E começo pelo prodígio Lili Boulanger, que faleceu precocemente aos 24 anos, mas não sem, aos 19, simplesmente abocanhar o Prêmio de Roma, o mais cobiçado concurso de composição da Europa. Em outro post sobre ela, o colega fdp mencionou, muito a propósito: “Lili Boulanger viveu pouco, porém intensamente, e era a irmã mais nova de Nadia Boulanger, também compositora e professora de piano e composição. Morreu com apenas 24 anos de idade, porém mesmo assim influenciou diversos compositores que vieram a se destacar no século XX, como Arthur Honneger.”
Esta obra que aqui apresento, Faust et Hèléne, é justamente a obra que a fez ganhar o Prêmio, e impressionou até mesmo críticos ácidos como Debussy, que na época escrevia crítica musical em Paris. É impressionante. Formal e criativamente, uma obra densa, povoada por ideias musicais brilhantes, e sobretudo por uma visão apaixonada do assunto, só que pelo lado feminino, coisa que na música infelizmente não estamos acostumados. Poderíamos, a título de comparação, pensar: “como seria musicalmente descrito o amor de Tristão por Isolda se ele fosse composto por uma mulher?”. Bem, salvaguardadas as devidas proporções, este é um belo exemplo.
As demais peças são puro deleite, pequenos poemas orquestrais de avassaladora intimidade, e dois salmos inspiradíssimos, que revelam um talento incomum, cuja distinção não passa despercebida por ninguém. Cuidado: pode ser paixão à primeira vista.
Lili Boulanger (1893-1918)
Psalm 24, “La terre appartient a l’Eternel”
Faust et Hèléne
D’un soir triste
D’un matin de printemps
Psalm 130, “Du fond de l’abime”
Lynne Dawson, soprano
Ann Murray, mezzo-soprano
Bonaventura Bottone, tenor
Neil MacKenzie, tenor
Jason Howard, bass
City of Birmingham Symphony Chorus
BBC Philharmonic
Yan Pascal Tortelier
CHANDOS, 1999
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Arquivo FLAC (sem perda de qualidade), 310Mb
CHUCRUTEN
IM-PER-DÍ-VEL !!!
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Um excelente disco que inclui até algumas world premières de Sibelius. O finlandês Osmo Vänskä, chefe de orquestra na pequena Lahti, no sul da Finlândia, perto de Helsinque, é um maestro de primeira linha e, bem estamos 100% entre finlandeses. E eles demonstram que sabem o que fazem com seu conterrâneo. É o sotaque de Sibelius, sem tirar nem por. Não adianta, se o país de origem do compositor tiver grandes músicos, boa parte das melhores gravações dos caras sairão de lá. Ainda mais se forem compositores que não entraram ou que estão ainda chegando ao ícone. Infelizmente, não encontrei o nome das notáveis cantoras da faixa 8. Ah, e Faixas 1, 5 e 6 são World Première Recordings.
Por favor, não olhe para a capa ao lado. Sua feiura é a antítese de Mravinsky! Mas também a qualidade do som é a antítese do finíssimo maestro da lendária orquestra de Leningrado. O CD vale (e muito) pela concepção dadas as obras. Mravinsky (1903-1988) foi um sábio. Sob comando de Mravinsky, a Orquestra Filarmônica de Leningrado ganhou justa reputação internacional, particularmente interpretando a música russa. Ele foi o campeão indiscutível de Tchaikovsky e Shostakovich. Tudo com sotaque russo. Durante a Segunda Guerra Mundial, Mravinsky e a orquestra foram evacuados para a Sibéria. Tudo para manter a orquestra. Entre as interpretações lendárias de Mravinsky estão seis sinfonias de Dmitri Shostakovich: a Sinfonia n.º 5, Sinfonia n.º 6, Sinfonia n.º 8, Sinfonia n.º 9, Sinfonia n.º 10 e Sinfonia n.º 12. Tais sinfonias foram estreadas por ele, OK? Mravinsky fez gravações de estúdio entre o período de 1938 a 1961. Suas gravações após 1961 foram feitas em concertos ao vivo. A sua última gravação aconteceu em abril de 1984, interpretando a Sinfonia n.º 12 de Dmitri Shostakovich. Na 13ª de Shosta há uma história muito feia e quem saiu com a imagem maculada foi o estado russo e Mravinsky. Já Shosta, Kondrashin e Yevtushenko saíram como heróis. Mas hoje é dia de celebrar o velho Mrav.
Ernest Chausson é um compositor que deveria fazer parte de nosso dia-a-dia musical. Considerando a música pós-romântica francesa, que tiveram nomes como D’Indy, Fauré, Pierné, Dukas e Duparc, a sua obra se destaca como uma das mais bem acabadas, de um refinada arquitetura e um discurso musical límpido, avesso à prolixidade.
IM-PER-DÍ-VEL !!!
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Hoje, 4 de março, é (tradicionalmente) o dia de nascimento de Vivaldi. Eu não ponho minha mão no fogo sobre a precisão dos registros de 1678, mas parece certo que foi este dia mesmo.
Tenho imensa relação afetiva com esta sinfonia de Bruckner. Quando meus filhos eram pequenos, eles enlouqueciam com o Scherzo da mesma, pulando pela sala ao ritmo frenético de um dos temas. Este ano, vi Andris Nelsons reger esta obra em Londres. E ele, tão contido e competente, pulava naquele trecho como minhas crianças. A versão de Mravinsky e de sua extraordinária orquestra — atual Orquestra Filarmônica de São Petersburgo, sob a direção de Yuri Temirkanov — é muito boa, mas perde para Nelsons, que conhece muito mais música alemã do que o russo. Deixemos Mravinsky para os russos e eslavos em geral. Este Bruckner tem certo sabor de Tchaikovsky… Mas não pensem que é uma versão a ser descartada. É que Wand, Celibidache e outros fizeram melhor.
Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (Cremona, 9 de maio de 1567 — Veneza, 29 de novembro de 1643) foi um compositor, maestro, cantor e gambista italiano. Desenvolveu sua carreira trabalhando como músico da corte do duque Vincenzo I Gonzaga em Mântua, e depois assumindo a direção musical da Basílica de São Marcos em Veneza, destacando-se como compositor de madrigais e óperas. Foi um dos responsáveis pela passagem da tradição polifônica do Renascimento — ver postagem anterior, de Palestrina — para um estilo mais livre, dramático e dissonante, baseado na monodia e nas convenções do baixo contínuo e da harmonia vertical, que se tornaram as características centrais da música dos períodos seguintes, o Maneirismo e o Barroco. Monteverdi é considerado o último grande madrigalista, certamente o maior compositor italiano de sua geração, um dos grandes operistas de todos os tempos e uma das personalidades mais influentes de toda a história da música do ocidente. Sua elevada estatura musical deriva de ter empregado recursos existentes com uma força e eficiência sem paralelos em sua geração, e integrado diferentes práticas e estilos em uma obra pessoal rica, variada e muito expressiva, que continua a ter um apelo direto para o mundo contemporâneo ainda que ele não seja exatamente um compositor popular nos dias de hoje.
IM-PER-DÍ-VEL !!!
uonnotar (The Spirit of Nature), tone poem for voice & orchestra, Op. 70 
Este ano Rossini não faz aniversário, porque o sortudo nasceu num dia 29 de fevereiro. Por isso, temos que contornar este pequeno ajuste do calendário Gregoriano, postando uma homenagem no dia seguinte ao dia que não houve (?). Ah, meu Santo Agostinho, que coisa louca é o Tempo!