The Ink Spots Grandes sucessos dos anos 40 É só ouvir e sair dançando!
The Ink Spots foi um grupo vocal americano popular nos anos 1930 e 1940. Sua música levou aos gêneros musicais “rhythm and blues” e “rock and roll”, e ao subgênero “doo-wop”. O grupo foi amplamente aceito em ambas as comunidades brancas e pretas, em grande parte devido ao estilo balada apresentado ao grupo pelo vocalista Bill Kenny. O grupo foi incluido no Hall da Fama do Rock & Roll em 1989. Desde que os The Ink Spots se desfizeram em 1954, houve mais de 100 grupos vocais que se autodenominam “Ink Spots” sem qualquer direito ao nome, e sem quaisquer membros originais do grupo. Estes grupos geralmente se apresentam como sendo uma “segunda geração” ou The Ink Spots “terceira geração”. Muitos desses grupos ainda estão em turnê atualmente.
Apresentamos aqui 25 genuínos sucessos do The Ink Spots, todos gravados nos anos 40 e que estiveram incluídos na lista das músicas mais vendidas nos Estados Unidos.
Palhinha: ouça: 17. We Three (My Echo, My Shadow and Me)
The Ink Spots 01. The Best Things In Life Are Free 02. A Lovely Way to Spend an Evening 03. Java Jive 04. The Gypsy 05. Ev’ry Night About This Time 06. I’m Getting Sentimental Over You 07. When the Swallows Come Back to Capistrano 08. Memories of You 09. My Prayer 10. I Don’t Want to Set the World On Fire 11. I’m Making Believe 12. Maybe 13. Don’t Get Around Much Anymore 14. I’m Begining to See the Light 15. I’ll Never Smile Again 16. Someone’s Rocking My Dream Boat 17. We Three (My Echo, My Shadow and Me) 18. You’re Breaking My Heart All Over Again 19. If I Didn’t Care 20. Address Unknown 21. Stop Pretending 22. I’ll Get By (As Long As I Have You) 23. (That’s Just My Way Of) Forgetting You 24. Whispering Grass (Don’t Tell The Trees) 25. Into Each Life Some Rain Must Fall
Na minha opinião, os seis quartetos de cordas de Bartók formam a maior obra composta no século XX, como já disse muitas vezes. Sempre que uma versão passa na minha frente, pego e reouço… Eles são, sem dúvida, a contribuição mais importante para o gênero após Beethoven, e servem não somente como modelo de beleza e equilíbrio mas traçam melhor a evolução Bartók como compositor do que qualquer outro grupo de suas obras. Claro, já existe um extraordinário acervo de boas gravações. Desde a época do LP, já tínhamos o Fine Arts e o Végh esmerilhando. Depois vieram as maravilhosas versões digitais dos Takács (de quase 20 anos), do Alban Berg, Tokyo e Emerson. Dado esse considerabilíssimo pedigree, é um enorme elogio ao Heath Quartet o de colocá-lo ao lado destes sensacionais conjuntos. O quarteto inglês de Oliver Heath não é mole.
A gurizada do Heath
Béla Bartók (1881-1945): Os Quartetos de Cordas
1 String Quartet No. 1, Sz. 40: I. Lento 09:06
2 String Quartet No. 1, Sz. 40: II. Allegretto. Introduzione 10:07
3 String Quartet No. 1, Sz. 40: III. Allegro vivace 10:20
4 String Quartet No. 3, Sz. 85: I. Prima parte. Moderato 04:45
5 String Quartet No. 3, Sz. 85: II. Seconda parte. Allegro 05:34
6 String Quartet No. 3, Sz. 85: III. Recapitulazione della prima parte. Moderato 02:55
7 String Quartet No. 3, Sz. 85: IV. Coda. Allegro molto 02:20
8 String Quartet No. 5, Sz. 102: I. Allegro 07:58
9 String Quartet No. 5, Sz. 102: II. Adagio molto 05:52
10 String Quartet No. 5, Sz. 102: III. Scherzo. Alla bulgarese 05:29
11 String Quartet No. 5, Sz. 102: IV. Andante 04:44
12 String Quartet No. 5, Sz. 102: V. Finale. Allegro vivace 07:33
13 String Quartet No. 2, Sz. 67: I. Moderato 09:51
14 String Quartet No. 2, Sz. 67: II. Allegro molto capriccioso 08:03
15 String Quartet No. 2, Sz. 67: III. Lento 09:08
16 String Quartet No. 4, Sz. 91: I. Allegro 06:15
17 String Quartet No. 4, Sz. 91: II. Prestissimo, con sordino 03:12
18 String Quartet No. 4, Sz. 91: III. Non troppo lento 05:53
19 String Quartet No. 4, Sz. 91: IV. Allegretto pizzicato 03:01
20 String Quartet No. 4, Sz. 91: V. Allegro molto 05:51
21 String Quartet No. 6, Sz. 114: I. Mesto. Piu mosso, pesante – Vivace 07:40
22 String Quartet No. 6, Sz. 114: II. Mesto. Marcia 07:40
23 String Quartet No. 6, Sz. 114: III. Mesto – Burletta. Moderato 07:16
24 String Quartet No. 6, Sz. 114: IV. Mesto 06:48
Um disco dedicado inteiramente à música brasileira de passadas eras foi produzido no ano passado, em Brasília, e distribuído, como brinde, principalmente entre os associados da Federação Nacional de Associações Atléticas Banco do Brasil – FENAB – que comemorava o segundo aniversário de sua fundação. Este disco, “Sarau Brasileiro”, o Estúdio Eldorado entrega hoje ao público mais amplo, a todos os interessados pelo repertório marcadamente brasileiro. (Vicente Salles, 1979, extraído da capa do LP)
Um piano e uma flauta dando asas ao nosso imaginário …. aos sonhos … voem …
Sarau Brasileiro Sigismund Ritter von Neukomm (1778-1858), fantasia sobre “La Mélancolie”, modinha de Joaquim Manuel Câmara 01. L’amoureux (modinha)
Autor desconhecido, recolhido por Mário de Andrade 02. Lundum
Joaquim Antônio da Silva Calado (Rio de Janeiro, 1848-1880) 03. Lundu característico
Clemente Ferreira Júnior (Belém, PA 1864-1917) 04. Noites veladas (valsa)
Anônimo, modinha localizada em arquivos de Mariana, MG 05. Escuta ó Virgem (modinha) 06. Basta, amor (modinha) 07. Lundu mineiro
Ernesto Dias (Belém, PA 1857-1908) 08. Minha esperança (valsa)
Bernardino Belém de Souza (Belém, PA séc. XIX) 09. Casinha pequenina (xótis)
Clemente Ferreira Júnior (Belém, PA 1864-1917) 10. Na maromba (polca)
Carlos Cordeiro Tobias 11. Porto Arthur (tango)
Bernardino Belém de Souza (Belém, PA séc. XIX) 12. No cavaquinho (tango)
Sarau Brasileiro – 1979
Odette Ernest Dias (flauta) & Elza Kazuko Gushikem (piano)
Ao violão, Jaime Ernest Dias
LP de 1979 gentilmente cedido pelo nosso ouvinte Alex (não tem preço!) e digitalizado por Avicenna
Matheus André Reichert Afinidades Brasileiras Odette Ernest Dias (flauta) Elza Kazuko Gushikem (piano)
Considerado o mais notável flautista do Império, o belga Matheus André Reichert (Pays-Pas, 1830-1880) chegou ao Brasil em 1859, contratado pelo Imperador Pedro II. Conhecido e admirado por músicos eruditos como Carlos Gomes, Reichert também desenvolveu suas afinidades com o Brasil, com os seresteiros e boêmios da época. Sua brilhante síntese musical é recuperada aqui pela pesquisa pioneira de Odette Ernest Dias.
Considéré comme le plus remarquable flûtiste de l’Empire du Brésil, le belge Matheus André Reichert (Pays-Pas, 1830-1880) arriva à Rio en 1859, contracté par l’Empereur Pedro Il. Connu et admiré par les compositeurs érudits comme Carlos Gomes, Reichert développa ses affinités avec le Brésil au milieu des musiciens bohêmes des sérénades de l’époque. Sa brillante synthèse musicale est récupérée ici par la recherche pionnière de Odette Ernest Dias.
Matheus André Reichert (Pays-Pas, 1830-1880) 1. Souvenir du Para – Andante elégiaque – Opus 10 “Souvenir”. Saudade. Nostalgia das águas escuras do Amazonas e das paisagens desse Brasil que Reichert palmilhou de Norte a Sul, encantando a todos com a sua “flauta mágica”.
2. Tarantelle – Étude de salon – Opus 3 Aqui Reichert voltou a ser internacional, nesta peça de endiabrado ritmo napolitano. Peça de grande brilho, que faz jus à fama de virtuoso do autor.
3. Rêverie – Opus 17 Novamente a melancolia, o sonho, a saudade, nesta peça dedicada ao seu professor Demeur Charton, outro amante do Brasil.
4. La coquette (A faceira) – Polka de salon – Opus 4 Aqui Reichert declara abertamente seu brasileirismo. O título já vem traduzido. Essa mesma “faceira” aparece copiada à mão nos cadernos dos chorões do início deste século, o que mostra como ela se tornou popular.
5. Martha – Petit morceau de salon – Opus 18 Última obra de Reichert, inspirada num tema da ópera de Flotow, que, curiosamente, na hora da variação, se transforma em um quase … “chorinho”, onde tomamos a liberdade de introduzir o violão brasileiro de Jaime Ernest Dias, … pequena licença musical.
6. Romance sans paroles – Opus 11 No estilo da época, tão expressivo em Mendelssohn, essa “romança” adquire, aqui, uma singeleza toda modinheira.
7. La sensitive – Petite polka de salon – Opus 8 Continuando a tradição dos compositores do séc. XVIII, como Couperin e Rameau, Reichert pinta aqui um retrato musical. “A Sensitiva” mostra bem o que aconteceu à polka européia ao contato com o ritmo brasileiro. Ela aderiu à síncope, ao balanço e à flexibilidade do lundu e do batuque, exemplo maravilhoso de síncope musical.
8. Souvenir de Bahia – Andante pastorale – Opus 12 Aqui parece que Reichert trouxe lembranças mais alegres dessa viagem. A tonalidade do mi Maior nos leva às águas azuis e verdes do mar baiano e ao dengue do seu povo colorido.
Afinidades Brasileiras – 1985
Odette Ernest Dias (flauta) & Elza Kazuko Gushikem (piano)
Faixa 5: Jaime Ernest Dias (violão)
Textos extraídos do LP.
É um enorme privilégio ouvir um disco desses. Ao vivo, um concerto espetacular no Concertgebouw de Amsterdam reunindo meu maestro preferido Bernard Haitink e os extraordinários violinista e pianista Frank Peter Zimmermann e Emanuel Ax tocando o Concerto para Violino e o Nº 1 para Piano e Orquestra de Brahms. De quebra, Ax faz-se acompanhar por membros da orquestra para interpretar o Quarteto Op. 47 de Schumann. O que dizer mais? Que desempenhos! O quase nonagenário Haitink está cada vez melhor. Espero que siga assim até onde der. O cara está em estado de graça! Tudo que toca vira ouro. Os concertos recebem aqui uma das melhores interpretações que já ouvi. Confiram aí porque agora tenho que ouvir tudinovo.
Johannes Brahms (1833-1896): Concerto para Violino Op. 77 / Concerto para Piano Nº 1 Op. 15 & Robert Schumann (1810-1856): Quarteto para Piano Op. 47
CD 01
01. Brahms — Violin Concerto in D Major, Op. 77_ I. Allegro non troppo
02. Brahms — Violin Concerto in D Major, Op. 77_ II. Adagio
03. Brahms — Violin Concerto in D Major, Op. 77_ III. Allegro giocoso, ma non troppo vivace
CD 02
01. R. Schumann — Piano Quartet in E-Flat Major, Op. 47_ I. Sostenuto assai-Allegro ma non troppo
02. R. Schumann — Piano Quartet in E-Flat Major, Op. 47_ II. Scherzo_ Molto vivace
03. R. Schumann — Piano Quartet in E-Flat Major, Op. 47_ III. Andante cantabile
04. R. Schumann — Piano Quartet in E-Flat Major, Op. 47_ IV. Finale_ Vivace
05. Brahms — Piano Concerto No. 1 in D Minor, Op. 15_ I. Maestoso
06. Brahms — Piano Concerto No. 1 in D Minor, Op. 15_ II. Adagio
07. Brahms — Piano Concerto No. 1 in D Minor, Op. 15_ III. Rondo_ Allegro non troppo
Frank Peter Zimmermann, violino
Emanuel Ax, piano
Emanuel Ax & RCO Chamber Soloists
Royal Concertgebouw Orchestra
Bernard Haitink
La Giuditta, Oratorio Francisco António de Almeida ca.1702-1755
Comentários gentilmente enviados por Harry Crowl:
Francisco António de Almeida
Embora esse compositor tenha sido contemporâneo de João Rodrigues Esteves e tenha recebido uma formação bem semelhante, as suas obras encontradas até o momento refletem o gosto napolitano das óperas de Alessandro Scarlatti, Haendel e vários outros. Isso mostra que a convivência de estilo antigos e contemporâneos já era fato corriqueiro naquela época. “La Giuditta” foi composta em Roma, em 1726. É um exemplo bem típico do estilo napolitano de alternâncias em recitativos e árias do gênero “da capo”. A prática de ópera em Roma era vista com muita desconfiança pela Igreja e durante a quaresma, era terminantemente proibido as suas representações. Assim, ao longo do séc. XVII, os oratórios foram surgindo como representações sacras para a ocasião. Havia uma tendência em Portugal de se imitar o que acontecia em Roma, especialmente durante o reinado de D.João V. Os oratórios eram óperas sobre temas bíblicos com representações mais contidas. O compositor Giacomo Carissimi foi quem disseminou essa prática do oratório de maneira mais consistente no séc. XVII. Francisco António de Almeida foi o compositor da primeira ópera portuguesa em italiano, “La Pazienza di Socrate”, em 1733, da qual somente o manuscrito do 3o. ato chegou até os nossos dias.
Há também uma ópera cômica de sua autoria, “La Spinalba”, (alguns trechos nos vídeos do Youtube abaixo) muito próxima do estilo de Pergolesi. Há vários trechos dessa ópera no Youtube. Pode-se ter uma idéia muito clara desse intercâmbio entre Portugal e Itália nessa época, e principalmente, da intensidade e exuberância da música tanto religiosa quanto dramática escrita pelos portugueses ao longo do séc. XVIII.
Francisco António de Almeida (ca.1702-1755) 01. La Giuditta – Introduzione
02. La Giuditta – Recit: Sventurata Giuditta!
03. La Giuditta – Aria: Quella Fiamma
04. La Giuditta – Recit: Qual Mai Gente Superba
05. La Giuditta – Aria: Invitti Miei Guerrieri
06. La Giuditta – Recit: Ove Gli Occhi Raggio/Aria: Tortorella
07. La Giuditta – Recit: Illustre Prence/Aria: Saggio Nocchiero
08. La Giuditta – Recit: Ma Quale Ignoto Duce/Aria: La Dolce Speranza
09. La Giuditta – Recit: Ed Orgogliosa/Aria: Dal Mio Brando Fulminante
10. La Giuditta – Recit: Prence, Gia D’Ogni Intorno/Aria: Pallida E Scolorita
11. La Giuditta – Recit: A Tanto Rio Dolore/Aria: Giusto Dio
12. La Giuditta – Recit: Dunque, Con Alma
13. La Giuditta – Aria: Sento Che Dice Al Cor
14. La Giuditta – Recit: Ma Qual Vano Consiglio/A Due: Vanne, Addio
15. La Giuditta – Recit: Alto Signore/Aria: Dalla Destra Omnipotente
16. La Giuditta – Recit: Oh, Come Lieta/Aria: Un’ Alma Forte
17. La Giuditta – Recit: Quest’ E Il Giorno Fatale/Aria: Date, O Trombe
18. La Giuditta – Recit: Ma Quale Io Veggio/Aria: Lo Splendor
19. La Giuditta – Recit: Illustre Pellegrina
20. La Giuditta – Aria: Cara, Non Paventar
21. La Giuditta – Recit: Giace Dal Sonno Avvinto
22. La Giuditta – Aria: Mi Sento Nel Petto
23. La Giuditta – Recit: Tutta Lieta E Fastosa/Aria: Godete, Si Godete/Recit: Questa, Voi La Mirate
24. La Giuditta – Aria: Vengo A Te
25. La Giuditta – Recit: Ma Come Tant’ Ardire/A Due: Quel Diletto
Almeida, La Giuditta, Oratorio – 1998
Concerto Koln
Director: René Jacobs
Lena Lootens – soprano
Francesca Congiu – soprano
Martyn Hill – tenor
Axel Kohler – countertenor
Esta postagem é mais uma excelente colaboração do maestro, compositor e musicólogo Harry Crowl Jr. Não tem preço!
Modinha e Lundu Bahia Musical, séc. XVIII e XIX Conjunto Anticália 1984
O material gravado neste disco ilustrou uma aula de um curso sobre cultura baiana, promovido pelo Centro de Estudos Baiano da UFBA, em 1982. Foi subsequentemente reapresentado uma quase dezena de vezes pelo grupo Anticália, para uma varieda de de platéias, das mais despretensiosas aos eruditos membros de congresso de história. Não faltaram os visitantes dos estados irmãos, e até mesmo um navio inteirinho da universidade americana, que parou no porto de Salvador. Contudo. o propósito maior é o de dar aos baianos, de volta, aquilo que é seu, um espelho de si mesmos. Não se entenda, entretanto, que haja aqui qualquer intenção regionalista ou mesquinha, pois modinha e lundu foram fenômenos não somente brasileiros, mas que envolveram também o outro lado do Atlântico.
A ênfase aqui é de música na Bahia- não da Bahia – tanto assim que não se hesitou até mesmo de incluir dois documentos de procedência portuguesa.
A despeito do interesse da UFBA, o tradicional problema das verbas não teria permitido a realização deste disco não fosse o apoio da COPENE em concretizá-lo. Não somente vale o agradecimento, mas a esperança de que isso se renove, uma vez que a Bahia, entre as demais unidades da federação, é uma das que mais se tem descuidado de sua memória musical.
A bibliografia musical brasileira carece assim de uma monografia, em profundidade, sobre as modinhas e lundus, vistos sob uma ótica baiana. Se esse é o objetivo futuro desta pesquisa, fique o ouvinte leigo poupado da controvérsia e da erudição, e apenas sujeito a um desfilar de rosas d’antanho, a que certamente não faltarão muitos deleites e alguns espinhos malvadamente permitidos.
Anticália
Compõem o Conjunto Anticália as instrumentistas Selma Alban, Conceição Perrone, Cristina Tourinho e Cândida Williams e a cantora Renata Becker (soprano), com a colaboração neste disco de Helder Parente, instrumentista e cantor.
Rendem uma homenagem de profundo carinho a Bárbara Vasconcelos, um de seus membros mais atuantes e talentosos, prematuramente levada de seu convívio e de promissora contribuição à vida musical da Bahia.
Manuel Veiga é etnomusicólogo, com doutorado na Universidade da Califórnia em Los Angeles. Atualmente é Chefe do Departamento de Música da Universidade Federal da Bahia. (extraído da contra-capa, 1984)
Modinha e Lundu: Bahia Musical, séc. XVIII e XIX
Anônimo 01. Landum
Anônimo (Séc. XVIII) 02. Quem ama para agravar 03. Eu nasci sem coração – Lundum 04. É tão bom, não dói, nem nada
Anônimo (Recolhido Von Martius entre 1817-1820) 05. Foi-se Josino e deixou-me 06. Prazer igual ao que sinto
Anônimo (Séc. XVIII) 07. Iaiazinha, você mesma
Anônimo 08. Tristes saudades 09. Astuciosos os homens são
Anônimo (modinha imperial coligida por Mário de Andrade) 10. Hei de amar-te até morrer
Xisto de Paula Bahia (Salvador, 1841-Caxambu,1894) 11. A mulata
Plínio Augusto Xavier de Lima (Caetité,1845-1873)/Xisto de Paula Bahia (Salvador, 1841-Caxambu,1894) 12. Quis debalde varrer-te da memória – Agora e sempre
Xisto de Paula Bahia (Salvador, 1841-Caxambu,1894) 13. Iaiá, você quer morrer
Anônimo 14. Morena, morena 15. És, Marília, meu arcanjo 16. Minha morena é bonita – Tirana
Modinha e Lundu: Bahia Musical, séc. XVIII e XIX – 1984
Conjunto Anticália
Missa de Santa Cecília (1826) Pe. José Maurício Nunes Garcia
Orquestra e Coro Gulbenkian
Gravação gentilmente cedida por Rosana Lanzelotte. Não tem preço! Esta gravação não está em nenhum CD, é um privilégio que somente os ouvintes do PQPBach podem desfrutar!
O compositor e padre brasileiro José Maurício Nunes Garcia (1767-1830) foi revisitado nos dias 6 e 7 de Junho de 2008 pelo Coro e Orquestra Gulbenkian, no Grande Auditório da Fundação Gulbenkian em Lisboa, quando foi interpretada a Missa de Santa Cecília com quarteto de solistas composto por Paula Almenares (soprano), Giovanna Lanza (mezzo-soprano), Aldo Caputo (tenor) e Massimiliano Gagliardo (barítono) e com direção de Ricardo Kanji.
Na Missa “Santa Cecília”, o Pe. José Maurício Nunes Garcia parece ter deixado tudo o que restava de sua força física e da sua inspiração numa despedida à vida e à arte (Maestro Ernani Aguiar). Foi a sua última composição e a sua última regência.
O excelente e completo site ‘Música Brasilis’ (www.musicabrasilis.org.br), concebido e coordenado pela cravista e musicóloga Rosana Lanzelotte, cuja carreira de solista levou-a a importantes salas de concerto, como o Wigmore Hall, St. Martin-in-the-fields (Londres), Otto Braun Saal (Berlim), Palazzo Barberini (Roma) e Fundação Gulbenkian (Lisboa), além das principais salas da América Latina. Foi a idealizadora do projeto O Amor Brasileiro, que apresentou a música de José Maurício Nunes Garcia e Sigismund Neukomm em concertos por diversas cidades da França durante o ano do Brasil em 2005, além de idealizadora da série Música nas Igrejas que, desde 1993, leva concertos de música clássica a todos os bairros do Rio de Janeiro. (http://www.lanzelotte.com/)
Ricardo Kanji especializou-se em flauta no Conservatório Real de Haia (Holanda) a partir de 1970, e em 1972 tornou-se o único brasileiro laureado no Concurso Internacional de Bruges. De 1973 a 1995 foi professor do mesmo Conservatório, cuja orquestra barroca dirigiu. Integra a Orquestra do Século XVIII, dirigida por Frans Bruggen, com quem viaja por todo o mundo. Gravou aplaudidos CDs para selos europeus, entre os quais destacam-se os dedicados às sonatas de Handel e Telemann (Phillips) e Mancini e Van Wassenaar (Globe). Depois de mais de 25 anos na Europa, decidiu retornar ao país e dedicou-se ao resgate do repertório brasileiro do período colonial. Idealizou o projeto História de Música Brasileira, pelo qual foi apontado como o melhor regente de 1999 pela Associação Paulista de Críticos de Arte. Recentemente foi convidado a reger a Orquestra da Fundação Gulbenkian em Lisboa, à frente da qual realizou uma celebrada versão da Missa de Santa Cecília de José Maurício. (http://movimento.com/mostraconteudo.asp?mostra=2&escolha=13&codigo=4231)
‘Musica Brasilis’ tem por objetivo resgatar e disponibilizar obras significativas do patrimônio musical brasileiro, pela primeira vez em formato que possibilita a execução. Além do acesso às partituras, áudios e vídeos, o portal conta com recursos interativos para ampliar o interesse e a fruição dos repertórios disponibilizados, tais como:
* Escuta Guiada: escuta sincronizada com a visualização da partitura e de comentários explicativos, que apontam aspectos da obra e dos instrumentos utilizados.
* Jogos Musicais: tem como objetivo aguçar a escuta, ampliar o gosto pela música brasileira e estimular a criatividade. A iniciativa é inspirada nos jogos de escuta desenvolvidos pelo IRCAM.
O ‘Musica Brasilis’ disponibiliza partituras de mais de 80 compositores brasileiros, vídeos de obras gravadas de compositores nacionais e uma infinidade de áudios de obras de compositores nacionais, de todas as épocas.
Pe. José Maurício Nunes Garcia (1767-1830)
Missa de Santa Cecília (1826), CPM 113
1. Kyrie
2. Gloria in Excelsis
3. Laudamus
4. Gratias
5. Domine Deus
6. Qui Tollis
7. Qui Sedes
8. Quoniam
9. Cum Sancto Spiritu
10. Credo
11. Et Incarnatus
12. Crucifixus
13. Et Ressurrexit
14. Sanctus – Benedictus
15. Agnus Dei
Orquestra e Coro Gulbenkian – 2008
Regente: Ricardo Kanji
Ingmar Bergman disse uma vez que Andrei Tarkovsky filmava como se sonha. E o Quarteto Tarkovsky, que recebeu o nome do grande cineasta russo, desenvolveu uma linguagem de própria, muito próxima dos sonhos. Para o líder e pianista François Couturier, o silêncio e a lentidão de Tarkovsky estão intimamente relacionados com a estética desenvolvida no terceiro álbum do grupo, Nuit blanche, produzido por Manfred Eicher em Lugano em abril de 2016. Aqui temos peças diversas composta por François Couturier ou criadas no momento por Couturier, a violoncelista Anja Lecher, o saxofonista Jean-Marc Larché e o acordeonista Jean-Louis Matinier. Elas exploram a textura dos sonhos e da memória e continuam a fazer uma referência oblíqua a Tarkovsky. É improviso, composição moderna e música barroca,tudo ao mesmo tempo agora.
François Couturier (1950): Nuit Blanche
1 Rêve 2:54
2 Nuit blanche 5:38
3 Rêve II 1:22
4 Soleil sous la pluie 4:41
5 Dream III 2:05
6 Fantasia 4:26
7 Dream IV 2:29
8 Urga 11:19
9 Daydream 2:52
10 Cum Dederit Delectis Suis Somnum 5:46
11 Nightdream 2:23
12 Vertigo 0:57
13 Traum V 1:31
14 Traum VI 2:25
15 Dakus 4:34
16 Quant ien congneu a ma pensee 5:05
17 Rêve étrange… 1:20
“Só com o renascimento de Bach teremos total liberdade” Max Reger
Reger é um compositor alemão pouco lembrado, talvez por ter nascido no mesmo país e século do último Beethoven, de Schumann, Brahms e Wagner, talvez por ter construído sua música ainda sobre as bases de Bach em plena virada do século XX.
A música de câmara e orquestral de Reger é pouco tocada, mas para o órgão ele é sem dúvida o grande alemão depois de Bach, seja em quantidade de obras (ocupam uns 15 CDs) seja pela qualidade de suas Suítes, Sonatas, Prelúdios e Fugas com contraponto aplicado à sonoridade orquestral do órgão do século XIX. Suas passacaglias e toccatas usam registros de órgão que não existiam na época de Bach.
Este é um típico disco da Naxos: órgão e organista pouco conhecidos mas de grande conexão com o repertório tocado, com som muito bem gravado. A primeira suíte, de 1895, foi dedicada à “sombra de J.S. Bach” e elogiada pelo idoso Johannes Brahms. A segunda, de 1905, é de mais fácil audição por ter mais movimentos, mais curtos, incluindo um romanze de belos timbres e duas fugas.
Organ Suite No. 1 in E Minor, Op. 16, “Den Manen J.S. Bachs”
1. I. Introduction and Fugue 00:14:14
2. II. Adagio assai 00:08:51
3. III. Intermezzo – Trio 00:12:28
4. IV. Passacaglia 00:11:48 Organ Suite No. 2 in G Minor, Op. 92
5. I. Prelude 00:03:24
6. II. Fugue 00:02:42
7. III. Intermezzo 00:04:55
8. IV. Basso ostinato 00:03:30
9. V. Romanze 00:05:58
10. VI. Toccata 00:03:10
11. VII. Fugue 00:03:52
Kirsten Sturm – Sandtner Organ (1979)
St. Martin’s Cathedral, Rottenburg am Nektar, Germany
Que alegria divulgar um CD como este! O Quarteto Ebène junta-se ao cellista Gautier Capuçon para fazerem o sublime Quinteto para dois violinos, viola e dois violoncelos. Posso chutar com boa dose de segurança que é a obra de câmara mais longa escrita por Schubert. Mas não se trata apenas de horizontalidade, também é uma obra gigantesca no sentido vertical. Todos os movimentos são perfeitos e contrastantes. Coisa de gênio de cabo a rabo. O que é aquele adágio? Como ele combina com o Scherzo que o segue! E os belíssimos movimentos inicial e final? Depois o grupo toca uma série de canções (lieder) de Schubert especialmente arranjadas pelo violoncelista do Ebène, Rapphael Merlin, e cantadas pelo barítono alemão Matthias Goerne. Olha, que disco! Ouçam, comprem, furem o CD de tanto ouvir! Afinal, mesmo no Brasil, com nossa situação e nossos “líderes”, a gente merece ser feliz e ver-escutar a beleza, né?
Franz Schubert (1797-1828): Quinteto para Cordas — Lieder
01. String Quintet in C Major, D. 956: I. Allegro ma non troppo
02. String Quintet in C Major, D. 956: II. Adagio
03. String Quintet in C Major, D. 956: III. Scherzo & Trio
04. String Quintet in C Major, D. 956: IV. Allegretto
05. Die Götter Griechenlands, D. 677
06. Der Tod und das Mädchen, D. 531
07. Der Jüngling und der Tod, D. 545
08. Atys, D. 585
09. Der liebliche Stern, D. 861
Markku Luolajan-Mikkola é um homem de técnica, sensibilidade e coragem. Simplificou os trechos que eram absolutamente impossíveis para o violoncelo, deixou a coisa mais lenta que o habitual, alterou as tonalidades e foi em frente, gravando as Sonatas e Partitas de Bach, originalmente escritas para o leve violino. É uma gravação estranha e maravilhosa. Os tempos das performances de Luolajan-Mikkola são os mais lentos que eu já ouvi. Mas não pense que tudo é uniformemente lento. A Chacona, por exemplo, dura cerca de 15 minutos, o que é a duração comum em violino. Markku Luolajan-Mikkola é um músico sensível e escrupuloso. Trata-se de um mestre de uma série de instrumentos de cordas. Aqui, ele toca um violoncelo barroco feito por Barak Norman em Londres por volta de 1700. O som é impressionante — rústico e forte, muito ressonante. A ideia maluca de transcrever do violino solo de Bach para o violoncelo não é nova, parece ter nascido com o próprio autor. Existem manuscritos do século 19 com tentativas de transcrições e, de acordo com Johann Friedrich Agricola, o próprio compositor costumava improvisar essas peças ao cravo, violoncelo e órgão. A transcrição de Luolajan-Mikkola é muito fiel ao original. Ele afirmou que os abusos eram absolutamente desnecessários, pois a idiomática para todos os instrumentos de cordas é a mesma…
OK. Divirtam-se com o finlandês. É um país incrível. A Finlândia e a Estônia são para a música clássica assim como a Irlanda está para a literatura. Há uma desproporção notável entre o tamanho da população e a excelência artística.
J.S. Bach (1685-1750): Sonatas & Partitas para Violino, BWV 1001-1006, arranjadas para Violoncelo
Disc 1:
Violin Partita No. 2 in D Minor, BWV 1004 (Arr. in G Minor for Cello):
1 I. Allemanda 4:42
2 II. Corrente 3:09
3 III. Sarabanda 4:16
4 IV. Gigue 4:29
5 V. Ciaccona 15:15
Violin Sonata No. 2 in A Minor, BWV 1003 (Arr. in D Minor for Cello):
6 I. Grave 3:43
7 II. Fugue 10:38
8 III. Andante 5:13
9 IV. Allegro 7:02
Violin Partita No. 3 in E Major, BWV 1006 (Arr. in A Major for Cello):
10 I. Preludio 4:47
11 II. Loure 4:22
12 III. Gavotte en rondeau 3:15
13 IV. Menuets I & II 4:54
14 V. Bourrée 1:40
15 VI. Gigue 2:09
Disc 2
Violin Partita No. 1 in B Minor, BWV 1002 (Arr. in E Minor for Cello):
1 I. Allemanda 5:31
2 II. Double 3:56
3 III. Corrente 4:13
4 IV. Double. Presto 3:53
5 V. Sarabanda 4:59
6 VI. Double 3:22
7 VII. Tempo di bourrée 3:54
8 VIII. Double 4:13
Violin Sonata No. 1 in G Minor, BWV 1001 (Arr. in C Minor for Cello):
9 I. Adagio 4:05
10 II. Fugue. Allegro 6:47
11 III. Siciliana 3:27
12 IV. Presto 4:10
Violin Sonata No. 3 in C Major, BWV 1005 (Arr. in F Major for Cello):
13 I. Adagio 4:28
14 II. Fugue 12:41
15 III. Largo 2:57
16 IV. Allegro assai 5:34
Neste belíssimo CD o jovem pianista Jean Rondeau mostra a genialidade da família Bach quando se tratava de concertos para teclado.
O CD começa com a obra imortal de nosso Johann Sebastian, com seu concerto nº 1, BWV 1052, o meu favorito, e creio que também seja de bastante gente. Depois temos obras dos irmãos Wilhelm e Carl Phillip, mostrando que talento também vem de berço.
Apesar de jovem, Jean Rondeau já é um nome conhecido, com outros dois CDs já lançados. Sugiro ouvirem este CD para melhor apreciarem o talento desta nova geração. Ouçam o último movimento do BWV 1052 para poderem entender o que digo. Rondeau tira de letra as armadilhas da obra, que exige muita concentração, técnica e virtuosismo. O rapaz tem futuro.
P.S. Não consegui nem no site da Erato o nome do grupo orquestral que o acompanha, apenas os nomes dos músicos. Se alguém tiver alguma informação, agradeço.
Johann Sebastian Bach, W. F. Bach & C.P.E. Bach: Dinasty Bach Family Concertos – Jean Rondeau
Johann Sebastian Bach
01. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 1 in D Minor, BWV 1052- I. Allegro
02. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 1 in D Minor, BWV 1052- II. Adagio
03. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 1 in D Minor, BWV 1052- III. Allegro
Johann Christian Bach
04. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 6 in F Minor, W. C73 (formerly attrib. W. F. Bach)- I. Allegro di molto
05. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 6 in F Minor, W. C73 (formerly attrib. W. F. Bach)- II. Andante
06. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 6 in F Minor, W. C73 (formerly attrib. W. F. Bach)- III. Prestissimo
Wilhelm Friedemann Bach
07. Jean Rondeau – Keyboard Sonata in G Major, F. 7- II. Lamento
Johann Sebastian Bach
08. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 5 in F Minor, BWV 1056- I. Allegro
09. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 5 in F Minor, BWV 1056- II. Largo
10. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 5 in F Minor, BWV 1056- III. Presto
Carl Philipp Emanuel Bach
11. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto in D Minor, H. 427- I. Allegro
12. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto in D Minor, H. 427- II. Poco andante
13. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto in D Minor, H. 427- III. Allegro assai
Johann Sebastian Bach
14. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 4 in A Major, BWV 1055- II. Larghetto
A brasileira de olhos ébrios de música e a sorte de um LP que sobreviveu à ditadura
Nestes tempos em que o Brasil parece repetir 1964 como farsa, o meu patriotismo tem encontrado apenas um refúgio inabalável: uma brasileira com os olhos ‘ébrios da música’ e aquele poder de isolar-se de tudo que a cerca – faculdade raríssima – que é a marca bem característica do artista. É assim que Debussy descreveu Guiomar Novaes quando ela tinha 13 anos. Mais de 60 anos depois, ela gravou seu segundo LP com música de Debussy*, e se trata de uma intérprete ideal, não só por ter conhecido o compositor quando estudou em Paris**, mas também pelo estilo de Guiomar, de toque delicado, cuidadoso, às vezes forte mas nunca percussivo, considerado “feminino” naquela época distante em que mulheres deviam ser belas, recatadas e do lar.
O senso comum diz que esse toque feminino não deveria tocar as obras musculosas e diabólicas de Liszt, não é? Pois o senso comum mundial se rendeu a Guiomar. Segundo o American Record Guide, 1962:
“O surpreendente, e que vale à pena gritar do alto dos telhados, é que, pela primeira vez em quarenta anos, Novaes registrou aqui algumas de suas incomparáveis interpretações de Liszt. Sua performance na Dança dos Gnomos é tão brilhante e ritmicamente intoxicante quanto a de Emil von Sauer em um clássico 78 r.p.m., e sua 10ª Rapsódia está no nível da gravação histórica de Paderewski. É fácil entender por que no início do século ela foi apelidada a Paderewska dos Pampas***.”
Falar de Guiomar tocando Chopin é chover no molhado, pois as gravações completas dos Noturnos, Estudos, Valsas, Prelúdios, Concertos e de algumas preciosas Mazurkas estão por aí em LPs, CDs, youtube, no PQPBach, muito mais disponíveis do que este raro LP, o único de Guiomar pela Decca, e que nunca nem se cogitou lançar em CD.
O áudio que eu trago vem de um LP de família, e aqui começam as suposições, pois se mal conhecemos as histórias de parentes perseguidos nos anos de chumbo, o que dizer de um mero LP? Meus avós compraram este vinil importado por volta de 1963-64, devem ter ouvido poucas vezes e ele ficou no fundo de um armário carioca por décadas. No Brasil, um armário que dura décadas precisa de uma dose de sorte: um irmão de vovó teve a casa incendiada pelo regime militar. Se tivessem incendiado a casa dela (e foi por pouco que não), o LP viraria fumaça. Uma coisa é certa: a música sobreviveu.
* O primeiro, com os Prelúdios Livro I, em mono, tem qualidade de som bastante inferior
** O professor dela em Paris, Isidor Phillip, foi o amigo que dava a Debussy “conselhos de notação para que os pianistas pudessem entender melhor suas nuances e approach. Após considerável deliberação, ambos decidiram que quase nenhuma marca de pedal deveria ser usada” (wikipedia)
*** Pelo crítico James Huneker, biógrafo de Chopin e Liszt, que entendia mais de música do que de geografia
Guiomar Novaes Plays Chopin, Liszt, Debussy
Decca LP, circa 1962
A1. Barcarolle Op. 60 (Chopin)
A2. Les collines d’Anacapri (Preludes – Book 1) (Debussy)
A3. Soirée dans Grenade (Estampes) (Debussy)
A4. Poissons d’or (Images) (Debussy)
A5. Minstrels (Preludes – Book 1) (Debussy)
B1. Waldesrauschen (Forest Murmurs) (Liszt)
B2. Gnomenreigen (Dance of the Gnomes) (Liszt)
B3. Liebestraume No. 3 in A flat (Liszt)
B4. Valse oubliée no. 1 (Liszt)
B5. Hungarian Rhapsody no. 10 (”Preludio”) (Liszt)
Guiomar Novaes, piano
Títulos em português: Barcarola (Chopin) / As colinas de Anacapri, Noite em Granada, Peixes de ouro, Menestréis (Debussy) / Murmúrios da floresta, Dança dos Gnomos, Sonhos de amor, Valsa esquecida, Rapsódia húngara (Liszt)
A Orquestra Filarmônica de Berlim tem uma curiosa história recente. Com Herbert von Karajan tinha glamour, grana e resultados artísticos quase sempre de segunda linha. Melhorou muito com Abbado e Rattle, mas perdeu a grande fama, em boa parte ancorada pelas copiosas gravações de HvK para a DG. Só que, mesmo na época de baixaria artística, quando se apresentava com regentes convidados, destes que chegam para cumprir alguns concertos e vão embora, a orquestra arrasava. Por exemplo, quando pegou um gênio como Günter Wand, rendeu como nunca. Esta é uma gravação ao vivo que comprova o fato.
As duas sinfonias finais de Schubert estão translúcidas, claras e absolutamente cantantes. O velhinho Wand deu um jeito de iluminar as partituras como raramente se vê. Coisa de louco.
Franz Schubert (1797-1828): Sinfonias Nº 8 “Inacabada” e 9 “A Grande”
CD1
1. Sinfonie Nr. 8 h-moll Symphony No.8 B Minor ‘Unvollendete – Unfinished’ D 759: Allegro moderato
2. Sinfonie Nr. 8 h-moll Symphony No.8 B Minor ‘Unvollendete – Unfinished’ D 759: Andante con moto
CD2
3. Symphony No. 9 C Major ‘The Great’ D 944: Andante – Allegro ma non troppo
4. Symphony No. 9 C Major ‘The Great’ D 944: Andante con moto
5. Symphony No. 9 C Major ‘The Great’ D 944: Scherzo: Allegro vivace
6. Symphony No. 9 C Major ‘The Great’ D 944: Finale: Allegro vivace
As “Baladas” de Chopin estão entre as peças para piano favoritas de muita gente, inclusive deste que vos escreve. Cada compasso, cada nota traz uma explosão de cores, sentimentos e por que não dizer, dores. Chopin conseguiu extrair de seu piano uma torrente de emoções como poucas vezes se viu, ou ouviu, na história da música.
Beethoven escreveu uma Sonata que intitulou “Patética”, Tchaikovsky escreveu uma sinfonia que também levava essa alcunha, eu diria que diversas obras de Chopin poderiam ser enquadradas neste adjetivo, se seguirmos à risca o conceito deste termo no Dicionário Aurélio:
“Adj. Que comove a alma, despertando um sentimento de piedade ou tristeza, que revela forte emoção.”
Aí reside outro ponto que discuti dia destes quando levantei a questão do gênio. Um gênio como o de Chopin conseguiu extrair: “altíssimo grau de capacidade mental criadora.” E quando um gênio do porte de Arthur Rubinstein senta-se ao piano, sua genialidade, aliada à genialidade chopiniana, consegue como poucos elevar essa capacidade mental criadora à enésima potência. Coisa de louco.
Não, não esqueci dos “Scherzos”. Como esquecer do nº 2, talvez a primeira peça de Chopin que eu tenha ouvido na minha vida, em um velho LP com a maravilhosa Bella Davidovitch estraçalhando seu piano? A sensação de soco no estômago, ou como dizia um amigo, de secura na boca do estômago, deixa-nos prostados diante de tal enormidade de sensações que a obra transmite.
Chega de papo furado e vamos ao que interessa.
01 – Ballade No. 1, Opus 23. Largo – Moderato in G minor
02 – Ballade No. 2, Opus 38. Andantino in F major
03 – Ballade No. 3, Opus 47. Allegretto in A-flat major
04 – Ballade No. 4, Opus 52. Andante con moto in F minor
05 – Scherzo No. 1, Opus 20. Presto con fuoco in B minor
06 – Scherzo No. 2, Opus 31. Presto in B-flat minor
07 – Scherzo No. 3, Opus 39. Presto con fuoco in C-sharp minor
08 – Scherzo No. 4, Opus 54. Presto in E major
09 – Tarantelle, Opus 43. Presto in A-flat major
Brahms, em sua furiosa autoexigência, não costumava errar. Publicar porcaria não era com ele, isso desde o início de sua carreira. Claro, que em suas Sonatas Completas, todas escritas na juventude, havia uma grandiloquência que ele não manteve, mas, pô, que belos exemplos de pianística romântica temos aqui! Muito influenciadas por Schumann, elas têm a característica de serem longas e muito difíceis, especialmente a terceira, uma das peças da minha mais absoluta preferência. Ela é uma das maiores sonatas pós-Beethoven já compostas. Em tamanho e qualidade. Eu também gosto da #1 e #2. Adoro o movimento final da sonata #1. A #2 é mais fácil que a #3, mas não pense que é muito mais. Digamos que fique no nível das Variações sobre um Tema de Paganini. Ou seja… E o Andante da terceira, que coisa linda! Curiosamente, estas Sonatas são negligenciadas. Talvez por suas enormes proporções. Mas é uma injustiça do cão.
O trabalho de François-Frédéric Guy é estupendo, cheio de técnica, senso de estilo romântico e compreensão.
Johannes Brahms (1833-1897): Complete Piano Sonatas
Disc 1:
1 Piano Sonata No. 2 in F-Sharp Minor, Op. 2: I. Allegro non troppo (Ma energico) 6:06
2 Piano Sonata No. 2 in F-Sharp Minor, Op. 2: II. Andante con espressione 5:24
3 Piano Sonata No. 2 in F-Sharp Minor, Op. 2: III. Scherzo (Allegro) 3:57
4 Piano Sonata No. 2 in F-Sharp Minor, Op. 2: IV. Finale (Sostenuto – Allegro non troppo e rubato) 11:44
5 Piano Sonata No. 1 in C Major, Op. 1: I. Allegro 11:37
6 Piano Sonata No. 1 in C Major, Op. 1: II. Andante 5:47
7 Piano Sonata No. 1 in C Major, Op. 1: III. Scherzo (Allegro molto e con fuoco) 5:58
8 Piano Sonata No. 1 in C Major, Op. 1: IV. Finale (Allegro con fuoco) 7:10
Disc 2
1 Piano Sonata No. 3 in F Minor, Op. 5: I. Allegro maestoso 10:34
2 Piano Sonata No. 3 in F Minor, Op. 5: II. Andante (Andante espressivo) 11:31
3 Piano Sonata No. 3 in F Minor, Op. 5: III. Scherzo (Allegro energico) 4:39
4 Piano Sonata No. 3 in F Minor, Op. 5: IV. Intermezzo (Andante molto) 3:32
5 Piano Sonata No. 3 in F Minor, Op. 5: V. Finale (Allegro moderato ma rubato) 7:40
A solene, complexa e majestosa música de Anton Bruckner por um de seus maiores especialistas, Bernard Haitink. São 57 impecáveis minutos de um gravação ao vivo. Vamos falar sério: Bernard Haitink é sem dúvida o grande maestro de Bruckner em nosso tempo. Já octogenário, suas leituras da obra bruckneriana tornaram-se ainda mais profundas, poderosas e intelectuais. Esta sexta, recentemente gravada, é um exemplo perfeito: é uma gravação de referência como as de Celibidache, Klemperer e Wand. Esta é a melhor sexta desde a célebre gravação de Wand, também ao vivo, com a orquestra NDR. Uma recomendação absoluta.
Anton Bruckner (1824-1896): Symphony No. 6
1. Symphony No. 6 in A Major, WAB 106 (ed. R. Haas): I. Maestoso 15:57
2. Symphony No. 6 in A Major, WAB 106 (ed. R. Haas): II. Adagio. Sehr feierlich 17:19
3. Symphony No. 6 in A Major, WAB 106 (ed. R. Haas): III. Scherzo – Trio 8:36
4. Symphony No. 6 in A Major, WAB 106 (ed. R. Haas): IV. Finale 15:06
Já ouvi outras gravações destas obras, excelentes, por sinal, mas a presença do violinista italiano Salvatore Accardo é um ponto a mais a favor destas gravações. Accardo é um dos maiores violinistas do século XX, e seu talento,versatilidade e virtuosismo são um destaque a mais destes CDs, gravados em 1988, porém lançados apenas em 1991.
CD 1
01. KV 174 I – Allegro moderato
02. KV 406 Andante
03. KV 406 Menuetto in canone
04. KV 406 Allegro
05. KV 516 Allegro
06. KV 516 Menuetto
07. KV 516 Adagio ma non troppo
08. KV 516 Adagio – Allegro
Que disco foda! É mais um velho vinil garimpado e digitalizado pelo genial blog holandês 33 toeren klassiek, o que me faz amar ainda mais a Holanda. A cravista belga Aimée Van De Wiele (1907-1991) realizou, em 1965, uma leitura muito bonita e moderna da música de Couperin. Suas interpretações do grande francês — que já era um revolucionário por si só — são multifacetadas e cheias de humor. Muitas das obras para teclado de François Couperin têm títulos descritivos e evocativos que expressam diferentes atmosferas, de harmonias ousadas e algumas atonalidades. São como miniaturas de poemas sinfônicos. Este aspecto chamou a atenção de Richard Strauss, que chegou a orquestrar algumas dessas peças. A música para piano de Johannes Brahms foi influenciada pela música para teclado de Couperin. Brahms interpretou-a publicamente e contribuiu, em 1880, para a primeira edição completa das Pièces de clavecin.
François Couperin (1668-1733): Obras para Cravo
1 Prelude (L’Art De Toucher Le Clavecin, #7) 2:45
2 Les Fastes De La Grande Et Ancienne Menestrandise (II / 11) 9:37
3 L’Attendrissante (III / 18) 2:37
4 Le Tic-Toc-Choc, Ou Les Maillotins (III / 18) 2:10
5 La Favorite (I / 3) 6:40
6 Le Carillon De Cythere (III / 14) 2:25
7 Les Barricades Mysterieuses (II / 6) 2:58
8 Les Ombres Errantes (IV / 25) 2:26
9 Les Calotins Et Les Calotines Ou La Piece Á Tretous (III / 19) 3:05
10 Le Rossingnol En Amour (III / 14) 3:57
11 L’Arlequine (IV / 23) 1:51
12 La Garnier (I / 2) 3:54
13 Les Folies Francaises Ou Les Dominos (III / 13) 9:15
Todos os discos, todos os concertos, todos os gemidos e suspiros da Freiburger Barockorchester valem a pena. Ontem, presa de uma grave crise de HIPOBACHEMIA profunda — se me entendem — resolvi atacar novamente com a orquestra da pequena e bela e universitária cidade de Freiburg. Não me arrependi. Aqui está por inteiro o espírito atlético, dançável e saracoteante que deu 20 filhos a Bach em seus dois casamentos com Maria Barbara e Anna Magdalena, fora os que semeou no varejo, como eu.
Baixem logo porque este CD duplo da grande Harmonia Mundi é bom demais!
J. S. Bach (1685-1750): as 4 Suítes Orquestrais
1. Suite No. 4 in D Major, BWV 1069: I. Ouverture 11:26
2. Suite No. 4 in D Major, BWV 1069: II. Bourrées I & II 2:50
3. Suite No. 4 in D Major, BWV 1069: III. Gavotte 1:55
4. Suite No. 4 in D Major, BWV 1069: IV. Menuets I & II alternativement 4:14
5. Suite No. 4 in D Major, BWV 1069: V. Réjouissance 2:34
6. Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: I. Ouverture 10:42
7. Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: II. Rondeau 1:28
8. Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: III. Sarabande 2:36
9. Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: IV. Bourrées I & II alternativement 2:04
10. Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: V. Polonaise & Double 3:17
11. Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: VI. Menuet 1:05
12. Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: VII. Badinerie 1:23
13. Suite No. 1 in C Major, BWV 1066: I. Ouverture 9:17
14. Suite No. 1 in C Major, BWV 1066: II. Courante 2:18
15. Suite No. 1 in C Major, BWV 1066: III. Gavottes I & II alternativement 3:13
16. Suite No. 1 in C Major, BWV 1066: IV. Forlane 1:13
17. Suite No. 1 in C Major, BWV 1066: V. Menuets I & II alternativement 3:15
18. Suite No. 1 in C Major, BWV 1066: VI. Bourrées I & II alternativement 2:42
19. Suite No. 1 in C Major, BWV 1066: VII. Passepieds I & II 3:31
20. Suite No. 3 in D Major, BWV 1068: I. Ouverture 9:49
21. Suite No. 3 in D Major, BWV 1068: II. Air 4:37
22. Suite No. 3 in D Major, BWV 1068: III. Gavottes I & II alternativement 4:00
23. Suite No. 3 in D Major, BWV 1068: IV. Bourrée 1:10
24. Suite No. 3 in D Major, BWV 1068: V. Gigue 2:47
Recentemente eu escrevi que o Brasil tem uma rica tradição pianística, apesar dos pesares. Sobre o órgão de tubos, não se pode dizer o mesmo. São instrumentos caros, imensos, precisam de manutenção com mão de obra especializada… Tirando as honrosas exceções aqui e ali, muitas igrejas em nosso país deixaram seus órgãos definhar com os cupins e a maresia.
Pretendo trazer para o PQPBach um pouco desse instrumento. O CD de hoje tem algumas obras essenciais do repertório para órgão como os corais de Bach e a toccata de Widor.
Seis curiosidades sobre o órgão de tubos:
1. O órgão é um dos instrumentos mais antigos de que se tem notícia, segundo a tradição foi inventado no século III a.C. em Alexandria, muitos séculos antes do cravo ou do piano. O que não significa que ele só serve para tocar música antiga: compositores como os franceses Litaize, Duruflé e Messiaen escreveram muita música de vanguarda para órgão no século XX, sem falar nos mais recentes Xenakis (1922–2001), Ligeti (1923—2006), Terry Riley (1935–) e Philip Glass (1937–). 2. Antes da eletricidade, um assistente ficava atrás do órgão o tempo todo. Isso mesmo, nos tempos de Bach o som só saía continuamente enquanto alguém estivesse bombeando ar para os foles… 3. Órgãos fazem muito eco. Principalmente em igrejas amplas e altas, com grande reverberação, o som continua ecoando vários segundos depois do órgão parar de tocar. Ao vivo esse efeito é incrível e no disco de Olivier Latry também é possível ouvir o eco que fica no ambiente sonoro da Catedral Notre Dame de Paris. 4. Cada órgão é único: eles não são feitos em série, ao contrário de carros ou pianos. Por exemplo o órgão barroco Arp Schnitger de Mariana/MG tem semelhanças com seus irmãos que vivem na Alemanha e na Holanda, mas também tem muitas diferenças. 5. Órgãos têm teclados manuais – que podem ser dois, três, quatro… cada um com um registro, ou seja, tipo de som – e ainda uma pedaleira para os sons mais graves. Assim, com duas mãos e os pés, o organista pode tocar obras a três vozes como as Triosonatas de Bach. 6. Händel, W.F. Bach, C.P.E. Bach, Haydn, Mozart e Beethoven escreveram obras para órgãos mecânicos, ou “relógios musicais”, que eram instrumentos autômatos, sem um músico tocando, e deviam causar um grande espanto no século 18. As obras de Händel e Mozart aqui presentes fazem parte desse grupo, mas a gravação aqui tem um músico tocando, porque soa melhor, né?
Olivier Latry – 12 des plus belles pages de sa discographie
01 – Pieces for a Musical Clock, Georg Friedrich Händel (A voluntary on a flight of angels; Allegro; Menuet; Gigue)
02 – Choral ”Wachet auf, ruft uns die Stimme” (BWV 645), J.S. Bach
03 – Prélude & Fugue en fa mineur (BWV 534), J.S. Bach
04 – Choral ”Wir glauben all an einen Gott” (BWV 740), J.S. Bach
05 – Trio Sonata No. 2 (BWV 526), J.S. Bach
06 – Fantasia for mechanical organ in F minor, K. 608, Wolfgang Amadeus Mozart
07 – Symphonie No. 5 pour orgue: I. Adagio, Charles-Marie Widor
08 – Symphonie No. 5 pour orgue: II. Toccata, Charles-Marie Widor
09 – Naïades (24 Pièces de Fantaisie), Louis Vierne
10 – Carillon de Westminster (24 Pièces de Fantaisie), Louis Vierne
11 – Scherzo, Gaston Litaize
12 – Toccata, Maurice Duruflé
Olivier Latry – Órgão
Órgãos utilizados:
Händel, Mozart – órgão Stumm em Kirchheimbolanden, Alemanha (1745)
Bach (Coral BWV 645) – órgão Giroud em Le Grand Bornand, França (1988, ‘estilo século XVII’)
Bach (BWV 534) – órgão Aubertin em Vichy, França (1991)
Bach (Coral BWV 740) – órgão Aubertin em Viry-Chatillon, França (1991)
Bach (Trio Sonata) – órgão Giroud em Grenoble, França (1982)
Duruflé – órgão Cliquot/Cavaillé-Coll/Beuchet-Debierre em St Étienne du Mont, Paris, França (1777/1863/1956)
Widor, Vierne, Litaize: órgão Cavaillé-Coll (modificado) em Notre Dame de Paris, França (1868)
Música no Tempo das Caravelas Conjunto Música Antiga da UFF 1998
Música Ibérica à Época do Descobrimento
Em 1992 saudávamos com entusiasmo a gravação do LP intitulado Cantares de Amor, Suspiros e Cuydados, que o Conjunto de Música Antiga da UFF, sob os auspícios da FUNARTE, realizara. Incluía-se, então, nas comemorações dos 500 anos da conquista da América, uma vez que as músicas selecionadas eram exemplos das que animavam os serões palacianos em Portugal e Espanha, ao tempo das descobertas ultramarinas.
Passados seis anos, quando se aproxima o ano 2.000 e já se iniciam as festas comemorativas dos 500 anos da conquista do Brasil pelos portugueses, esse meritório Conjunto retoma as músicas do citado LP, acrescenta-lhes outras, e oferta-nos um ainda mais rico documento cultural da Era da Expansão ibérica.
Sobre as letras do Cancioneiro de Elvas (Biblioteca Públia Hortênsia)
À exceção das composições Dos estreitas le siguen e Puestos estan frente a frente, bem como do solo de alaúde, todas as demais peças que compõem este CD foram retiradas do Cancioneiro da Biblioteca Públia Hortênsia, de Elvas (Portugal), se bem que para a composição “Romerico, tú que vienes” optou-se pela transcrição da letra, mais completa, do Cancionero Musical de Palacio.
É raríssimo o “Cancioneirinho de mão”, pequeno volume manuscrito sobre papel de 14,5 cm X 10 cm, possivelmente quinhentista, encontrado em 1928 na referida biblioteca de Elvas pelo musicólogo Manuel Joaquim, que o publicaria em Coimbra, no ano de 1940. A encadernação, evidentemente que posterior à sua elaboração, como observara o pesquisador-editor, dava a obra como pertença de um enigmático J. J. d’ A., ao que tudo indica iniciais de João Joaquim de Andrade, retratado em quadro também pertencente à Biblioteca. Curioso para nós, brasileiros, é que muito possivelmente o precioso Cancioneiro fora adquirido no Brasil, quem sabe para cá trazido pela Corte Real portuguesa em 1808, uma vez que o eclesiástico seu possuidor vivera por algum tempo no Rio de Janeiro, segundo legenda apensa ao seu retrato.
Quanto ao conteúdo, compõe-se de duas partes. Na primeira, encontram-se 65 composições com letra e notações musicais, que indicam serem elas a três vozes. Na segunda, 36 poesias sem música. Em todo o conjunto, predominam as letras em castelhano, sendo que penas 19 foram grafadas em português.
Várias marcas levam os especialistas a reconhecer como dos séculos XV e XVI as suas composições. Já Manuel Joaquim observara que uma delas seria a similaridade de certos desenhos que o papel utilizado apresenta em relação a papéis fabricados no século XVI, remontando os mais semelhantes à Salzburgo de 1525. Outra, seria a recolha, na coletânea, de música de Juan del Encina — tal seja, a composição Romerico tu que vienes. E, ainda, a analogia das letras com poemas do Cancioneiro Geral de Garcia de Resende. Este, fora publicado em 1516, constituindo uma recolha da produção poética dos reinados de Afonso V, D. João II e D. Manuel. Tal analogia se mostra tanto na forma quanto na temática dos textos, bem como na marcante presença da língua e da cultura castelhana que neles se percebe — de resto uma tônica da época, devido a implicações políticas relacionadas com a aspiração dos soberanos, de unirem as coroas luso-espanholas, através de guerras e casamentos.
A tendência dominante nessas letras-poemas, quanto à forma, é para os versos curtos, de arte-menor, principalmente redondilhos, sendo reduzidíssima a ocorrência dos versos mais longos, de arte-maior. Abandonando a tradição paralelística trovadoresca, e pautando-se pela mentalidade glosadora então dominante na prédica clerical e no ensino universitário, bem como no folclore espanhol, elegeram os poetas-letristas de então como estrutura mais usual dos seus poemas a glosa, volta ou desenvolvimento de um mote. Daí que as formas estróficas mais utilizadas sejam as do vilancete, da cantiga e suas variações. Ao lado dessas, encontravam-se também os romances (poemas narrativos) e as esparsas (composições monostróficas, de versos mais longos). E destacava-se, no que concerne às características retóricas, o virtuosismo dos jogos verbais, tantas vezes instaurando o paradoxo.
É o que novamente faz o Música Antiga da UFF, pelo que merece os nossos aplausos e a nossa gratidão. Não se limitando a essas peças da época áurea de Portugal, documentam também, no romance “Puestos están frente a frente”, o seu ocaso: trata-se da narrativa da batalha de Alcácer-Quibir, em 1578, na qual o jovem rei português, D. Sebastião, desapareceria, sem deixar herdeiros para a coroa, que, com a morte do seu tio-avô, o Cardeal D. Henrique, em 1580, passaria para o domínio de Espanha, do qual só se libertaria em 1640, sem jamais retomar o brilho perdido. Brilho este que, no entanto, a arte perenizou, e que ora se representa nas peças deste CD, pelo que se torna valiosíssimo às comemorações do quinto centenário da conquista do Brasil.
Maria do Amparo Tavares Maleval, extraído do encarte
Música no Tempo das Caravelas
Anônimo 01. Obriga vossa lindeza 02. Venid a sospirar al verde prado 03. Tu Gitana que Adevinas 04. Testou minha ventura 05. Que He o que vejo 06. Las tristes lagrimas mias 07. Por amores me perdi
Pedro de Escobar (Portugal, c.1465–after 1535), a.k.a. Pedro do Porto 08. Pásame por Dios barquero
Anônimo 09. Llenos de lágrimas tristes 10. A la villa voy
Luís Milan (Espanha, c.1500-c.1561) 11. Pavana
Anônimo 12. Cuydados meus tão cuidados 13. Oigan todos mi tormento 14. Aquella voluntad que se ha rendido
Juan del Encina (Espanha, ca.1468-1529) 15. Romerico tú que vienes
Anônimo 16. Porque me não ves Joana 17. Que sentis coraçon mio
Juan del Encina (Espanha, ca.1468-1529) 18. Dos estrellas le siguen
Anônimo 19. Puestos estan frente a frente
Música no Tempo das Caravelas – 1998
Conjunto Música Antiga da UFF
Quis o destino benfazejo que este LP de 1978 fosse resgatado de uma prateleira empoeirada, cheia de LPs velhos, no fundo de um sebo! É um LP privado, não foi comercializado, e foi patrocinado pelo Banco do Brasil. Nada mais se sabe sobre ele, a não ser:
• é a principal obra (Te Deum) de um dos mais brilhantes compositores brasileiros (Lobo de Mesquita) interpretada por uma das mais importantes orquestras brasileiras (Orquestra de Câmara do Brasil) e acompanhada por um dos mais lapidados corais brasileiros (Coro Ars Barroca), regidos por um dos mais completos maestros brasileiros (José Siqueira). Em resumo: uma obra-prima jogada às traças !! IM-PER-DÍ-VEL !!
Como podemos cobrar das novas gerações a falta de sentimento de cidadania, de amor e orgulho pela pátria, se nem os nossos heróis cultivamos? Nossos filhos vão se orgulhar do que? de quem?
Quem já ouviu falar no Maestro José Siqueira levanta a mão!
Esta repostagem é dedicada ao nosso amigo Bisnaga, que ressuscitou, reviveu neste site, a vida e a obra do maestro José Siqueira após esta postagem !!!!!! Não tem preço.
Te Deum
O Te Deum, também chamado às vezes o ambrosiano, devido à sua associação com Santo Ambrósio, é um hino tradicional de alegria e ação de graças. Primeiramente atribuído aos Santos Ambrósio e Agostinho, ou Hilary, agora está creditado para Nicetas, bispo de Remesiana (século 4). Ele é usado na conclusão do Ofício das Leituras da Liturgia das Horas aos domingos fora da Quaresma, diariamente durante os Oitavas de Natal e Páscoa, e nas solenidades e festas.
Maestro José de Lima Siqueira
Maestro, compositor e acadêmico brasileiro nascido em 1907 em Conceição, no Vale do Piancó, alto sertão do Estado da Paraíba, regente e compositor reconhecido em nível internacional, de suma importância como educador pelo papel de liderança que exerceu no meio musical de sua época e pela participação na criação de várias entidades de classe e culturais, tornando-se uma das grandes figuras da música brasileira no século XX.
Filho de um mestre da banda Cordão Encarnado, em sua cidade natal, que lhe ensinou a tocar diversos instrumentos como saxofone e trompete. Durante sua juventude, atuou em bandas de música de várias cidades do interior da Paraíba. Foi para o Rio de Janeiro (1927), então capital da República, como integrante das tropas que tinham sido recrutadas para combater a Coluna Prestes e logo ingressou na Banda Sinfônica da Escola Militar, como trompetista. Estudou (1928-1930) composição com Francisco Braga e Walter Burle-Marx, no antigo Instituto Nacional de Música, e formou-se em Composição e Regência (1933) e iniciou sua brilhante carreira de compositor e regente no Brasil e no exterior, em grandes orquestras dos Estados Unidos, Canadá, França, Portugal, Itália, Holanda, Bélgica e Rússia, entre outros países.
Regeu nos Estados Unidos grandes orquestras como a Sinfônica de Filadélfia, Detroit, Rochester. Na França regeu a Orchestre Radio-Symphonique, de Paris, e em Roma, a Sinfônica de Roma, entre outras. Foi professor da Escola de Música da Universidade do Brasil, hoje da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Fundou a Orquestra Sinfônica Brasileira (1940) e formou-se em Direito (1943). Viajou pelos EUA e Canadá e fundou a Orquestra Sinfônica do Rio de Janeiro (1949), fechada 2 anos depois. Quando esteve em Paris (1953) freqüentou o curso de musicologia da Sorbonne. Oficializou junto ao prefeito Miguel Arraes, a Orquestra Sinfônica do Recife, a mais antiga do país.
Idealizou e criou a Ordem dos Músicos do Brasil, assumindo a sua Presidência (1960). Fundou a Orquestra Sinfônica Nacional (1961) e a Orquestra de Câmara do Brasil (1967). Figura incomparável do mundo cultural brasileiro, foi aposentado (1969) pela ditadura militar devido à sua pregação democrática. Proibido de lecionar, gravar e reger, encontrou abrigo na extinta União Soviética, onde regeu a Orquestra Filarmônica de Moscou e participou como jurado de grandes concursos de música internacionais. Também foi em Moscou que boa parte de sua obra foi editorada e preservada enquanto que no Brasil o estúpido governo militar cuidava de alijá-lo da história.
(A esse respeito, conta-nos Carlos Pereira: Em 1964, no golpe militar, foi submetido a interrogatório e protagonizou com um coronel, um diálogo que ficou famoso. O milico lhe perguntou se já tinha ido à Rússia e ele não só confirmou, como disse que gostava de lá voltar de vez em quando para… reger a Sinfônica de Moscou. Resultado: foi fichado como comunista e proibido, por alguns anos, de reger a Orquestra Sinfônica Brasileira. http://www.carlospereira.net.br/index.php/component/content/article/34-cronicas/323)
Deve-se a ele ainda a criação da Orquestra de Câmara do Brasil, da Sociedade Artística Internacional, do Clube do Disco e da Ordem dos Músicos do Brasil. Também publicou vários livros didáticos tais como Canto Dado em XIV Lições, Música para a Juventude, em quatro volumes, Sistema Trimodal Brasileiro, Curso de Instrumentação, entre outros.
Faleceu aos 78 anos, na cidade do Rio de Janeiro, no dia 22 de abril de 1985, deixando uma vastíssima obra composta de óperas, cantatas, concertos, oratórios, sinfonias e até a música de câmara, para instrumentos solos e para voz. A cadeira nº 8 da Academia Brasileira de Música, fundada (1945) por Heitor Villa-Lobos, nos moldes da Academia Francesa, foi alocada para ele como co-fundador, depois que o efetivo da Academia se reduziu de 50 para 40 cadeiras. Seu nome foi dado à Grande Sala da Cidade da Música por decreto do então Prefeito Cesar Maia, publicado no Diário Oficial do Município (2008). Uma justa homenagem a essa figura reconhecida internacionalmente, defensor da cultura musical brasileira e responsável por iniciativas como a criação da Orquestra Sinfônica Brasileira da cidade do Rio de Janeiro, da Academia Brasileira de Música, da Ordem dos Músicos do Brasil e dos Concertos Para a Juventude. (http://www.dec.ufcg.edu.br/biografias/JoseLSiq.html)
Palhinha: ouça a integral do Te Deum, enquanto observa fotos de Serro, MG (antiga Vila do Príncipe), onde Lobo de Mesquita nasceu.
.
José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita (Vila do Príncipe, 1746- Rio de Janeiro, 1805)
Te Deum 01. Te Dominum confitemur
02. Tibi omnes Angeli; tibi cæli et universæ Potestates
03. Sanctus, Sanctus, Sanctus, Dominus Deus Sabaoth
04. Te gloriosus Apostolorum chorus
05. Te Martyrum candidatus laudat exercitus
06. Patrem immensæ maiestatis
07. Sanctum quoque Paraclitum Spiritum
08. Tu Patris sempiternus es Filius
09. Tu, devicto mortis aculeo, aperuisti credentibus regna cælorum
10. Judex crederis, esse venturus. Te ergo quæsumus, tuis famulis subveni, quos pretioso sanguine redemisti
11. Salvum fac populum tuum Domine, et benedict hereditati tuæ
12. Per singulos dies, benedicimus te
13. Dignare Domine die isto sine peccato nos custo dire
14. Fiat misericordia tua Domine super nos, quem admodum speravimus in te
15. Non confundar in aeternum
Barroco Mineiro – 1978
Orquestra de Câmara do Brasil & Coro Ars Barroca
Maestro José de Lima Siqueira
Vivaldi era um padre que não rezava missas. Ainda na casa dos vinte anos, já padre, alegara problemas com a asma, que o faria tossir e tossir. Como oficiaria missas? Dizia-se fraco, mas teve grandes amores — um muito rumoroso com uma aluna, o contralto Anna Giró –, além de dar aulas, tocar violino e reger. Irritado, pensando que o Padre Rosso era um fingido, Benedetto Marcello escreveu um panfleto contra ele. Em 1737, Vivaldi respondeu:
Há 25 anos que não dou missas e eu não pretendo fazê-lo novamente, não por causa de alguma proibição ou qualquer ordenança, mas por minha própria vontade, por causa de uma doença que sofro desde a infância e ainda me assombra.
Depois de ser ordenado sacerdote, disse Missas por um ano, mas depois decidi parar porque em três dias consecutivos tive que deixar o altar antes da celebração final por causa da minha doença.
Por esta razão eu vivo principalmente dentro de casa e nunca saio a não ser de gôndola ou de carro, já que não posso andar sem dor e aperto no peito.
Nenhum cavalheiro convida-me para ir a sua casa, mesmo o nosso príncipe, porque todos sabem de minha fraqueza.
Eu passeio após o jantar, mas nunca vou caminhando. Esta é a causa pela qual nunca rezo missas.
A propósito, excelente CD!
Vivaldi (1678-1741): Concerto Con Molti Strumenti (Violinos, Flautas, Oboés, Fagotes)
1. Con F.XII No.3 (RV 577) ‘Per L’Orch Di Dresda’ in g: Allegro
2. Con F.XII No.3 (RV 577) ‘Per L’Orch Di Dresda’ in g: Adagio
3. Con F.XII No.3 (RV 577) ‘Per L’Orch Di Dresda’ in g: Allegro
4. Con (RV 572) ‘Il Proteo, O Il Mondo Al Rovescio’ in F: Allegro
5. Con (RV 572) ‘Il Proteo, O Il Mondo Al Rovescio’ in F: Adagio
6. Con (RV 572) ‘Il Proteo, O Il Mondo Al Rovescio’ in F: Allegro
7. Con F.XII No.31 (RV 566) in d: Allegro Assai
8. Con F.XII No.31 (RV 566) in d: Largo
9. Con F.XII No.31 (RV 566) in d: Allegro
10. Con F.XII No.48 (RV 585) ‘In Due Cori’ in A: Allegro
11. Con F.XII No.48 (RV 585) ‘In Due Cori’ in A: Adagio
12. Con F.XII No.48 (RV 585) ‘In Due Cori’ in A: Allegro
13. Con F.XII No.14 (RV 556) ‘Per La Solennita Di S. Lorenzo’ in C:Largo-Allegro Molto
14. Con F.XII No.14 (RV 556) ‘Per La Solennita Di S. Lorenzo’ in C: Largo & Cantabile
15. Con F.XII No.14 (RV 556) ‘Per La Solennita Di S. Lorenzo’ in C: Allegro
16. Con F.XII No.17 (RV 557) in C: Allegro Non Molto
17. Con F.XII No.17 (RV 557) in C: Largo
18. Con F.XII No.17 (RV 557) in C: Allegro No Molto
19. Con F.XII No.33 (RV 576) ‘Sua Altezza Reale Di Sassonia’ in g: Allegro
20. Con F.XII No.33 (RV 576) ‘Sua Altezza Reale Di Sassonia’ in g: Larghetto
21. Con F.XII No.33 (RV 576) ‘Sua Altezza Reale Di Sassonia’ in g: Allegro
The Ink Spots
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Ingmar Bergman disse uma vez que Andrei Tarkovsky filmava como se sonha. E o Quarteto Tarkovsky, que recebeu o nome do grande cineasta russo, desenvolveu uma linguagem de própria, muito próxima dos sonhos. Para o líder e pianista François Couturier, o silêncio e a lentidão de Tarkovsky estão intimamente relacionados com a estética desenvolvida no terceiro álbum do grupo, Nuit blanche, produzido por Manfred Eicher em Lugano em abril de 2016. Aqui temos peças diversas composta por François Couturier ou criadas no momento por Couturier, a violoncelista Anja Lecher, o saxofonista Jean-Marc Larché e o acordeonista Jean-Louis Matinier. Elas exploram a textura dos sonhos e da memória e continuam a fazer uma referência oblíqua a Tarkovsky. É improviso, composição moderna e música barroca,tudo ao mesmo tempo agora.
IM-PER-DÍ-VEL !!!
IM-PER-DÍ-VEL !!!
IM-PER-DÍ-VEL !!!
IM-PER-DÍ-VEL !!!
IM-PER-DÍ-VEL !!!
