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J. S. Bach (1685-1750): Bach 2000 – Caixa 1, CDs 13 e 14

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As Cantatas BWV 41, 42 e 43 são muito foda!

J. S. Bach (1685-1750): Bach 2000 – Caixa 1, CDs 13 e 14

BWV0037 – Cantata – 1 Coro “Wer da gläubet und getauft wird”
BWV0037 – Cantata – 2 Aria (tenor) “Der Glaube ist das Pfand der Liebe”
BWV0037 – Cantata – 3 Choral (soprano,alto) “Herr Gott Vater, mein starker Held”
BWV0037 – Cantata – 4 Recitativo (bass) “Ihr Sterblichen, verlanget ihr mit mir”
BWV0037 – Cantata – 5 Aria (bass) “Der Glaube schafft der Seele Flügel”
BWV0037 – Cantata – 6 Choral (coro) “Den Glauben mir verleihe”

BWV0038 – Cantata – 1 Coro “Aus tiefer Not schrei ich zu dir”
BWV0038 – Cantata – 2 Recitativo (alto) “In Jesu Gnade wird allein”
BWV0038 – Cantata – 3 Aria (tenor) “Ich höre mitten in dem Leiden”
BWV0038 – Cantata – 4 Recitativo (soprano) “Ach- Daß mein Glaube noch so schwach”
BWV0038 – Cantata – 5 Aria (Terzetto) (soprano,alto,bass) “Wenn meine Trübsal als mit Ketten”
BWV0038 – Cantata – 6 Choral (coro) “Ob bei uns ist der Sünden viel”

BWV0039 – Cantata – 1 part 1 Coro “Brich dem Hungrigen dein Brot”
BWV0039 – Cantata – 2 part 1 Recitativo (bass) “Der reiche Gott wirft seinen Überfluß”
BWV0039 – Cantata – 3 part 1 Aria (alto) “Seinem Schöpfer noch auf Erden”
BWV0039 – Cantata – 4 part 2 Aria (bass) “Wohlzutun und mitzuteilen”
BWV0039 – Cantata – 5 part 2 Aria (soprano) “Höchster,was ich habe”
BWV0039 – Cantata – 6 part 2 Recitativo (alto) “Wie soll ich dir,o Herr”
BWV0039 – Cantata – 7 part 2 Choral (coro) “Selig sind,die aus Erbarmen”

BWV0040 – Cantata – 1 Coro “Darzu ist erschienen der Sohn Gottes”
BWV0040 – Cantata – 2 Recitativo (tenor) “Das Wort ward Fleisch”
BWV0040 – Cantata – 3 Choral (coro) “Die Sünd macht Leid”
BWV0040 – Cantata – 4 Aria (bass) “Höllische Schlange,wird dir nicht bange”
BWV0040 – Cantata – 5 Recitativo (alto) “Die Schlange,so im Paradies”
BWV0040 – Cantata – 6 Choral (coro) “Schüttle deinen Kopf und sprich”
BWV0040 – Cantata – 7 Aria (tenor) “Christenkinder,freuet euch”
BWV0040 – Cantata – 8 Choral (coro) “Jesu,nimm dich deiner Glieder”

BWV0041 – Cantata – 1 Coro “Jesu,nun sei gepreiset”
BWV0041 – Cantata – 2 Aria (soprano) “Laß uns,o höchster Gott,das Jahr vollbringen”
BWV0041 – Cantata – 3 Recitativo (alto) “Ach- deine Hand,dein Segen muß allein”
BWV0041 – Cantata – 4 Aria (tenor) “Woferne du den edlen Frieden”
BWV0041 – Cantata – 5 Recitativo (bass,coro) “Doch weil der Feind bei Tag und Nacht”
BWV0041 – Cantata – 6 Choral (coro) “Dein ist allein die Ehre”

BWV0042 – Cantata – 1 Sinfonia
BWV0042 – Cantata – 2 Recitativo (tenor) “Am Abend aber desselbigen Sabbats”
BWV0042 – Cantata – 3 Aria (alto) “Wo zwei und drei versammlet sind”
BWV0042 – Cantata – 4 Aria (Duetto) (soprano,tenor) “Verzage nicht,o Häuflein klein”
BWV0042 – Cantata – 5 Recitativo (bass) “Man kann hiervon ein schön Exempel sehen”
BWV0042 – Cantata – 6 Aria (bass) “Jesus ist ein Schild der Seinen”
BWV0042 – Cantata – 7 Choral (coro) “Verleih uns Frieden gnädiglich”

BWV0043 – Cantata – 01 part 1 Coro “Gott fähret auf mit Jauchzen”
BWV0043 – Cantata – 02 part 1 Recitativo (tenor) “Es will der Höchste sich ein Siegsgepräng bereiten”
BWV0043 – Cantata – 03 part 1 Aria (tenor) “Ja tausendmal tausend begleiten den Wagen”
BWV0043 – Cantata – 04 part 1 Recitativo (soprano) “Und der Herr,nachdem er mit ihnen geredet hatte”
BWV0043 – Cantata – 05 part 1 Aria (soprano) “Mein Jesus hat nunmehr”
BWV0043 – Cantata – 06 part 2 Recitativo (bass) “Es kommt der Helden Held”
BWV0043 – Cantata – 07 part 2 Aria (bass) “Er ists,der ganz allein”
BWV0043 – Cantata – 08 part 2 Recitativo (alto) “Der Vater hat ihm ja”
BWV0043 – Cantata – 09 part 2 Aria (alto) “Ich sehe schon im Geist”
BWV0043 – Cantata – 10 part 2 Recitativo (soprano) “Er will mir neben sich”
BWV0043 – Cantata – 11 part 2 Choral (coro) “Du Lebensfürst,Herr Jesu Christ”

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In Janáček, Leoš

Leoš Janáček (1854-1928): Missa Glagolítica & O Diário de um Desaparecido (Griffel, Haefliger, Kubelik)

pqpbach7 de outubro de 202611 de setembro de 202610 Comments

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Uma obra religiosa escrita por um ateu, uma obra inspirada pelo amor não consumado a uma mulher casada e uma obra para homenagear a cultura eslava. Este é o resumo do que é a extraordinária Missa Glagolítica do tcheco Leoš Janáček. Mas não vamos ficar apenas no resumo. Vamos adiante.

Alexandre Pushkin foi o escritor que, para além de seus grandes méritos literários, recebeu o crédito de ter ampliado significativamente o vocabulário do idioma, normatizando várias expressões populares e codificando o russo literário. Sabemos da importância que o idioma tem para a identidade e cultura de um povo, da parte fundamental que ele ocupa em sua autoafirmação e independência.

A Morávia do compositor Leoš Janáček foi, por quase toda sua vida, dominada por estrangeiros. Até a Primeira Guerra Mundial, em 1918, por exemplo, existia o Império Austro-Húngaro, que ia do centro da Europa até a fronteira com a Ucrânia. Então, finalmente, o povo tcheco pôde celebrar sua independência… Mas esta valeu apenas até 1938, quando os nazistas resolveram anexar o país. Depois veio a URSS.

Ou seja, a região da República Tcheca foi, até a queda do Muro de Berlim, em 1989, uma região constantemente esmagada pelas potências ocidentais de um lado e pela Rússia de outro.

Em 1926, Janáček, resolveu comemorar a efêmera independência de seu país escrevendo uma Missa. Mas não com uma Missa comum: optou, como ato de afirmação étnica, por uma missa cantada na antiga língua litúrgica eslava, o eslavônico. Por isso o nome da obra – “Missa Glagolítica”, ou seja, missa numa língua escrita no alfabeto glagolítico, antecessor do cirílico.

A Missa Glagolítica (Mša glagolskaja) foi apresentada pela primeira vez em 26 de junho de 1926 em Praga.

A opção do ateu Janáček por escrever uma missa de tintas étnicas é muito simbólica. Janáček apoiava o pan-eslavismo e a obra era um modo de celebrar a identidade e a cultura eslava. Não é uma mera Missa nacionalista tcheca, ela celebra todo o patrimônio pan-eslavo, usando a língua litúrgica que foi utilizada em diversos países eslavos.

Fora as cinco seções tradicionais da missa -– aqui com títulos em eslavônico: o “Credo” virou “Veruju”, o “Gloria” virou “Slava” e assim por diante — Janáček adicionou uma introdução orquestral e, perto do final, um sensacional solo de órgão seguido de um poslúdio sinfônico curiosamente chamado de “Intrada”, sei lá para onde, mas dá para imaginar.

A linguagem musical de Janáček não costuma ser delicada, mas é de originalidade, beleza e modernidade impressionantes. Os ritmos da Glagolítica refletem tanto a aspereza da língua antiga quanto a bagagem folclórica. A orquestração e o uso da voz humana são absolutamente pessoais e convincentes. E o drama da expressão – como na passagem da crucificação de Cristo, na qual o órgão assume papel fundamental – demonstra a vocação de Janáček para o teatro.

A música começa e termina com fanfarras. Há ainda muitos trechos de grande originalidade rítmica — principalmente para ouvidos treinados para formas diferentes –, além de memoráveis passagens para solistas e coro, e o famoso solo de órgão do qual falaremos mais a seguir.

Milan Kundera escreveu: “A Missa Glagolítica é uma orgia, não uma missa”. Vamos a mais um pouco de história: o pai de Kundera — um pianista e musicólogo que faleceu em 1971 — trabalhou com Janáček e ajudou o compositor nos ensaios para a estreia. Ela é uma das várias obras, justamente as melhores de Janáček, que é marcada por dois fatos que o motivaram muito no final da vida: a independência de seu país obtida em 1918 e, bem, seu enorme amor por Kamila Stösslová, uma mulher casada e 40 mais jovem que jamais compartilhou deste sentimento amoroso, mas que jamais afastou-se dele. Sim, os dois mantiveram por anos uma profunda amizade. Janáček parecia não se incomodar muito e mantinha suas juras de amor mesmo sem a contrapartida física.

Então, a musa Kamila Stösslová ocupa um lugar incomum na história da música. Leoš Janáček, ao conhecê-la em 1917 na Morávia, apaixonou-se profundamente, apesar de ambos serem casados e do fato de que ele sera quase quarenta anos mais velho. Ela influenciou profundamente o compositor em sua última década de vida. Kamila estava morando em Luhačovice (Morávia) com seu marido, David Stössel, e seus dois filhos, Rudolf e Otto. David estava no exército e até ajudou Janáček na obtenção de alimentos no tempo de guerra. Provavelmente o serviço militar de Stössel só deixava que ele passasse poucos dias em Luhačovice, dando a Janácek a chance de caminhar e conversar com Kamila durante o resto do tempo. Ele a conheceu em 3 de julho de 1917. Cinco dias depois, já escrevia apaixonadamente sobre ela em seu diário. Uma correspondência cerrada entre a dupla começou em 24 de julho.

Kamila devia ser muito inspiradora, apesar de impedir que o sexo se concretizasse. Foi para ela que Janáček criou várias mulheres de suas óperas, a Katya de Katya Kabanová, a raposa de A Pequena Raposa Astuta e Emilia Marty de O Caso Makropulos. Outros trabalhos que foram inspirados por sua paixão foram O Diário de Um Desaparecido, a Missa Glagolítica, a Sinfonietta e o Quarteto de Cordas No. 2 (Cartas Íntimas), ou seja, suas obras mais importantes. Na dedicatória das Cartas Íntimas, Janáček escreveu: “A música descreverá o medo que sinto de você”.

Como já disse, o ateu Janáček era um entusiasta do “pan-eslavismo”, movimento que valorizava mais as línguas eslavas do que o latim e as germânicas. Kundera tem razão em chamar a Glagolítica de orgia, pois há tanta música feliz, dançante e efusiva, que nem parece que estamos celebrando uma Missa, não obstante a participação do órgão. Ah, o ateísmo é libertador! Tudo na Glagolítica é moderno e original. O soprano solista parece uma guerreira, o baixo parece ter saído direto de um culto da Igreja Ortodoxa. Talvez seja a mais bela Missa do século XX, talvez melhor que a de Bernstein, que também é um espanto.

Voltando ao pai de Kundera, Ludvík: ele escreveu, numa crônica de 1927, que a Glagolítica fora “escrita por um velho homem religioso”. Janáček não parece ter gostado muito: “Não sou nem velho nem religioso”. Toma, Ludovico!

.oOo.

O alfabeto glagolítico (glagólitsa nas línguas eslavas) é o mais antigo dos alfabetos eslavos que se conhece. Foi criado por São Cirilo e São Metódio por volta de 862-863 para traduzir a Bíblia e outros textos para as línguas eslavas. O nome vem da palavra glagola, que em búlgaro antigo significa palavra. Já glagolati significa falar e pode-se dizer, um tanto poeticamente, que glagolítico são “símbolos que falam”.

O alfabeto glagolítico original constava de 41 letras, embora a quantidade tenha variado levemente com os séculos. Das 41 letras glagolíticas originais, 24 são derivadas, provavelmente, de grafemas do grego medieval, os quais receberam um desenho mais ornamental.

Os caracteres restantes são de origem desconhecida. Acredita-se que alguns podem ter vindo de caracteres hebraicos e samaritanos, que Cirilo teria aprendido em suas viagens.

O nome “Glagolítico” é em checo hlaholice, em eslovaco hlaholika, em polaco głagolica, em russo, macedónio e búlgaro глаго́лица (transliterado glagólitsa), em croata glagoljica, em ucraniano глаголиця (transliterado hlaholytsia), em bielorrusso глаголіца (transliterado hlaholitsa), em esloveno glagolica, etc.

.oOo.

Agora, um caso com o órgão presente nesta Missa. Ao folhear o livro Tudo tem a ver, de Arthur Nestrovski, dei de cara com um artigo que descreve o pânico de um organista que sumiu por medo de tocar o famoso movimento solo da Missa Glagolítica. Isso dois ou três dias antes do concerto da Osesp. Nestrovski narra seu desespero e a brilhante solução, obtida quase que por sorte. Ah, querem spoilers? Nada disso, comprem o livro — que é bom demais, com ensaios sobre literatura, música popular e erudita.

Leoš Janáček (1854-1928): Missa Glagolítica & O Diário de um Desaparecido (Griffel, Haefliger, Kubelik)

1. Glagolitic Mass – 1. Uvod (Introduction)
2. Glagolitic Mass – 2. Gospodi pomiluji (Kyrie)
3. Glagolitic Mass – 3. Slava (Gloria)
4. Glagolitic Mass – 4. Veruju (Credo)
5. Glagolitic Mass – 5. Svet (Sanctus)
6. Glagolitic Mass – 6. Agnece zij (Agnus Dei)
7. Glagolitic Mass – 7. Varhany solo (organ solo)
8. Glagolitic Mass – 8. Intrada

Evelyn Lear – Soprano
Hilde Rössel-Majdal – Alt
Ernst Haefliger – Tenor
Franz Crass – Bass
Bedrich Janacek – Organ
Choir und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunk

9. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 1. “Traf eine junge Zigeunerin”/”One day I met a gypsy girl” (Tenor)
10. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 2. “Ist sie noch immer da”/”That black-eyed gypsy girl” (Tenor)
11. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 3. “Wie der Glühwürmchen Spiel”/”Throug the twilight glow-worms” (Tenor)
12. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung Max Brod – 4. “Zwitschern im Nest schon die Schwalben”/”Already swallows are” (Tenor)
13. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 5. “Heut ist’s schwer zu pflügen”/”Weary work is ploughing” (Tenor)
14. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 6. “Heissa, ihr grauen Ochsen!”/”Hey, There my tawny oxen” (Tenor)
15. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 7. “Wo ist das Pflöcklein hin”/”I’ve got a loose axie” (Tenor)
16. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 8. “Seht nicht, ihr Öchselein”/”Don’t look; my Oxen” (Tenor)
17. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 9. ” Sei willkommen, Jan”/” Welcome, my handsome one” (Alt, Tenor, Chor)
18. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzng: Max Brod – 10. “Gott dort oben, mag”/”Go all-powerful, God eternal” (Alt, Chor)
19. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 11. “Vor der Heidin Wangen”/”From the rip’ning Cornfield” (Alt, Tenor)
20. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 12. “Dunkler Erlenwald”/”Forest’s shady height” (Tenor)
21. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 13. Piano Solo
22. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 14. “Sonn’ ist aufgegangen”/”See how high the sun is!” (Tenor)
23. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 15. “Meine grauen Ochsen”/”Now my tawny oxen” (Tenor)
24. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 16. “Was hab’ ich da getan?”/”What has come over me?” (Tenor)
25. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 17. “Flieh, wenn das Schicksal ruft”/”Who can escape his fate” (Tenor)
26. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 18. “Nichts mehr denk ich”/”Nothing matters now” (Tenor)
27. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 19. “Wie die Elster wegfliegt”/”See that thieving magpie” (Tenor)
28. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 20. “Hab’ ein Jüngferlein”/”Now she bears my child” (Tenor)
29. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 21. “Vater, dam Tag’ fluch ich”/”Father, how wrong you were” (Tenor)
30. The Diary of One Who Disappeared – Übersetzung: Max Brod – 22. “Leb denn wohl, Heimatland”/”Then farewell, dearest land” (Tenor)

Kay Griffel – Alt
Ernst Haefliger – Tenor
Frauenchoir / Women´s Choir
Rafael Kubelik – Piano / Conductor

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In -Choro / Chorinho, -Jazz, -MPB, -Samba

.: interlúdio :. Guinga: Suíte Leopoldina

pqpbach6 de outubro de 202615 de setembro de 20262 Comments

IM-PER-DÍ=VEL !!!

Guinga é um gênio. Em Suíte Leopoldina, de 1999, ele transforma as lembranças da Leopoldina carioca — o subúrbio de sua infância, de sua família e de sua formação musical — numa espécie de paisagem sonora em que o choro, o samba, a seresta, o jazz e a canção brasileira convivem em total liberdade. O título não é apenas uma referência geográfica. A Estação Leopoldina, no Rio, era um importante ponto de ligação entre a cidade e seus subúrbios; para Guinga, porém, Leopoldina é sobretudo memória. O próprio compositor dedicou o disco às famílias materna e paterna, ligadas à região.

Musicalmente, o que impressiona é a quantidade de mundos que Guinga consegue fazer caber em pouco mais de cinquenta minutos. Há o choro de Cortando um Dobrado, a atmosfera noturna de Noturno Leopoldina, a homenagem explícita a Radamés Gnattali em Perfume de Radamés e a Charles Mingus em Mingus Samba. Mas, apesar dessa variedade, o disco jamais parece uma coleção de exercícios de estilo. Existe uma identidade muito forte por trás de tudo: a harmonia sofisticadíssima, as melodias sinuosas e aquela capacidade de fazer o violão soar simultaneamente popular e quase erudito.

Guinga é um compositor que não teme a complexidade. Suas harmonias podem surpreender com mudanças inesperadas, mas nunca dão a impressão de exibicionismo. A sofisticação está a serviço da melodia. Talvez seja essa uma das razões pelas quais sua música consegue agradar tanto ao músico extremamente atento quanto ao ouvinte que simplesmente se deixa levar.

E Suíte Leopoldina é também um disco de encontros. Toots Thielemans participa de Dos Anjos e Constance; Chico Buarque e Nei Lopes aparecem em Parsifal; Alceu Valença em Chá de Panela — super homenagem à Hermeto Pascoal; Ivan Lins em Guia de Cego; Ed Motta em Par Constante; e Lenine em Mingus Samba. Essas participações não roubam a identidade do álbum. Ao contrário, ampliam o universo de Guinga. Mingus Samba, por exemplo, é uma daquelas ideias que poderiam resultar numa simples brincadeira de fusão, mas nas mãos do compositor tornam-se algo muito mais natural: a linguagem de Charles Mingus é absorvida pelo samba sem que nenhuma das duas precise deixar de ser o que é.

Há também algo profundamente brasileiro na maneira como Guinga lida com a tradição. Ele não parece interessado em preservá-la como uma peça de museu. Radamés Gnattali, o choro, o samba e o jazz entram em sua música como memória viva, matéria para transformação. É talvez por isso que o disco soe tão carioca sem ser folclórico, tão sofisticado sem perder a espontaneidade.

No fundo, Suíte Leopoldina é um disco sobre memória. Mas não uma memória sentimental ou decorativa. É a memória transformada em linguagem. O subúrbio, a família, os mestres, os sons ouvidos na juventude e as músicas que formaram o compositor reaparecem filtrados por uma imaginação harmônica extraordinariamente fértil.

E talvez a melhor definição para Suíte Leopoldina seja esta: um álbum em que a memória de um subúrbio carioca se transforma em música de grande alcance universal.

Guinga: Suíte Leopoldina

1 Dos Anjos
Featuring – Toots Thielemans
Written-By – Guinga
4:36

2 Parsifal
Featuring – Chico Buarque, Nei Lopes
Written-By – Guinga, Nei Lopes
3:17

3 Di Menor
Written-By – Celso Viáfora, Guinga
3:17

4 Sargento Escobar
Written-By – Guinga
2:21

5 Chá De Panela
Featuring – Alceu Valença
Written-By – Aldir Blanc, Guinga
4:47

6 Choro Perdido
Written-By – Aldir Blanc, Guinga, Mariana Blanc
4:36

7 Noturno Leopoldina
Written-By – Guinga
2:36

8 Guia De Cego
Featuring – Ivan Lins
Written-By – Guinga, Mauro Aguiar
3:50

9 Perfume De Radamés
Written-By – Guinga
3:15

10 Par Constante
Featuring – Ed Motta
Written-By – Guinga
5:49

11 Cortando Um Dobrado
Written-By – Guinga
3:44

12 Mingus Samba
Featuring – Lenine
Written-By – Aldir Blanc, Guinga
2:24

13 Dissimulado
Written-By – Guinga
3:01

14 Constance
Featuring – Toots Thielemans
Written-By – Guinga
5:28

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In Schubert, Franz

Franz Schubert (1797-1828): Impromptus D 899, Fantasia Wanderer, etc (N. Kawaguchi, fortepiano)

Pleyel5 de outubro de 20266 de outubro de 202611 Comments

Medalhista de prata do Concurso Chopin em Instrumentos de Época em Varsóvia (sim, existe esse concurso além do outro mais famoso) e do Concurso Musica Antiqua de Bruges, Kawaguchi apresenta aqui uma versão altamente romântica e sanguinária da Fantasia Wanderer. Nos Impromptus ele se acalma mais, e em outras pecinhas curtas, como o Adagio D. 612, ele nos faz ouvir melodias raramente tocadas de Schubert.

Diz ele no libreto do CD:
quando descobri o mundo dos instrumentos históricos, eu tinha 20 anos. O primeiro pianoforte em que toquei era cópia de um Anton Walter, na Universidade de Tóquio, onde estudei. Desde a primeira nota de uma das sonatas de Haydn, revelou-se a mim uma música totalmente diferente do Haydn que eu conhecia. Fiquei surpreso com essa experiência. A qualidade do som daquele instrumento era tão diferente da de um piano moderno que me parecia que, enfim, Haydn conseguia me falar na sua própria língua, com uma bela eloquência. (…)
Tenho certeza de que cada pessoa traz uma resposta diferente a essa questão, mas para mim, tocar em um instrumento que o compositor poderia tocar é de uma importância fundamental na nossa busca de “autenticidade”. Isso se deve, creio eu, ao fato de que a história do piano é feita de mudanças mais do que de progressos: diversas nuances sutis não podem ser expressas em um instrumento diferente daqueles da época do compositor. Um bom exemplo é o “fffz” no compasso 658 do Allegro da Wanderer-Fantasie. Essa obra tem vários “ff” (fortíssimo), mas aquele momento pede uma energia ainda mais potente. Porém, apesar da paixão que o intérprete possa colocar nessa passagem em um robusto piano de cauda de hoje, o instrumento absorve facilmente demais a energia colocada pelo pianista. O sentimento de estar no limite absoluto das possibilidades do instrumento é o que, acredito, transmete precisamente o que Schubert desejava.

Os instrumentos da época de Schubert oferecem também muitas possibilidades de sonoridades mais suaves e serenas. Além do pedal una corda, mutos instrumentos vienenses são equipados de uma surdina que modifica o timbre inserindo uma peça de feltro entre o martelo e a corda. Essa qualidade de som tem algo de sonhador, mas pode também parecer fria e sinistra, e é difícil de obter em um piano moderno.

Franz Schubert (1797-1828): Impromptus D 899, Fantasia Wanderer, etc (N. Kawaguchi, fortepiano)

Franz Schubert:
1 – Ungarische Melodie in B minor, D 817 – 4’30
2 – Adagio in E major, D 612 – 4’43

Wanderer-Fantasie in C major, D 760
3 – I. Allegro con fuoco ma non troppo – 6’16
4 – II. Adagio – 4’01
5 – III. Presto – 5’01
6 – IV. Allegro – 3’55

Franz Liszt:
7 – Trockne Blumen, S.563/4 (from 6 Melodien von Franz Schubert) – 3’46
8 – Der Müller und der Bach, S. 565/2 (from Müllerlieder von Franz Schubert) – 5’47

Franz Schubert:
Four impromptus, D 899
9 – Impromptu No. 1 in C minor – 10’14
10 – Impromptu No. 2 in E-flat major – 4’55
11 – Impromptu No. 3 in G-flat major – 6’35
12 – Impromptu No. 4 in A-flat major – 8’39
13 – Kupelwieser-Walzer in G-flat Major, D Anh I/14 – 2’53

Recording: 2-4 April 2017, Church Melsen (Belgium)
Instrument: replica (by Chris Maene) of an original Conrad Graf (1817)
instrument from the ‘Chris Maene Museum Collection’

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Pleyel

In Silvestrov, Valentin

Valentin Silvestrov (1937): Fleeting Melodies (Pivnenko, Matiukhin)

pqpbach4 de outubro de 20264 de setembro de 20267 Comments

Busquei este CD num site russo. Continha um recado: rare digipack edition, out of print. Publisher: Rostok Records. Year: 2008. Mais recados:

… Um grande ciclo, composto por sete obras, que são executadas sem interrupção – como um texto longo. Neste trabalho, há certa analogia com o ciclo de Bach “A Arte da Fuga”. Na obra de Bach a ideia é didática. Aqui, eu poderia ter chamado meu ciclo de “A Arte da Melodia”, mas falta didática a meu ciclo, então pensei em chamá-lo de “Fleeting Melodies” ou “Melodias Passageiras”. São melodias que só existem na fronteira entre o seu aparecimento e desaparecimento…

Valentin Silvestrov

E tem razão. A música de Silvestrov canta — com ou sem componente vocal. “Ao ouvir, esta música deve soar leve e clara, distante”. A música de Silvestrov é delicada mas nada fácil de ignorar. É um sussurro muito instigante e contemporâneo. Os artistas deste disco — Bohdana Pivnenko (violino) e Valeriy Matiukhin (piano) — mostram grande compreensão do trabalho do compositor. Suas interpretações não poderias ser perfeitas e simples. E nem melhores.

A primeira e a última peça do CD são esplêndidas melodias. E as outras não são nada esquecíveis.

Valentin Silvestrov: Fleeting Melodies (2008)

1-5. Five pieces for Gidon Kremer
6-8. Three pieces for Anatoliy Bazhenov
9-11. Three pieces (2005) for Helle Mustonen
12-14. Fleeting Melodies for Olga Rexrot
15-16. Two Elegies to Eduard Edelchuk
17-19. In memory of Pyotr Tchaikovsky
20-22. Song without words to Bohdana Pivnenko

Bohdana Pivnenko, violin
Valeriy Matiukhin, piano

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PQP

In Kabalevsky, Dimitry, Khachaturian, Aram, Rachmaninov, Serguei

Kabalevsky: Cello Concerto No. 2 / Khachaturian: Cello Concerto / Rachmaninov: Vocalise (Lidstrom, Gothenburg Symph Orch, Ashkenazy)

pqpbach4 de outubro de 20262 de setembro de 20266 Comments

Infelizmente, Rostropovich não gravou este excelente concerto de Kabalevsky. Kaba prova que é um sub-Shostakovich de respeito. E o que faz este menino Lidström também é sensacional! E no Khachaturian então? O Concerto de Khatcha não é tão bom quanto o de Kaba, mas faz-lhe belo par. Anotem este nome: Mats Lidström é um grande celista. Tanto que quase consegue salvar Rachmaninov!

Ah, deixa eu contar pra vocês. O CD que ora posto tem quase o mesmo repertório que este aqui. Devia tê-los postado juntos, mas esqueci completamente…

Kabalevsky: Cello Concerto No. 2; Khachaturian: Cello Concerto; Rachmaninov: Vocalise

Cello Concerto No. 2 in C major, Op. 77 — Dmitry Kabalevsky
1. Molto sostenuto – Allegro molto e energico – Tempo 1 – attacca 10:08
2. Cadenza 1 (Tempo I Rubato – Allegro molto agitato) – attacca 1:44
3. Poco marcato – attacca 5:33
4. Cadenza 2 (L’istesso tempo – Molto sostenuto) – attacca 2:36
5. Andante con moto – Allegro agitato – Molto tranquillo 7:30

Cello Concerto in E minor — Aram Khachaturian
6. Allegro moderato 14:24
7. Andante sostenuto – attacca 7:52
8. Allegro 9:08

9. Vocalise, song for voice & piano, Op. 34/14 — Sergey Rachmaninov 6:30

Mats Lidstrom, cello
Gothenburg Symphony Orchestra
Vladimir Ashkenazy

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Mats Lidström: fodão, ao menos no violoncelo

PQP

In Glazunov, Alexander, Kabalevsky, Dimitry, Khachaturian, Aram

Kabalevsky (1904-1987): Cello Concerto No. 2 Op. 77 / Khachaturian (1903-1978): Cello Concerto / Glazunov (1865-1936): Chant du Menestrel Op. 71 (Wallfisch, London Philh Orch, Thompson)

pqpbach3 de outubro de 20262 de setembro de 20264 Comments

Aí você tem uma raridade. Os concertos para Violoncelo e Orquestra de Kabalevsky e Khatchaturian são bastante divulgados na Europa oriental, mas aqui raramente — ou nunca — fazem parte do repertório das orquestras. Uma pena, pois trata-se de boa e divertida música. Eu curto muito estas obras — refiro-me às de Kabalevsky e Khachaturian — que daqui alguns dias reaparecerão aqui no PQP com outros intérpretes. O Glazunov apenas serve para completar o disco.

Kabalevsky: Cello Concerto No. 2 Op. 77 /
Khachaturian: Cello Concerto /
Glazunov: Chant du Menestrel Op. 71

Dmitry Kabalesky (1904-1978)
Cello Concerto No.2 Op.77
1. Cello Concerto No. 2, Op. 77: I. Molto sostenuto – Allegro molto e energico
2. Cello Concerto No. 2, Op. 77: II. Presto marcato
3. Cello Concerto No. 2, Op. 77: III. Andante con molto

Alexander Glazunov (1865-1936)
4. Chant du Ménestrel for Cello and Orchestra Op.71

Aram Khachaturian (1903-1987)
Cello Concerto
5. Cello Concerto: I. Allegro moderato
6. Cello Concerto: II. Andante sostenuto
7. Cello Concerto: III. Allegro (a battuta)

Raphael Wallfisch
London Philharmonic Orchestra
Bryden Thompson

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Kabalevsky ensina ao celista Samuel Mayes o que ele deve fazer para ser feliz (foto de 1961)

PQP

In Piazzolla, Astor

Astor Piazzolla (1921-1992): Piazzolla and Beyond (London Concertante)

pqpbach3 de outubro de 20262 de setembro de 20261 Comment

Um CD low profile de Piazzolla e de alguns compositores ingleses que se arriscaram no tango. O grande destaque é a London Concertante, conjunto semiclássico que desconhecia e que dá uma boa demonstração de competência — clássica, jazzística e tangueira. Depois de um Libertango bastante apaixonado, as outras peças são interpretadas com delicadeza algo rara nos grupos vizinhos (argentinos). Eu adorei. Surpreendentemente, é um CD da Harmonia Mundi, o que mostra que o mundo se move em direções inesperadas. A ECM vai para o clássico, a HM para o tango, o Inter para a Série B e nós vamos vivendo de amor. Eu achei a peça de David Gordon, Augmented Tango de extrema sensualidade. Até tasquei uns beijos de língua na patroa. Um inglês escrever uma peça que parece um tango moderno e que este entusiasme um habitante do Rio Grande do Sul é a prova de que o ponto de umbanda norte-coreano ainda dominará o mundo.

Piazzolla and Beyond – London Concertante

01 astor piazzolla-libertango 04:56
02 astor piazzolla-angel suite 07:53
03 astor piazzolla-decarissimo 04:21
04 david gordon-augmented tango 07:09
05 adam summerhayes-when churchyards yawn 03:59
06 astor piazzolla-soledad 04:43
07 astor piazzolla-michelangelo 70 03:02
08 david gordon and adam summerhayes-milonga bourgeois 05:06
09 astor piazzolla-invierno porteno 05:20
10 adam summerhayes-el desposiedo 05:32

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Vote no Lula amanhã e não esqueça da importância do Senado.

PQP

In Mozart, Wolfgang Amadeus

W. A. Mozart (1756-1791): Eine Kleine Nachtmusik. K. 525 / Quartetos de Cordas L. 168 e 465 (Dissonâncias) (Brandis Quartett & Rainer Zepperitz)

pqpbach2 de outubro de 20261 de setembro de 2026Leave a comment

O Brandis Quartett foi formado por membros da Filarmônica de Berlim. Suas interpretações combinavam a poderosa tradição da orquestra com uma liberdade e alegria que muitas vezes faltavam às gravações mais solenes sob Karajan. O álbum apresenta um programa curioso, saltando do popularíssimo ao mais denso. A Serenata para Cordas, K. 525 (“Eine kleine Nachtmusik”) é a peça mais popular de Mozart para conjunto de cordas. A versão do Brandis Quartett, com a adição do contrabaixista Rainer Zepperitz, cria uma sonoridade que se aproxima de uma pequena orquestra de câmara . É uma abordagem historicamente fundamentada, já que os editores da New Mozart Edition apontam que mesmo um quarteto ou quinteto pode realizar a obra. O Quarteto de Cordas, K. 168 é uma obra mais “clássica” e menos conhecida, que serve como um interessante contraponto às outras peças do disco. Já o Quarteto de Cordas, K. 465 (“Dissonâncias”) é o ponto alto do programa. O apelido vem do famoso Adagio inicial, cujas harmonias ousadas e cromáticas parecem antecipar a inquietação harmônica do Romantismo. A forma como o quarteto aborda essa introdução, com vibrato denso e um som “sombrio”, é o momento mais poderoso do disco.

O som do Brandis é inconfundível: polido, intenso e caloroso. A crítica especializada destaca a força da execução, especialmente nos movimentos mais rápidos, moldados por frases amplas e sem firulas, e a beleza do Trio, tocado com uma intensidade que o torna inesquecível. A adição do contrabaixo de Rainer Zepperitz é um detalhe que enriquece a textura sonora da Eine kleine Nachtmusik, conferindo-lhe maior peso e corpo.

Este disco é uma excelente amostra da arte do Brandis Quartett. A execução da “Dissonâncias” é particularmente notável, revelando o lado mais ousado e profético de Mozart. Contudo, para os ouvintes que preferem uma abordagem mais leve e transparente, com vibrato mais contido, as gravações em instrumentos de época, como as do Mosaïques Quartet, podem soar mais próximas do ideal. O que não diminui o brilho e a autoridade desta gravação, um documento valioso da tradição musical berlinense aplicada ao repertório de câmara mozartiano.

W. A. Mozart (1756-1791): Eine Kleine Nachtmusik. K. 525 / Quartetos de Cordas L. 168 e 465 (Dissonâncias) (Brandis Quartett & Rainer Zepperitz)

1 Serenade in G Major, K. 525 “Eine kleine Nachtmusik”: I. Allegro 05:35
2 Serenade in G Major, K. 525 “Eine kleine Nachtmusik”: II. Romance Andante 05:22
3 Serenade in G Major, K. 525 “Eine kleine Nachtmusik”: III. Menuetto & Trio Allegretto 02:11
4 Serenade in G Major, K. 525 “Eine kleine Nachtmusik”: IV. Rondo Allegro 04:05

5 String Quartet No. 8 in F Major, K. 168: I. Allegro 04:58
6 String Quartet No. 8 in F Major, K. 168: II. Andante 05:06
7 String Quartet No. 8 in F Major, K. 168: III. Menuetto & Trio 02:41
8 String Quartet No. 8 in F Major, K. 168: IV. Allegro 02:05

9 String Quartet No. 19 in C Major, K. 465 “Dissonance”: I. Adagio – Allegro 10:32
10 String Quartet No. 19 in C Major, K. 465 “Dissonance”: II. Andante cantabile 07:30
11 String Quartet No. 19 in C Major, K. 465 “Dissonance”: III. Menuet & Trio: Allegretto 04:59
12 String Quartet No. 19 in C Major, K. 465 “Dissonance”: IV. Allegro Molto 07:24

Brandis Quartett & Rainer Zepperitz

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Este foi Thomas Brandis (1935-2017), grande spalla da Filarmônica de Berlim. Ele jamais votaria num candidato da direita — não era burro! Vote em Lula domingo e não esqueça da importância do Senado!

PQP

In Stravinsky, Igor

Igor Stravinsky (1882 – 1971): Le Baiser de la fée & Scènes de ballet – BBC Scottish Symphony Orchestra & Ilan Volkov [Hyperion] ֎

René Denon1 de outubro de 202628 de agosto de 2026Leave a comment

A música de Tchaikovsky é mais profundamente russa do que a música que há muito tem recebido o rótulo simplista de ser pitorescamente moscovita.

I. Stravinsky

Strava ocupado revisando o texto da postagem…

Em 1921, Serge Diaghilev estava planejando a primeira produção no ocidente de ‘A Bela Adormecida’, balé com música de Tchaikovsky, e é bem possível que tenha pedido a Stravinsky para orquestrar algumas peças que haviam sido cortadas da versão do score de que ele dispunha. Pasmem, não havia internet naqueles dias, muito menos IA. Igor-Língua de Trapo-Stravinsky, que costumava fustigar vários de seus colegas compositores, mortos ou vivos, conterrâneos ou não, louvou a simplicidade da música de Tchaikovsky, sua veia melódica e o grande poder criativo evidente em sua música para o balé ‘A Bela Adormecida’.

Alguns anos depois, por sugestão de Alexander Benois, pintor que trabalhara com Diaghilev, Stravinsky compôs a música para um balé a ser apresentado no verão europeu de 1928 pela companhia de Ida Rubinstein. A escolha caiu sobre uma história de Hans Andersen, A Donzela de Gelo, em óbvia ressonância com Tchaikovsky. O que parecia uma tarefa simples, tornou-se uma fonte que despertou a criatividade de Stravinsky, produzindo um balé que lembra Tchaikovsky, mas que é verdadeiramente Stravinsky. Eu adoro o tema logo no início do segundo quadro, sempre que ouço essa parte, ele gruda em meus ouvidos por bastante tempo.

A outra obra do disco é música composta em 1944 para um empresário da Broadway, Billy Rose, e faria parte como dança clássica do show ‘The Seven Lively Arts’. Ele queria uma versão curta do segundo ato de Giselle. O primeiro compositor a ser consultado para o trabalho foi Kurt Weill, que não aceitou, passando a empreitada para o Strava, que era do ramo (Apollo, Jeux de cartes) e bem sensível a moedas sonantes. O resultado está aí, 15 minutos de música para balé com base em regras clássicas e sem intenção de drama, mas com aquele abertura dramática, a la Stravinsky!

Igor Stravinsky (1882 – 1971)

Le Baiser De La Fée (42:25)

First Scene (Prologue) Lullaby In The Storm: Andante
Second Scene A Village Fete: Tempo Giusto
Third Scene At The Mill – Pas De Deux: Moderato
Fourth Scene (Epilogue) Lullaby In The Land Of Eternity: L’istesso Tempo

Scène De Ballet (16:08)

Introduction: Andante
Danses Corps De Ballet: Moderato
Variation Ballerina: L’istesso Tempo
Pantomime: Lento
Pas De Deux: Adagio
Pantomime: Agitato Ma Tempo Giusto
Variation Dancer: Risoluto
Variation Ballerina: Andantino
Pantomime: Andantino
Danses Corps De Ballet: Con Moto
Apothéose: Poco Meno Mosso

Orchestra – BBC Scottish Symphony Orchestra

Conductor – Ilan Volkov

Producer [Recording Producer] – Andrew Keener

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

MP3 | 320 KBPS | 143 MB

Link para a plataforma [Qobuz]

Link para a plataforma [Tidal]

O disco é um primor, com produção geral de Andrew Keener e todos os acabamentos primorosos que a Hyperion oferece em cada um de seus lançamentos. O libreto, cuidadosamente escrito e muito bem ilustrado (veja a linda capa, no alto da postagem) com muita informação, está no site do selo e também nos arquivos da postagem.

A crítica do Classics Today é bastante favorável: Ilan Volkov’s first disc of the less-usual Stravinsky ballets was excellent, and so is this one. [… Há um outro disco do selo Hyperion com música para balé, de Stravinsky, pelo mesmo conjunto.] The BBC Scottish Symphony plays both works with elegance and panache. Solo winds relish their many opportunities to shine, and rhythms, particularly in Scènes de ballet, are appropriately clean without ever turning dry.

The Fairy’s Kiss, based on Tchaikovsky, is a tricky piece to play well; you need to capture something of the older Russian composer’s lyrical juice while remaining mindful of the younger man’s emotional coolness and ironic sense of distance. Volkov walks the tightrope very well; the music sings and flows, but never wallows. Fine sonics complement the performances, making this release easily recommendable.

Fácilmente recomendável, pois é ótimo disco…

Aproveite!

René Denon

Ilustração oferecida pela incansável equipe de artes da PQP Bach Publishing House para a postagem…

In Saariaho, Kaija

Kaija Saariaho (1952-2023): Notes on Light, Orion, Mirage (Kartunnen, Mattila, Eschenbach, Orchestre de l’Opéra de Paris)

admin1 de outubro de 202629 de setembro de 20268 Comments

“Finalmente”, alguém dirá, “algo novo nessas plagas”. É verdade, as composições são bem recentes e escritas pela compositora finlandesa Kaija Saariaho, considerada uma das mais importantes compositoras do momento. Nascida em Helsink em 1952 e graduada em composição em 1980. Escreveu música eletrônica nos anos 1980 como ninguém, fazendo também uma mistura com instrumentos clássicos. Ela tem sido muito bem recebida pelo público, apesar dela não fazer concessões. Sua música lembra muito o som “New Age”, mas claro, muito superior.

A primeira obra do disco é um concerto para violoncelo chamado Notes on Light (2006). O concerto tem 5 movimentos, cada um com um título inusitado: “ secret translucent”, “on fire”, “awakening”, “eclipse” e “heart of light”. Apesar de não conter nada realmente surpreendente em sua linguagem, essa peça é muito bem escrita, transportando-nos para um outro mundo. Orion é uma obra orquestral escrita por alguém com grande domínio e talento.

Mas a melhor peça do disco é Mirage (2008) para soprano, violoncelo e orquestra. Karita Mattila é realmente uma das mais importantes sopranos de todos os tempos, e aqui ela simplesmente brilha. Só esta peça já vale a compra deste disco.

Enfim, não podemos ficar tão pessimistas assim com relação à música da nossa época.

CDF

Disco:

1. Notes On Light – Translucent, Secret
2. Notes On Light – On Fire
3. Notes On Light – Awakening
4. Notes On Light – Eclipse
5. Notes On Light – Heart Of Light
6. Orion – Memento Mori
7. Orion – Winter Sky
8. Orion – Hunter
9. Mirage

Anssi Kartunnen (cello)
Karita Mattila (soprano)
Christoph Eschenbach (Conductor)
Orchestre de l’Opéra de Paris

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Saariaho jamais votaria num burro e machista como Flávio Bolsonaro

CDF