Um CD que demonstra a arte superior de John Zorn. É jazz? É música erudita? Não interessa e interessa sim, pois na verdade gostaria de saber o que Zorn pensa disso, a que gênero este disco pertence, na opinião dele. The Satyr’s Play / Cerberus é um álbum composto por John Zorn que foi gravado na cidade de Nova York em janeiro e abril de 2010 e lançado pelo selo Tzadik em abril de 2011. Zorn assinou e numerou as 666 cópias do CD e produziu 66 cópias de uma versão em livro de edição limitada que foram individualizadas e encadernadas à mão em pele preta de cabra. O CD foi chamado de “Um intrigante projeto de Zorn, altamente recomendado para os amantes de sua música”. Ou seja, um álbum feito para mim… Satyr é uma obra de nuances muito sutis e de sexualidade à flor da pele. É uma música mais timbrística do que um repositório de melodias. Há que curtir os sons produzidos pelos incríveis percussionistas Cyro Baptista e Kenny Wollesen, que foram regidos por Zorn. Baptistaé brasileiro. Em contraste, Cerberus é um trio extravagante e dinâmico para metais. Uma peça demoníaca para três virtuosos incontestáveis (trompete, trombone e tuba) como os deste disco. A peça salta estilos, humores e gêneros à moda Zorn. Enfim, este disco traz obras de câmara radicais, temperamentais e coloridas. Aproveitem este e outros discos de Zorn; afinal, por décadas ele tem combinado elementos do jazz, de eruditos e do metal em uma série de projetos inovadores que valem a pena serem conhecidos.
The Satyr’s Play (Visions Of Dionysus) (26:33)
1 Ode I 3:48
2 Ode II 3:39
3 Ode III 2:54
4 Ode IV 3:50
5 Ode V 2:35
6 Ode VI 4:33
7 Ode VII 3:36
8 Ode VIII 1:3
Cyro Baptista, Kenny Wollesen – percussion / John Zorn, direction
9 Cerberus
Bass Trombone – David Taylor
Trumpet – Peter Evans
Tuba – Marcus Rojas
Rameau, pelo que dizem, não era muito religioso. Ele tocou órgão em igrejas por décadas como um ganha-pão, mas todas suas composições para teclado parecem pensadas para o cravo. Contemporâneo do anticlerical Voltaire (1694-1778), ele talvez tivesse opiniões sobre a Igreja Católica semelhantes às do famoso escritor. Aliás, Voltaire colaborou com Rameau em algumas obras, e em toda a sua correspondência, ele se refere ao compositor pelo apelido Orphée-Euclide, um resumo do caráter ao mesmo tempo colorido e intelectual, inebriante e matemático de Rameau, autor de um célebre Traité de l’harmonie publicado em 1722, além de várias outras obras escritas, como um artigo na primeira versão da Encyclopédie, intitulado Erreurs sur la musique (Erros sobre a música, em 1755). Nos motetos de Rameau, portanto, não se deve buscar um sentimento religioso de grande devoção, a maior qualidade dessas obras é a orquestração pioneira, a magistral combinação de instrumentos e vozes, com uma certa leveza instrumental que será a marca de grandes orquestradores franceses muitos anos depois. Chama atenção o papel da flauta, com solos suaves que têm um efeito de acalmar os sentimentos, papel semelhante ao que o instrumento tem em algumas cantatas de Bach, como na BWV 78 (flauta transversa) e na BWV 106 ‘Actus tragicus’ (flauta doce). Neste álbum de 1982, o time comandado por Herreweghe é composto por cinco cantores solistas (duas mulheres, três homens), coro, violinos I e II, violas e violas da gamba, contrabaixo, flautas, oboés, fagotes e órgão.
Moteto, segundo o Dictionnaire de l’Academie française, é um salmo ou outras palavras de devoção vertidas em música para serem cantadas à Igreja, e que não fazem parte da liturgia comum, isto é, a liturgia que inclui o Gloria, o Credo, o Agnus Dei, etc. Na França dos Luíses 14 e 15, surge a denominação “Grand motet”, para motetos com coro e orquestra, enquanto eram chamados “Petit motet” aqueles para um ou mais solistas, mas sem coro. Na Itália, mais ou menos na mesma época, havia os oratórios de A. Scarlatti e de Vivaldi. Quando ouvimos o Gloria de Vivaldi ou o Quam dilecta de Rameau, com sua intricada combinação de coros, árias solo e duetos, orquestração com curtos e coloridos solos de flauta ou oboé, tudo isso com o objetivo de comunicar mensagens religiosas, é fácil lembrar também das Cantatas Sacras de Bach.
E aqui é bom observar o anacronismo que hoje é inevitável, mas que devemos ao menos reproduzir com consciência do seu caráter absurdo: as obras vocais de Bach só foram ser chamadas cantatas (Bachkantate) bem depois, provavelmente pelos românticos do século 19. Nessa denominação que se tornou usual, as obras mais longas de Bach são chamadas Oratórios (de Natal, de Páscoa), enquanto usa-se o nome Motetos para as obras puramente corais, sem árias para solistas vocais. As Paixões obviamente são chamadas Paixões, e o termo “Cantata” – de etimologia óbvia: música cantada – acaba englobando tudo que sobra, o que dá um total de umas 200 obras sacras e mais algumas dezenas de cantatas seculares compostas por Bach.
Assim, hoje em dia é possível ouvir o Gloria de Vivaldi ou os Motetos de Rameau e pensar que eles têm estrutura de cantatas, mas o oposto é que faz mais sentido: as cantatas de Bach, ao alternarem coros, árias e recitativos, têm estrutura semelhante à dos Oratórios italianos e dos Grandes Motetos franceses. Até porque a palavra cantata, na época, se aplicava sobretudo às cantatas para voz solo e conjuntos instrumentais de câmara, ou mesmo apenas para voz e baixo contínuo. Essas cantatas, nesse sentido, tiveram entre seus maiores expoentes os italianos Barbara Strozzi (1619-1677) e Alessandro Scarlatti (1660-1725) e o alemão Georg Friedrich Händel (1685-1759).
Jean-Philippe Rameau (1683-1764): Motets à grand chœur, soli, orgue et orchestre
1-6. In convertendo (Grande Moteto para 5 solistas, coro e orquestra) (Salmo nº 125)
“In convertendo” – Recitativo (tenor) – Gravement
“Tunc repletum est” – Coral – Gai
“Magnificavit Dominus” – Duo (soprano, baixo) – Lent – très gai
“Converte Domine” – Recitativo (baixo) – Lent; “Laudate nomen Dei” – Coral – Choeur gracieux
“Qui seminant” Trio (soprano, alto e baixo)
“Euntes ibant et flebant” – Coral – Choeur
7-13. Quam dilecta (Grande Moteto para 3 solistas, coro e orquestra) (Salmo nº 84)
“Quam Dilecta” – Ária (soprano) – Tendrement
“Cor Meum Et Caro Mea” – Coral – Choeur
“Et Enim Passer” – Ária (tenor) – Gratieusement
“Altaria Tua” – Trio (sopranos e baixo) – Gravement
“Beati, Qui Habitant” – Recitativo (Tenor) e Coral – Légèrement et Marqué
“Domine, Deus Virtutum” – Ária (baixo) – Gravement
“Domine Virtutum Beatus Homo” – Coral – Modéré – Gai – Modéré
14. Laboravi (Grande Moteto para 5 solistas e baixo contínuo) (Salmo 69)
Suzanne Gari (soprano), Lieve Monbaliu (soprano)
Henri Ledroit (countertenor)
Guy de Mey (tenor)
Stephen Varcoe (baritone)
Peter Kooy (bass)
La Chapelle Royale
Collegium Vocale Gent
Philippe Herreweghe
É muito difícil fazer uma nota como esta…
Hoje mais um membro deste irretocável blog infelizmente nos deixou. O Mestre Avicenna já tinha uma saúde bastante debilitada e não vinha postando há uns anos por conta até mesmo da própria dificuldade em fazê-lo.
Achava o Mestre que escrevia mal, e preferia transcrever o texto dos álbuns que postava. Isso fazia aos usuários-ouvintes do PQPBach imaginarem que era sério. Ah! Pura fachada! Eu (Bisnaga) o conheci pessoalmente em São Paulo e posso dizer que era uma das pessoas mais divertidas, irradiantes e inabaláveis com quem topei na minha vida. Não havia tempo ruim para ele.
Era absolutamente apaixonado pela Música Colonial e Imperial Brasileira – até criou essa categoria aqui – e postou quase tudo dessa linha, que o PQPBach hoje orgulhosamente ostenta como o maior acervo de música colonial do Brasil. Tenho a total certeza que muitas pesquisas sobre esse tema nasceram aqui no blog e, para mim, o Mestre Avis tem um pezinho em todas elas.
Não conhecia o Astor Trio até ter acesso a esse CD. Temos aqui uma formação diferente das que estamos acostumados: um violão, um contrabaixo acustico e uma viola, para a alegria de nosso colega Bisnaga, um entusiasta e praticamente amador do instrumento (segundo suas próprias palavras). E esses três encaram obras imortais de dois compositores idem: Bach & Piazzolla, começando pela magnífica Sonata em Si Menor, BWV 1014, que conhecemos originalmente para violino e cravo, adentrando sem maiores problemas em algumas das principais obras do argentino. Retorna posteriormente a Bach, com outra obra prima imortal, a Sonata BWV 1016, encerrando o disco com a trinca ‘Adios Nonino’, ‘Libertango’, e ‘Oblivion’, fechando com chave de ouro um Disco técnicamente perfeito e muito sensível.
A transição entre Bach e e Piazzolla ocorre sem sustos, naturalmente. A alegria melancólica da obra do genial compositor argentino se expressa divinamente nas cordas da viola tremendamente bem tocada de Alexander Prushinskiy, e nos remete àqueles ambiente esfumaçados, escuros e tensos dos cabarés que vimos nos filmes noir. A impressão que nos passa é que um casal de dançarinos de Tango irá surgir a qualquer momento. E a atualizadíssima leitura das Sonatas de Bach é um deleite para os ouvidos mais acostumados às interpretações historicamente informadas, como as de John Holloway ou mais recentemente, de Rachel Podger, um primor de atualização da técnica de execução barroca.
O Astor Trio é um conjunto que não teme desafios, e encarar estes petardos deve tê-los deixado temerosos da recepção de tal projeto. Mas posso lhes garantir que o que os senhores vão ouvir aqui é puro deleite auditivo, que exala uma tremenda musicalidade e principalmente, sensibilidade e respeito aos respectivos compositores.
O inesquecível Jascha Heifetz, que completaria hoje 121 anos, adorava jazz. Sua mansão em Beverly Hills recebia músicos de várias vertentes, que frequentemente mergulhavam em jam sessions, e os estudantes para os quais organizava animadas festas em Malibu testemunhavam o mestre improvisar, tanto ao violino quanto ao piano, sobre as canções populares que amava.
Descobrir que o jazz era o xodó de Heifetz me surpreendeu. Afinal, tiete incondicional do gigante desde que o conheci, acostumara-me com seu semblante estoico nas capas de discos, que nada mudava nos tantos filmes em que, para meu assombro, eu o via enfrentar e vencer, impávido, os trechos mais medonhos da literatura violinística. Foi só ao ler suas biografias e, principalmente, assistir aos documentários e aos preciosos registros de suas masterclasses que conheci seu senso de humor, seu rigor cordial para com os alunos e, não menos importante, constatei que ele era um músico extraordinário o bastante para convencer como mau músico, imitando à perfeição um jovem estudante em pânico durante uma prova:
Jascha também foi um contumaz viajante, legando-nos inúmeros mementos que são verdadeiras pérolas do humor involuntário, como essa sua foto duma visita ao México, em que seu tradicional olhar blasé parece nada impressionado com a indumentária local…
… e também um homem corajoso e cidadão muito grato ao país que o acolheu, percorrendo o front europeu a tocar voluntariamente para as tropas aliadas, além de arrecadar, com concertos beneficentes, vultosos valores para os esforços de guerra.
Perenemente acusado por um ou outro crítico de ser um tecnicista frio, indiferente às intenções do compositor, Heifetz é uma deidade de devoção unânime entre seus colegas: dir-se-ia um “violinista dos violinistas”. Ainda assim, mesmo que todos sonhem em tocar como ele, nem tantos acham que devam. Jascha cresceu imbuído das tradições da Velha Escola russa no Conservatório de São Petersburgo, onde foi discípulo de Leopold Auer – aquele mesmo com quem Tchaikovsky se estranhou por conta de seu concerto para violino. Seria inevitável, pois, que seu estilo, moldado por gente do século XIX, pareça-nos um tanto antiquado, a despeito da tanta beleza que tange. Além disso, suas gravações das peças fundamentais do repertório concertístico, normalmente despachadas em velocidade lúbrica, são referências incontestes que poucos violinistas de hoje tentariam imitar: mesmo o próprio ídolo de Heifetz, Fritz Kreisler, após escutar o prodígio de onze anos de idade, afirmou que todos os violinistas presentes no recinto poderiam quebrar seus instrumentos nos joelhos.
Aqui, Kreisler (à direita) relaxa num lago com Heifetz (à esquerda), que se apoia num trapiche feito, provavelmente, da madeira de violinos quebrados.
Em minha desimportante opinião, será através das pequenas peças que a grandeza de Heifetz rebrilhará aos ouvidos dos séculos vindouros. Esta compilação que ora lhes apresento, com algumas dúzias delas, inclui vários de seus números de bis mais famosos, algumas canções folclóricas e várias composições de George Gershwin, que Jascha muito admirava. Os arranjos, como verão, são quase todos de sua própria lavra e, se privilegiam o timbre inconfundível do mestre e a elegância de seu fraseado, também lhe dão amplas oportunidades para demonstrar seu deleite em tocar, como mais célebre rebento da Velha Escola russa, a música do Novo Mundo em que escolheu viver.
Uma atração em especial para nós, brasileiros, é escutar “Ao Pé da Fogueira”, um dos prelúdios do genial Flausino Valle, aqui abordado por Heifetz numa masterclass.
A grande surpresa, talvez, esteja na última faixa do álbum. Depois de alguns açucarados bombons em que acompanha o cantor Bing Crosby, Heifetz dá-nos a rara oportunidade de escutá-lo ao piano (!), instrumento em que era, por todos os relatos, muito proficiente. Ele toca “When You Make Love to Me (Don’t Make Believe)”, uma canção que fez sucesso na voz do próprio Crosby, frequentemente pareada com outra, “So Much in Love“. Ainda mais surpreendente é que o autor de ambas, um certo Jim Hoyl, só existia na capa das partituras, pois era tão só o pseudônimo que o próprio Jascha Heifetz (“J.H.”, captaram?) usava para publicar canções populares.
“Um brinde a Jim Hoyl!”
Que a imagem sisuda que dele tiverem liquide-se para sempre, e que a inigualável musicalidade do aniversariante consiga entretê-los tanto quanto espero.
Grato por tanto, Mestre!
In memoriam Iosif Ruvimovich Kheyfets, dito Jascha Heifetz (Vilnius, 2.2.1901 – Los Angeles, 10.12.1987)
Jascha Heifetz – It Ain’t Necessarily So: Legendary Classic & Jazz Studio Takes
DISCO 1
Samuel GARDNER (1891-1984)
1 – From The Canebrake, Op. 5 no. 1
Arthur Leslie BENJAMIN (1893-1960)
2 – Jamaican Rumba (arranjo de William Primrose)
Joseph Maurice RAVEL (1875-1937)
4 – Pièce en Forme de Habanera (arranjo de Georges Catherine)
Clarence CAMERON White (1880-1960)
5 – Levee Dance, Op. 27 No. 2 (baseada em “Go Down, Moses”)
Mario CASTELNUOVO-TEDESCO (1895-1968)
6 – Figaro, Rapsódia de Concerto sobre “Il Barbiere di Siviglia”, de Rossini
Stephen Collins FOSTER (1826-1864)
7 – Jeanie With The Light Brown Hair (arranjo de Heifetz)
Victor August HERBERT (1859-1924)
8 – À la Valse
Antonín Leopold DVOŘÁK (1841-1904)
9 – Humoresques, Op. 101 – No. 1 em Sol bemol maior (arranjo de Heifetz)
Folclore irlandês
10 – Gweedore Brae (arranjo de John Crowther)
Stephen FOSTER 11 – Old Folks at Home (arranjo de Heifetz)
Anônimo
12 – Deep River (arranjo de Heifetz)
Leopold GODOWSKY (1870-1938)
13 – Doze Impressões para violino e piano: no. 12, Wienerissh (arranjo de Heifetz)
Jascha Heifetz, violino Milton Kaye, piano
Irving BERLIN (1888-1989)
14 – White Christmas
Jascha Heifetz, violino Salvator Camarata and his Orchestra
George GERSHWIN (1898-1937)
Da ópera “Porgy and Bess” (arranjos de Heifetz)
15 – Summertime
16 – A Woman is a Sometime Thing
17 – My Man’s Gone Now
18 – It Ain’t Necessarily So
19 – Tempo Di Blues (There’s a Boat That’s Leaving Soon for New York)
20 – Bess, You is my Woman Now
Três prelúdios para piano solo (arranjos de Heifetz)
21 – I. Allegro ben ritmato e deciso
22 – II. Andante con moto e poco rubato
23 – III. Allegro ben ritmato e deciso
Jascha Heifetz, violino Emanuel Bay, piano
DISCO 2
Susan Hart DYER (1880-1922)
1 – An Outlandish Suite, para violino e piano: Florida Night Song
Claude DEBUSSY
2 – Children’s Corner L. 115 – 6. Golliwogg’s Cakewalk (arranjo de Heifetz)
3 – Suite Bergamasque L. 75 – 3. Clair de Lune (arranjo de Alexandre Roelens)
Flausino Rodrigues do VALLE (1894-1954)
4 – Vinte e seis prelúdios característicos e concertantes para violino só – no. 15, “Ao Pé da Fogueira” (arranjo de Heifetz)
Julián Antonio Tomás AGUIRRE (1868-1924)
5 – Huella, Op. 49 (arranjo de Heifetz)
Dmitri Dmitrievich SHOSTAKOVICH (1906-1975)
Dos Vinte e quatro prelúdios para piano, Op. 34 (arranjo de Dmitri Tziganov e Quinto Maganini)
6 – No. 10 em Dó sustenido menor
7 – No. 15 em Ré bemol maior
Edwin GRASSE (1884-1954)
8 – Waves At Play (Wellenspiel) (arranjo de Heifetz)
Sergei Sergeieivich PROFOKIEV (1891-1953)
9 – O Amor das Três Laranjas, Op. 33 – Marcha (arranjo de Heifetz)
10 – Suíte do balé “Romeu e Julieta”, para piano, Op. 75 – Máscaras (arranjo de Heifetz)
Robert Russell BENNETT (1894-1981)
Hexapoda (five studies in Jitteroptera), para violino e piano
11 – Gut-Bucket Gus
12 – Jane Shakes Her Hair
13 – Betty and Harold Close Their Eyes
14 – Jim Jives
15 – …Till Dawn Sunday
Kurt Julian WEILL (1900-1950)
16 – Die Dreigroschenoper – Mack The Knife (Moderato assai) (arranjo de Stefan Frenkel)
Pyotr Ilyich TCHAIKOVSKY (1840-1893)
17 – Souvenir d’un Lieu Cher, para violino e piano, Op. 42 – no. 3: Mélodie em Mi bemol maior
Fryderyk Francyszek CHOPIN (1810-1849)
18 – Noturnos para piano, Op. 55 – no. 2 em Mi bemol maior (arranjo de Heifetz)
Christoph Willibald von GLUCK (1717-1784)
19 – Orfeo ed Euridice – Dança dos Espíritos Abençoados (arranjo de Fritz Kreisler)
Robert Alexander SCHUMANN (1810-1856)
20 – Waldszenen, Op. 82 – no. 7: Vogel als Prophet (arranjo de Heifetz)
Nikolai Andreievich RIMSKY KORSAKOV (1844-1908)
21 – O Galo de Ouro – Hino ao Sol (arranjo de Kreisler)
Alexander Abramovich KREIN (1883-1951)
22 – Dança no. 4 (arranjo de Heifetz)
Johannes BRAHMS (1833-1897)
23 – Danças Húngaras – no. 7 em Lá maior (arranjo de Joseph Joachim)
Charles-Camille SAINT-SAËNS (1835-1921)
24 – Le Carnaval Des Animaux – Le Cygne (arranjo de Heifetz)
Querem mais Heifetz? Confiram-no em ação, então, na sua imbatível gravação do concerto de Sibelius (juntamente com o de Glazunov e o segundo de Prokofiev)…
Fui até uma farmácia, paguei R$ 120 e um simpático enfermeiro enfiou-me nas narinas (nas ventas, teria dito meu saudoso pai) um cotonete que de tão longo parecia o espadachim do Zorro. Quinze minutos depois ele deu-me o resultado: positivo para Covid. Ou, DETECTADO, como diz lá no resultado. Detectado resultado reagente para Antígeno SARS-CoV-2 na amostra. Nunca fiquei tão desapontado com um resultado positivo em toda a minha vida, mas vocês hão de convir, essa coisa de resultado é relativa.
Como não sou negacionista e dou muita atenção para o que diz a ciência, estou com todas as três doses de vacina tomadas e também a vacina da gripe. Assim, espero passar esta fase como todos aqueles que escutaram a voz da razão e buscaram os recursos disponíveis, com sintomas leves e em casa. Até aqui, tudo bem…
O que você faria neste caso? Provavelmente, o mesmo que eu, com pequenas variações, dependendo do seu próprio grau de neurose…
Ingrid flagrada em um passeio no Jardim Botânico da sede do PQP Bach do Rio de Janeiro…
Eu decidi ouvir este disco com sonatas para piano de Beethoven. A intérprete, Ingrid Marsoner, é austríaca e foi aceita na Academia de Música de Graz aos 11 anos, como aluna de Sebastian Benda, que fora aluno de Edwin Fischer. Depois foi estudar com Rudolf Kehrer em Viena. Suas principais inspirações musicais são os eminentes pianistas Tatiana Nikolaieva, Paul Badura-Skoda e Alfred Brendel.
O repertório do disco é muito interessante. Peças para piano de Beethoven de seu último período, pelo menos a linda Sonata op. 101, que inicia o disco, e a Sonata op. 111, a última do compositor e do disco. Há também famoso Rondó – Raiva pela perda de um real! – que é uma obra de juventude e foi publicada tardiamente, o que explica o elevado número de opus. No manuscrito da peça se encontra este nome, mas não nos garranchos do Ludovico, e podem muito bem ser do seu secretário marketeiro e imaginoso Anton Schindler. De qualquer forma, a propósito da estrutura do Rondó, o libreto menciona muito poeticamente uma citação de Christian Friedrich Hobbel – Uma pessoa só pode se transformar naquilo que ela já é!
A sonata dedicada à Teresa Brunswick parece ser também uma espécie de exercício, mas que beleza de sonatina. O Rondo é a sonatazinha fazem um certo interlúdio para a grande e última sonata, op. 111. O livreto também fala na diferença entre a poesia e a filosofia. Texto um pouco hermético, pelo menos para moi, mas que lindas ideias. Ouvir essa música buscando o caminho da poesia e não da filosofia, me deixou mais animado no fim do dia.
Não deixe de ouvir este desimportante e im-PER-DÍ-VEL disco, sem compará-lo com esta ou aquela interpretação – apenas sente-se e aproveite. Depois, me conte…
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Sonata para Piano No. 28 em lá maior, Op. 101
Etwas lebhaft und mit der innigsten Empfindung. Allegretto ma non troppo
Lebhaft. Marschmäßig. Vivace alla marcia
Langsam und sehnsuchtsvoll. Adagio, ma non troppo, con affetto + IV. Geschwind, doch nicht zu sehr, und mit Entschlossenheit. Allegro
Rondo a capriccio em sol maior, Op. 129 “Raiva pela perda de um real!”
Rondó
Sonata para Piano No. 24 em fá sustenido maior, Op. 78 “à Thérèse”
“Ingrid Marsoner’s interpretation of Sonata Op. 78 is fluent and nuanced, genuine and devoted, sensitive and inspired, with rhapsodic tension and conviction. She extracts many a design secret from this wonderful F# major Sphinx.”
Klassik Heute – Rainer E. Janka – July 2017
“It may be in the craggy, windswept heights of Op 111 that Marsoner is most impressive … Here, Marsoner’s ability to suggest the mighty integrity of Beethoven’s architecture from multiple points of view within the musical narrative is particularly impressive. This is mature Beethoven which will be understandable by virtually anyone, even as it remains engagingly personal in expression. Without awe, Marsoner expresses her reverence for Beethoven with scrupulous attention to detail. This well-recorded disc will be a welcome addition to any library of Beethoven piano music
IM-PER-DÍ-VEL !!!
