de me estender nestas coisas, trarei mais coisas dele aqui, provavelmente. Especialmente Hugo Wolf!!!
Ah, sim, o outro ciclo não conta assim, uma espécie de historinha, mas as canções se aninham umas as outras em função dos temas ligados à natureza, coisa que os germânicos são, por assim dizer, chegados.
Robert Schumann (1810 – 1856)
Dichterliebe, Op. 48
Ciclo de canções sobre poemas de Heinrich Heine
Liederkreis, Op. 39
Ciclo de canções sobre poemas de Joseph von Eichendorff
Este é um daqueles discos que pode ficar assim, eclipsado, pela busca recorrente de mais famosos cantores, como o já citado Fischer-Dieskau ou o tenor PeterSchreier, mas merece ser ouvido. Eu escolheria-o antes de muitos, muitos outros. Espero que você tenha a chance de ver por si mesmo.
Sabe a frase ‘Minha vida daria um filme’? Pois se aplica perfeitamente ao caso de Santiago Rodriguez. Nascido em Cuba, começou a estudar piano aos quatro anos e aos oito, junto com seu irmão, foi enviado aos Estados Unidos por um programa patrocinado pela Igreja Católica. Seus pais esperavam que a família seria reunida em breve, mas isto só aconteceu seis anos depois, quando eles puderam imigrar.
Neste período em que esteve afastado de seus pais, viveu em um orfanato em New Orleans enquanto continuava estudando música. Estreou com a New Orleans Symphony Orchestra aos dez anos tocando o Concerto para Piano No. 27 de Mozart. Sua carreira foi definitivamente lançada em 1981 quando ganhou a Silver Medal do Van Cliburn International Piano Competition.
Santiago Rodriguez grava exclusivamente para o selo Élan e seus discos não são exatamente fáceis de encontrar. Este aqui é ES-PE-TA-CU-LAR, se você gosta de música de Rachmaninov.
O núcleo deste álbum é o RACH#3, gravado ao vivo. Lake Forest Symphony e Paul Anthony McRae não são nomes que encontramos todos os dias, e mesmo Santiago Rodriguez, mas se você gosta deste tipo de repertório, you are in for a treat!! Esta gravação will knock your socks off!!
Brincadeiras a parte, este é realmente um grande disco, e não só pelo concerto. Funcionando como uma moldura para ele, temos alguns Prelúdios e mais duas peças curtas. Estas peças para piano solo são mais do que um contrapeso para o concerto, são verdadeiras jóias interpretadas magnificamente.
Em suas próprias palavras: I have been playing the piano since age 5. The reason I continue to do it at this present, advanced age is that I’m still trying to get it right.
Sobre este álbum: “A thoroughly stunning, adrenaline-pumping performance” – American Record Guide
O disco desta postagem não se cansa de me dar alegrias. Ao ouvi-lo não é difícil crer que Mozart sentia um grande prazer no convívio com outros músicos com os quais podia compartilhar sua imensa genialidade musical. Uma desta pessoas certamente foi Johann Christian Bach, o Bach de Londres. Os relatos de como os dois passavam tempo ao piano são bem conhecidos, tais como este deixado por Nannerl, irmã de Mozart:
“Herr Johann Christian Bach, music master of the queen, took Wolfgang between his knees. He would play a few measures; then Wolfgang would continue. In this manner they played entire sonatas. Unless you saw it with your own eyes, you would swear that just one person was playing.”
Håvard Gimse
A própria Nannerl certamente era outra destas pessoas com quem o convívio musical era prazeroso. Foi para tocarem juntos que este concerto para dois pianos foi composto. A orquestração tem seus débitos para com a música de J. C. Bach, mas a alegria e maestria da parte para os solistas testemunham esta camaradagem e cumplicidade existente entre os irmãos. Esta cumplicidade e alegria foi devidamente revivida nesta linda gravação pelos dois pianistas noruegueses Håvard Gimse e Vebjørn Anvik.
Vebjørn Anvik
Eu cheguei ao álbum seguindo a trilha do nome do violista Lars Anders Tomter, o qual eu conhecia por um lindo disco com sonatas para viola (ou clarinete) de Brahms. Foi então que me dei conta do nome da regente, Iona Brown. Ela foi uma violinista que fez carreira na orquestra de Neville Marriner, a Academy of St. Martin-in-the-Fields. Começou nas fileiras de violinos, chegou a primeiro violino e solista e também direção da orquestra.
Lars Anders Tomter
Quem viveu a transição dos LPs para Cds deve lembrar-se da gravação dos Concerti Grossi, Op. 6, de Handel, pela Academy of St. Martin-in-the-Fields, surpreendentemente dirigida por outra pessoa que não fosse Neville Marriner.
Iona Brown assumiu a Orquestra de Câmera da Noruega em 1981 com grande sucesso. Este disco é uma boa prova disto. Esta gravação da Sinfonia Concertante, na qual ela atua como solista e também regente foi escolhida pela revista Gramophone com a melhor, em uma lista de fazer inveja… Veja aqui.
Wolfie e Nannerl
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Concerto para dois pianos e orquestra em mi bemol maior, K 365
Allegro
Andante
Allegro
Sinfonia Concertante para violino, viola e orquestra em mi bemol maior, K 364
Veredito da Gramophone sobre a gravação da Sinfonia Concertante: Top Choice
Superbly matched soloists and lithe ensemble playing in a joyous performance mingling subtlety of detail with a natural Mozartian flow. The Andante is profoundly moving in its subtlety and restraint.
O primeiro disco de Konstantin Lifschitz que ouvi foi seu álbum de estreia, que trazia uma coleção de obras. Começando com a maravilhosa Abertura Francesa de Bach, prosseguia até peças de Scriabin e Medtner, passando por Papillons, de Schumann. O disco do selo Denon de 1994 foi seguido por um outro, gravado em junho de 1994 no Conservatório de Moscou com as Variações Goldberg, firmando assim as credenciais do jovem pianista como grande intérprete de Bach. Depois, silêncio… Não mais ouvi do Konstantin.
O primeiro CD há muito desapareceu de minhas prateleiras (ah, os amigos…), mas o outro, com as Variações do velho Bach, vez e outra frequenta minha vitrola.
Pois eis que chegou pela mala direta do PQP Bach recentemente uma penca de discos do Lifschitz tocando Bach. Ele então está aí, bem ativo. Inclusive, percebi que há uma integral das sonatas para piano do grande Ludovico, gravada ao vivo por ele. Mas isso vou deixar guardado, pois que tempo é largo, mas é finito.
Como queria logo dividir com os caros e insaciáveis seguidores do blog alguma coisa deste excelente pianista, escolhi da penca este que me pareceu muito apetitoso. E gostei tanto que tenho ouvido o mesmo, inteiro quando tempo permite, aos trechinhos quando o tempo escasseia. E é que mesmo com a quarentena e o enfurnamento, há coisas a serem feitas.
O que temos aqui? Um arranjo feito para piano da Oferenda Musical, que todo o mundo sabe (quem não sabe pode começar clicando aqui…) é resultado de uma longa e cansativa viagem que o velho Bach fez até Sanssouci, Potsdam, para pagar uma visita a Frederico, o Grande, e também ver seu filho Carl Philipp Emanuel. O monarca, que era cheio de truques e adorava colocar seus visitantes em uma saia justa (se bem que, no caso de Bach, seria uma peruca justa), desafiou Johann Sebastian a compor uma peça que nem o cão chupando manga conseguiria. Mas vai mexer com quem está quieto. Ouça o Ricercar a 6, na faixa 11 deste disco e começarás a entender o tamanho dos poderes do ‘maior de todos’.
Konstantin Lifschitz ainda acrescenta ao disco o Prelúdio e Fuga em mi bemol maior, BWV 552, apelidado ‘Santa Ana’, escrito originalmente para órgão. Os minutos finais, da fuga, são de tirar o folego. E assim, para baixar a adrenalina e lançar um olhar ao que aconteceu antes de Bach, ele completa o recital com três lindas tocatas de Frescobaldi. Ouçam e me contem vocês!
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Oferenda Musical, BWV 1079 (arranjada para piano por K Lifschitz)
Ricercar a 3
Canon perpetuus super Thema Regium
Canon 1. a 2_ Canon cancrizans
Canon 2. a 2 Violini in uníssono
Canon 3. a 2 per Motum contrarium
Canon 4. a 2 per Augmentationem, contrario Motu
Canon 5. a 2_ Canon circularis per Tonos
Fuga canonica in Epidiapente
Canon a 2 Querendo invenietis
Canon perpetuus
Ricercar a 6
Canon a 4
Triosonate_ Largo
Triosonate_ Allegro
Triosonarte_ Andante
Triosonarte_ Allegro
Prelúdio e Fuga em mi bemol maior, BWV 552 ‘Santa Ana’
Prelúdio
Fuga
Girolamo Frescobaldi (1583 – 1643)
Toccata prima do ‘Primo libro d’Intavolatura di toccate di címbalo et organo’
Toccata quinta do ‘Secondo libro de toccate, canzone… di cembalo et organo’
Toccata seconda do ‘Secondo libro de toccate, canzone… di cembalo et organo’
Reencontrar este disco depois de muito, muito tempo, foi uma grande alegria. Foi como virar uma esquina e encontrar um amigo há muito sem avistar, sentar em algum lugar para um café e um gostoso bate-papo.
Os nomes dos compositores italianos parecem todos terminar em ‘elli’: Torelli, Locatelli, Corelli… Bom, há Stradella, Marcello, Castello e Vivaldi, é claro.
Arcangelo Corelli era violinista e compositor que teve sua obra publicada em seis volumes ao longo de sua vida. Essas publicações culminaram com as maravilhosas sonatas para violino do opus 5 e os concertos publicados como opus 6. Entre as sonatas as famosíssimas variações ‘La Folia’ e entre os concertos o ‘Fatto per la Notte di Natale’.
Sebastien Marq
Essas obras eram tão famosas e faziam tanto sucesso que os editores logo trataram de adaptá-las e editá-las na forma de arranjos para combinações de outros instrumentos, buscando no processo torná-las mais acessíveis aos músicos ‘amadores’ que iriam comprar essas partituras.
Imagine, no lugar de chegar em casa com um disco ou um CD para ouvir, ou considerando hábitos mais atuais, acessar o instrumento de streaming de música para ouvir a tal sonata, trazer a partitura da sonatazinha, chamar a irmã ou outro parente ou vizinho, para juntos tocar a música – criar a sua própria música.
Este disco recria o som que estas pessoas ouviriam, bem, em condições ideais, pois os músicos são excelentes, bem além dos ‘amadores’.
Rainer Zipperling
Temos aqui uma coleção de concertos de Corelli, adaptados para um conjunto de duas flautas doce acompanhadas de outros instrumentos que fazem o baixo contínuo.
Duas delas são arranjos feitos por Christiano Schickhardt para o editor Roger, de Amsterdã, que já editara as obras ‘oficiais’ de Corelli.
Além destes arranjos mais dois concertos, os de número 10, 8 e 3 (com a tonalidade adaptada). Completa o disco uma sonata formada por uma combinação de movimentos de outros concertos escolhidos pelos músicos do conjunto.
No livreto que acompanha os arquivos você poderá encontrar mais detalhes sobre estas escolhas do repertório.
Arcangelo Corelli (1653 – 1713)
Sonata XII em si bemol maior (arr. J. C. Schickhardt, do Concerto Grosso No. 5)
Adagio
Allegro – Adagio
Adagio
Allegro
Sonata em fá maior (Concerti Grossi Nos. 2, 4, 12)
Vivace
Allegro
Adagio
Allegro
Concerto Grosso No. 10 em dó maior
Preludio
Allemande
Adagio
Corrente
Allegro
Minuetto
Sonata IV em fá maior (arr. J. C. Schickhardt, dos Concerti Grossi Nos. 1, 2)
Largo – Allegro
Allegro
Grave – Andante – Largo
Allegro
Concerto Grosso No. 8 em sol menor – ‘Fatto per la Notte di Natale’
Vivace – Grave
Allegro
Adagio – Allegro – Adagio
Vivace
Allegro, Pastorale: Largo
Concerto Grosso No. 3 em ré menor (originalmente em dó menor)
Este álbum foi produzido e lançado pelo selo ‘Opus 111’, (adivinhem de onde veio a inspiração para a escolha do nome…) que foi fundado e dirigido por uma mulher chamada Yolanta Skura. Este selo acabou sendo vendido para a Naïve, que posteriormente fechou. No entanto, enquanto existiu, foi um dos selos mais instigantes, com lançamentos espetaculares e de repertório interessantíssimo, além de gravar uma legião de excelentes artistas. Vale a pena descobrir um pouco mais sobre esta história. Para começar, você pode ler uma interessante entrevista com a Yolanta acessando este link aqui.
Ao terminar uma de minhas postagens, mencionei o Mozart para Milhões:
No fim da década de 1970, as lojas de discos vendiam uma série de LPs produzidos pela Polygram, com selo Deutsche Grammophon, e nomes tais como Schubert para Milhões, Mahler para Milhões e, é claro, Mozart para Milhões. Caso houvesse no Spotify e similares playlists como a destes discos, despertaria em muitas pessoas interesse e curiosidade pela chamada música clássica. Veja a lista das mais mais de Mozart:
Lado A: Sinfonia No. 40 (1º Movimento); Concerto ‘Elvira Madigan’ (2º Movimento); Gran Partita (Finale, com membros da Orquestra Sinfônica da Rádio Bávara, regida pelo Jochum); Ave Verum Corpus; Marcha de As Bodas de Fígaro.
Lado B: Concerto para piano No. 27 (3º Movimento); Pequena Serenata (2º movimento); Marcha Turca (Kempff); Sinfonia No 34 (último movimento); Coro da Flauta Mágica.
Não resisti a esta lista e busquei uma gravação do Concerto para Piano No. 27 na prateleira… E gostei tanto que aqui estamos, mais um Mozart na lista. Eu já postei a Integral dos Concertos interpretados pelo Jenö Jandó, com a colaboração inestimável de Miles Kendig, mas concerto para piano de Mozart nunca é demais. Vejam que há dois deles na lista do Mozart para Milhões.
Piotr Anderszewski gravou três discos (que eu saiba) com concertos de Mozart, este é o último deles. Ele mesmo rege a excelente Chamber Orchestra of Europe, nossa já boa conhecida, e apresenta dois concertos espetaculares: o virtuosístico e autoconfiante Concerto No. 25 e o enigmático Concerto No. 27. Não me estenderei mais sobre estas obras, basta dizer que são excelentes. No entanto, a perspicácia do nosso concertista sobre estas obras é tão forte que decidi tra(duz)ir suas impressões que estão na contracapa do disco:
Eu percebo cada concerto para piano de Mozart como uma obra de câmera. O piano, a orquestra, os individuais instrumentos da orquestra se engajam em um contínuo diálogo. Além disso, eles são escondidas óperas: cada tema, cada motivo reconta a sua história e interagem uns com os outros, com as suas próprias vozes e suas características particulares. Mozart é por excelência o compositor da ambiguidade. Suas páginas mais luminosas podem assim deixar transparecer uma qualquer coisa de sombria. Onde está a luminosidade, onde está a sombra? Algumas vezes eu realmente não sei. E mesmo assim é música de tamanha evidência e limpidez. É um milagre!
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Concerto para piano e orquestra No. 25 em dó maior, KV 503
Allegro majestoso
Andante
Allegretto
Concrto para piano e orquestra no. 27 em si bemol maior, KV 595
Há uma cena antológica no filme Amadeus, de Milos Forman, onde acontece o primeiro encontro de Salieri com Wolfgang, a criatura. Nesta cena de menos de dois minutos, Salieri explica a completa, absoluta genialidade de Mozart.
O velho e caquético Salieri conta para o médico que o atende a história e suas reminiscências vão desfilando na tela, criando o contraponto do altivo Salieri (interpretado magistralmente por Murray Abraham) de então com a sombra a que se houvera reduzido.
Salieri adentra um salão onde as pessoas que assistiram a um concerto estão se dispersando. Ele como que casualmente aproxima-se de uma estante na qual se encontra uma partitura com o início do adágio da Gran Partita. Na medida que ele descreve a música, vamos ouvindo-a.
O adágio inicia com uma sequência de quatro notas reunindo o contrabaixo e os dois fagotes e do próximo compasso em diante os segundos oboé, clarinete, corno di basseto e trompas se juntam a eles para criarem uma simples pulsação, quase nada. No terceiro compasso, como se surgisse do nada, um solo do primeiro oboé, pairando sobre esta pulsação – solo este que é entregue ao primeiro clarinete, no meio do próximo compasso – golpe de gênio. Nas palavras do Abraham-Salieri: Não era a composição de um miquinho amestrado. Era uma música como eu nunca houvera ouvido. Cheia de melancolia, melancolia interminável. Me parecia estar ouvindo a voz de Deus.
A música descrita pelo Salieri do filme é o terceiro movimento da Serenata para 13 instrumentos, todos de sopros, a menos de um contrabaixo (que pode ser substituído por um contra fagote). Esta é a música que preenche este despretensioso, mas delicioso disco.
A Criatura…
A também chamada ‘Gran Partita’ é uma das obras primas de Mozart e há miles de gravações disponíveis. Grandes maestros a regeram, excelentes conjuntos a gravaram sem regência, como uma prova de sua expertise. Aqui os membros da excelente e nossa velha conhecida Orchestra of the Age of Enlightenment são dirigidos por um de seus antigos trompistas, Anthony Halstead.
A turma toda…
O curto, mas utilíssimo libreto, cujo pdf se encontra nos arquivos, nos informa que em 1782 o imperador Joseph II fundou a Imperial Harmonie, uma banda de sopros, para tocar as melodias das óperas de maior sucesso e a moda caiu no gosto do povo. Na cena do banquete de Don Giovanni vemos um destes conjuntos em ação, tocando inclusive temas de As Bodas de Fígaro. Mozart adaptou e produziu música para essa formação de oito instrumentos, mas a Gran Partita está acima delas todas e também em número de instrumentos. Tudo indica que ela foi composta para um concerto de Anton Stadler e o maior número de instrumentos busca gerar um efeito de grandeza (que realmente consegue) e contraste. O libreto também traz um guia para o ouvinte descrevendo cada movimento, escrito pelo ótimo Misha Donat.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Serenata em si bemol maior para 13 instrumentos, K 361 ‘Gran Partita’
Largo – Molto alegro
Menuetto
Adagio
Menuetto: Allegretto
Romance: Adagio – Allegretto
Tema com variazioni
Finale: Molto alegro
Membros da Orchestra of The Age of Enlightenment
Anthony Robson e Richard Earle, oboés
Antony Pay e Barnaby Robson, clarinete
Andrew Watts e Jeremy Ward, fagotes
Colin Lawson e Michael Harris, cornos di bassetto
Andrew Clark, Gavin Edwards, Roger Montgomery e Martin Lawrence, trompas
O pessoal da orquestra passou no barzinho lá perto do PQP Headquarters para uma canja depois da entrevista…
No fim da década de 1970, as lojas de discos vendiam uma série de LPs produzidos pela Polygram, com selo Deutsche Grammophon com nomes como Schubert para Milhões, Mahler para Milhões e, é claro, Mozart para Milhões. Caso houvesse no Spotify e similares playlists como a destes discos, despertaria em muitas pessoas interesse e curiosidade pela chamada música clássica. Veja a lista das mais mais de Mozart:
Lado A: Sinfonia No. 40 (1º Movimento); Concerto ‘Elvira Madigan’ (2º Movimento); Gran Partita (Finale, com membros da Orquestra Sinfônica da Rádio Bávara, regida pelo Jochum); Ave Verum Corpus; Marcha de As Bodas de Fígaro.
Lado B: Concerto para piano No. 27 (3º Movimento); Pequena Serenata (2º movimento); Marcha Turca (Kempff); Sinfonia No 34 (último movimento); Coro da Flauta Mágica.
Só hits! Quais destes você ouviu recentemente? Nossa Gran Partita está lá. Aproveite!
Elizete Cardoso
Eu descobri a importância cultural de artistas do calibre de Elizete Cardoso — cujo centenário de nascimento é comemorado hoje — pelos olhos e pelos comentários, mas principalmente pelo interesse que por eles tinha meu amigo islandês. Em uma de minhas vidas passadas tive um amigo islandês que adorava o Brasil. Ao ponto de, enquanto estudava alta Matemática na Alemanha, também fazia um curso de Português. É verdade que estudavas com nossos patrícios, o que lhe deixou uma mistura de sotaques que chegava a nos fazer chorar de tanto rir. Era rrrorrível…. Somos assim, certas coisas nossas só apreciamos devidamente quando são vistas pela perspectiva de outros, os outsiders.
Temos aqui, não sei por quanto tempo, a postagem de um disco comprado na megastore da Tower Records que fica no 214 S Wabash Avenue, Chicago, próxima do Art Institute. O disco reúne nomes da mais alta linhagem da arte musical brasileira, que é reconhecida e apreciada nos mais estranhos e inusitados cantos do mundo. Que ele também encontre um cantinho em seu pen-drive com a inscrição ‘GoldenCDs’ ou o equivalente de seu próprio uso.
