Berwald é um injustiçado. Hoje é um compositor um pouquinho conhecido por suas quatro sinfonias, mas não é um nome familiar. Em sua Suécia natal, ele lutou bravamente para fazer um nome para si mesmo — lutando contra uma sociedade musical conservadora, contente em seus próprios caminhos e feliz em continuar a desfrutar de sua música principalmente na forma de peças íntimas para consumo doméstico. O país era um deserto musical principalmente para um compositor sueco cujo objetivo era escrever sinfonias aventureiras. Ele era um habilidoso cirurgião que seguia escrevendo em seu tempo livre. Sem deixar sua marca no país natal, partiu para ter um discreto sucesso em Viena e voltou para a Suécia a fim de dirigir uma fábrica de vidro (!). Percebendo que seus planos de composição precisavam mudar, começou a escrever música de câmara e a maior parte da música neste disco é desse período (1849-59). Berwald era violinista e, seguindo a moda, estava regularmente envolvido em tocar música íntima e em pequena escala com amigos à noite. Os instrumentistas suecos deste CD são excelentes e a gravação é ótima.

Franz Berwald (1796-1868): Complete Duos (Bergstrom, Lundin, Ringborg, Rondin)

Duo in D Minor for Violin and Piano
1 Allegro 08:36
2 Andante 04:03
3 Allegro giocoso 05:47

Fantasy on Two Swedish Folk Melodies for Piano Solo
4 Fantasy on Two Swedish Folk Melodies for Piano Solo 07:34

Concertino in A Minor for Violin and Piano (fragment)
5 Concertino in A Minor for Violin and Piano 02:43

Duo Concertant in A Minor for Two Violins
6 Adagio con espression 02:53
7 Andantino con variazioni 15:57
8 Rondo 05:38

Duo in B-Flat Major for Cello and Piano
9 Allegro ma non troppo 06:11
10 Poco adagio quasi andante 05:12
11 Allegro agitato 05:44

Bergstrom, David — violino
Lundin, Bengt-Åke — piano
Ringborg, Tobias — violino
Rondin, Mats — violoncelo

BAIXE AQUI — DOWNLOAD HERE

Franz Berwald, em escultura de Carl Eldh na Berwaldhallen (supersala de concertos em Estocolmo).

PQP

In Shostakovich, Dmitri

D. Shostakovich (1906-1975): Sonata para Cello e Sonata para Viola, no Cello (Kaňka, Klepáč)

Pleyel28 de agosto de 202414 de agosto de 2024Leave a comment

Shostakovich é conhecido principalmente por causa das suas 15 sinfonias e outras obras com orquestra. Mas sua música de câmara também tem grandes obras cheias de personalidade: além dos quartetos de cordas, há muitas obras com piano, incluindo os dois trios que postei semana passada, um quinteto e a sonata para violoncelo e piano. Todas essas são do período em que Shosta era um jovem adulto, a sonata para violoncelo, por exemplo, foi estreada quando ele tinha 28 anos e é cheia de temas arrebatadores, quase românticos, um pouco como as sinfonias nº 4 e 5. O pianista tem uma parte tão interessante quanto o violoncelista: tive o privilégio de assistir essa sonata com Martha Argerich e Mischa Maisky, cujos temperamentos fogosos combinam perfeitamente com a música, como também é o caso dos músicos tchecos deste CD aqui.

Já as sonatas do fim da vida do compositor, uma para violino, de 1968, e uma para viola, de 1975 (sempre com piano) são obras da maturidade, com um certo distanciamento das convenções, uma certa despreocupação de quem já não precisa provar nada a ninguém, uma certa fantasia sem limites, como na Polonaise-Fantaisie e na Barcarola de Chopin, características também das sonatas tardias de Beethoven. E o alemão, aliás, é mencionado no último movimento: Adagio (à memória de Beethoven) nas palavras de Shosta, que colocou nas partes do piano citações bem óbvias da Sonata ao luar. Apesar do tom frequentemente melancólico – é preciso um bocado de tristeza, já disse um poeta – Shosta anotou que o caráter geral da obra deveria ser brilhante, claro e radiante.

A linguagem de Shosta, ainda que com uma personalidade toda diferente, é romântica como o Beethoven maduro e Chopin, sem os excessos de romantismo de seus compatriotas Rachmaninoff e Glazunov (este último, professor de Shosta). As coisas, na vida, não são absolutas, tudo depende da sua posição em relação aos outros. Shosta era bem menos romântico que Rach e bem mais do que Boulez, Ligeti e Lutoslawski. É por meio dessas comparações com quem está ao redor – como mostrou recentemente Mbappé, que está bastante à esquerda de Neymar – que a gente chega mais perto da verdade, bem mais do que em frases categóricas e desposicionadas e até meio sem sentido como por exemplo “Shostakovich era um romântico.” Violoncelistas têm tocado essa sonata para viola desde os anos 1970, com a concordância da viúva do compositor. O “sotaque” tcheco trazido por Kaňka e Klepáč, ao menos para os meus ouvidos, combina perfeitamente com a linguagem do compositor de São Petersburgo.

Dmitri Shostakovich (1906-1975):

1-4. Cello Sonata in D Minor, Op. 40

5-6. Two Pieces for Cello and Piano (from the Second Ballet Suite)

7-9. Sonata for Viola [Cello] and Piano, Op. 147

Michal Kaňka (cello), Jaromír Klepáč (piano)

Recorded in Prague, 2009

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE – mp3 320 kbps

Pleyel

In Bach, J. S.

J. S. Bach (1685-1750): Obras para Órgão e Cravo (Koopman / Pinnock)

pqpbach28 de agosto de 202428 de agosto de 20244 Comments

A caixa está ao lado. São 3 CDs dos quais o terceiro foi arruinado pelo tempo, conforme foto abaixo. Tudo por causa de uma esponjinha “protetora” que foi se desmanchando e penetrando no plástico do CD. Sem dúvida, a esponjinha foi uma notável invenção da DG/Archiv. Não me apresentem o autor da brilhante ideia. Quem tiver este terceiro CD, faça o favor. Nele há obras para cravo tocadas pelo Trevor Pinnock. Asseguro-lhes, é excelente. Então, ficamos só com os dois CDs do Koopman, o que não é pouco, mas é menos do que foi comprado. Temos uma seleção das melhores obras de Bach para o instrumento. Todas moram no meu coração, mas tenho especial afeto pela Passacaglia e pelo BWV 564. E o BWV 540, que maravilha!

J. S. Bach (1685-1750): Obras para Órgão e Cravo (Koopman / Pinnock)

Toccata & Fuga In D Minor BWV 565
1-1 Toccata 6:40
1-2 Fuga 1:19

Toccata, Adagio & Fuga In C Major BWV 564
1-3 Toccata 5:07
1-4 Adagio 4:05
1-5 Fuga 4:26

Toccata & Fuga In F Major BWV 540
1-6 Toccata 7:27
1-7 Fuga 5:21

Toccata & Fuga “Dorian” BWV 538
1-8 Toccata 5:16
1-9 Fuga 6:31

2-1 Passacaglia In C Minor BWV 582 12:55

2-2 Pastorale In F Major BWV 590 12:03

2-3 Canzona In D Minor BWV 588 6:02

2-4 Allabreve In D Major BWV 589 4:20

6 Chorales Of Diverse Kinds (“Schubler” Chorales)
2-5 Wachet Auf, Ruft Uns Die Stimme BWV 645 4:10
2-6 Wo Soll Ich Fliehen Hin BWV 646 1:35
2-7 Wer Nur Den Lieben Gott Läßt Walten BWV 647 4:10
2-8 Meine Seele Erhebet Den Herren BWV 648 3:25
2-9 Ach Bleib’ Bei Uns, Herr Jesu Christ BWV 649 2:19
2-10 Kommst Du Nun, Jesu, Vom Himmel Herunter BWV 650 3:25

Ton Koopman, órgão

O tal terceiro CD!

BAIXE AQUI — DOWNLOAD HERE

.oOo.

P.S. — O grande René Denon conseguiu o tal terceiro CD com o Pinnock!

Aqui está:

CD3

1 Chromatische Fantasie und Fuge BWV 903 10:40

2 Italienisches Konzert F-Dur BWV 971: Allegro 3:51
3 Italienisches Konzert F-Dur BWV 971: Andante 4:30
4 Italienisches Konzert F-Dur BWV 971: Presto 3:59

5 Toccata d-Moll BWV 913 13:43

6 Französische Ouvertüre (Partita) h-Moll BWV 831: Ouverture 7:30
7 Französische Ouvertüre (Partita) h-Moll BWV 831: Courante 1:46
8 Französische Ouvertüre (Partita) h-Moll BWV 831: Gavotte I/II 2:58
9 Französische Ouvertüre (Partita) h-Moll BWV 831: Passepied I/II 2:34
10 Französische Ouvertüre (Partita) h-Moll BWV 831: Sarabande 5:03
11 Französische Ouvertüre (Partita) h-Moll BWV 831: Bourrée I/II 2:41
12 Französische Ouvertüre (Partita) h-Moll BWV 831: Gigue 2:04
13 Französische Ouvertüre (Partita) h-Moll BWV 831: Echo 3:00

Trevor Pinnock, cravo

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PQP

In -Ópera, Gluck, Christoph Willibald

Christoph Willibald Gluck (1714-1787): Orfeu e Eurídice (completa) (Baltsa, Marshall, Gruberova, Philharmonia Orchestra, Muti)

pqpbach27 de agosto de 202429 de julho de 202433 Comments

IM-PER-DÍ-VEL !!!

(Atendendo, mais de uma década depois, os desesperados pedidos).

Posto para vocês a extraordinária ópera Orfeu e Eurídice de Gluck. Como estou com reais dificuldades de tempo, vou copiar aqui dois textos: o primeiro sobre Gluck e o segundo sobre a ópera:

Christoph Willibald Ritter von Gluck (2 July 1714 Erasbach, Upper Palatinate – 15 November 1787 in Vienna) was an opera composer of the early classical period. After many years at the Habsburg court at Vienna, Gluck brought about the practical reform of opera’s dramaturgical practices that many intellectuals had been campaigning for over the years. With a series of radical new works in the 1760s, among them Orfeo ed Euridice and Alceste, he broke the stranglehold that Metastasian opera seria had enjoyed for much of the century.

The strong influence of French opera in these works encouraged Gluck to move to Paris, which he did in November 1773. Fusing the traditions of Italian opera and the French national genre into a new synthesis, Gluck wrote eight operas for the Parisian stages. One of the last of these, Iphigénie en Tauride, was a great success and is generally acknowledged to be his finest work. Though he was extremely popular and widely credited with bringing about a revolution in French opera, Gluck’s mastery of the Parisian operatic scene was never absolute, and after the poor reception of his Echo et Narcisse, he left Paris in disgust and returned to Vienna to live out the remainder of his life.

Fonte: nem deus sabe.

Orfeu e Eurídice foi a primeira de três óperas conhecidas como as óperas da reforma, onde Gluck, em parceria com Calzabigi, procurou, através da “nobreza da simplicidade” da acção e da música, substituir os complicados enredos e os floreados musicais que se tinham apoderado da Ópera Séria.

A verdade é que Gluck já tinha composto numerosas óperas na estética convencional de Metastasio. Assim, a parceria com Calzabigi, proporcionava-lhe uma oportunidade quase única para se pôr em prática uma nova concepção do teatro musical: mais sóbrio e mais dramático, e que se aproximasse da unidade da tragédia grega.

Orfeu e Eurídice estreia com enorme sucesso, no dia 5 de Outubro de 1762 e tornou-se na obra mais popular de Gluck.

Já traduzida em música por compositores como Monteverdi e Peri, esta é a história de como Orfeu traz de volta Eurídice para o mundo dos vivos. Enfrenta os infernos para recuperar a amada, com a imprescindível ajuda da música-apaziguadora de almas atormentadas.

Apesar do enorme sucesso que foi a estreia de Orfeu e Eurídice em 1762, a partir do ano seguinte até 1769, a ópera nunca mais foi interpretada.

A recuperação desta obra surge pelas mãos do próprio Gluck, quando a dirige, de novo, em Parma. Fazia parte de um tríptico – La Feste d’Apollo – onde Orfeu e Eurídice foi apresentada sem um único intervalo e com a parte destinada ao castrado contralto transposta para um castrado soprano.

Depois, em 1774, Gluck submete a partitura a mais uma revisão para ser posta em cena na Academia Real de Música de Paris: transpõe e adapta o papel de Orfeu para a voz de haute-contre – muito em voga na altura em França, sobretudo para a interpretação de papéis heróicos; altera a orquestração para a tornar mais grandiosa; inclui novas peças, vocais e instrumentais; e encomenda um novo libreto para ser cantado em francês.

Sinopse

I Acto

No primeiro acto, após um breve prelúdio, a cortina ergue-se por cima do túmulo de Eurídice. Orfeu chora a perda da amada, rodeado pelos seus amigos.

Aparece então o Cupido que traz uma mensagem: sensibilizados com a dor de Orfeu, os deuses autorizam-no a descer aos infernos para trazer Eurídice. Mas há uma condição: Orfeu não pode olhar para a amada antes estar de volta sob um céu mais clemente.

II Acto

Orfeu é acolhido nos infernos pelas Fúrias e pelo Cérbero, o cão das três cabeças de Hades. Perante o perigo, Orfeu começa a cantar, fazendo-se acompanhar pela sua lira e consegue apaziguar estes terríveis guardiães. Assim, chega à morada das sombras felizes onde encontra Eurídice. Toma-a pela mão, sem a olhar para ela directamente, e pede-lhe que volte com ele.

III Acto

Euridice não compreende porque é que Orfeu não olha para ela uma única vez. Atribui a atitude à frieza de espírito e não dá oportunidade a Orfeu para se explicar. É então, que depois de muito censurado, Orfeu perde a paciência e se volta para ela. Como consequência Eurídice cai inanimada – uma das cenas mais aguardadas de toda a ópera, à qual se segue a ária “Che farò senza Euridice?”, cantada por Orfeu desesperado. Surge de novo o Cupido. Orfeu provou merecer Eurídice, por isso é-lhe restituída a vida.

Na última cena, no templo do Cupido, Orfeu, Eurídice e Cupido unem as suas vozes às dos pastores e cantam os mistérios e a força do amor.

Fonte: esta.

Christoph Willibald Gluck (1714-1787): Orfeu e Eurídice (completa) (Baltsa, Marshall, Gruberova, Philharmonia Orchestra, Muti)

01. Overtura
02. Ah ! se intorno a ques’ urna funesta
03. Basta, basta, o compagni!
04. Ballo
05. Ah! se intorno a quest’ urna funesta 2
06. Chiamo, il mio ben cosi
07. Numi! barbari Numi!
08. T’assiste Amore!
09. Gli sguardi trattieni
10. Che disse Che ascoltai
11. Ballo – Chi mai dell’Erebo
12. Deh! placatebi con me
13. Misero giovane!
14. Mille pene, ombre moleste
15. Ah quale incognito
16. Ballo 3
17. Che puro ciel!
18. Vieni a’regni del riposo
19. Ballo 4
20. Anime avventurose
21. Torna, o bella

01. ATTO III SCENA 1 Vieni, segui i miei passi
02. Vieni, appaga il tuo consorte! (Orfeo,Euridice)
03. Qual vita e questa mai
04. Che fiero momento! (Euridice)
05. Ecco un nuovo tormento! (Orfeo, Euridice)
06. Che faro senza Euridice
07. Ah finisca e per sempre (Orfeo)
08. ATTO III SCENA 2 Orfeo, che fai (Amore, Orfeo, Euridice)
09. ATTO III SCENA 3 Introduzione
10. Ballo I
11. Ballo II
12. Ballo III
13. Ballo IV (Orchestra)
14. Trionfi Amore! (Orfeo,Coro,Amore,Euridice)

Agnes Baltsa
Margaret Marshall
Edita Gruberova
Ambrosian Opera Chorus
John McCarthy
Philharmonia Orchestra
Riccardo Muti

BAIXAR AQUI – DOWNLOAD HERE

PQP

In -MPB, Baden Powell

.: interlúdio :. Baden Powell (1937-2000) e Vinicius de Moraes (1913-1980): os Afro-Sambas em 5 versões integrais

admin26 de agosto de 202427 de agosto de 202427 Comments

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Desde a sua inauguração, em 2006, o PQP Bach perdeu 3 pessoas que aqui postavam. Alguns de nós nem se conhecem pessoalmente. Nos unimos através da rede e conversamos como grandes amigos. Eu não sei mais a ordem exata, mas creio que o primeiro foi Ammiratore, o segundo, Avicenna e o terceiro, Ranulfus. Avicenna veio a falecer com mais de 70 anos e após longa doença. Ammiratore perdeu a luta para a covid e a ignorância daquele governo lamentável. Sua morte foi especialmente dolorida para todos nós, muito dolorida mesmo. Mas, sei lá, o passamento de Ranulfus me atingiu mais fortemente. Tínhamos a mesma idade — nascemos com diferença de dois meses –, os mesmos gostos, incrivelmente tínhamos os mesmos CDs e vinis, ele parecia ter lido tudo o que li, só que tinha uma cultura muito maior, obtida sei lá onde. Tinha viajado muito mais — morara na Inglaterra, discutia línguas eslavas — e nos ensinava muito sobre literatura e música. Como eu, ele também não tinha muita grana, não. Quando nos conhecemos em um restaurante paulistano — foi apenas um encontro –, tivemos aquele tipo de rara empatia instantânea. E ontem dei de cara com esta sua coletânea de gravações. Ranulfus era muito ligado à cultura afro, da qual conhecia muito. Imagino que ele gostaria que eu a repusesse aqui. É o que faço agora. (PQP)

.oOo.

A primeira versão desta postagem se deu em 10/11/2010, durante os 40 dias que o monge Ranulfus viveu em Salvador, e incluía apenas a 2ª e 3ª das realizações dos Afro-Sambas apresentadas agora. Em 13/05/2011 veio a segunda versão, enriquecida com mais três realizações, inclusive a primeira de todas, cantada pelo próprio Vinicius de Moraes em 1966.

E o conjunto todo volta a cena hoje, 19/10/2013, centenário de nascimento de Vinicius de Moraes – o que, os senhores hão de convir, não é pouca razão, não é mesmo?

Por razões afetivas, o monge optou por reproduzir logo adiante o texto produzido em Salvador em 2010, antecedido apenas de umas rápidas observações sobre as três versões acrescentadas posteriormente,

… antes de mais nada, a primeira gravação, de 1966, com o próprio Vinicius de Moraes no vocal solo, e preciosos arranjos instrumentais de Guerra Peixe. Na nossa modesta opinião, Vinicius se sai surpreendentemente bem: ao contrário de Baden na versão de 1990, jamais desafina – mas para “compensar”, infelizmente o back vocal desafina sistematicamente, do começo ao fim. Pena, pois é uma versão encantadora! É bom notar que contém só 8 faixas; foi na versão de 1990 que Baden incluiu mais dois Afro-Sambas – creio que já integrantes da produção original, apenas não gravados na ocasião – mais uma impressionante introdução instrumental.

A quarta versão, lançada pela Deutsche Grammophon (!) em 2003, é a da baiana Virgínia Rodrigues, descoberta por Caetano Veloso nos anos 90. Dona de um belíssimo vozeirão negro de tessitura grave, às vezes acho que Virgínia compartilha um pouco com Mônica Salmaso aquela famosa questão da interpretação meio plana, igual demais (observação que tantas pedradas já me rendeu). Um pouco. Pois no fundo ela sabe muito mais do que é que está falando… Além disso, achei os belíssimos os arranjos instrumentais e de vozes, onde há. Detalhe: este CD atinge 12 faixas pela inclusão do samba Lapinha, que eu nunca havia visto antes relacionado aos Afro-Sambas – mas, enfim, já o seu título não é Afro-Sambas e sim “Mares Profundos”.

Já a quinta, de 2008, parte para uma formação supostamente mais “clássica”: o coro a vozes. O pessoal do Coral UNIFESP (da Universidade Federal de São Paulo) convidou nada menos que sete arranjadores, alguns que chegaram a resultados belíssimos, outros bons porém mais dentro do já convencional em termos de coralização da MPB. O trabalho é perfeito em termos de afinação, precisão… mas, engraçado, não sinto que essa música ganhe mais “classicidade” por isso. Para ser honesto, sinto que os Afro-Sambas são mais grande música que nunca justo nas duas gravações iniciais, com a participação de Baden, apesar de todos os desafinos. Ainda assim, este CD do Coral UNIFESP é um trabalho que ouço com frequência e prazer, e não deixo de recomendar que vocês baixem e ouçam!

E AGORA O TEXTO ORIGINAL DA POSTAGEM:
De repente o monge Ranulfus se encontra na muy barroca & ainda mais africana cidade de São Salvador da Bahia de Todos os Santos. Querendo fazer uma postagem que de um modo ou de outro tivesse relação com esse fato, lembrou imediatamente dos Afro Sambas – só que… paradoxo: essas peças que fazem inevitavelmente pensar em Bahia foram compostas por um fluminense (BADEN POWELL de Aquino, 1937-2000) e um carioca (Marcus VINICIUS DE Mello MORAES, 1913-1980).

E daí? Tem a ver, sim, com o universo imaginário e estético afro-brasileiro que tem em Salvador sua capital – e sobretudo é música da grande, não tenho dúvida que da mais importante já composta no Brasil. Não segue os procedimentos construtivos do ‘clássico’ de origem europeia? Não parei para analisar e, sinceramente, pouco se me dá: seja como for, não vejo nem ouço razões para não entendê-los como um ciclo de lieder, tanto quanto os de, digamos, Schubert ou Brahms.

Os lieder em questão foram lançados em disco em 1966, com o tremendo violonista que era Baden, e na voz o poeta Vinicius, que definitivamente não era cantor. Não sei se é verdade ou folclore, mas em seus livros de história da bossa nova o jornalista Ruy Castro sacramenta a história de que em 1962 os dois se haveriam trancado em um apartamento por um três meses com várias caixas de cachaça, e saído de lá com 25 obras primas, mas cada um para uma diferente clínica de desintoxicação…

Embora várias das peças tenham se tornado standards em vozes como a de Elis Regina, o conceito do ciclo ficou esquecido por muito tempo. Três décadas depois (1995) o violonista Paulo Belinatti se juntou à recém-surgida cantora Mônica Salmaso, e fizeram a gravação de que muitos podem dizer: “essa é clássica”: virtuosismo instrumental constante, voz cristalina pairando límpida sobre isso o tempo todo… mas… sim, é uma gravação notável, porém… honestamente, não sinto que tenha alma. A voz límpida de Salmaso me parece atravessar tudo com a indiferença de uma beldade gélida e morta. Tudo igual, igual, igual.

Por outro lado o próprio Baden – que viveu a maior parte da vida na Europa, inquestionado como um mestre maior do seu instrumento – já havia feito uma segunda gravação integral em 1990, com o Quarteto em Cy e mais alguns instrumentistas. Esquisitíssima por outras razões: Baden também não era cantor. Tem momentos em que sustenta uma nota longa a quase meio tom de distância de onde deveria estar… e, no entanto, é artista até o fundo dos ossos e com essa mesma nota desafinada me faz correr lágrimas contínuas – não porque esteja doendo no ouvido, mas de beleza pura mesmo. Estado de graça. Vá-se entender!!

Em resumo: a gravação Belinatti-Salmaso é tecnicamente a melhor, mas sinto a do próprio Baden como musicalmente muito superior – seja lá o que queira dizer esse “musicalmente”. Mas talvez nem todos concordem – e por isso mesmo vão aí as duas versões. Bom proveito!

Baden Powell e Vinicius de Moraes: OS AFRO-SAMBAS – em 5 versões integrais
As listagens de faixas e fichas técnicas se encontram em suas respectivas pastas.

1. Versão original com Vinicius e Baden (1966)
com arranjos corais e instrumentais e regência de Guerra Peixe
2. Versão de Baden Powell (1990)
com Quarteto em Cy, Paulo Guimarães, Ernesto Gonçalves e outros (1990)
3. Versão de Paulo Belinatti e Mônica Salmaso (1995)
4. Versão de Virgínia Rodrigues (2003) (“Mares Profundos”)
5. Versão do Coral UNIFESP (2008)

. . . . . . . Baixe aqui / download here

Ranulfus

In Bach, J. S.

J. S. Bach (1685-1750): Variações Goldberg (Gould, 1981)

pqpbach25 de agosto de 202425 de agosto de 20243 Comments

IM-PER-DÍ-VEL !!!

É inacreditável que esta gravação de 1981 — a segunda de Gould para as Variações Goldberg, de Bach –, jamais tenha passado pelo PQP Bach. E que a de 1955 esteja sem link… Mas é da vida. O blog é desprogramado mesmo… Em 1955, Glenn Gould surpreendeu os executivos da Columbia Masterworks ao escolher as Variações Goldberg de J. S. Bach para sua gravação de estreia. Sua performance foi rápida, fluida, brilhante e deliciosa, e foi um sucesso de vendas surpreendentemente grande. Em 1981, Gould fechou o círculo e gravou as Goldberg novamente. Foi sua última gravação de estúdio. Essa segunda tentativa não poderia ser mais diferente da primeira: implacavelmente intelectual, percussiva, insistente. E melhor. Gould não tinha o hábito de regravar, mas um crescente desconforto com aquela performance anterior o fez voltar-se mais uma vez para uma obra-prima atemporal e tentar, por meio de uma perspectiva radicalmente alterada, um relato mais definitivo. Por sua própria admissão, ele havia, durante aqueles anos intermediários, descoberto a “lentidão” ou uma qualidade meditativa muito distante dos dedos brilhantes e da glória pianística. E é esse “repouso outonal” que adiciona uma dimensão tão profundamente imaginativa à clareza desimpedida e à definição precisa de Gould. A Ária agora é hipnotizantemente lenta. As confidências trêmulas da Variação 13 na performance de 1955 dão lugar a algo mais direto, mais incisivo e determinado, enquanto as medidas leves e dançantes da Var. 19 são humoristicamente lentas e precisas. O retorno da Ária também é avassalador em seu profundo senso de consolo e resolução. Pessoalmente, eu não gostaria de ficar sem nenhuma das gravações de Gould, mas devo dizer que a segunda é certamente a melhor. A gravação é soberba e é notável que os dois maiores discos de Gould sejam seu primeiro e seu último.

J. S. Bach (1685-1750): Variações Goldberg (Gould, 1981) — Goldberg Variations, BWV 988 – 1981 Recording

1 Aria 3:05
2 Variatio 1 a 1 Clav. 1:10
3 Variatio 2 a 1 Clav. 0:49
4 Variatio 3 a 1 Clav. Canone All’Unisono 1:31
5 Variatio 4 a 1 Clav. 0:50
6 Variatio 5 a 1 Ovvero 2 Clav. 0:37
7 Variatio 6 a 1 Clav. Canone Alla Seconda 0:40
8 Variatio 7 a 1 Ovvero 2 Clav. 1:16
9 Variatio 8 a 2 Clav. 0:54
10 Variatio 9 a 1 Clav. Canone Alla Terza 0:59
11 Variatio 10 a 1 Clav. Fughetta 1:04
12 Variatio 11 a 2 Clav. 0:54
13 Variatio 12 Canona Alla Quarta 1:38
14 Variatio 13 a 2 Clav. 2:38
15 Variatio 14 a 2 Clav. 1:04
16 Variatio 15 a 1 Clav. Canone Alla Quinta. Andante 5:00
17 Variatio 16 a 1 Clav. Ouverture 1:38
18 Variatio 17 a 2 Clav. 0:54
19 Variatio 18 a 1 Clav. Canone Alla Sesta 1:03
20 Variatio 19 a 1 Clav. 1:03
21 Variatio 20 a 2 Clav. 0:50
22 Variatio 21 Canone Alla Settima 2:13
23 Variatio 22 a 1 Clav. Alla Breve 1:03
24 Variatio 23 a 2 Clav. 0:58
25 Variatio 24 a 1 Clav. Canone All’Ottova 1:42
26 Variatio 25 a 2 Clav. 6:03
27 Variatio 26 a 2 Clav. 0:52
28 Variatio 27 a 2 Clav. Canone Alla Nona 1:21
29 Variatio 28 a 2 Clav. 1:03
30 Variatio 29 a 1 Ovvero 2 Clav. 1:02
31 Variatio 30 a 1 Clav. Quodlibet 1:28
32 Aria Da Capo 3:45

Glenn Gould, piano

BAIXE AQUI — DOWNLOAD HERE (*)

(*) Bit rate baixinho, mas só tenho assim.

[Incursão não autorizada do chapeiro-sênior na postagem do Comandante Supremo:

Ei, chefinho!

Primeiramente, bonita camisa!

Em seguida, queria dizer que aqui estão as Goldberg de Gould em 1981 com um bitrate mais altinho:

BAIXE AQUI COM QUALIDADE MELHOR QUE O LINK DO CHEFINHO

Aproveito a petulante invasão de seu sacrossanto espaço para comunicar – antes da merecida advertência – que a postagem da gravação de 1955 está com links novos.

Caso espirrar, saúde!

Vassily]

PQP

In Boccherini, Luigi, Graziani, Carlo, Haydn, Joseph, Platti, Giovanni Benedetto, Vivaldi, Antonio

Giovincello – Concertos para Violoncelo – Edgar Moreau (violoncelo) – Il Pomo d’Oro & Riccardo Minasi ֍

René Denon24 de agosto de 202425 de julho de 2024Leave a comment

Haydn • Vivaldi

Platti • Boccherini

Graziani

Concertos para Violoncelo

Edgar Moreau já fez sua estreia aqui no blog como camarista, tocando violoncelo em um disco que achei lindo, com peças de Claude Debussy, acompanhado de uma turma de peso. (Aqui…)

Nesta postagem a proposta é outra e o disco é mais antigo, foi o segundo disco do violoncelista, uma coleção de concertos que abrange os períodos barroco e clássico, mas com uma ‘pegada’ mais barroca, com interpretações virtuosísticas e cheias de fantasia, mas também com lindos momentos de ‘galenteios’.

Haydn e Boccherini são compositores do período clássico, enquanto Vivaldi e os menos conhecidos Platti e Graziani são barrocos, se bem que nessa transição é melhor não rotular as coisas tão taxativamente. No momento estou ouvindo o movimento lento do concerto de Grazini, um belíssimo Larghetto grazioso com portamento!

Carlo Graziani, nascido na cidade italiana de Asti por volta de 1710, foi um dos primeiros virtuosos do violoncelo. Viajado, em 1747 ele estava em Paris, depois em Londres, onde tocou com Mozart, em seus 7 anos, em 1764. Graziani se casou com uma cantora de ópera italiana e o casal mudou-se para Frankfurt. Foi contratado pelo príncipe herdeiro do trono da Prússia, que se tornaria Frederico Guilherme II, como seu professor de violoncelo. Aposentou-se da corte prussiana em 1773, sendo sucedido por Jean-Pierre Duport, mas continuou a trabalhar para Frederico Guilherme II com uma pensão muito generosa. Deixou muitos conjuntos de sonatas e vários concertos para seu instrumento.

Giovanni Benedetto Platti era oboísta, mas também um músico muito versátil, pois dominava o violino, cravo, violoncelo, flauta e composição. Com essas características foi contratado pelo Príncipe Arcebispo Johann Philipp Franz von Schönborn, cujo irmão, o Conde Rudolph Franz Erwein von Schönborn era violoncelista amador. O Conde tinha uma coleção de sonatas e concertos de violoncelo, entre eles obras de Vivaldi escritas para ele. Ainda estão na coleção do castelo do Conde, em Wiesentheid, os autógrafos de 22 concertos para violoncelo de Platti, muitos deles comissionados pelo Conde.

Joseph Haydn (1732-1809)

Cello concerto Hob. VIIb.1 in C major

I Moderato
II Adagio
III Allegro Molto

Antonio Vivaldi (1678-1741)

Cello concerto RV 419 in A minor

I Allegro
II Andante
III Allegro

Giovanni Platti 1697-1763

Cello concerto in D major

I Allegro
II Adagio
III Allegro

Luigi Boccherini (1743-1805)

Cello concerto G479 in D major

I Allegro
II Adagio
III Allegro

Carlo Graziani (? – 1787)

Cello concerto in C major

I Allegro moderato
II Larghetto grazioso con portamento
III Rondeau. Allegretto

Edgar Moreau cello

Il Pomo d’Oro

Riccardo Minasi conductor

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

MP3 | 320 KBPS | 186 MB

Partes da crítica da Gramophone: In fact, Moreau’s ‘giovincello’ qualities are what this disc is all about. The balance is engineered so as to place his singing, silkily intense and muscular tone absolutely in the foreground, along with the sound of his fingerboard and his gasps of exertion. […] the Vivaldi’s dramatic final movement is the perfect vehicle for Moreau’s en pointe virtuosity, while the aria-like central movement of Graziani’s concerto leaves us in no doubt as to his ability to sculpt extended phrases with poetry and sense of line.

Na verdade, as qualidades de ‘giovincello’ de Moreau são a essência deste disco. O equilíbrio é projetado de forma a colocar seu tom cantante, sedosamente intenso e muscular absolutamente em primeiro plano, junto com o som dos seus movimentos de dedos e seus suspiros de esforço. […] o dramático movimento final de Vivaldi é o veículo perfeito para o seu virtuosismo, enquanto o movimento central do Concerto de Graziani, semelhante a uma ária, não nos deixa dúvidas quanto à sua capacidade de esculpir frases extensas com poesia e sentido de linha.

Aproveite!

René Denon

In Haydn, Joseph, Shostakovich, Dmitri

Shostakovich: Trios e Romances (Beaux Arts Trio); Haydn: Concerto em ré (Meneses, Gielen, ao vivo)

Pleyel23 de agosto de 202423 de agosto de 2024Leave a comment

In memoriam Antonio Meneses (1957-2024)

Continuando as homenagens a Antonio Meneses, trago duas gravações: a segunda, direto da rádio alemã, está mais abaixo. Comecemos pelo prato principal, a sua última gravação em estúdio com o Beaux Arts Trio há quase 20 anos, a não ser que apareçam outras até agora engavetadas.

O longevo trio, fundado em 1955 com Pressler como integrante fixo e as cordas mudando, teve Meneses como violoncelista de 1998 até a despedida do trio, em 2008. Depois de 2008, os três músicos seguiram carreiras movimentadas: Pressler tornou-se o decano dos pianistas em atividade, tocando praticamente até a véspera da sua morte aos 99 anos. Em 2007 Pressler e Meneses gravaram uma integral das obras para violoncelo e piano de Beethoven (aqui) e Meneses tocou bastante com orquestras e outros pianistas como Maria João Pires. Assim como Pires e Pressler (dois pianistas de mãos relativamente pequenas), Meneses tinha uma certa discrição que fugia do virtuosismo exagerado: a aparência era bem cuidada, claro, e seus ternos eram elegantes, mas certos detalhes entregavam que a preocupação era mais com o som do que com as câmeras.

Aqui nesta gravação de 2005 pelo trio hiper-cosmopolita (Pressler europeu radicado nos EUA, Meneses brasileiro radicado na Europa, Hope um sul-africano que estudou na Yehudi Menuhin School na Inglaterra), temos obras de fases bem diferentes de Shostakovich: o Trio nº 1, obra de juventude, é composto em um único movimento no qual se alternam momentos rápidos e lentos. O Trio nº 2, com uma divisão bem mais clássica em quatro movimentos como uma obra de Haydn ou Schubert, é um pouco posterior ao Quinteto com Piano e às sinfonias nº 7 e 8, ou seja, época em que Shosta já tinha uma voz bem própria e reconhecida mundialmente. Finalmente os Romances para soprano e trio, Op. 127 (1967), são da última fase do compositor, quando seu temperamento se torna mais calmo e reflexivo, como nas sonatas para violino (1968) e para viola (1975) e nos últimos quartetos.

Dmitri Shostakovich (1906-1975):
1. Trio #1 em dó menor, Op. 8
2-5. Trio #2 em mi menor, Op.67
6-12. Sete Romances sobre versos de Alexander Blok, Op. 127

Beaux Arts Trio (Pressler, Meneses, Hope)
Joan Rodgers, soprano – tracks 6-12
Recorded: Auer Hall, Indiana University, 2005

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE – mp3 320 kbps
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E fica como sobremesa uma gravação de rádio do então jovem Meneses com a Orquestra da Rádio Bávara e o maestro alemão Michael Gielen. Que eu saiba, Meneses e Gielen nunca lançaram um disco juntos. Nesta gravação de um dos mais belos concertos já compostos para o violoncelo, a orquestra toca com um molho mais encorpado (metáfora de PQPBach), amanteigado, digamos, se comparado com certas interpretações mais secas de Haydn. Mas há, até hoje, gente que gosta desse tipo de som, e aqui ele nunca chega a exageros intoleráveis. É bom lembrar ainda que nos tempos de Haydn as orquestras em Viena, em Esterháza e em Londres, cidades onde Haydn viveu, soavam bem diferentes entre si, então ninguém vai chegar a uma sonoridade matematicamente exata, estamos combinados?

F.J. Haydn (1732-1809): Violoncellokonzert D-dur, Hob. VIIb/2

Das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
Michael Gielen, conductor (1927 – 2019)
Antonio Meneses, cello (1957 – 2024)

Recorded: rec. 8/9 March 1979 Munich

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE – mp3 320 kbps
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Beaux Arts Trio: Pressler, Hope, Meneses

In Bach, J. S.

Johann Sebastian Bach (1685-1750) – Suítes para violoncelo solo, BWV 1007-1012, nas três gravações de Antonio Meneses

Vassily Genrikhovich23 de agosto de 202412 de maio de 20252 Comments

Antonio Meneses em 2010 (https://flickr.com/photos/tvbrasil/5257503493/, CC BY-NC-SA 2.0)

I
Grand Théâtre de Genève, Suíça, década de 90

Antonio Meneses [em inglês]: Oi! Para quem é o autógrafo?
Vassily Genrikhovich [em português]: Olá, Antonio! É para [o nome do impostor que está em meu RG], por favor.
AM: Rapaz, eu nunca diria que você é brasileiro! [sorri enquanto autografa o CD do Don Quixote com os filarmônicos de Berlim sob Karajan]
VG: Às vezes até eu tenho dúvidas.
AM [em inglês, dirigindo-se à então esposa, a pianista filipina Cecile Licad, que o acompanhara no recital]: Eu achei que ele era filipino.
Cecile Licad [interessadíssima, em tagalog]: Você é pinoy? [termo tagalog para “filipino”]
VG [em inglês, porque fala lhufas de tagalog] Sou brasileiro.
CL [sem mais qualquer interesse no semblante]: …
AM [em português, rindo]: Acho que ela não gosta de brasileiros [devolvendo-me o CD autografado] Ainda bem que ela me abriu uma exceção…

II
Philharmonie de Colônia, Alemanha, primeira década do século XXI

VG [em português]: Olá, Antonio! Para [o nome do impostor, novamente], por favor.
AM [sorrindo]: Brasileiro tem todas as caras, mesmo! [autografa o programa, em que tocara o primeiro concerto de Haydn]
VG: Há uns dez anos, em Genebra, você achou que eu fosse filipino.
AM: É mesmo? Hoje eu diria que você é japonês!
VG [rindo]: Fui rebaixado?
AM [com um sorriso maroto]: Foi promovido!

[a ficha só cairia depois do Google me contar que Antonio, divorciado de Cecile, se casara com a japonesa Satoko]

III
Sala São Paulo, exatamente cinco 3-de-agostos antes deste último e tão triste 3 de agosto

AM: Oi!
VG: Olá, Antonio! Sou [nome do impostor, uma vez mais].
AM [autografando o programa do concerto da Osesp com a estreia mundial do Concerto para violoncelo de Marlos Nobre, dedicado a ele próprio]: Gostou do concerto?
VG: Adorei!
AM: O Marlos não teve pena de mim, não.
VG: Sou seu fã há décadas, desde que ouvi seu Don Quixote com Karajan.
AM: Que bacana! Obrigado por vir!
VG: Fico imaginando o que era tocar com Karajan.
AM: Karajan era tranquilo. Mas o…
VG: ?
AM [gargalhando e devolvendo o programa autografado]: Deixa quieto…

Não conseguirei escrever seu obituário. Partiu cedo demais e com muito ainda a oferecer ao Som. E, porque eu o sinto vivo, farei com que ele viva também entre os leitores-ouvintes através das três gravações que nos deixou das eudaimônicas suítes do Demiurgo da Música, cada uma delas mais ou menos contemporânea das breves janelas que se me abriram para ele e que me deram a medida da falta que o virtuose da Música e das panelas, professor zeloso e querido amigo fará aos que lhe foram próximos.

Em memória de Antonio Meneses Neto (23 de agosto de 1957, Recife – Basileia, 3 de agosto de 2024).

Johann Sebastian BACH (1685-1750)
Suítes para violoncelo solo, BWV 1007-1012

No. 1 em Sol maior, BWV 1007
Prélude
Allemande
Courante
Sarabande
Menuets I & II
Gigue

No. 2 em Ré menor, BWV 1008
Prélude
Allemande
Courante
Sarabande
Menuets I & II
Gigue

No. 3 em Dó maior, BWV 1009
Prélude
Allemande
Courante
Sarabande
Bourrées I & II
Gigue

No. 4 em Mi bemol maior, BWV 1010
Prélude
Allemande
Courante
Sarabande
Bourrées I & II
Gigue

No. 5 em Dó menor, BWV 1011
Prélude
Allemande
Courante
Sarabande
Gavottes I & II
Gigue

No. 6 em Ré maior, BWV 1012
Prélude
Allemande
Courante
Sarabande
Gavottes I & II
Gigue

Antonio Meneses, violoncelo

Primeiro registro:

Gravado na Sala Casals em Tokyo, Japão,
de 14 a 16 de outubro e em 18 e 19 de dezembro de 1993.

Lançado em 25 de abril de 1994 pelo selo Philips, somente no mercado japonês.

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Segundo registro:

Gravado na Igreja Saint Martin, East Woodhay, Hampshire, Reino Unido, de 2 a 5 de junho de 2004.

Lançada em 2004 pelo selo Avie.

OUÇA NO TIDAL – LISTEN ON TIDAL
OUÇA NO SPOTIFY – LISTEN ON SPOTIFY

Terceiro registro:

Gravado no Estúdio Arsis de São Paulo (SP) em 2023.

Lançado em 15 de dezembro de 2023 – seu canto do cisne discográfico – pelo selo Azul.

OUÇA NO TIDAL – LISTEN ON TIDAL
OUÇA NO SPOTIFY – LISTEN ON SPOTIFY

Recomendo fortemente que, ao ouvirem estas gravações, escutem também as seis primeiras faixas do álbum a seguir, que servem como preâmbulos às Suítes do Maior de Todos:

Antonio Meneses – Suítes brasileiras

Do saudoso Antonio vocês já me viram postar aqui:

Richard Strauss (1864-1949) – Don Quixote – Till Eulenspiegel – Meneses – Karajan

BTHVN250 – A Obra Completa de Ludwig van Beethoven (1770-1827) – Sonatas para violoncelo e piano, Op. 102 [Beethoven – Complete Works for Cello and Piano – Meneses – Pressler]

AM e VG em São Paulo, no último encontro que tiveram

Vassily

In -Comunicados e Proclamações

In memoriam Antonio Meneses (1957-2024) – 23 de agosto: Dia do Violoncelista Brasileiro

Vassily Genrikhovich23 de agosto de 202415 de outubro de 2024Leave a comment

No que seria o sexagésimo sétimo aniversário de Antonio Meneses, eu abraço – com a certeza de que meus colegas também o fazem – a proposta da Associação Brasileira de Violoncelistas (Abracello) de que o 23 de agosto se torne o Dia do Violoncelista Brasileiro. Mais sobre a iniciativa no Instagram da Abracello.

Vassily

In -Choro / Chorinho

.: interlúdio :. Acervo Especial: Choros

pqpbach22 de agosto de 202423 de julho de 2024Leave a comment

Um bom CD de chorinhos clássicos em versões remasterizadas e o escambal. A origem da designação “choro” para este gênero musical é controversa. Dentre as hipóteses, a primeira propõe que o termo teria surgido de uma fusão entre “choro”, do verbo chorar, e “chorus”, que em latim significa “coro”. Para Lúcio Rangel e José Ramos Tinhorão, a expressão choro derivaria da maneira chorosa, melancólica, com que os violonistas do século XIX acompanhavam as danças de salão europeias. Por extensão, próprio conjunto de choro passou a ser denominado pelo termo. Já Ary Vasconcelos vê a palavra choro como uma corruptela de choromeleiros, corporações de músicos que tiveram atuação importante no período colonial brasileiro. Os choromeleiros executavam, além da charamela, outros instrumentos de sopro. O termo passou a designar, popularmente qualquer conjunto instrumental. Câmara Cascudo arrisca que o termo pode também derivar de “xolo”, um tipo de baile que reunia os escravos das fazendas, expressão que, por confusão com a parônima portuguesa, passou a ser conhecida como “xoro” e finalmente, na cidade, a expressão começou a ser grafada com “ch”. No princípio, a palavra designava o conjunto musical e as festas onde esses conjuntos se apresentavam, mas já na década de 1910 se usava o termo para denominar um gênero musical consolidado. A partir das primeiras décadas do século XX o termo “choro” passou a ser utilizado tanto para essa acepção como para nomear um repertório de músicas que inclui vários ritmos. A despeito de algumas opiniões negativas sobre a palavra “chorinho”, essa também se popularizou como referência ao gênero, designando um tipo de choro em duas partes, ligeiro, brejeiro e comunicativo.

Acervo Especial: Choros

1 Pixinguinha & Benedito Lacerda– Naquele Tempo
2 Jacob Do Bandolim– Vibrações
3 Paulo Moura– Espinha De Bacalhau
4 Conjunto Galo Preto*– Recado
5 Dominguinhos– Brasileirinho
6 Deo Rian*– Tenebroso
7 Canhoto & Seu Regional*– Fogo Na Roupa
8 Pixinguinha & Benedito Lacerda– Displicente
9 Jacob Do Bandolim– Noites Cariocas
10 Paulo Moura– Peguei A Reta
11 Conjunto Galo Preto*– Estou Voltando
12 Dominguinhos– Doce De Coco
13 Deo Rian*– Odeon
14 Canhoto & Seu Regional*– Enigmático

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Chorinho (1942), de Candido Portinari (1903- 1962)

PQP

In Almeida Prado, José Antônio Rezende de

José Antônio de Almeida Prado (1943-2010): Ilhas / 14 Noturnos (Scopel, piano)

Pleyel21 de agosto de 202421 de agosto de 20241 Comment

Um disco recente com obras pouco conhecidas de Almeida Prado. Ouçam e cheguem a suas próprias conclusões. Eu cheguei às minhas: Ilhas (1973), escrito na mesma linguagem de Cartas Celestes I (1974) é uma obra impressionante, com um uso monumental das possibilidades expressivas do piano. Os Noturnos (1985-1991) são obras bem mais simples, nas quais o compositor parece ter se voltado para o público dizendo algo na linha de: “vocês querem belas melodias e harmonias emocionantes? Então toma.” Simplicidade não é moleza: há quem faça do uso de poucas e certeiras notas uma marca após anos de experiência no assunto… Prado, pelo contrário, parece achar aqui que é fácil ser simples. Mas Ilhas, que ocupa 1/3 do disco, já vale o download.

“A obra Ilhas foi escrita em 1973, um ano antes da composição do primeiro volume de suas Cartas Celestes, sua obra mais importante para piano. Ela pode ser ouvida como sua predecessora, principalmente pelo uso de um material cordal pré-estabelecido através das sete ilhas, chegando à sua apresentação final no Arquipélago. O gérmen da exploração de sonoridades de ressonância do instrumento também está presente aqui. A associação poética com títulos como Ilha de Gelo, Pedra ou Flores, por exemplo, nos dá a indicação de uma música programática, uma maneira a mais para se identificar com a obra, passando pela ígnea densidade dos 9 vulcões ao majestoso e impessoal iceberg da Ilha de Gelo. Essa é definitivamente uma obra mística que merece ser apreciada a todo volume.” (Aleyson Scopel)

Almeida Prado:
Nocturnes nº 1-14 (1985-1991)
Ilhas (Islands) (1973)

Aleyson Scopel, piano
Recording Dates: 4–5 October 2021
Recording Venue: Sala Cecília Meireles, Rio de Janeiro, Brazil

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Almeida Prado, como Milton Nascimento e Baby do Brasil, era melhor nos anos 1970 (Foto no Jornal do Brasil)

Pleyel

In Liszt, Franz

Franz Liszt (1811-1886): Liszt Piano Recital (Leif Ove Andsnes)

fdpbach21 de agosto de 202413 de agosto de 202426 Comments

Fiz tanta propaganda para o rapaz que nada mais justo que mostrar um pouco de seu talento neste cd excepcional, só com obras de Franz Liszt.

Ouvi este cd três vezes seguidas, e posso recomendá-lo sem pestanejar. Sei que alguns leitores consideram a obra de Lizst um monte de notas sem sentido, mas talvez ao ouvirem esta interpretação mudem de opinão. Sim, concordo, é um virtuosismo exagerado o que se pede para interpretar estas obras, mas creio que Andsnes consegue demonstrar que por trás de tantas notas existe vida. Sobre este cd, o editorial da amazon.com escreveu o seguinte:

“An index to the excellence of Leif Ove Andsnes’s Liszt recital is that he makes familiar works exciting and fresh-sounding and obscure ones persuasive and accessible. Andsnes turns the “Mephisto” Waltz No. 1 from a tired circus stunt into a tone poem daring in its effrontery and voluptuous in its lyricism. He plays the “Dante” Sonata without the usual penny-awful bludgeoning and sentimental blustering and lifts its treatment of love, chaos, and redemption to an exalted level. The infrequently performed “Andante lagrimoso” (No. 9 of the Harmonies poétiques et religieuses) is haunting in its unceasing alterations between pain and serenity. And in late works–such as the Second and Fourth “Mephisto” Waltzes and the “Valse oubliée” No. 4–the pianist shows us how far Liszt had traveled from romanticism toward both expressionism and impressionism, making us understand how these works lit the paths of composers as diverse as Debussy, Schoenberg, and Bartók. If you buy only one recording of Liszt’s piano music this year, make it this.

Confesso que não tenho muita familiaridade com a obra de Liszt, com excessão de seus concertos para piano, já postados aqui, e sua Sinfona “Fausto”, além, é claro, de suas rapsódias, e sempre me chamou a atenção sua capacidade de fazer espetáculo. Segundo seus biógrafos, Liszt seria um showman da época, e seu virtuosismo enquanto pianista se transmitiu à sua obra, de difícil execução para os solistas. O cd que ora posto tem momentos de puro virtuosismo, sim, mas ao mesmo tempo, graças a um excepcional intérprete, vemos que “the pianist shows us how far Liszt had traveled from romanticism toward both expressionism and impressionism, making us understand how these works lit the paths of composers as diverse as Debussy, Schoenberg, and Bartók, como bem exemplifica o editorial da amazon. Outro comentarista do mesmo site diz que nunca viu tanto vigor e paixão numa interpretação de uma obra de Liszt. E assino embaixo, ainda mais depois daquela excepcional performance que tive o raro prazer de presenciar semana passada.

Ah, e não se preocupem, a saga Gilels/Beethoven continua.

Franz Liszt – Liszt Piano Recital – Leif Ove Andsnes

01. Apres une lecture du Dante (Années de pèlerinage, 2e année Italie)
02. Valse Oubliee No 4
03. Mephisto Waltz No 4
04. Die Zelle in Nonnenwerth Elegie Version 4
05. Ballade No 2
06. Mephisto Waltz No 2
07. Andante Lagrimoso (Harmonies Poe iques et Religieuses No 9)
08. Mephisto Waltz No 1 Der Tanz in der Dorfschenke

Leif Ove Andsdnes – Piano

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FDP

In Liapunov, Serguei

Serguei Liapunov (1859-1924): 12 Estudos de Execução Transcendente, Op. 11 (Scherbakov)

pqpbach20 de agosto de 202413 de agosto de 202413 Comments

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Olha, esse CD é muito bom. Achei meio ridícula a pomposidade do nome da obra, mas, se esta pode servir de piada, logo um oh! de surpresa cala qualquer intenção menos séria. Scherbakov é um pianista monstruoso e dá aos Estudos de Liapunov grande expressividade. Ao procurar saber mais sobre Liapunov, li várias vezes a expressão neglected composer. Bem, aqui no PQP, com nossos mais de mil compositores, ninguém é negligenciado, nem o ultrarromântico Liapunov ou Lyapunov. Scherbakov é apenas o segundo pianista a gravar o conjunto completo dos Estudos Transcendentais de Liapunov duas vezes, seguindo os passos de Louis Kentner, cuja primeira versão (de 1949) continua sendo a padrão. Estranhamente, as primeiras versões de ambos os pianistas são amplamente preferíveis às suas segundas tentativas. Esta é a primeira gravação de Scherbakov (1993) e está em segundo lugar, logo atrás de Kentner, à frente das gravações mais recentes de Vincenzo Maltempo e Etsuko Hirose.

Serguei Liapunov (1859-1924): 12 Estudos de Execução Transcendente, Op. 11 (Scherbakov)

1. 12 Etudes d’execution transcendante, Op. 11: Lullaby 3:38
2. 12 Etudes d’execution transcendante, Op. 11: Dance of the Ghosts 3:05
3. 12 Etudes d’execution transcendante, Op. 11: Pealing of Bells 6:10
4. 12 Etudes d’execution transcendante, Op. 11: Terek 4:06
5. 12 Etudes d’execution transcendante, Op. 11: Summer Night 7:26
6. 12 Etudes d’execution transcendante, Op. 11: Storm 4:35
7. 12 Etudes d’execution transcendante, Op. 11: Idyll 4:38
8. 12 Etudes d’execution transcendante, Op. 11: Epic Song 8:37
9. 12 Etudes d’execution transcendante, Op. 11: Aeolian Harps 6:24
10. 12 Etudes d’execution transcendante, Op. 11: Lesginka 7:10
11. 12 Etudes d’execution transcendante, Op. 11: Dance of the Elves 4:03
12. 12 Etudes d’execution transcendante, Op. 11: Elegy in Memory of Franz Liszt 11:17

Konstantin Scherbakov, piano

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Sergei_Lyapunov — Olhando as fotos dele, não hesito em chamá-lo de dândi

PQP

In Bach, J. S.

Johann Sebastian Bach (1675-1750): Goldberg Variations (Gould, 1955)

admin20 de agosto de 202419 de fevereiro de 20254 Comments

Minha cara colega Clara Schumann já deixou mais do que claro sua paixão por Schubert. Seus textos de apresentação são verdadeiros poemas, demonstrando toda sua sensibilidade de poetisa. PQP Bach e eu, FDP Bach, não possuímos esta qualidade de texto. Somos mais sintéticos, digamos assim. Apresentamos a obra, fazemos alguma análise histórica, e ponto final. FDP resolveu escolher esta gravação histórica das Variações Goldberg de nosso pai Johann S. Bach por diversas razões. Como sabemos que existem razões que nem a própria razão explica, esta gravação se tornou a favorita de muitos, inclusive, é claro, deste que vos escreve. Já apresentamos Glenn Gould em outra ocasião, inclusive emprestamos um texto de nosso amigo Milton Ribeiro para ilustrar. Aliás, Milton comentou dia destes com FDP que estava preparando um texto sobre as Variações Goldberg. O blog aguarda ansiosamente. Mas chega de falar. Quem quiser saber mais sobre este pianista único pode procurar nas boas livrarias a biografia que Otto Friderich escreveu sobre ele, e nas locadoras de dvd, um “documentário” chamado “32 Short Films About Glenn Gould” . Ah, a biografia do Friederich foi publicada pela Ed. Record. Mas vamos ao que interessa.

Johann Sebastian Bach (1675-1750): Goldberg Variations (Gould, 1955)

Glenn Gould – Piano

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FDP / Vassily

In Schoenberg, Arnold

Arnold Schoenberg (1874-1951): A Música para Piano (Pollini)

pqpbach20 de agosto de 202421 de julho de 20241 Comment

Pollini chamou essas peças de as provavelmente mais importantes para piano do século XX. A proposição é discutível, não é discutível a qualidade das interpretações de Pollini. Aqui e ali, pode-se objetar sobre detalhes, e a primeira peça do Op. 11, que inicia o disco, sempre me pareceu muito estática, mas, no geral, há uma combinação de maestria intelectual e pianística que é indubitavelmente extraordinária. A oportunidade de ouvi-la em som remasterizado digitalmente não deve ser perdida. Se você é novo nesse repertório, não espere ser cortejado ou seduzido — Schoenberg não era um pianista talentoso, e parece ter usado o instrumento mais para aventuras ousadas no desconhecido do que para relaxamento. Aceite o choque ou vá direto para o Op. 11 No. 3 ou a Giga do Op. 25. Para um descanso lírico, experimente o Op. 33 a. Mas não importa para onde você olhe, pode ter certeza de que a percepção musical e o virtuosismo de Pollini, sem mencionar a gravação da DG, apresentam a música da melhor forma possível.

Arnold Schoenberg (1874-1951): A Música para Piano (Pollini)

Three Piano Pieces Op. 11 = Drei Klavierstücke Op. 11 = Trois Pièces Pour Piano, Op. 11 = Tre Pezzi Per Pianoforte Op. 11 (13:36)
1 1. Mässig 3:53
2 2. Mässige Achtel 7:11
3 3. Bewegt 2:32

Six Little Piano Pieces Op. 19 = Sechs Kleine Klavierstücke Op. 19 = Six Petites Pièces Pour Piano, Op. 19 = Sei Piccoli Pezzi Per Pianoforte Op. 19 (5:10)
4 1. Leicht, Zart 1:12
5 2. Langsam 0:53
6 3. Sehr Langsame Viertel 0:59
7 4. Rasch, Aber Leicht 0:26
8 5. Etwas Rasch 0:32
9 6. Sehr Langsam 1:08

Five Piano Pieces Op. 23 = Fünf Klavierstücke Op. 23 = Cinq Pièces Pour Piano, Op. 23 = Cinque Pezzi Per Pianoforte Op. 23 (10:12)
10 1. Sehr Langsam 2:03
11 2. Sehr Rasch 1:18
12 3. Langsam 2:47
13 4. Schwungvoll 1:37
14 5. Walzer 2:27

Suite For Piano Op. 25 = Suite Für Klavier Op. 25 = Suite Pour Piano, Op. 25 = Suite Per Pianoforte Op. 25 (14:16)
15 Präludium: Rasch 0:59
16 Gavotte: Etwas Langsam, Nicht Hastig (Attacca:) 1:04
17 Musette: Rascher 1:11
18 Gavotte (Da Capo) 1:10
19 Intermezzo 3:21
20 Menuett: Moderato – Trio 3:56
21 Gigue: Rasch 2:35

22 Piano Piece Op. 33a = Klavierstück Op. 33a = Pièce Pour Piano, Op. 33a = Pezzo Per Pianoforte Op. 33a. Mässig 2:06

23 Piano Piece Op. 33b = Klavierstück Op. 33b = Pièce Pour Piano, Op. 33b = Pezzo Per Pianoforte Op. 33b. Mässig Langsam 3:31

Maurizio Pollini, piano

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Schoenberg em momento de alegria com sua entusiasmada família.

PQP

In Schubert, Franz

Franz Schubert (1797-1828): Symphonie No. 9 · Rosamunde: Ouvertüre (Die Zauberharfe) (The Chamber Orchestra Of Europe · Claudio Abbado)

pqpbach19 de agosto de 202421 de agosto de 20248 Comments

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Hoje é o aniversário de… PQP Bach. Aniversário não do blog ou do personagem, mas do ser humano que há, dizem, por trás. Por isso, vou postar duas obras-primas neste 19 de agosto. Esta é a segunda.

Um CD eletrizante! Esta gravação de Schubert é uma sobre a qual não é realmente necessário dizer muito. É, provavelmente, a melhor performance da Nona que me lembro de ter ouvido e a direção de Abbado é magistral. Seu ritmo para cada movimento parece ser o ideal e ele frequentemente molda a música com sutis modificações de andamento da maneira que um maestro como Furtwängler teria feito. Abbado, nesta gravação de 1987, é um grande músico continuando a explorar a música e a renovar sua abordagem para obras que ele deve ter conduzido muitas vezes. Há também uma determinação em manter os mais altos padrões possíveis de musicalidade, trabalhando com músicos de primeira linha. Ele regravou a Nona em 2011, mas nunca ouvi a gravação.

Franz Schubert (1797-1828): Symphonie No. 9 · Rosamunde: Ouvertüre (Die Zauberharfe) (The Chamber Orchestra Of Europe · Claudio Abbado)

Sinfonia Nr. 9, D 944, “A Grande”
1 1. Andante – Allegro Ma Non Troppo 16:46
2 2. Andante Con Moto 15:26
3 3. Scherzo. Allegro Vivace 14:02
4 4. Allegro Vivace – Trio 15:29

5 Rosamunde: Ouverture (“Die Zauberharfe” D. 644) 10:12

Conductor – Claudio Abbado
Orchestra – The Chamber Orchestra Of Europe

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Edward Sorel – Caricatura de Franz Schubert – 1967

PQP

In -Jazz

.: interlúdio :. John Surman – Upon Reflexion (1979)

pqpbach19 de agosto de 202416 de julho de 20246 Comments

AB-SO-LU-TA-MEN-TE IM-PER-DÍ-VEL !!!

Hoje é o aniversário de… PQP Bach. Aniversário não do blog ou do personagem, mas do ser humano que há, dizem, por trás. Por isso, vou postar duas obras-primas neste 19 de agosto. Está é a primeira.

Durante anos disse que Upon Reflexion era o melhor LP/CD editado pela grande ECM. Hoje, eles lançam tanta coisa que talvez fosse perigoso manter esta opinião. De qualquer maneira, este seria um dos discos que levaria para a ilha deserta, trata-se de um dos melhores discos de jazz de todos os tempos. O disco abre com a espetacular Edges Of Illusion cujo solo decorei de tanto ouvir o LP desde 1980. Tal solo vem do sax barítono de Surman com algumas fundamentais intervenções melódicas do sax soprano. O curto ostinato viajandão do fundo deve-se aos sintetizadores. O som dos saxofones de Surman é algo. O ostinato da agitada Filigree vem de diversos saxofones sobrepostos que somem maravilhosa Caithness To Kerry, escrita para sax soprano solo. Alegre, ingênua e pastoral em sua absoluta falta de acompanhamento, parece ter sido composta pelo louco da aldeia. O louco some na sonoridade de jazz clássico de Beyond a Shadow, uma bela e negra composição do inglês, com acompanhamento de sintetizadores, saxofones e participação decisiva do clarone (bass clarinet). O lado 2 de meu antigo disco começava com Prelude And Rustic Dance. O louco da aldeia, já com os antipsicóticos em dia, organiza uma cortina de agitados saxofones para o solo de sax soprano de Surman. A poética e tranquila The Lamplighter acalma as coisas, preparando a área para a curta correria de Following Behind, uma brincadeira com ecos. Constellation talvez seja a melhor composição do disco. No ostinato voltam com tudo os sintetizadores.

John Surman: Upon Reflection (1979)

1. Edges Of Illusion 10:10
2. Filigree 3:41
3. Caithness To Kerry 3:51
4. Beyond A Shadow 6:40
5. Prelude And Rustic Dance 5:14
6. The Lamplighter 6:19
7. Following Behind 1:24
8. Constellation 8:16

all composed by Surman
recorded May 1979, Talent Studio, Oslo

John Surman, baritone and soprano saxophones, bass clarinet, synthesizers

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PQP

In Mozart, Wolfgang Amadeus

Mozart (1756 – 1791): Die Entführung aus dem Serail (O Rapto do Serralho) – Soloists – The Monteverdi Choir – The English Baroque Soloists – John Eliot Gardiner (HIP) & Soloists – The Academy of St. Martin-in-the-Fields – Colin Davis ֍

René Denon18 de agosto de 202416 de julho de 20242 Comments

Mozart

Die Entführung aus dem Serail

RD Postagem # 500

Chega de tanto videogame, eu disse aos meus filhos, vamos assistir a uma ópera de Mozart, algo que alegre o coração e nos afaste dessa violência virtual desses jogos… Assim, fomos ver (no DVD da sala, é claro), o Rapto do Serralho!

Pois eles adoraram e Osmin foi, por um bom tempo, um dos seus personagens preferidos, ao lado do Goku e do Vedita. E eu gostei tanto da música e dos costumes turcos que institui lá em casa uma espécie de ritual. Sempre que voltava do trabalho a esposa colocava em fila quem estivesse na área, filhos, cachorrada, e assim que eu adentrasse pelo portão soava em altos brados o coro dos janissários saudando o Paxá Selim:

Singt dem großen Bassa Lieder
Töne feuriger Gesang;
Und vom Ufer halle wieder
Unsrer Lieder Jubelklang!

Que se elevem ao grande Paxá nossas vozes em ardente aclamação;

Que desde a praia ecoem os alegres sons de nossa canção!

Vivíamos então propriamente em Piratininga…

1781 foi um daqueles anos ainda mais complicados na vida de Mozart. Foi o ano no qual ele finalmente levou um pé-no-traseiro, livrando-se de vez do Arcebispo Coloredo, indo morar em Viena. Apesar de todas as incertezas financeiras e das confusões com os assuntos pessoais, em função de sua relação com Constanze, Mozart era agora dono de seu próprio nariz.

O Rapto do Serralho é fruto de uma encomenda para o National Singspiegel, que havia sido fundado há poucos três anos pelo Imperador José II. A obra devia ser uma espécie de ópera cantada em alemão, mas também com diálogos, e era vista como uma forma menor do que as óperas em italiano. Essa perspectiva certamente era reforçada pelos cantores italianos que viviam em Viena, assim como pelos compositores de ópera em italiano.

A obra foi sendo composta calmamente, mas desde sua estreia em julho de 1782 experimentou um enorme e imorredouro sucesso – o primeiro de Mozart em Viena. Tanto que quase instantaneamente suas melodias foram arranjadas para conjuntos de sopros e eram tocadas em todas as partes.

O Serralho é o palácio do Paxá, onde ele mantém seu harém e onde estão presos a mocinha Konstanze (coincidência?), sua criada inglesa, Blonde, e Pedrillo, o servo de um nobre espanhol, o amado da Konstanze, chamado Belmonte, que está em busca dos três. Eles foram raptados por piratas turcos e vendidos como escravos para o Paxá Selim.

É claro que o Paxá está de olho na mocinha, mas ele é do tipo que não gosta de forçar a barra, e está dando um tempo para a moça aceita-lo.

Tudo isso sabemos por ter-nos sido contado por um passarinho verde e a ópera começa com Belmonte chegando ao Serralho em busca de informações, perguntando por Pedrillo a Osmin, o guardião e buldogue do Paxá, e que adoraria mostrar ao rascal Pedrillo todas as belas formas de torturas locais, entre elas as famosas bastonadas…

Como há de se esperar, mil confusões se seguem, com o astucioso Pedrillo apresentando o amo Belmonte ao Paxá como se fosse um arquiteto que dará um repaginada no Serralho.

Neste ponto é impossível não traçar um paralelo entre alguns dos personagens dessa ópera com membros do elenco de outro grande sucesso de Mozart: a Flauta Mágica: O casal Konstanze/Belmonte está para Tamina/Pamino assim como Pedrillo/Blonde está para Papagena/Papageno. O Paxá Selim corresponde a Sarastro e Osmin lembra um de alguma forma a Monostatos, apesar da grande diferença dos tipos vocais – baixo e tenor.

Voltando ao Rapto, o plano de fuga tramado pelos reféns envolve embriagar Osmin e raptar as moças, fugindo em seguida para a Espanha. A trama começa, mas, como se poderia esperar, as coisas desandam e eles são pegos. Belmonte então se apresenta como filho de um nobre espanhol, dando uma clara carteirada, tão nossa conhecida. Pois o tiro sai pela culatra, o tal nobre espanhol pai de Belmonte é o desafeto-mor do Paxá, ele mesmo tendo sido outrora nobre espanhol que fora traído justamente pelo dono da carteira usada pelo Belmonte – vá saber o que bebiam ou fumavam os libretistas daqueles dias.

Reação do Gardiner quando o pessoal do PQP Bach quis saber qual a marca de suas luvas de box: Everlast?

Com o filho de seu arqui-inimigo nas mãos, já se pensa, Osmin em grande alegria planeja os requintes de sofrimentos a serem infligidos aos sacripantas. No entanto, mais uma vez seus desejos serão adiados, o Paxá decide pagar com o bem os maus tratos de outrora e perdoa a todos e os manda de volta para casa. Os quatro partem com os bons votos do magnânimo Paxá que recebe mais uma vez o exultante Coro dos Janízaros, assim como pode ser visto na sequência do lindo filme Amadeus.

Uma das razões para o instantâneo sucesso dessa obra foi o uso da chamada música turca, que andava especialmente no gosto dos vienenses naqueles dias. Quem não conhece o movimento de Sonata para Piano, chamada Marcha Turca, de Mozart? Outros exemplos de música turca são encontrados nas obras de Haydn e mesmo Beethoven. Veja mais aqui e aqui.

Outro aspecto interessante sobre o Rapto é o fato de que Mozart não refrescou para os cantores e criou para ela algumas de suas árias mais difíceis. Uma delas é a ária de Konstanze chamada Martern aller Arten, na qual Konstanze explica ao atônito Paxá que preferiria experimentar os requintes de tortura turca a trair a memória de seu antigo amor.

Escolher uma boa gravação para a postagem se revelou uma tarefa a um só tempo divertida e difícil. Há muitas escolhas e na rodada final restaram muitas possibilidades na mesa. Das gravações mais antigas cogitei uma com Karl Böhm na regência, mas apesar das vozes maravilhosas, achei que a segunda gravação de Josef Krips, com selo EMI, é imbatível nesse segmento. Mas queria alguma coisa mais recente. Uma gravação destas que gostei bastante é a (segunda) de George Solti (quem diria?). Aqui a orquestra é a Wiener Philharmoniker e Kathleen Battle canta lindamente. Acabei optando por uma gravação historicamente informada, mas não apenas por isso. Acho que essa gravação, com a direção do maestro John Eliot (Manitas de Piedra) Gardiner, é uma das que mais facilmente eu retornaria, em qualquer situação. No entanto, se você tiver a oportunidade, há também gravações com Christopher Hogwood, René Jacobs, William Christie e Nikolaus Harnoncourt que valem a pena de serem ouvidas. De qualquer forma, talvez alguma das versões mencionadas possa aparecer num futuro não muito distante.

Colin mostrando apresentando sua iguana para o pessoal do PQP Bach

Considerei, no processo da montagem da postagem, que uma outra bela possibilidade para a audição seria a gravação com Colin Davis regendo a Academy of St. Martin-in-the-Fields. Essa gravação está na caixa da Philips com a ‘Obra Completa’ de Mozart, editada por volta de 1991, para faturar bastante, na esteira das edições em datas significativas, no caso, duzentos anos de morte de Mozart. Afinal, os filhos dos donos das gravadoras precisam manter suas Ferraris, Lamborghinis ou Bugattis.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)

Die Entführung aus dem Serail (O Rapto do Serralho)

Singspiel (Ópera em alemão) em três atos

Gravação com instrumentos de época -HIP

Konstanze: Luba Orgonášová

Blonde: Cyndia Sieden

Belmonte: Stanford Olsen

Pedrillo: Uwe Peper

Osmin: Cornelius Hauptmann

English Baroque Soloists and Monteverdi Choir

John Eliot Gardiner

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MP3 | 320 KBPS | 304 MB

One of the main attractions to this recording is the rarely recorded Luba Orgonášová. This Slovakian soprano reminds me of what Joan Sutherland might have sounded like if she performed the entirety of Konstanze’s music. She brings a large beautiful sound to the coloratura and long sensitive phrasing, however, at times her interpretation lacks feeling and clear diction.

Die Entführung aus dem Serail (O Rapto do Serralho)

Singspiel (Ópera em alemão) em três atos

Gravação com instrumentos modernos:

Konstanze: Christiane Eda-Pierre

Blonde: Norma Burrowes

Belmonte: Stuart Burrows

Pedrillo: Robert Tear

Osmin: Robert Lloyd

Academy of St Martin in the Fields

Sir Colin Davis

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MP3 | 320 KBPS | 303 MB

Trecho de um blog interessante: When I began listening to Mozart, Colin Davis’ interpretations were always my first pick. Not only do his records showcase some of the best singers in these roles, but he also brings out fine details in the orchestra while at the same time letting the voices shine. Despite approaching the score with a full orchestra rather than one with period instruments, Davis still manages to let the music stay light and breathe.

In addition to Davis, this recording is great for beginners because the German dialogue is severally reduced leaving only the essentials.

Colin Davis apreciando a flexibilidade das cordas da PQP Bach Sinfonietta

Aproveite!

René Denon

In Borodin, Aleksandr Porfirevich, Mussorgsky, Modest, Rimsky-Korsakov, Nikolai

Mussorgsky (1839 – 1881) – Rimsky-Korsakov (1844 – 1908) – Borodin (1833 – 1887): Peças Orquestrais Russas Favoritas – Orchestre de Paris & Gennady Rozhdestvensky ֍

René Denon17 de agosto de 202416 de julho de 20241 Comment

Umas das características da música russa é um certo elemento fantástico, de mitos e seres lendários, folclóricos. Isso está presente na primeira peça do disco, também pioneira nesse gênero por lá – Uma Noite no Monte Calvo – que saiu da mente imaginosa de Mussorgsky. Mas, teve que esperar a intervenção (e orquestração) de Rimsky-Korsakov para se firmar no repertório. Tornou-se tão popular que fez parte, em 1940, do filme Fantasia, de Walt Disney.

Outra característica da música russa é a orquestração requintada, um pouco exótica, arte que certamente deve bastante ao já mencionado Rimsky-Korsakov, compositor de duas outras peças do disco, justamente famosas – favoritas do público. A Abertura da Páscoa Russa e o Capricho Espanhol são figurinhas carimbadas em concertos de viés mais popular e justamente, pois encantam pela riqueza das melodias e dos timbres orquestrais.

A quarta faixa do disco, assim como a faixa bônus, as Danças Polovitsianas e Nas Estepes da Ásia Central, são composições de Borodin, outra figura importante da música russa. Eu incluí essa última composição por ser uma das minhas preferidas, desde sempre.

É interessante como esses dois compositores que tanto contribuíram para a música russa tiveram vida profissional dupla. Rimsky-Korsakov foi membro da Marinha Imperial Russa, seguindo a tradição familiar, e Borodin, além de músico, foi médico e químico atuante.

Gennady deu uma passadinha na redação do PQP Bach Press para um chá e um papinho…

Quanto aos intérpretes, o dito nas entrelinhas dos memorandos aqui na repartição é que, para música russa, o melhor é intérprete russo! Assim, para a postagem escolhi um disco que cumprisse, pelo menos em parte, o adágio local. Gennady Rozhdestvensky rege uma orquestra que não é russa, mas é espetacular e conhece o repertório como poucas, dada sua relação com músicos e compositores russos. O disco foi gravado no início da década de 1970, mas tem um produção excelente e é espetacular, a começar pela capa…

Veja a descrição do estilo do maestro: Rozhdestvensky foi considerado um maestro versátil e um músico altamente culto com uma técnica flexível. Ao moldar as suas interpretações, dava uma ideia clara dos contornos estruturais e do conteúdo emocional da peça, combinados com um estilo performático que fundiu lógica, intuição e espontaneidade.

A faixa extra é uma gravação de outra estirpe, Leonard Slatkin regendo a Orquestra de Saint Louis, conjunto e maestro que se conhecem como ninguém.

Eu adoro essa peça, a caravana surgindo no horizonte e passando até se perder de vista novamente. Veja a descrição deixada pelo próprio compositor: No silêncio das monótonas estepes da Ásia Central ouve-se o som desconhecido de uma pacífica canção russa. Ao longe ouvimos a aproximação de cavalos e camelos e as notas bizarras e melancólicas de uma melodia oriental. Uma caravana se aproxima, escoltada por soldados russos, e segue em segurança seu caminho pelo imenso deserto. Ele desaparece lentamente. As notas das melodias russas e asiáticas unem-se numa harmonia comum, que se extingue à medida que a caravana desaparece ao longe.

Modest Mussorgsky (1839 – 1881)

A Night On Bare Mountain (orquestração de Rimsky-Korsakov)

Alexander Borordin (1833 – 1887)

Polovtsian Dances From “Prince Igor”, Act 2 (Orquestração de Rimsky-Korsakov & Glazunov)

Nikolai Rimsky-Korsakov (1844 – 1908)

Capriccio Espagnol, Op. 34
Russian Easter Festival Overture, Op. 36

Orchestre de Paris

Gennady Rozhdestvensky

Faixa Bônus

Alexander Borordin (1833 – 1887)

In the Steppes of Central Asia

Saint Louis Symphony Orchestra

Leonard Slatkin

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MP3 | 320 KBPS | 154 MB

Seção ‘The Book is on the Table’: Gennadi Rozhdestvensky is the son of two famous musicians. He received his musical education at the Moscow Conservatoire, studying conducting with his father and piano with Lev Oborin. While still a student there, he made his debut at the age of twenty in Tchaikovsky’s Sleeping Beauty at the Bolshoi Theatre. By the time he graduated he was already well known as a conductor both in the USSR and abroad.

Aproveite!

René Denon

In Bruckner, Anton

BRUCKNER 200 ANOS! Anton Bruckner (1824-1896): Sinfonia Nº 7 (Barenboim, Staatskapelle Berlin)

Pleyel16 de agosto de 202411 de agosto de 20246 Comments

Cá entre nós: Daniel Barenboim merecia uma aposentadoria, uma despedida dos palcos em grande estilo para curtir a vida com a família, amigos, tomar bons vinhos, esse tipo de coisa. Uma despedida em grande estilo, por exemplo, teria sido a série de Sinfonias de Bruckner que regeu em Berlim em 2010, de onde saiu essa gravação da Sétima que mostra toda uma intimidade de maestro e orquestra com o estilo grandioso do compositor austríaco e católico devoto. Barenboim teve uma longa série de sucessos regendo Bruckner com a Sinfônica de Chicago, depois com a Filarmônica de Berlim logo após a morte de Karajan, com aquela orquestra tecnicamente impressionante mas ao mesmo tempo, para muitos críticos, um tanto fria pelo excesso de legato e de toque aveludado. Finalmente, com a Staatskapelle de Berlim ele fez muito Bruckner e anos e anos de óperas de Wagner, cuja linguagem harmônica é mais ou menos a mesma do austríaco que muito o admirava. Barenboim e Staatskapelle fizeram também um excelente Fidelio de Beethoven, obra cujo tom de celebração monumental da liberdade também tem muito a ver com Bruckner. Então eles estão no seu elemento aqui.

É uma pena que Barenboim não tenha se preparado pra parar: em apresentações junto com Martha Argerich na última década, ficou evidente que ele, ao contrário dela, já não tem mais a mesma técnica como pianista, ou tempo e paciência para estudar as horas necessárias. Também como regente, apesar de alguns sucessos recentes, acaba deixando em algumas orquestras a impressão de já não ser lá essas coisas. É comum entre músicos de renome essa falta de tato para planejar a despedida: basta lembrar de Pollini que, após mais de 50 anos de brilho e inimitável pianismo, teve dois ou três últimos anos menos bons como uma pequena mancha na carreira. Também no Brasil temos músicos que já passaram do auge mas seguem nos palcos, por exemplo dois maestros, um que já foi um bom pianista e hoje só sabe dar entrevistas televisivas lamentando as mãos machucadas e falando – sempre sobre si mesmo – pra emocionar quem não entende nada de música… um outro, com a letra K, que já era velho há uns 40 anos… e hoje em dia alterna entre momentos bons e vergonhosos regendo neste nosso país tropical.

Voltando para Barenboim, deve-se mencionar o quanto o maestro veterano é respeitado por gente mais jovem como Gustavo Dudamel e Antonio Pappano. Este último, que já foi seu assistente muitos anos atrás em Bayreuth, conversou com a revista Gramophone sobre o grande especialista em Wagner e Bruckner, mostrando que mesmo quando discorda sobre o significado de uma ou outra obra musical, tem grande respeito pelas escolhas de Barenboim e também pela maneira como ele se relaciona com as orquestras nos ensaios e concertos, respeito esse que, para Pappano, é um significado da palavra influência, muito além de imitações ou cópias baratas:

Barenboim’s track record as a noted Brucknerian, I wondered whether Pappano had ever worked with him on these symphonies. ‘With Barenboim it was mostly opera. I did see him rehearse Bruckner, but not often. And we don’t conduct Bruckner at all the same way! I’ll tell you why, because there are two schools of thought about Bruckner. Interestingly enough, Furtwängler – God, right? – in the long wind-ups to climaxes almost always speeds up, accelerates. And to me, that goes against the tug, the Wagnerian tug. You have to torture people to arrive; it has to be hard won. And of course, Daniel belongs to that school. I don’t. It’s not a criticism at all. But in Bruckner I prefer the slower burn so that when it hits, it’s unbearable. I don’t know if it’s right. I just feel that that’s theway. This whole question of influence is very important. If it’s done right it makes you come to your own conclusions. Not “Oh, you know how he was very influenced by Barenboim”. Of course, I was very influenced by him, but if I conducted the same as him, that’s rubbish. That’s copying. I’m very different from him. I have very different repertoire choices from him. He wouldn’t go near Rachmaninov’s Second in a million years, nor Vaughan Williams. So that’s helped me keep my individuality intact and therefore the influence he’s had on me has been about bigger things: how do you treat tempo in a classical symphony when so much of the material is repetitive. The importance of transforming the themes after a combustible development? How do you deal with the repeat? What is important in conducting? Who do you take care of? Those things are really important. How do you deal with them? And they take a long time.

Anton Bruckner (1824-1896):
Sinfonia Nº 7
Staatskapelle Berlin, Daniel Barenboim
Live Recording: Berlin Philharmonie, 2010

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Barenboim e a famosa cortina do Teatro alla Scala di Milano

Pleyel

In -Jazz

.: interlúdio: billie, ella, sarah, dinah :.

bluedog14 de agosto de 202414 de julho de 202421 Comments

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Link revalidado por PQP numa quarta-feira…

Eis uma postagem bastante sabatina: sem nenhum esforço. Essa caixinha com 4 cds — lançada somente aqui no Brasil — traz coletâneas, e embora saibamos que todo “best of” é um abcesso, em certos casos podem ter algum valor de iniciação, descoberta, ou mesmo pela preguiça. É só carregá-los na playlist (rip da casa, altíssima qualidade), apertar o botão de “shuffle” e abrir o vinho.

Ah: e aumentar bastante o volume. (A não ser que o domingo seja enamorado. As divas compreendem.)

Billie Holiday – download (131MB)
01 Summertime 02 What A Little Moonlight Can Do 03 Easy To Love 04 Billies Blues 05 Georgia On My Mind 06 I Cover The Waterfront 07 These Foolish Things 08 Pennies From Heaven 09 Nice Work If You Can Get It 10 Night And Day 11 They Can’t Take That Away From Me 12 The Way You Look Tonight 13 Easy Living 14 God Bless The Child 15 I Must Have That Man 16 You Showed Me The Way 17 My Man 18 I Can’t Believe That You’re In Love With Me 19 All Of Me 20 Body And Soul

Dinah Washington – download (133MB)
01 I Concentrate On You 02 I Won’t Cry Anymore 03 Mad About The Boy 04 Manhattan 05 September in The Rain 06 What Diference A Day Makes 07 All Or Nothing 08 When A Woman Loves a Man 09 Blow Top Blues 10. Embraceable You 11 Evil Gal Blues 12 Homeward Bound 13 I Can’t Get Started 14 Postman Blues 15 Rich Man Blues 16 Wise Woman Blues 17 Mellow Mama Blues 18 I Know How To Do It 19 Salty Papa Blues 20 No Voot, No Boot

Ella Fitzgerald – download (124MB)
01 Undecided 02 Petootie Pie 03 Chew Chew Chew Your Bubble Gum 04 I’m Beginning To See The Light 05 Stone Cold Dead In The Market 06 Into Each Life Some Rain Must Fall 07 Taint What You Do I’ts The Way Do It 08 Five O’ Clock Whistle 09 It’s Only A Paper Moon 10 Cow Cow Boogie 11 Imagination 12 All Or Nothing At All 13 A Tisket, A Tasket 14 Cryin’ Mood 15 How Hogh The Moon 16 If Yoou Should Ever Leave Me 17 Rock It For Me 18 Shine 19 Sing Song Swing 20 Mr. Paganini

Sarah Vaughan – download (92MB)
01 If You Could See Me Now 02 Sweet Affection 03 Are You Certain 04 That Old Black Magic 05 What’s So Bad About It 06 Separate Ways 07 Broken Hearted Melody 08 Friendly Enemies 09 I’ve Got The World On A String 10 Misty 11 Mary Contrary 12 Careless 13 What More Can A Woman Do 14 Perdido 15 The Nearness Of You

Sarah Vaughan manda um beijo pro pessoal do PQP Bach.

Bom sábado!

Blue Dog

In Schubert, Franz

Franz Schubert (1797-1828): Impromptus D. 899 e D. 935 (András Schiff)

Pleyel13 de agosto de 202414 de julho de 20241 Comment

Retrato do artista quando jovem: Schiff tem, até hoje, uma forte afinidade com a música de Schubert, tendo gravado pela Decca, Teldec (aqui) e ECM suas obras de câmara e para piano solo, inclusive mais recentemente em pianos do século XIX. Aqui neste álbum gravado no Japão em 1978 e lançado apenas naquele país, temos o jovem András Schiff com interpretações cheias de um certo fogo juvenil sem exageros românticos, como convém quando se trata de Schubert.

O livreto do CD diz: シューベルトの D. 899 と D. 935… o que, traduzido, significa mais ou menos:

Schubert escreveu dois grupos de “impromptus” em sua vida, D. 899 e D. 935. Ambos, até onde se sabe, datam do fim de 1827, embora alguns possam datar do ano seguinte, o último de vida de Schubert. Mas o próprio nome “impromptus” não foi dado pelo compositor, assim como as peças D. 780 e D. 946 tiveram os nomes “Moments musicaux” e “Klavierstücke” (peças para piano) dados pelos editores. As peças do D. 899 foram publicadas por Tobias Haslinger como Op. 90, com o nome Impromptus anotado a lápis. E na verdade apenas as duas primeiras peças do Op. 90 foram publicadas durante a vida de Schubert. As duas outras, que seriam lançadas em 1828, ficaram na gaveta de Haslinger e seriam publicadas por seu filho só em 1857. Schubert aparentemente gostou do nome “impromptus” dado pelo editor.

Em uma carta de 21 de fevereiro de 1828, Schubert listou suas publicações futuras, que incluíam o Trio em Mi bemol maior, os Quartetos em Sol maior e Ré menor, além de quatro Impromptus para piano. Com isso, muitos biógrafos e comentadores entendem que os dois grupos de Impromptus foram concebidos por Schubert como grupos de quatro peças, mais do que como miniaturas avulsas.

Em outra carta, de 2 de outubro de 1828, Schubert menciona como prontos para publicação “os quatro Impromptus e o Quinteto para vozes masculinas. Por favor me responda logo, eu gostaria de publicar essas obras assim que possível.” É possível, a partir dessas cartas, concluir que o compositor – ele viveria apenas até novembro – tinha em alta conta esses impromptus.

Franz Schubert (1797-1828):
4 Impromptus D. 899
4 Impromptus D. 935
András Schiff, piano
Recorded june 1978 – Arakawa Public Hall, Tokyo, Japan

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE (FLAC)

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE (MP3)

Schubert em 1827 (quadro de Gabor Melegh)

Ple2yel

In Frescobaldi, Girolamo

Girolamo Frescobaldi (1583-1643): Canzoni (Bruno Cocset & Les Basses Réunies)

pqpbach12 de agosto de 20249 de julho de 20244 Comments

IM-PER-DÍ-VEL !!!

É impossível não recomendar este disco. Ele apresenta notáveis performances de obras de grande nobreza e sensibilidade, além de expressiva elegância. Bruno Cocset — o fantástico violoncelista da melhor gravação que conheço das Suítes para Violoncelo de Bach — lidera o Les Basses Réunies em performances de força e sutileza. A gravação da Alpha é calorosa, capturando Les Basses Réunies em um ambiente acústico ideal. Parte da atração do disco está na novidade de ouvir essas peças, que são tocadas com bastante frequência, em uma instrumentação que dispensa os usuais sopros. O único toque de cor diferente é fornecido pelo cornetto. O papel do contínuo é imensamente trabalhado, tornando-se não um pano de fundo para os solos, mas sua fundação. Sua seção é realmente rica: harpa, claviorganum, theorbo e cravo. Quando tudo se junta, o resultado é colorido e emocionante. Não há tensão. Este é um disco que cresce em você com audições repetidas e demonstra que as canzoni de Frescobaldi não são menos inventivas do que sua música para teclado.

Girolamo Frescobaldi (1583-1643): Canzoni (Bruno Cocset & Les Basses Réunies)

1 Vigesimaquarta A Due Bassi E Canto “Detta La Nobile” 3:15
2 Ottava A Basso Solo “Detta L’Ambitiosa” 3:06
3 Prima A 4, Canto Alto Tenor Basse “Sopra Rugier” 2:15
4 Seconda A Canto Solo “Detta La Bernardinia” 2:40
5 Undecima A Due Canti “Detta La Plettenberger” 2:13
6 Prima A 2 Bassi 3:11
7 Trigesima Quinta “Detta L’Alessandrina” 3:28
8 Seconda A 2, Canto E Basso 3:34
9 Terza A 2, Canto E Basso 2:39
10 Prima A Basso Solo (Sesta “Detta Laltera”) 3:27
11 Quinta A 4, Canto Alto Tenor Basse 3:30
12 Decimasettima A Due Bassi “Detta La Diodata” 3:53
13 Quarta A 4, Due Canti E Due Bassi 3:03
14 Prima A 2, Canto E Basso 2:29
15 Quintadecima A 2 Bassi “Detta La Lieuoratta” 3:21
16 Settima A Basso Solo “Detta La Superba” 2:51
17 Decimasesta A 2 Bassi “Detta La Samminiata” 2:34
18 Seconda A 4, Due Canti E Due Bassi 4:36
19 Quinta A 3, Due Canti E Basso 3:01
20 Terza A Canto Solo “Detta La Donatina” 2:15
21 Seconda A 4, Canto Alto Tenor Basse “Sopra Romanesca” 2:56

Bruno Cocset & Les Basses Réunies

Bruno Cocset, ténor de violon, basse de violon “a la Bastarda” & direction
Emmanuel Jacques, ténor & basse de violon
Emmanuel Balssa, basse de violon
Richard Myron, violone & contrebasse
William Dongois, cornets
Xavier Diaz-Latorre, théorbe
Christina Pluhar, harpe
Luca Guglielmi & Laurent Stewart, clavecin & claviorganum

September 2003, Chapelle de l’hôpital Notre-Dame de Bon Secours, Paris

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

Eu e minha mulher estávamos fazendo a ronda das igrejas romanas em 2020 quando demos de cara com um Festival Frescobaldi. Ah, vimos e ouvimos tudo e ainda ganhamos biscoitos do cara, seja lá o que isto signifique.

PQP

In Tchaikovsky, Piotr Ilitch

Tchaikovsky (1840 – 1893): Tchaikovsky para Milhões – Diversos Intérpretes ֍

René Denon11 de agosto de 20248 de julho de 20242 Comments

Tchaikovsky

Movimentos de Sinfonias

e Outras Peças Orquestrais

Considerando o enorme sucesso da postagem Mahler para milhões, decidi dar continuidade recriando o LP virtual Tchaikovsky para milhões. Dessa vez não consegui todos os arquivos das gravações originais do famigerado LP, mas as substituições foram escolhidas criteriosamente e tenho certeza que Peter Ilyich não ficará contrariado. No LP original havia duas faixas com dois números musicais da ópera Eugene Onegin interpretados pela Orquestra Sinfônica da Rádio de Berlim, regida por Férénc Fricsay, e a Marcha Eslava, interpretada pela Filarmônica de Berlim, regida por Ferdinand Leitner, e eu não encontrei essas gravações. Todo o resto, no entanto, está aí. E vocês poderão ver nos créditos da postagem, assim com poderão verificar com os seus próprios ouvidos que os artistas escolhidos para essas obras são de grande magnitude.

O que chamou a minha atenção depois de colocar todas as peças juntas, foi a importância da dança na obra de Tchaikovsky. A importância e a força. Além de ser um bamba das melodias, belíssimas, aquelas que grudam na gente, era um espetacular compositor de música de balé. O Lago dos Cisnes, A Bela Adormecida e especialmente O Quebra Nozes, transcendem o mundo da música clássica e suas músicas são reconhecidas por todos.

No lado B do disco encontram-se três movimentos das três últimas sinfonias, as valsas das Sinfonias Nos. 5 e 6 e um Scherzo da Sinfonia No. 4, onde as cordas nunca são tocadas pelos arcos… Você vai descobrir o significado em música da palavra pizzicato. Aproveite bem, pois esses três movimentos foram trazidos de uma das gravações mais famosas das três últimas sinfonias de Tchaikovsky: Leningrad Philharmonic Orchestra regida por Evgeny Mravinsky, gravados em Londres e em Viena, pela DG. Para fechar essa sequência espetacular, a Valsa da ópera Eugene Onegin. Um disco cativante…

Peter Ilyich Tchaikovsky (1840 – 1893)

Lado A

Eugene Onegin –

Polonaise

Gothenburg Symphony Orchestra

Neeme Järvi

Serenade fur Streichorchester C-Dur

II Waltz_ Moderato, tempo di valse

Staatskapelle Dresden

Otmar Suitner

Marche slave

Marcha

Russian National Orchestra

Mikhail Pletnev

Nutcracker Suite, Op.71ª

35-1. Miniature Overture
35-2a. March
35-2e. Chinese Dance (Tea)

Berliner Philharmoniker

Ferdinand Leitner

Lado B

Symphony Nr. 6

Allegro con grazia

Symphony Nr. 4

Scherzo. Pizzicato ostinato – Allegro

Symphony Nr. 5

Valse (Allegro moderato)

Leningrad Philharmonic Orchestra

Evgeny Mravinsky

Eugene Onegin

Entr’acte – Waltz

Gothenburg Symphony Orchestra

Neeme Järvi

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

MP3 | 320 KBPS | 141 MB

O pessoal do PQP Bach ensaiando a Dança Chinesa para não fazer feio na apresentação do fim de ano em Blumenau…

Quando a maioria de nós pensa em Tchaikovsky, pensamos nos seus balés – O Lago dos Cisnes, A Bela Adormecida e O Quebra-Nozes, este último tão onipresente na época do Natal como o Messias de Handel. Entre a estreia de O Lago dos Cisnes em Moscou, em 1877, e a estreia de O Quebra-Nozes, em São Petersburgo, em 1892, Tchaikovsky elevou o padrão da música de balé russo. Ele substituiu as melodias banais e os ritmos previsíveis normalmente encontrados nos palcos do balé russo por músicas cheias de melodias elevadas e inventivas, harmonias ousadas e vitalidade rítmica. Seus três balés tornaram-se clássicos que perduram até hoje. Leia a integral [aqui].

Suas obras mostram de forma quase exemplar que o desafio da música de balé vai muito além desse nível funcional (o balé como como um nicho musical que visa simplesmente fornecer a base para os movimentos de dança). Em seus três principais balés, Tchaikovsky consegue retratar musicalmente processos dramáticos e psicológicos, desenvolvendo-os e tornando-os compreensíveis. Igor Stravinsky, o mais famoso compositor do gênero balé depois de Tchaikovsky, caracterizou acertadamente as qualidades da Bela Adormecida: “Cada entrada, cada ação no palco em geral, é sempre tratada individualmente de acordo com o caráter da respectiva pessoa, e cada número tem cara própria.” Leia a integral [aqui].

Aproveite!

René Denon

PQP Bach Quizz: O que é a máquina que aparece estilizada na capa do LP?

a) Parte de um samovar exposto no Museu Tsaritsyno, em Moscou

b) Astrolábio musical russo do século XIX

c) Apontador de batutas usado por Tchaikovsky em suas turnês pela Europa

d) Balança para pesar a quantidade de melodias usada por Tchaikovsky em seus balés

e) NRA