Existem dezenas, talvez centenas de gravações do Concerto para Violino, op. 35, de Tchaikovsky. Aqui mesmo no PQP já devem ter sido postadas pelo menos uma meia dúzia delas (ou estarei enganado? Alguém se proporia a contar?).Meus intérpretes para estes concertos são David Oistrakh, Jascha Heifetz, Viktoria Mullova. Mullova? Digamos que esta gravação da russa com o Ozawa esteja nesta lista por motivos particulares.
A vida de Anne-Sophie Mutter é conhecida: menina prodígio, aos 14 anos de idade já estreava no mundo das gravações ao lado de ninguém menos que Karajan, que a apresentou ao mundo num LP com Concertos de Mozart gravados pela poderosa gravadora Deutsche Grammophon. Realizou diversas gravações com o velho Kaiser, inclusive do próprio concerto de Tchaikovsky, isso tudo antes de completar 20 anos de idade.
Não entrarei no mérito da qualidade destas interpretações de juventude, algumas delas sensacionais, com certeza, como seu Brahms, tocado com uma maturidade e competência invejáveis. Não lembro de ter ouvido seu Tchaikovsky de juventude, talvez influenciado pela Mullova, sua grande “rival”, pelo menos no meu ranking. Até fiz uma brincadeira há alguns anos atrás colocando gravações das sonatas de Brahms com as duas, para deixar nas mãos dos senhores a escolha do “quem é a melhor”.
Mas o tempo passa, o tempo voa. A maturidade chega, e talvez por cláusulas contratuais, sei lá, ela resolve gravar novamente o op. 35 de Tchaikovsky. Desta vez, acompanhada do maridão, o excelente regente Andre Previn. O contraste é claro: a bela Mutter, que, apesar de já estar chegando nos 50 anos continua muito bonita e charmosa, e o velho Previn, já adentrado nos seus setenta e poucos anos, mas sempre grande galanteador, lembrando que ele foi o primeiro marido da atriz Mia Farrow, isso nos idos do início dos anos 70. Talvez por este motivo resolveram gravar este CD juntos, sabe como é, o amor é lindo, né? Dois concertos românticos, que curiosamente tem o mesmo opus, 35, e escritos na mesma tonalidade de Ré maior.
Ok. Mas por que acho que a química entre os dois não funciona? Sei lá,entende? Não dá liga, Mutter às vezes toca de forma tão mecânica que deixa de lado toda a força dramática da obra, e para piorar Previn torna a grande Sinfônica de Londres uma orquestra burocrática, também sem emoção, sem apelo. Vi um documentário certa vez com uma aula magna do Maxim Vengerov em que ele explicava para um “aluno” que para tocar Tchaikovsky o músico tem de suar sangue, tem de chegar no final da interpretação tão extenuado que mal consegue se manter em pé, tamanha a entrega que ele tem de fazer na execução da obra. Mutter, quem diria, minha musa inspiradora, a violinista que me inspira já há mais de 30 anos não conseguiu me comover desta vez. Será que a idade está chegando e FDPBach está se tornando um chato que exige cada vez mais de si mesmo para encontrar um nível que talvez nunca mais seja atingido? Afinal suas gravações favoritas destas obras (Oistrakh e Heifetz) foram realizadas há mais de cinquenta anos atrás… o que falta? É pouco provável que surjam novamente músicos do nível destes dois gigantes citados acima, reconheço, mas como diria a velha frase dos guevaristas, “hay que endurecer, pero sin perder la ternura jamás”. Mutter, nesta gravação, realizada ao vivo, por sinal, endureceu sim porém perdeu a ternura. Talvez a explicação seja esse comentário seu que consta na contracapa do CD: “Performing contemporary music has added immeasurably to the way I play Tchaikovsky´s concerto”.
Curiosamente, no Concerto de Korngold reencontro a Mutter que conheço há tanto tempo. É comovente ouvi-la tocar o magnífico primeiro movimento deste concerto único. Vá entender. E sempre acompanhada do maridão e da LSO. Heifetz era um gênio, sem dúvidas, mas segundo testemunhos, sempre acabava virando um showman, exagerando no virtuosismo. Mutter aqui, ao contrário, exibe o virtuosismo de sempre e faz seu Stradivarius chorar, assim como também faz fraquejar e apertar o coração deste chato de galocha que vos entedia com tantas considerações inúteis e lhes impede de apreciar a mais bela e talentosa violinista de sua geração.
Me perdoa por te traíres, Viktoria Mullova.
Piotr Illyich Tchaikovsky – Violin Concerto in D Major,op. 35, Erich Wolfgang Korngold – Concerto for Violin & Orchestra in D Major, op. 35
01. Tchaikovsky Concerto for Violin and Orchestra in D major, op.35 – I. Allegro moderato
02. Tchaikovsky Concerto for Violin and Orchestra in D major, op.35 – II. Canzoneta. Andante- attacca
03. Tchaikovsky Concerto for Violin and Orchestra in D major, op.35 – III. Finale. Allegro vivacissimo
04. Korngold Concerto for Violin and Orchestra in D major, op.35 – I. Moderato nobile
05. Korngold Concerto for Violin and Orchestra in D major, op.35 – II. Romance. Andante
06. Korngold Concerto for Violin and Orchestra in D major, op.35 – III. Finale. Allegro assai vivace
Anne-Sophie Mutter – Violin
London Symphony Orchestra
Andre Previn – Conductor
Pois é. Gostei mais das interpretações deste Kitajenko, nascido em Leningrado, para obras de Rimsky-Korsakov, do que das de Karajan recém postadas. Bergen, Berlin; Berlim, Bergen. Bergen é humilde perto de Berlim — a qual pulsa cultura por todos os seus poros (pulsa pelos poros, francamente…). Segunda maior cidade da Noruega, Bergen abriga 250 mil almas congeladas. É uma belíssima cidade litorânea e deve ter inspirado a luminosa gravação da Grande Páscoa Russa, obra da absoluta preferência deste que vos escreve. O Concerto para Piano em um movimento também é bastante bom. Um disco bem legal com peças raramente gravadas.
Eu gosto muito de Sherazade, a princesa que precisava divertir para não morrer, mas não apenas pelas 1001 noites, também pela música de Rimsky-Korsakov. O russo era um grande compositor e arranjador. E von Karajan faz-lhe justiça. Talvez alguns achem os andamentos um pouco arrastados — eu mesmo acho — , mas é indiscutível a qualidade e a grandiosidade da regência. E os solos de violino são belíssimos! Ele e sua modesta Filarmônica também vão bem no Capricho Italiano, cujo final parece ter uma mola que nos obriga a aplaudi-lo mesmo sozinho em casa.
Carlos Gomes alterou o nome original da ópera de Condor para Odaléa, tendo em vista possíveis apresentações na França, onde o nome do protagonista criaria um terrível cacófato com “con d’or” (ou cone de ouro, o apelido que se dava à região pubiana feminina, eufemizando aqui o termo)…
Odalea/Condor (1891)
Ao mesmo tempo, as preferências, em dez anos, mudavam na Itália: os compositores da geração de Carlos Gomes eram preteridos pelos da Giovane Scuola (os veristas). Autores como Gomes, que estavam na transição entre o Romantismo tradicional e o Verismo encontravam dificuldades para encenar suas óperas. Pese nisso o tempo no qual Gomes não produziu nenhuma peça, o que contribuiu para a perda de visibilidade na cena artística de então.
Acabou… This is The End…Ces´t fini… that´s all folks… aqui está o sétimo CD, com os impressionantes op. 132 e 135… para seu deleite e prazer. Monumentos da literatura musical, obras primas absolutas, nem vou chover no molhado. Nem para comentar a interpretação do Amadeus Quartet. Não serei mais tão óbvio, como alguém comentou dia destes. Ah, nem irei reclamar da internet vagabunda que tenho. Isso tudo os senhores já estão carecas de saber.O que realmente importa aqui é a música de Ludwig. Atemporal, com certeza, sendo o menos redundante e óbvio possível.
Hoje é o aniversário de Niza de Castro Tank e, embora as mulheres odeiem que se diga a idade, aviso que 
Desde hoje cedo, encontrava-me com um desejo enorme de ouvir a Quinta Sinfonia de Mahler. Uma disposição quase que espiritual, fez-me desejar ouvir aquele turbilhão trágico. Aquela carga espiritual e nietzscheniana. Aquele engolfamento de desespero. De profunda cartase filósofica. As minhas sinapses desejaram como nunca a Quinta de Mahler. Enquanto estava no metrô, pensava nela. Ao caminhar para o trabalho nas ruas de Brasília, assobiava o primeiro movimento, as cenas iniciais, que surgem como borrascas avassaladoras. Solfejava aquele som de onda tempestuosa. A poderosa marcha fúnebre que fala mais do homem do que qualquer tese de filosofia. Mahler é assim. Pega-nos por completo. Leva-nos ao chão, com aquela sensação de que já não somos mais os mesmos. Hoje, almocei com um colega professor. Conversamos sobre religião, ateísmo, filosofia, Dawkins, a natureza e o sentido da vida. Parece muita pretensão, mas esses são temas que sempre me pertubam. E, neste instante, chego à conclusão de que o anseio por Mahler, porque hoje eu estou aberto às grandes reflexões. Li ainda pouco um texto do
Se você é fã do compositor argentino, bon appetit; senão, se aventure a descobrir o universo sonoro do criador do Tango novo, impregnado de batidas fortes, bem marcadas, em compasso quaternário e andamento marcial ou mais vivo, reforçadas com acordes graves e violentos no piano, glissandos súbitos das cordas e um ríspido reco-reco, e fixadas na memória com melodias da melhor e mais peculiar emotividade exacerbada portenha. Não à toa, a primeira música do CD é Adiós Nonino, que reúne todas essas características, mas todo o disco, exceto a melancólica Oblivion, carrega o Piazzolla aqui descrito fugazmente.
Sergei Taneyev compôs sua última obra orquestral, a Suite Concerto para Violino e Orquestra, em 1909. Embora inspirado na era barroca, ele não deixa de dar a impressão de um imenso concerto para violino. Profundamente romântico — considere-se que ele era um discípulo de Tchaikovsky –, o trabalho começa com um curioso prelúdio ao estilo de Bach para depois tornar-se um conto de fadas.
Editor`s Choice da Gramophone, bom regente, excelente orquestra, Taneyev e Rimsky-Korsakov fazem um CD que não poderia ser mais russo. Bom disco, de música séria e consistente. Como Taneyev é o mais desconhecido — ah, mais um compositor inédito no blog! — , copio aqui uma nota biográfica do moço 
Às vezes, a gente ainda inclui um novo compositor nas categorias do blog… Estudante de Antonín Dvořák, Josef Suk casou-se com uma de suas filhas. Foi gradualmente se afastando da influência musical de seu sogro e evoluiu para uma linguagem musical mui discretamente moderna. Compôs principalmente música sinfônica, com influências da música popular, como era típico da tradição que vem com o checo Bedřich Smetana. Ele compôs duas óperas, duas sinfonias, três poemas sinfônicos, duas aberturas e música de câmara.
Já peço desculpas aos ouvintes ávidos das óperas de Antonio Carlos Gomes que estamos postando todas as quintas. Sei que há gente esperando de madrugada para logo obter os arquivos, mas alguns problemas técnicos impediram de colocar no ar esta bela Maria Tudor nas primeiras horas deste 1º de março. Mas a ópera chegou, com algumas horas de atraso e lá se foi metade deste dia… Paciência, agora ela aí está para o deleite de vocês.
Para além disso, Carlos Gomes escolheu uma peça difícil para musicar: o drama de Victor Hugo sobre a rainha inglesa Maria Tudor lhe tomou muito mais tempo do que ele previa. Gomes apostou, acertadamente, no prestígio que o famoso escritor francês detinha na Itália, mas a necessidade de reescrever o libreto já existente do romance impossibilitou que seu parceiro Ghislanzoni o fizesse (por questões de ética, um libretista não sobrescrevia a obra de outro). Parecia que tudo conspirava contra naquele momento: Gomes contratou o poeta Emilio Praga, mas este estava envolvido também em uma separação litigiosa, teve depressão, problemas com álcool e drogas e acabou falecendo antes mesmo de concluir o texto, que teve de ser completado por Angelo Zanardini e Ferdinando Fontana, tornando o libreto entregue a Gomes um tanto “remendado”. a História, ainda assim, era ótima e renderia uma grande ópera:
Os livros de Nikolaus Harnoncourt devem ser lidos por todos que queiram entender a música barroca e o classissismo. 
Se você entrou no P.Q.P.Bach algumas vezes hoje, vai ver que o post foi mudando, foi crescendo. Ele já havia ido ao ar quando pude acrescentar o texto. Coisas que acontecem depois do carnaval, quando colocamos a vida em ordem…
Uma coisa que me dá uma ponta de ânimo é ver que, mesmo havendo poucas execuções e gravações da obra de Nhô Tonico, elas vêm ocorrendo com uma frequência maior de uns 15 anos pra cá, muito por conta das comemorações do centenário de falecimento do compositor, em 1996, que ajudaram a tirar um pouco a poeira que há tempos vinha cobrindo e obscurecendo sua belíssima obra: tivemos aí as gravações búlgaro-brasileiras d’O Guarani, Maria Tudor, Fosca e duas desta Salvator Rosa, ambas italanas, além da restauração das partituras e montagem da nunca gravada Joanna de Flandres (e, pouco antes, a montagem de Neshling com Plácido Domingo para O Guarani). Ainda é pouco, se compararmos com nomes grandes, como Verdi, Wagner ou Puccini, mas há pequenos avanços e ver que as montagens foram feitas no exterior dá-me o conforto de perceber que o nome de Antonio Carlos Gomes tem recebido um pouco mais do merecido reconhecimento que lhe é devido, afinal, em seu tempo era o segundo operista mais executado e assistido na Itália, atrás somente de Verdi, que reinava absoluto no cenário operístico de então.