Mais 10 anos e, em 1911, apareceu a “Espansiva”. Meu conhecimento de Nielsen deu-se através das muitas emissões que a rádio da UFRGS fazia desta extraordinária obra. Hoje, talvez eu não dissesse que é a melhor de todas, diria que é a mais alegre, espetacular e contrastante. O movimento inicial é arrebatador com seus momentos de valsa e otimismo. É exuberante e contrasta fortemente com o idílico segundo movimento, onde os cantores parecem desejar o paraíso. A “Espansiva” finaliza com um belíssimo Allegro de tema majestoso e grudante.
A 5ª Sinfonia pertence a outro mundo. Escrita entre 1921 e 1922 mostra o mundo e a linguagem musical desintegrando-se. Homem de seu tempo, Nielsen provocou irritação, principalmente pelo trecho onde indica que a percussão deve fazer barulho sem especificar de que tipo… Ou melhor, Nielsen instrui literalmente a percussão a tentar parar a progressão da música a qualquer custo, sem ter explicado o que deviam fazer… Os bagunceiros escoceses da orquestra de Thomson, acostumados às brigas de rua e ao quebra-quebra de bêbados, fazem grandes esforços. O originalíssimo primeiro movimento divide-se em 2 partes e 3 planos tonais; o ritmo é monótono, militaresco e torna-se aterrorizante, ainda mais quando os percussionistas decidem acabar com a música (há algo mais óbvio para 1922?); há um Andante que possui duas fugas, uma lenta e outra rápida; o primeiro movimento retorna menos agressivo ao final, mas ameaçador. Vale a pena conhecer esta obra curiosíssima e ultra-clara em sua determinação de mostrar o ambiente político que se criava. Destaque para os percussionistas da orquestra: era para eles darem um show e eles não se fizeram de salames.
Duas esplêndidas obras num só CD.
Carl Nielsen (1865 – 1931): Integral das Sinfonias – Sinfonias Nº 3 e Nº 5
Symphony No. 3, Op 27/FS 60 “Sinfonia espansiva”
1. I Allegro espansivo
2. II Andante pastorale
3. III Allegretto un poco
4. IV Finale. Allegro
Catherine Bott, soprano
Stephen Roberts, baixo
Royal Scottish National Orchestra
Bryden Thomson
Symphony No. 5, Op 50/FS 97
5. I Tempo giusto
6. I Tempo giusto – Adagio non troppo
7. II Allegro
8. II Allegro – Presto
9. II Allegro – Andante un poco tranquillo
10. II Allegro – Allegro
Já que nos fizeram um monte de pedidos nas últimas semanas, pincei cuidadosamente algo que ninguém pedira, mas que é esplêndido. O quase desconhecido — ao menos sob minha perspectiva — Bryden Thomson opera um verdadeiro milagre nestas suas notáveis interpretações das sinfonias de Nielsen para a Chandos. Meus amigos, que discos! Comprei-os há 22 anos. No álbum triplo — existe a versão em 3 CDs avulsos –, está escrito meu nome acompanhado do ano: 1993.
Gosto muito da Sinfonia Nº 1 e ainda mais das outras. Esta sinfonia foi escrita entre os anos de 1890 e 1892 e já mostra um compositor pronto. Não é obra de ensaio. Perguntei a um professor do Instituto de Música (Belas Artes) da UFRGS sobre o que ele achava das sinfonias de Nielsen, sobre sua evolução compositor, a qualidade musical das peças, essas coisas, e ele me replicou mui doutamente: “Olha, PQP, todas são do caralho”. Então tá, quem sou eu para contestar uma autoridade com doutorado na Alemanha? Gosto muito do primeiro movimento. Tenho uma certa resistência ao Andante, mas o resto é mesmo duca.
A Sinfonia Nº 2 tem cada movimento representando um dos 4 temperamentos (colérico, fleumático, melancólico e sanguíneo). Sim, foi uma boa ideia esta de transformar os 4 movimentos clássicos da sinfonia em características das personalidades humanos. O resultado é excelente. Foi escrita nos anos de 1901 e 1902, 10 anos após a primeira, portanto. O primeiro movimento é colérico, mas há espaço para se ouvir oboés, clarinetes, fagotes e outros instrumentos ruins de berro. É sensacional. Oxalá todas as cóleras fossem assim. O fleugmático é perfeito não tanto por sua exatidão programática, mas pela qualidade musical: é belíssimo. O melancólico me parece mais dramático ou desesperado do que propriamente melancólico, mas valeu pela tentativa. E o sanguíneo último movimento é um consistente e bom rondó.
Carl Nielsen (1865 – 1931): Integral das Sinfonias – Sinfonias Nº 1 e Nº 2
Symphony No. 1 in G minor, Op 7/FS 16
1. Allegro orgoglioso
2. Andante
3. Allegro comodo
4. Finale: Allegro con fuoco
200 Anos de Música em Versailles Uma viagem ao coração do Barroco Francês
CD4/20: Os “prazeres” de Versailles durante o reinado de Luis XIV: Lully e seus sucessores na Académie Royale de Musique.
A morte de Lully, em 1687, pôs fim ao monopólio da produção operística de quase quinze anos, de modo que, finalmente, outros compositores puderam apresentar seus trabalhos no palco da prestigiada Academia Royale de Musique.
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Colasse, Desmarest, Charpentier, Destouches, Marais e outros compuseram obras que mostram força e personalidade. Dramaturgos, sinfonistas e melodistas apareceram. Nunca a ópera francesa viu tanta variedade quanto na época – para o deleite do público!
200 Anos de Música em Versailles Lully e seus sucessores na Académie Royale de Musique
Andre Cardinal Destouches (França, 1672 – 1749) 01. Callirhoé (extraits) – 1. Ouverture 02. Callirhoé (extraits) – 2. O nuit temoin des mes soupirs 03. Callirhoé (extraits) – 3. Air Regnez a jamais 04. Callirhoé (extraits) – 4. Premier air 05. Callirhoé (extraits) – 5. Deuxieme air 06. Callirhoé (extraits) – 6. Air Le Tendre Amour 07. Callirhoé (extraits) – 7. Troisieme air 08. Callirhoé (extraits) – 8. Quatrieme air 09. Callirhoé (extraits) – 9. Reprise troisieme air Pascal Colasse (França, 1649 – 1709) 10. Achille & Polyxène (extraits) – 1. Ouverture 11. Achille & Polyxène (extraits) – 2. Gavotte Jean-Baptiste Lully (Italy, 1632-France, 1687) 12. Persée (extraits) – 1. Jeux junoniens – premier et deuxieme air 13. Persée (extraits) – 2. Entrée des Cyclopes 14. Persée (extraits) – 3. Entrée des Nymphes guerrieres 15. Persée (extraits) – 4. O Mort! Venez finir mon destin deplorable Marin Marais (France, 1656-1728) 16. Chaconne de Sémélé Marc-Antonie Charpentier (France, 1643-1704) 17. Médée (extraits) – 1. Rondo pourles Corinthiens 18. Médée (extraits) – 2. Air pour les Argiens 19. Médée (extraits) – 3. Quel prix de mon amour _ 20. Médée (extraits) – 4. Croiras-tu mon malheur _ 21. Médée (extraits) – 5. Noires filles du Styx 22. Médée (extraits) – 6. Intermede
Stéphanie d’Oustrac, bas-dessus (mezzo-soprano) Le Concert Spirituel (Hervé Niquet) Alice Piérot, violon & dir.
200 Anos de Música em Versailles CD4/20: Os “prazeres” de Versailles durante o reinado de Luis XIV: Lully e seus sucessores na Académie Royale de Musique – 2007
Por gentileza, quando tiver problemas para descompactar arquivos com mais de 256 caracteres, para Windows, tente o 7-ZIP, em https://sourceforge.net/projects/sevenzip/ e para Mac, tente o Keka, em http://www.kekaosx.com/pt/, para descompactar.
When you have trouble unzipping files longer than 256 characters, for Windows, please try 7-ZIP, at https://sourceforge.net/projects/sevenzip/ and for Mac, try Keka, at http://www.kekaosx.com/, to unzip.
Pois é. Dizer o quê? A grande discussão lá em casa era se este CD era melhor ou pior que os de André Rieu ou que as incursões populares de Mullova. Eu acho que Mutter vence seus concorrentes, mas houve opiniões contrárias. No que todos concordaram é no fato de Mutter ter desejado tornar-se popular ou ter decidido ganhar dinheiro. Como não creio que grandes haja rombos em sua conta bancária, talvez a moça tenha apenas desejado ser (ainda mais) reconhecida nas ruas. Este é um mal que atinge muitas carreiras. Chega o momento em que alguns artistas dizem: “não quero mais ser moderno, quero ser eterno”. Este CD de Mutter nem é tão bem interpretado, é um CD de brilhaturas pessoais e de abordagens para atingir o grande público. Apesar de eu achá-lo superior aos de Rieu e àquele de música brasileira de Mullova, dou-lhe a nota 1, com louvor.
The Club Album (Live From Yellow Lounge) com Anne-Sophie Mutter
1 Vivaldi: The Four Seasons – Concerto In G Minor, RV 315, “The Summer” – 3. Presto 2:40
by Anne-Sophie Mutter and Mahan Esfahani and Mutter’s Virtuosi
2 Gershwin: Three Preludes – 1. Allegro ben ritmato e deciso 1:43
by Anne-Sophie Mutter and Lambert Orkis
3 Gershwin: Three Preludes – 2. Andante con moto e poco rubato 3:13
by Anne-Sophie Mutter and Lambert Orkis
4 Gershwin: Three Preludes – 3. Allegro ben ritmato e deciso 1:34
by Anne-Sophie Mutter and Lambert Orkis
5 J.S. Bach: Double Concerto For 2 Violins, Strings, And Continuo In D Minor, BWV 1043 – 3. Allegro 4:34
by Anne-Sophie Mutter and Mahan Esfahani and Mutter’s Virtuosi and Noa Wildschut
6 Tchaikovsky: Souvenir d’un lieu cher, Op. 42 – Mélodie 4:31
by Anne-Sophie Mutter and Lambert Orkis
7 Vivaldi: The Four Seasons – Concerto In F Minor, RV 297, “The Winter” – 1. Allegro non molto 3:34
by Anne-Sophie Mutter and Mahan Esfahani and Mutter’s Virtuosi
8 J.S. Bach: Double Concerto For 2 Violins, Strings, And Continuo In D Minor, BWV 1043 – 1. Vivace 3:30
by Anne-Sophie Mutter and Mahan Esfahani and Mutter’s Virtuosi and Nancy Zhou
9 Brahms: Hungarian Dance No.1 In G Minor, WoO 1 3:56
by Anne-Sophie Mutter and Lambert Orkis
10 Debussy: Children’s Corner, L. 113 – 6. Golliwogg’s Cakewalk 3:08
by Anne-Sophie Mutter and Lambert Orkis
11 Saint-Saëns: Introduction et Rondo capriccioso, Op. 28 9:24
by Anne-Sophie Mutter and Lambert Orkis
12 Debussy: Suite bergamasque, L. 75 – 3. Clair de lune 5:00
by Anne-Sophie Mutter and Lambert Orkis
13 Copland: Rodeo – 4. Hoe-Down 3:11
by Anne-Sophie Mutter and Lambert Orkis
14 Gounod / J.S. Bach: Ave Maria 5:08
by Anne-Sophie Mutter and Lambert Orkis
15 Benjamin: Jamaican Rumba 1:49
by Anne-Sophie Mutter and Lambert Orkis
16 Williams: Schindler’s List – Original Motion Picture Soundtrack – Theme 4:43
by Anne-Sophie Mutter and Lambert Orkis
1962. Charlie Mingus reuniu uma banda imensa que incluía Clark Terryn, Eric Dolphy, Jaki Byard e o amigo de sempre Dannie Richmond. Um disco estranho, muito livre e surpreendente. Destaque para a música preferida de meu filho, a visceral e poética Freedom, escrita sobre poema de Mingus contra o racismo. E há únicos trechos gravados por Mingus de sua obra-prima “Epitaph” (uma das maiores peças de jazz já escritas, com mais de duas horas de música e que já foi gravada em DVD. Sim, tenho. Ganhei… do meu filho). Atenção para My Search e Portrait. O que me surpreende é que a maioria dos fãs de Mingus rejeitam este disco. Não entendo. Gostar de Mingus e ter problemas com modernagens? Não, né?
Charlie Mingus: The Complete Town Hall Concert
1. Freedom (Part 1) (Live) (Digitally Remastered) 3:47
2. Freedom (Part 2) (aka Clark In The Dark) (1994 Digital Remaster) 3:14
3. Osmotin’ (Live) (Digitally Remastered) 2:50
4. Epitaph (Part 1) (Live) (Digitally Remastered) 7:03
5. Peggy’s Blue Skylight (Live) (Digitally Remastered) 5:21
6. Epitaph (Part 2) (Live) (Digitally Remastered) 5:10
7. My Search (Live) (Digitally Remastered) 8:09
8. Portrait (Live) (1994 Digital Remaster) 4:34
9. Duke’s Choice (aka Don’t Come Back) (Digitally) (Live) (1994 Digital Remaster) 5:12
10. Please Don’t Come Back From The Moon (Live) (Digitally Remastered) 7:24
11. In A Mellow Tone (AKA Finale) (Live) (Digitally Remastered) 8:21
12. Epitaph (Part 1-Alt. Take) (Live) (Digitally Remastered) 7:23
Músicos:
Snooky Young, Ernie Royal, Richard Williams, Clark Terryn, Eddie Armour, Lonnie Hillyer, Rolf Ericson (trompete)
Quentin Jackson, Britt Woodman, Jimmy Cleveland, Willie Dennis, Eddie Bert, Paul Faulise
(trombone)
Eric Dolphy, Charles McPherson, Charlie Mariano, Buddy Collette (sax alto)
Romeo Penque (oboe)
Zoot Sims, George Berg (sax tenor)
Jerome Richardson, Pepper Adams (sax barítono)
Danny Bank (clarineta baixo e clarineta)
Jaki Byard, Toshiko Akiyoshi (piano)
Les Spann (guitarra)
Charles Mingus, Milt Hinton (baixo)
Dannie Richmond (bateria)
Warren Smith (vibrafone, percussão)
Grady Tate (percussão)
Melba Liston, Bob Hammer, Gene Roland (arranjos)
200 Anos de Música em Versailles Uma viagem ao coração do Barroco Francês
CD3/20: Os “prazeres” de Versailles durante o reinado de Luis XIV: Lully, o criador da ópera francesa
Com o poeta Quinault e a pedido de Louis XIV, Lully criou as primeiras óperas francesas com um gênero que deveria ter um futuro brilhante: a tragédia e a música. Todos os anos, de 1673 a 1686, Lully apresentou um novo trabalho desse tipo durante o período do carnaval.
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Em treze anos, o estilo do compositor evoluiu consideravelmente: seus últimos trabalhos, Roland, Amada e Arrnick, mostram-no no auge de sua realização. Todos os meios possíveis foram usados para entreter o público, incluindo intensas e expressivas árias, coros fortes, uma rica orquestra tocando ao longo do trabalho e diversões festivas e coloridas. Suas óperas não eram apenas divertidas, mas também apresentavam representações sutis de paixões humanas violentas e contrastantes, como em algumas das árias de Oriane e Arcabonne em Amadis (1684) e o lamento tocante de Pan em Ísis (1677).
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200 Anos de Música em Versailles Lully, o criador da ópera francesa
Jean-Baptiste Lully (Italy, 1632-France, 1687) 01. Isis (excerpts) _ Ouverture 02. Isis (excerpts) _ Publions en tous lieux 03. Isis (excerpts) _ L’ hyver qui nous tourmente 04. Isis (excerpts) _ Tot, tot, tot 05. Isis (excerpts) _ Liberte, liberte 06. Isis (excerpts) _ Aimons sans cesse 07. Isis (excerpts) _ Helas! Quel bruit!
Barbara Kusa, dessus
Jean-Francis Lombard, haute-contre
Marc Mauillon, taille
Edwin Crossley-Mercer, baritone
Les Pages et les Chantres du Centre de Musique Baroque de Versailles
Musica Florea (Mark Štrynel)
Olivier Schneebeli, dir.
08. Amadis _ Ouverture 09. Amadis _ Marche pour le combat de la barriere 10. Amadis _ Premier air, les combattants 11. Amadis _ Second air 12. Amadis _ Amour que veux-tu de moi_ 13. Amadis _ Toi qui dans ce tombeau 14. Amadis _ Prelude 15. Amadis _ Ciel ! finissez nos peines 16. Amadis _ A qui pourrai-je avoir recours_ 17. Amadis _ Que vois-je_ 18. Amadis _ Fermez-vous pour jamais, mes yeux 19. Amadis _ Je soumets a mes lois l’enfer, la terre et l’ onde 20. Amadis _ Chaconne
Véronique Gens, dessus
Benoît Porcherot, haute-countre
David Witczak, basse-taille
Les Chantres du Centre de Musique Baroque de Versailles
Musica Florea (Marek Štrynel)
Olivier Schneebeli, dir.
200 Anos de Música em Versailles CD3/20: Os “prazeres” de Versailles durante o reinado de Luis XIV: Lully, o criador da ópera francesa- 2007
CD belíssimo, absolutamente notável e anormal — às vezes parece até uma tese — deste brilhante facefriend que sofre de insônia e que, para relaxar, costuma postar gravações suas feitas a partir de seu iPhone, dando belas explicações sobre cada obra que está estudando… É uma insônia muito produtiva! O multipremiado Mahan Esfahani recebeu todos os prêmios de melhor CD de música barroca de 2014 por suas interpretações das Württemberg Sonatas, de C.P.E. Bach e pelo visto vai de novo com este Time Present and Time Past. Um outro amigo resumiu bem no Facebook o que é este CD:
Muito foda. A seleção do repertório é tão brilhante quanto a interpretação. Fazer-nos escutar o concerto de Bach sobre Vivaldi com uma cadenza de Brahms depois de Reich e Górecki foi um achado. Longa vida ao garoto!!!
Sim, o disco alterna obras barrocas e modernas e… a gente acha natural e que têm tudo a ver. Longa vida a Mahan Esfahani e que possamos ver até onde ele vai chegar. É um cara talentosíssimo, comunicativo e que quebra inteiramente a distância entre si e seu público. Acho que está identificado o Gustav Leonhardt de nosso tempo. Abaixo, ele improvisa com extraordinário talento sobre a Fantasia (sem a fuga) Cromática de Bach.
https://youtu.be/N4Ngo47jy2Y
Alessandro Scarlatti / Górecki / C.P.E. Bach / Geminiani / Reich / J.S. Bach:
Time Present And Time Past
Alessandro Scarlatti
01 06:27 VARIATIONS ON “LA FOLLIA”
Henryk Górecki — HARPSICHORD CONCERTO, OP. 40
02 04:25 1. ALLEGRO MOLTO
03 04:07 2. VIVACE
Carl Philipp Emanuel Bach
04 07:14 12 VARIATIONS ON “LA FOLIA D’ESPAGNE” IN D MINOR, WQ. 118, NO. 9 –
Francesco Geminiani
05 11:45 CONCERTO GROSSO IN D MINOR
Steve Reich
06 16:37 PIANO PHASE FOR TWO PIANOS
Johann Sebastian Bach — HARPSICHORD CONCERTO IN D MINOR, BWV 1052
07 07:49 1. ALLEGRO
08 06:38 2. ADAGIO
09 08:25 3. ALLEGRO (CADENZA: JOHANNES BRAHMS)
G. F. Handel
10. 05:15 Handel Chaconne In G Major For Harpsichord. HWV 435
Estes concertos de Schumann e de Grieg parecem ser siameses, não acham? É quase impossível encontrar um longe do outro, a maioria dos pianistas optam em gravá-los juntos. Claro, são dois pilares do romantismo, ambos são escritos em Lá Menor, etc.
O experiente pianista e condutor Howard Shelley (seria um descendente do poeta inglês Percy Shelley?) faz algumas travessuras por aqui, os mais puristas vão ficar de cabelos em pé. Afinal, para que mais do mesmo? Vamos mudar algumas coisas por aqui. Então foi lá e alterou radicalmente os tempos do Concerto de Schumann, parece que está com pressa de chegar em algum lugar, tipo, vamos acabar isso logo, tenho hora no dentista.
Mas estamos em pleno século XXI então vamos curtir novidades, mesmo em um repertório tão batido e gravado. E vamos dar voz a quem entende do assunto, a saber, a revista britânica Grammophone:
What a good idea to add to that favourite among LP couplings Saint-Saëns’s most Bachian concerto, No 2. And the pleasure doesn’t stop there. Howard Shelley is one of those musicians who quietly goes about his pianistic (and now conductorly) business without grabbing the limelight except for the odd award, but who is consistently impressive, unfailingly musical and only goes into the studio when he has something to say about a work. That is certainly the case here. It’s a particular delight to hear a reading of the Schumann as fleet and joyous as this one. These are intimate performances, an effect no doubt enhanced by the fact that Shelley directs from the piano. Intimate but also sharply characterised. And when virtuosity is required, Shelley provides it in spades. Take the finale of the Schumann: textures are wonderfully transparent, the dotted rhythms are perky and precise, and there are plenty of striking colours from the orchestra (which throughout the disc proves itself a fine ensemble, with some particularly outstanding wind-players). Shelley is just as persuasive in the Grieg, coaxing from the orchestra a real sense of narrative, some lovely oboe-playing and allowing the big tunes due space but never over-indulging them. The concerto’s irresistible yearning quality is well caught too, particularly in the central movement, where he is almost a match for Lipatti. Again, tempi are generally fleet, and Shelley pays attention both to the marcato marking of the finale and its folk tinges without overstatement. These are certainly performances to put alongside the classics.
Technically, the Saint-Saëns is an ideal vehicle for Shelley’s fingery kind of pianism and he is exceptional in the Allegro scherzando, the movement that out-Mendelssohns Mendelssohn. Again, the orchestra is utterly focused. The recorded quality here, as elsewhere, is exemplary.
Então, tá. E vamos ao que viemos.
01. Piano Concerto in A Minor, op. 54 – 1 – Allegro affettuoso
02. Piano Concerto in A Minor, op. 54 – 2 – Intermezzo. Andantino grazioso
03. Piano Concerto in A Minor, op. 54 – 3 – Allegro vivace
04. Piano Concerto in A Minor, op. 16 – 1 – Allegro molto moderato
05. Piano Concerto in A Minor, op. 16 – 2 – Adagio
06. Piano Concerto in A Minor, op. 16 – 3 – Allegro moderato molto e marcato
07. Piano Concerto No. 2 in G Minor, op. 22 – 1 – Andante sostenuto
08. Piano Concerto No. 2 in G Minor, op. 22 – 2 – Allegro scherzando
09. Piano Concerto No. 2 in G Minor, op. 22 – 3 – Presto
Orchestra of Opera North
Howard Shelley – Piano & Conductor
A pianista Lise de la Salle (1988) está entre as novas estrelas da música erudita. É daquelas mais ou menos bonitinhas. As gravadoras que exploram a imagem dos artistas devem ficar meio decepcionadas com a excelente Lise. Ela se sai muito bem no Shosta e no Liszt, mas não vai tão bem assim no Prokofiev. Não adianta, a gravação que o FDP postou com a integral dos concertos do ucraniano é muito melhor. O legal do CD é o programa. Dois excelentes concertos com um Liszt bem ruinzinho no meio. É um refresco meio sem gosto entre os russos (ou entre o russo e o ucraniano, ambos soviéticos). Funciona como um adágio fraquinho entre dois movimentos rápidos e cheios de vida. Bem, não gosto de quase nada de Liszt e alguns podem discordar fortemente de mim. Todos os concertos são Nº 1… Na boa, por que ela não colocou Primeiro Concerto para Piano do Tchai, muito melhor que o do Liszt? Seria uma estupenda trinca!
Shostakovich, Liszt, Prokofiev: Concertos para Piano Nº uns
1. Shostakovich: Concerto No. 1 for piano, trumpet and strings in C minor, opus 35 – Allegro
2. II Lento
3. III Moderato
4. IV Allegro con brio
5. Liszt: Piano Concerto No.1 in E flat major, s.124 – Allegro maestoso
6. II Quasi adagio
7. III Allegro vivace – allegro animato
8. IV Allegro marziale animato
9. Prokofiev: Piano Concerto No.1 in D flat major, opus 10 – Allegro brioso
10. II Andante assai
11. III Allegro scherzando
Lise de la Salle, piano
Libson Gulbenkian Foundation Orchestra
Lawrence Foster
Este CD é uma deliciosa homenagem a Louis Armstrong, um dos maiores músicos do século XX, um músico que rompeu diversas barreiras, principalmente raciais, e tornou-se um ícone da música norte-americana. O texto abaixo foi retirado do site da própria Roberta Donnay:
“The Prohibition Mob Band, led by Roberta Donnay, is a vintage jazz and swing band that employs 1920-30s swing, blues, and roots music in the jazz tradition. The ensemble’s mission is to explore, celebrate, and promote America’s jazz roots by interpreting vintage material as well as contributing original works reminiscent of the Jazz Age. Roberta Donnay & the Prohibition Mob Band have been touring the U.S. since 2012. The Prohibition Mob Band releases its third CD, “My Heart Belongs To Satchmo” on Blujazz in March 2018. This new record is devoted to the early music of Louis Armstrong, continuing the band’s tradition of resurrecting both well-known and obscure vintage music. “
Sugiro ouvirem bem alto, a banda é excelente e consegue tocar com paixão com um profundo senso histórico. A voz levemente nasalada de Roberta é ideal para estas canções.
Em outras palavras, leva com certeza o selo de ‘IM-PER-DÍ-VEL’ !!!
01 – Sugar (That Sugar Baby O’ Mine)
02 – My Bucket’s Got A Hole In It
03 – I’m In The Market For You
04 – Ol’ Man Mose
05 – That’s My Home
06 – Basin Street Blues
07 – Up A Lazy River
08 – I’m A Ding Dong Daddy (From Dumas)
09 – Do You Know What It Means To Miss New Orleans
10 – On The Sunny Side Of The Street
11 – Music Goes Round And Round
12 – Sweet Georgia Brown
13 – I’m Shootin’ High
14 – A Kiss To Build A Dream On
15 – Pennies From Heaven
Um excelente disco, infelizmente curto. A banda de Silver tem uma sonoridade tão parruda que chega a ser curioso ouvir e pensar que se trata de um quinteto. Não há faixas ruins neste álbum, todas elas são superlativas, e por isso cometerei uma injustiça se escolher uma delas, deixando de fora outra que o pequepiano eventualmente ame. Eu chamaria este disco de quente. Há faixas lentas, mas Silver parece gostar mais das pauleiras. Mas suas pauleiras não são amargas, são expressão de pura felicidade.
Horace Silver era Horace Ward Martin Tavares Silva (1928-2014), pianista e compositor de jazz norte-americano. Era filho de João Tavares Silva, de Cabo Verde, e Gertrude, uma norte-americana. Destacou-se nos estilos hard bop e soul jazz. Silver começou sua história musical no sax-tenorista e, mais tarde, voltou-se para o piano. Lançou grande parte de seus discos pela gravadora Blue Note, com a qual é bastante identificado.
Horace Silver: Blowin’ the Blues Away (1959)
1 Blowin’ The Blues Away 4:43
2 The St. Vitus Dance 4:09
3 Break City 4:56
4 Peace (Rudy Van Gelder Edition) 6:02
5 Sister Sadie 6:19
6 Baghdad Blues 4:53
7 Melancholy Mood 7:08
Horace Silver – piano
Blue Mitchell – trumpet (tracks 1, 3-6 & 8)
Junior Cook – tenor saxophone (tracks 1, 3-6 & 8)
Gene Taylor – bass
Louis Hayes – drums
Vamos completar a série então? Eis o segundo volume da série do ‘Cravo Bem Temperado’, pelas experientes mãos de Richard Egarr, um dos maiores especialistas em música barroca da atualidade. O booklet em anexo traz todas as informações que os senhores acharem necessárias.
Boa audição !!!
CD 1
01. Prelude I in C major, BWV 870
02. Fugue I in C major
03. Prelude II in C minor, BWV 871
04. Fugue II in C minor
05. Prelude III in C-sharp major, BWV 872
06. Fugue III in C-sharp major
07. Prelude IV in C-sharp minor, BWV 873
08. Fugue IV in C-sharp minor
09. Prelude V in D major, BWV 874
10. Fugue V in D major
11. Prelude VI in D minor, BWV 875
12. Fugue VI in D minor
13. Prelude VII in E-flat major, BWV 876
14. Fugue VII in E-flat major
15. Prelude VIII in D-sharp minor, BWV 877
16. Fugue VIII In D-sharp minor
17. Prelude IX in E major, BWV 878
18. Fugue IX in E major
19. Prelude X in E minor, BWV 879
20. Fugue X in E minor
21. Prelude XI in F major, BWV 880
22. Fugue XI in F major
23. Prelude XII in F minor, BWV 881
24. Fugue XII in F minor
CD 2
01. Prelude XIII In F-sharp major, BWV 882
02. Fugue XIII In F-sharp major
03. Prelude XIV in F-sharp minor, BWV 883
04. Fugue XIV in F-sharp minor
05. Prelude XV in G major, BWV 884
06. Fugue XV in G major
07. Prelude XVI in G minor, BWV 885
08. Fugue XVI in G minor
09. Prelude XVII In A-flat major, BWV 886
10. Fugue XVII In A-flat major
11. Prelude XVIII In G-sharp minor, BWV 887
12. Fugue XVIII In G-sharp minor
13. Prelude XIX in A major, BWV 888
14. Fugue XIX in A major
15. Prelude XX in A minor, BWV 889
16. Fugue XX in A minor
17. Prelude XXI in B-flat major, BWV 890
18. Fugue XXI in B-flat major
19. Prelude XXII In B-flat minor, BWV 891
20. Fugue XXII In B-flat minor
21. Prelude XXIII In B major, BWV 892
22. Fugue XXIII In B major
23. Prelude XXIV In B minor, BWV 893
24. Fugue XXIV In B minor
Esses CD’s tem uma história de novela. Tudo começou quando por acaso um colega meu, via MSN, me perguntou o que eu sabia sobre Handel. Falei que era um compositor da Alemanha, que foi para a Inglaterra; renovando a música de lá, falei que ele tinha mudado seu nome…. e assim vai. Nada que uma pequena olhada na Wikipedia não resolvesse. Daí logo após essa “catequese” esse meu colega me perguntou se eu tinha algo de Handel. Respondi: Claro que tenho. Tenho o Messias, Water Music, Fireworks e…. Fiquei sem ter o que falar. Daí fui eu pesquisar e me deparei com esses 3 CD’s. Pensei: órgão era “O” instrumento da época! Logo Tico e Teco bateram um com o outro e caiu uma ficha na minha cabeça.
Depois disso em um comentário (na época eu era como um de vocês), perguntei ao mano PQP se ele gostaria que eu ”upasse” o arquivo e postasse nos comentários. Ele falou que sim e assim eu o fiz. Para a minha surpresa 4 pessoas tinham feito o Download. A minha felicidade foi tremenda ( lembrem-se, na época ainda era um de vocês ) hoje, por um motivo qualquer eu resolvi fazer essa postagem. Quem tiver aquela curiosidade mortal por Handel dá uma olhada nesse link.
Então é isso 😀
Georg Friedrich Händel (1685 – 1759) – Complete Organ Concertos – Pinnock – Simon Preston
Disc: 1
1. Organ Concerto in G minor, Op.4/1, HWV 289: Larghetto e staccato-Adagio
2. Organ Concerto in G minor, Op.4/1, HWV 289: Allegro
3. Organ Concerto in G minor, Op.4/1, HWV 289: Adagio
4. Organ Concerto in G minor, Op.4/1, HWV 289: Andante
5. Organ Concerto in B flat major, Op.4/2, HWV 290: A tempo ordinario e staccato-Adagio
6. Organ Concerto in B flat major, Op.4/2, HWV 290: Allegro
7. Organ Concerto in B flat major, Op.4/2, HWV 290: Adagio e staccato
8. Organ Concerto in B flat major, Op.4/2, HWV 290: Allegro ma non presto
9. Organ Concerto in G minor, Op.4/3, HWV 291: Adagio
10. Organ Concerto in G minor, Op.4/3, HWV 291: Allegro
11. Organ Concerto in G minor, Op.4/3, HWV 291: Adagio
12. Organ Concerto in G minor, Op.4/3, HWV 291: Gavotte (Allegro)
13. Organ Concerto in F major, Op.4/4, HWV 292: Allegro
14. Organ Concerto in F major, Op.4/4, HWV 292: Andante
15. Organ Concerto in F major, Op.4/4, HWV 292: Adagio
16. Organ Concerto in F major, Op.4/4, HWV 292: Allegro
17. Organ Concerto in F major, Op.4/5, HWV 293: Larghetto
18. Organ Concerto in F major, Op.4/5, HWV 293: Allegro
19. Organ Concerto in F major, Op.4/5, HWV 293: Alla Siciliana
20. Organ Concerto in F major, Op.4/5, HWV 293: Presto
21. Harp Concerto in B flat major, Op.4/6, HWV 294: Andante allegro
22. Harp Concerto in B flat major, Op.4/6, HWV 294: Larghetto-Adagio
23. Harp Concerto in B flat major, Op.4/6, HWV 294: Allegro moderato
Disc: 2
1. Organ Concerto in B flat, Op.7/1, HWV 306: Andante
2. Organ Concerto in B flat, Op.7/1, HWV 306: Andante-Adagio
3. Organ Concerto in B flat, Op.7/1, HWV 306: Largo e piano
4. Organ Concerto in B flat, Op.7/1, HWV 306: Allegro
5. Organ Concerto in B flat, Op.7/1, HWV 306: Organo ad libitum: Adagio in G minor (from HHA IV/17, no.22)
6. Organ Concerto in B flat, Op.7/1, HWV 306: Bourrée:Allegro
7. Organ Concerto in A major, Op.7/2, HWV 307: Ouverture
8. Organ Concerto in A major, Op.7/2, HWV 307: A tempo ordinario
9. Organ Concerto in A major, Op.7/2, HWV 307: Organo ad libitum: Adagio (from Op. 1/3)
10. Organ Concerto in A major, Op.7/2, HWV 307: Allegro
11. Organ Concerto in B flat, Op.7/3, HWV 308: Allegro
12. Organ Concerto in B flat, Op.7/3, HWV 308: Organo ad libitum: Adagio-Fuge (Adagio from Overture to Giustino; Fugue from HWV 607 No. 3
13. Organ Concerto in B flat, Op.7/3, HWV 308: Spiritoso
14. Organ Concerto in B flat, Op.7/3, HWV 308: Menuet
15. Organ Concerto in D minor, Op. 7/4, HWV 309: Adagio
16. Organ Concerto in D minor, Op. 7/4, HWV 309: Organo ad libitum: Fuga. Larghetto (from Eternal monarch of the sky from Joseph and his
17. Organ Concerto in D minor, Op. 7/4, HWV 309: Allegro
Disc: 3
1. Organ Concerto in G minor, Op.7/5, HWV 310: Staccato ma non troppo allegro
2. Organ Concerto in G minor, Op.7/5, HWV 310: Andante larghetto e staccato
3. Organ Concerto in G minor, Op.7/5, HWV 310: Menuet
4. Organ Concerto in G minor, Op.7/5, HWV 310: Gavotte
5. Organ Concerto in B flat major, Op.7/6, HWV 311: Pomposo
6. Organ Concerto in B flat major, Op.7/6, HWV 311: Organo ad libitum: Air. Lentement (from unpublished Sinfonia in B flat major)
7. Organ Concerto in B flat major, Op.7/6, HWV 311: Air: A tempo ordinario
8. Organ Concerto in F major ‘Cuckoo & the Nightingale’ (No.13), HWV 295: Larghetto
9. Organ Concerto in F major ‘Cuckoo & the Nightingale’ (No.13), HWV 295: Allegro
10. Organ Concerto in F major ‘Cuckoo & the Nightingale’ (No.13), HWV 295: Larghetto
11. Organ Concerto in F major ‘Cuckoo & the Nightingale’ (No.13), HWV 295: Allegro
12. Organ Concerto in A major (No.14), HWV 296a: Largo e staccato
13. Organ Concerto in A major (No.14), HWV 296a: Organo ad libitum: Fuga. Allegro (from Op. 1/3)
14. Organ Concerto in A major (No.14), HWV 296a: Andante
15. Organ Concerto in A major (No.14), HWV 296a: Grave
16. Organ Concerto in A major (No.14), HWV 296a: Allegro
17. Organ Concerto in D minor (No.15), HWV 304: Andante
18. Organ Concerto in D minor (No.15), HWV 304: Organo ad libitum: Adagio-Fuga (Adagio from Harpsichord Suite No. 2; Fuga from O God who
19. Organ Concerto in D minor (No.15), HWV 304: Allegro
Apesar de ser jovem (temos apenas dois anos de diferença) o cravista britânico Richard Egarr já tem uma vasta experiência de palco e de estúdio. É músico exclusivo do excelente selo alemão Harmonia Mundi, e por esse selo já gravou boa parte da obra de Bach, aliás, ao correr dos anos ele vem se consolidando como um dos principais intérpretes de Bach.
Curiosamente, até agora ele não havia aparecido cá pelas bandas do PQPBach (pelo menos o ‘buscador’ do nosso bolg não achou nenhuma gravação sua por aqui). Então vou apresentá-los com grande estilo, com sua excelente gravação do Cravo Bem Temperado. Vale cada minuto da audição. Como se trata de obra extensa, são quatro cds, vou trazer dois de cada vez, certo? Então, boa audição.
CD 1
01. Prelude I in C major, BWV 846
02. Fugue I in C major
03. Prelude II in C minor, BWV 847
04. Fugue II in C minor
05. Prelude III in C-sharp major, BWV 848
06. Fugue III in C-sharp major
07. Prelude IV in C-sharp minor, BWV 849
08. Fugue IV in C-sharp minor
09. Prelude V in D major, BWV 850
10. Fugue V in D major
11. Prelude VI in D minor, BWV 851
12. Fugue VI in D minor
13. Prelude VII in E-flat major, BWV 852
14. Fugue VII in E-flat major
15. Prelude VIII In E-flat minor, BWV 853
16. Fugue VIII In D-sharp minor
17. Prelude IX in E major, BWV 854
18. Fugue IX in E major
19. Prelude X in E minor, BWV 855
20. Fugue X in E minor
21. Prelude XI in F major, BWV 856
22. Fugue XI in F major
23. Prelude XII in F minor, BWV 857
24. Fugue XII in F minor
CD 2
01. Prelude XIII In F-sharp major, BWV 858
02. Fugue XIII In F-sharp major
03. Prelude XIV in F-sharp minor, BWV 859
04. Fugue XIV in F-sharp minor
05. Prelude XV in G major, BWV 860
06. Fugue XV in G major
07. Prelude XVI in G minor, BWV 861
08. Fugue XVI in G minor
09. Prelude XVII In A-flat major, BWV 862
10. Fugue XVII In A-flat major
11. Prelude XVIII In G-sharp minor, BWV 863
12. Fugue XVIII In G-sharp minor
13. Prelude XIX in A major, BWV 864
14. Fugue XIX in A major
15. Prelude XX in A minor, BWV 865
16. Fugue XX in A minor
17. Prelude XXI in B-flat major, BWV 866
18. Fugue XXI in B-flat major
19. Prelude XXII In B-flat minor, BWV 867
20. Fugue XXII In B-flat minor
21. Prelude XXIII In B major, BWV 868
22. Fugue XXIII In B major
23. Prelude XXIV In B minor, BWV 869
24. Fugue XXIV In B minor
É consenso. Jaco Pastorius foi o maior virtuose do baixo elétrico em todos os tempos. Este é seu primeiro disco solo. Antes, em 1974, ele tinha gravado o CD Jaco com Pat Metheny. Sua habilidade é algo arrebatador. Esta não é a melhor amostra de Pastorius, muito melhor é esta, mas mesmo assim este álbum é hoje um clássico intocável. Segundo o próprio Pastorius, suas principais influências musicais foram: “James Brown, The Beatles, Miles Davis, e Stravinsky, nessa ordem.” O baixista morreu de forma estúpida. Após ter provocado uma briga na porta de um bar, Jaco tomou uma surra de um segurança, vindo a falecer após longo período de coma. Tinha 35 anos…
Jaco Pastorius: Jaco Pastorius (1976)
1 Donna Lee 2:28
2 Come On, Come Over
Vocals – David Prater, Sam Moore
3:52
3 Continuum 4:33
4 Kuru/Speak Like A Child 7:42
5 Portrait Of Tracy 2:22
6 Opus Pocus 5:29
7 Okonkole Y Trompa 4:25
8 (Used To Be A) Cha-Cha 8:57
9 Forgotten Love 2:14
10 (Used To Be A) Cha-Cha (Alternate Take – Previously Unreleased) 8:49
11 6/4 Jam (Previously Unreleased) 7:45
Estou débito com os senhores para completar a coleção de Beethoven. Porém, problemas pessoais alheios à nossa vontade estão impedindo de concluir.
Mas vamos trazer hoje uma delícia de CD com três obras primas, compostas por um dos mais perturbados gênios da história da música ocidental. Belíssima música, por sinal, e tremendamente bem tocada aqui neste CD. Sempre disse que para tocar estas peças os músicos tem de se doar, se entregar, cortar os punhos e sangrar. Estas notas pedem isso. É como se fossem um lamento, e no caso do op. 121, quase uma despedida. Assim o descreve o booklet do CD:
“Robert Schumann (1810–1856) was the arch-Romantic composer: his life, his eventual marriage to Clara, his mental collapse and death from syphilis all combine to paint a picture of the ultimate Romantic artist. He loved poetry and literature, he was a dreamer; inventive, original, full of ideas, and full of music that often seems to come from another more vivid and more magical world than our own. “
O violinista russo Ilya Gringolt e seu parceiro Peter Laul estão em perfeita sintonia aqui, um complementa o outro, e conseguem extrair da obra aquela emoção e aquela entrega que comentei acima. Os russos tem esta incrível capacidade de expressarem com intensidade suas emoções. E aqui temos três obras primas do romantismo, assim os dois podem se entregar de corpo e alma à elas.
01. Violin Sonata No.1 in A minor, Op.105 – I. Mit leidenschaftlichem Ausdruck
02. Violin Sonata No.1 in A minor, Op.105 – II. Allegretto
03. Violin Sonata No.1 in A minor, Op.105 – III. Lebhaft
04. Violin Sonata No.2 in D minor, Op.121 – I. Ziemlich langsam
05. Violin Sonata No.2 in D minor, Op.121 – II. Sehr lebhaft
06. Violin Sonata No.2 in D minor, Op.121 – III. Leise einfach
07. Violin Sonata No.2 in D minor, Op.121 – IV. Bewegt
08. Violin Sonata No.3 in A minor, WoO 27 – I. Ziemlich langsam
09. Violin Sonata No.3 in A minor, WoO 27 – II. Intermezzo
10. Violin Sonata No.3 in A minor, WoO 27 – III. Lebhaft
Este é mais um disco de Aimard do que de Boulez. O regente está burocrático, o pianista está demais. Raramente se ouve uma versão do concerto para piano (duas mãos) tão bem tocada, principalmente no Adagio Assai, típico movimento que parece simples, mas onde é fácil cair no precipício da vulgaridade. Pierre-Laurent Aimard é aquele tipo de músico que só grava quando tem a compreensão completa da peça. Ele busca a intimidade e apenas vai para o estúdio quando a obra está completamente analisada em cada detalhe dentro de sua concepção. Vi-o uma vez no Cadogan Hall em Londres. O cara é extraordinário.
Maurice Ravel (1875-1937): The Piano Concertos / Miroirs
1 Piano Concerto For The Left Hand In D – Lento – Andante – Allegro – Tempo 1 18:51
2 Piano Concerto In G – 1. Allegramente 8:30
3 Piano Concerto In G – 2. Adagio Assai 9:28
4 Piano Concerto In G – 3. Presto 4:24
5 Miroirs, M.43 – 1. Noctuelles 4:53
6 Miroirs – 2. Oiseaux Tristes 4:09
7 Miroirs – 3. Une Barque Sur L’océan 7:38
8 Miroirs – 4. Alborada Del Gracioso 6:31
9 Miroirs – 5. La Vallée Des Cloches 6:08
Pierre-Laurent Aimard
The Cleveland Orchestra
Pierre Boulez
200 Anos de Música em Versailles A música na corte no tempo de Luis XIII
CD2/20: Os segredos de Versailles no tempo de Luis XIII: A música na corte no tempo de Luis XIII
O cravista Jacques Champion Chambonnières foi sem dúvida um dos mais interessantes dos muitos músicos da primeira metade do século XVII. Ele foi o fundador da escola francesa de tocar e compor no cravo, e em 1641 criou, com o objetivo de promover obras de câmara contemporâneas, uma das primeiras sociedades de concertos francesas, a ‘Assemblée des Honnestes Curieux’, onde a sociedade de então se reunia para interpretar composições instrumentais e vocais de Boesset, Chancy, Richard, Lambert ou Moulinié, todos músicos da Câmara do Rei.
200 Anos de Música em Versailles A música na corte no tempo de Luis XII Jacques Champion de Chambonnières (França, ca 1601-1672) 01. Pièces de clavecin – Pavane Antoine Boesset (França, 1587-1643) 02. Airs de cour – Beaute dont les rigueurs 03. Airs de cour – Donc vos rigueurs belle Uranie Jacques Champion de Chambonnières (França, ca 1601-1672) 04. Pièces de clavecin – L’Affligee, allemande Antoine Boesset (França, 1587-1643) 05. Airs de cour – Me veux tu voir mourir Francois Richard (França, ca 1585-1650) 06. Airs de cour – Helas que je souffre de mal Jean Lacquemant, dit Dubuisson (França, ca 1622-ca 1680) 07. Pièces de luth – Prelude – Sarabande grave Antoine Boesset (França, 1587-1643) 08. Airs de cour – Depart que le devoir me fait precipiter Ennemond Gaultier, dit “Le Vieux Gaultier” (França, 1575-1651) 09. Pièces de luth – Les larmes de Boesset, courant Antoine Boesset (França, 1587-1643) 10. Airs de cour – Je meurs je languis François de Chancy (França, 1600-1656) 11. Airs de cour – Cher ami tes amoureux discours 12. Airs de cour – Je goute en liberte Jacques Champion de Chambonnières (França, ca 1601-1672) 13. Pièces de clavecin – Gigue 14. Pièces de clavecin – L’Entretien des dieux, pavane Étienne Moulinié (França, 1599-1676) 15. Airs de cour – Respects qui me donnez la loi Michel Lambert (França, 1610-1696) 16. Airs de cour – Philis j’arrete enfin mon humeur vagabonde Étienne Moulinié (França, 1599-1676) 17. Airs de cour – Amour je te suis oblige
200 Anos de Música em Versailles CD2/20: Os segredos de Versailles no tempo de Luis XIII: A música na corte no tempo de Luis XIII.- 2007
Benjamin Perrot, alaúde
Blandine Rannou, cravo
Il Seminario Musicale
Gérard Lesne, dir.
Um lindíssimo CD do trompetista italiano Paolo Fresu. Como disse um amigo, talvez o jazz europeu esteja produzindo melhor do que o norte-americano. Fresu é um dos amores de Carla Bley e foi através dos elogios dela que o descobri. Se fosse possível inserir o Miles Davis do período cool na cena do jazz contemporâneo, talvez ele soasse muito parecido com Fresu. Mas enquanto Miles se preocupava com um som urbano, Fresu oferece um cool cheio de romance. Pense no Mediterrâneo ao pôr do sol, um copo de Chianti na mão, olhando profundamente nos olhos de seu parceira(o), sentindo a brisa salgada flutuando na pele. É essa a magia. Carpe Diem, como Paolo Fresu Devil Quartet, oferece músicas espaçosas, radicais e melódicas, com um ritmo que se desdobra lentamente, envolvendo o ouvinte em felicidade. E a visão romântica de Fresu é habilmente apoiada pro um grupo fantástico de italianos formado por Bebo Ferra no violão, Paolino Dalla Porta no baixo e Stefano Bagnoli na bateria. Grande parte do álbum consiste de baladas lindamente escritas e construídas. Home, In minore, Enero, Ballata per Rimbaud, Ottobre, Giulio libano e a impressionante Human Requiem são exemplos primordiais. Um grande CD!
Paolo Fresu Devil Quartet – Carpe Diem
01. Home
02. Carpe Diem
03. In minore
04. Enero
05. Dum loquimur, fugerit invida aetas
06. Lines
07. Secret Love
08. Ballata per Rimbaud
09. Ottobre
10. Un tema per Roma
11. Human Requiem
12. Quam minimum credula postero
13. Giulio libano
14. Un posto al sole
Personnel:
Paolo Fresu – trumpet and fluglehorn
Bebo Ferra – acoustic guitar
Paolino Dalla Porta – doublebass
Stefano Bagnoli – drums
A Estréia da ópera Turandot foi realizada no Scala de Milão a 25 de abril de 1926, a ópera em três atos foi composta pelo italiano Giacomo Puccini (1858-1924), a partir do libretto de Giuseppe Adami e Renato Simoni, baseada na peça de teatro homonima, datada de 1762, e de autoria de Carlo Gozzi. A ópera permaneceu inacabada até à data da morte de Puccini que, embora tivesse trabalhado nela com grande rapidez e entusiasmo, se deteve perante dificuldades no dueto final entre a princesa e o seu pretendente. Tendo à sua disposição quatro versões do libretto , acabou por falecer em 1924, deixando apenas esboços brevíssimos da ária. Com a sua morte, Toscanini sugeriu que o jovem e promissor compositor Franco Alfano talvez devesse completar a música do dueto. Não obstante, o maestro Toscanini ficou tão desapontado com o resultado que, na estreia, terminou a atuação no ponto em que Puccini a tinha deixado (cena d amorte de Liú). Voltou-se para a plateia, e anunciou que naquele ponto o compositor depôs a pena. Mesmo assim, procedendo a várias revisões na música de Alfano, baseada nas notas de Puccini, o maestro apresentou uma versão, que passou a ser aceita como definitiva. Em sua técnica geral de composição e complicada estrutura harmonica, “Turandot” revela um avanço sobre as óperas anteriores de Puccini. As altamente flexíveis formas de linguagem musical delineiam a ação com máxima eficiência, e há a soberba fusão de música e drama. Tudo isso provoca uma opulenta melodia pucciniana que faz de “Turandot” uma das mais belas partituras na literatura da ópera.
Em linhas gerais a história é a seguinte: Na China antiga, numa praça de Pequim, o povo aguarda a execução do príncipe da Pérsia, o último a tentar conquistar a fria e distante princesa Turandot. Para o conseguir há que ultrapassar uma prova que consiste na resolução de três enigmas. Na confusão, um velho, Timur, cai ao chão e é ajudado por uma jovem escreva Liù. Calaf ajuda-o e reconhece nele o seu pai, o rei Tártaro deposto. Liù está secretamente apaixonada por Calaf. A execução do príncipe da Pérsia consuma-se e Calaf fica encantado com a beleza de Turandot e, contrariando os conselhos de Timur de Liù e dos três ministros imperiais, Ping, Pang e Pong, decide tocar o gongo, anunciando a intenção de se sujeitar à prova. Turandot surge altiva e diz que a sua castidade e crueldade se destinam a vingar o sofrimento de uma antiga princesa. Mas Calaf soluciona os três enigmas e Turandot, desesperada, pede que a libertem da sua obrigação. Calaf diz-lhe que, se ela descobrir o seu nome até ao amanhecer, ele morrerá. Ninguém dorme em Pequim e Turandot tenta desesperadamente saber o nome. Liù diz-lhe que só ela o sabe mas não o dirá. Turandot pergunta donde lhe vem tanta força e Liù diz-lhe que é do amor que tem por Calaf. Liù apunhala-se mortalmente, impressionando todos. Calaf beija Turandot e revela-lhe o seu nome. Perante a população e o imperador, Turandot anuncia que sabe o nome do estrangeiro, seu nome é Amor. Abraçam-se e acabam felizes. No entanto, não se pode deixar de sentir que falta algo na história como por exemplo um sentimento de remorso por parte deTurandot. Calaf não acaba com a garota errada ? Ele não deveria ter ficado feliz com a amorosa Liù ? Sim, Turandot, no final, parece ter uma mudança de coração, mas esta princesa assassina e de coração frio é realmente redimível ? Enredo doido…. sei lá…. vamos ao que interessa, a extraordinária música de Puccini . Estou colocando para apreciação três interpretações duas completas e uma com trechos selecionados.
Os tês meninos: Comparar o incomparável, não dá…. nem me atrevo a escrever comparações do Pava, Giuseppe e Fernandi… esquece.
As Três meninas :Caricas, difícil também, mas lá vai: Callas é o personagem mais aberto, corajoso que está cobrindo insegurança e medo, enquanto Caballe tem um lado místico que eu não ouvi em nenhuma outra interpretação, Nilsson parece “feita” para o papel.. Em uma palavra, essas senhoras são “geniais” em vez de simplesmente atléticas. Se você quer ouvir “Turandot” como drama musical, cantado com musicalidade e imaginação impecáveis, ouça Callas ou Caballe. Se você quiser notas altas e firmes, ouça Nilsson. E gostaria de lembrar ao pessoal do blog que o primeiro Turandot, Rosa Raisa, escolhido pelo próprio Puccini, não era uma soprano wagneriana de aço. Mas, ao contrário, uma apaixonada atriz cantora italianizada com uma voz fascinante e imperfeita. Soa como Callas, hein? Para mim essas três interpretações, que são abordagens muito diferentes, mas todas poderosas e igualmente válidas, mostram o verdadeiro espírio da obra. Sem medo de errar elas fariam Puccinni ficar felizão da vida ao ouvi-las.
O Libretto e a história “passo a passo” estão juntos no arquivo de download, extraído de um livro que me acompanha desde 1984 (faz tempo…. amarelinho o coitado) .“As mais Famosas Óperas”, Milton Cross (Mestre de Cerimônias do Metropolitan Opera). Editora Tecnoprint Ltda., 1983.
Assim, em poucas palavras, cada regente e cada intérprete fornece um pano de fundo quase perfeito para suas concepções, respectivamente, muito diferentes.
Pessoal, abrem-se as cortinas e deleitem-se com a extraordinária música de Puccini !!
Montserrat Caballé,Luciano Pavarotti, Leona Mitchell, regência de Riccardo Chailly. Gravação ao vivo feita em San Francisco no dia 4 de novembro de 1977. Com o maestro Riccardo Chailly (1953), estréia de Montserrat Caballé (1933) como Turandot, Luciano Pavarotti (1935 – 2007) como Calaf, e Leona Mitchell (1949) como Liù. Foi uma performance extraordinária, Pavarotti (então com 42 anos) e Caballe, ambos no auge , e Chailly, aos 24 anos, em sua primeira aparição importante. Como bônus temos uma entrevista de Caballe e Pavarotti, discutindo suas carreiras, suas famílias, e contando as dicas e conselhos de Maria Callas sobre os papéis para Arthur Kaplan depois deste concerto. Esta versão interessante do Turandot é digna de várias observações. Ouvir Montserrat Caballe se afastar de seus dons essencialmente romanticos para ensaiar o papel de Turandot é incomum por si só. O fato de ela se absorver com uma inteligência primorosa a profundidade de sua interpretação, se não surpreendente, é gratificante. Magnífico canto de Leona Mitchell. Encantadora, inspira-se em cantar Liu com os lendários Pavarotti e Caballe. Bom, Pavarotti traz sempre uma luz com ele, dispensa cometários. Chailly aproveita ao máximo os recursos artísticos da modesta da Orquestra de Ópera de São Francisco, o coro canta esplendidamente. Caballe e Pavarotti, que dupla, nos faz sentir uma sede difícil de saciar ! Repetidas escutas trazem imensa alegria ! Do caraglio esta gravação ao vivo !
Giacomo Puccini (1858-1924)
Turandot (2 CDs)
CD1 Atto1 01 Popolo di Pechino
CD1 Atto1 02 Indietro cani
CD1 Atto1 03 Padre Mio Padre
CD1 Atto1 04 Gira la cote
CD1 Atto1 05 Perche tarda la luna
CD1 Atto1 06 La sui monti dellEst
CD1 Atto1 07 O giovanneto grazia
CD1 Atto1 08 La Grazia Principessa
CD1 Atto1 09 Figlio che fai
CD1 Atto1 10 Fermo Che Fai
CD1 Atto1 11 Silenzio ola
CD1 Atto1 12 Notta senza lumicino
CD1 Atto1 13 Signore Ascolta
CD1 Atto1 14 non Piangere Liu
CD1 Atto1 15 Ah Per ultima volta
CD1 Atto2 16 Ola Pang
CD1 Atto2 17 O China che or sussulti
CD1 Atto2 18 Ho una nellHonan
CD1 Atto2 19 O mondo pieno
CD1 Atto2 20 Addio amore
CD1 Atto2 21 Non ve in China per nostra fortuna
CD1 Atto2 22 Udite tromba
CD1 Atto2 23 Gravi enormi ed imponenti
CD1 Atto2 24 Un giuramento atroce mi constringe
CD1 Atto2 25 Diecimila anni al nostro Imperatore
CD1 Atto2 26 Popolo di Pechino
CD1 Atto2 27 In questa reggia
CD1 Atto2 28 O Principi che lugubre carovanne
CD1 Atto2 29 Straniero scolta
CD1 Atto2 30 Si Rinasce
CD1 Atto2 31 Guiezza al pari di fiamma
CD1 Atto2 32 Si Principessa
CD1 Atto2 33 Gelo che ti di foco
CD1 Atto2 34 La mia vittoria
CD1 Atto2 35 Figlio del Cielo
CD1 Atto2 36 No no Principessa altera
CD2 Atto2 01 Proposto
CD2 Atto2 02 Ai tuoi piedi ci prostriam
CD2 Atto3 03 Cosi comanda Turandot
CD2 Atto3 04 Nessun Dorma
CD2 Atto3 05 Tu che guardi le stele
CD2 Atto3 06 Straniero tu non sai
CD2 Atto3 07 Principessa divina
CD2 Atto3 08 Signor non parlero
CD2 Atto3 09 Che pose tanta forza
CD2 Atto3 10 Strappatele il segreto
CD2 Atto3 11 Tu che di gel sei cinta
CD2 Atto3 12 Liu Sorgi
CD2 Atto3 13 Liu Bonta
CD2 Atto3 14 Principessa di morte
CD2 Atto3 15 Che e mai di me
CD2 Atto3 16 La tua gloria resplandece
CD2 Atto3 17 Piu grande vittoria
CD2 Atto3 18 So il tuo nome
CD2 Atto3 19 Diecimila anni al nostro Imperatore
CD2 Atto3 20 Padre augusto
CD2 Interview Arthur Kaplan
Montsserrat Caballé – Turandot
Raymond Manton – Imperador Altoum
Giorgio Tozzi – Timur
Luciano Pavarotti – Calaf
Leona Mitchell – Liú
Dale Duesing – Ping
Remy Corazza – Pang
Josheph Frank – Pong
Aldo Bramante – Mandarim
Coro e orquestra da Opera de San Francisco, Regente Riccardo Chailly
Gravação ao vivo feita em 04 de novembro de 1977.
Maria Callas, Elisabeth Schwarzkopf, Eugenio Fernandi, regência Tullio Serafin
Esta é uma gravação única. O que falar de Callas (1923 – 1977)? Ela oferece uma visão bastante especializada de Turandot, é um desempenho emocionalmente envolvente da deusa dramática Callas. Serafin oferece uma leitura mais lenta, mais pesada e muito mais detalhada da extraordinária parte orquestral dessa obra Tullio Serafin (1878 – 1978) está totalmente em sincronia com a visão mais humanista dos personagens dados por seus interpretes. O Liu de Schwarzkopf (1915 – 2006) é, para mim, muito tocante (Serafin lhe dá um tremendo apoio), e Fernandi (1922 – 1991), apesar de recursos vocais muito diferentes do simpático gigante Gordinho de Módena, está bem: seu Calaf é apresentado em um nível mais humano o herói de tamanho olímpico que costumamos ouvir com Pavarotti. Callas corajosamente enfrenta muitos dos desafios vocais imponentes. Mas o que dizemos sobre aquela voz levemente trêmula e nervosa que provoca tal simpatia imediata?
Eu só posso dizer que ela tem esse neste modesto ouvinte uma tremenda admiração, seguindo-a com um libreto, eu estou continuamente surpreso com a sua capacidade de colorir palavras e frases inteiras com uma nobreza queixosa e angústia mal escondida que são totalmente emocionantes. Ela é, para mim, um desses raros e supremos artistas que de alguma forma conseguem tornar as limitações técnicas mais um ativo do que um passivo. Faz todo o sentido, portanto, que ela fizesse par com Fernandi. O maestro Tullio Serafin dá uma de suas interpretações mais individualistas e dramaticamente memoráveis. Ele nunca deixa que você esqueça que esta é uma história feia sobre pessoas bárbaras, ressaltando cada dissonância de Puccini e inspirando uma performance supremamente vívida do coro La Scala.
Giacomo Puccini (1858-1924)
Turandot (2 CDs) (Parte da coletânea de Callas que o Bisnaga postou nos idos de 2014)
CD 42
01. Popolo Di Pekino! (1º Ato)
02. Padre! Mio Padre!
03. Perduta La Battaglia
04. Gira La Cote! Gira!
05. Perche Tarda La Luna?
06. La, Sui Monti Dell’ Est
07. O Giovinetto!
08. Figlio, Che Fai?
09. Fermo! Che Fai? T’Arresta!
10. Silenzio, Ola!
11. Guardalo, Pong!
12. Non Indugiare!
13. Signore, Ascolta!
14. Non Piangere, Liu!
15. Ah! Per L’Ultima Volta!
16. Ola, Pang! Ola, Pong! (2º Ato)
17. O Cina, O Cina
18. Ho Una Casa Nell’ Honan
19. O Mondo, Pieno Di Pazzi Innamorati!
20. Addio, Amore!
21. Noi Si Sogna
22. Gravi, Enormi Ed Imponenti
23. Un Giuramento Atroce Mi Costringe
24. Diecimila Anni Ai Nostro Imperatore!
25. In Questa Reggia
26. Straniero, Ascolta! Nella Cupa Notte
27. Guizza Al Pari Di Fiamma
28. Gelo Che Ti Da Foco
29. Gloria, O Vincitore!
30. Figlio Del Cielo!
31. Tre Enigmi M’Hai Proposto!
32. Ai Tuoi Piedi Ci Prostriam
CD 43
01. Cosi Comanda Turandot (3º Ato)
02. Nessun Dorma!
03. Tu Che Guardi Le Stelle
04. Principessa Divina!
05. Quel Nome!
06. L’Amore? …Tanto Amore, Segreto E Inconfessato
07. Tu, Che Di Gel Sei Cinta
08. Li?…Bonta!
09. Principessa Di Morte!
10. Che e Mai Di Me? Perduta!
11. Del Primo Pianto, Si…La Mia Gloria e Il Tuo Amplesso!
12. Diecimila Anni Al Nostro Imperatore!
Maria Callas – Turandot
Giuseppe Nessi – Imperador Altoum
Nicola Zaccaria – Timur
Eugenio Fernandi – Calaf
Elisabeth Schwarzkopf – Liú
Mario Borriello – Ping
Renato Ercolani – Pang
Piero de Palma – Pong
Giulio Mauri – Mandarim
Coro e Orquestra del Teatro ala Scala di Milano, regente Tullio Serafin.
Julho de 1957
Birgit Nilsson,Giuseppe di Stefano,Leontyne Price regência de Francesco Molinari Pradelli.
Apresentação ao vivo de Birgit Nilsson (1918 – 2005) em Viena no dia 22 de junho de 1961, com Giuseppe di Stefano (1921 – 2008) como Calaf e Leontyne Price (1927) no papel de Liù, sob a batuta de Francesco Molinari Pradelli (1911-2006). Faixas Bonus.
Birgit Nilsson era lendária como a princesa cruel Turandot. Ela cantou este papel mais de 300 vezes ao longo de sua carreira e por quinze a vinte anos ela quase deteve o monopólio do papel nas casas de ópera do mundo. Birgit cantou Turandot pela primeira vez em 1957 na Royal Swedish Opera em Estocolmo. No final dos anos 70, Birgit alcançou o recorde mundial em relação ao número de apresentações do Turandot.
Em 7 de dezembro de 1958 foi a primeira apresentação de Birgit Nilsson como Turandot no La Scala, em Milão. Foi durante uma noite de gala em comemoração à 370ª temporada do teatro. Ela foi a primeira cantora estrangeira a abrir uma temporada naquela casa de ópera italiana, e a própria Birgit sentiu que era um dos eventos mais importantes de sua vida.
Assim como Serafin é ideal para uma visão mais perspicaz e íntima dos personagens da ópera, o retrato mais exuberante de Molinari-Pradelli está perfeitamente de acordo oferecida por suas estrelas. Nilsson pode ser uma caracterização mais suave do que a de Callas – mas ela certamente é mais uma “princesa do gelo”, com muito vigor vocal. Da mesma forma que Steffano está de tirar o fôlego seu Calaf é uma figura eloquente. Liù soa meiga e apaixonada na voz de Leontyne Price.
2-22 Signore escolta
2-23 Non piangere Liu
2-24 Ah Per La ultima volta
2-25 Nessun Dorma
2-26 Principessa divina
2-27 Signor non parlero
2-28 Che poso tanta forza nel tuo cuore
2-29 Strappatele il segreto
2-30 Tu che di gel sei cinta
2-31 Liu Sorgi
Birgit Nilsson – Turandot
Peter Klein – Imperador Altoum
Nicola Zaccaria – Timur
Giuseppe di Stefano – Calaf
Leontyne Price – Liú
Kostas Paskalis – Ping
Ermanno Lorenzi – Pang
Murray Dickie – Pong
Alois Pernerstorfer – Mandarim
Coro e orquestra da Opera de Vienna, Regente Francesco Molinari´Pradelli
Gravação ao vivo feita em Viena em 22 de junho de 1961.
200 Anos de Música em Versailles Uma viagem ao coração do Barroco Francês
CD1/20: Os segredos de Versailles no tempo de Luis XIII: Nos salões do pavilhão de caça no começo do período barroco.
Sabemos que Luís XIII, que caçava nas proximidades de Versalhes (então não mais do que uma aldeia) desde a infância, gostava de ficar no pavilhão de caça – na verdade um pequeno palácio – que construíra no local. Mas só podemos imaginar a música que foi ouvida lá naquele momento. Teria incluído peças para alaúde ou para viola por GAULTIER ou MOUTON, airs de cour de GUEDRON ou BOESSET … Talvez fossem executados motets ou missas por FORME e FREMART, com os meios limitados disponíveis, na pequena capela lá, e talvez foram acompanhados por peças para órgãos compostas por ROBERDAY ou TITELOUZE … (Extraido e traduzido do encarte)
A Air de Cour (Ária da Corte) foi um tipo popular de música secular vocal na França, no final do período Renascentista e no início do Barroco, de aproximadamente 1570 até por volta de 1650. Entre 1610 e 1635, durante o reinado de Luis XIII, esta foi a forma predominante de composição vocal secular na França, especialmente na corte real. (Wikipedia)
O rico, polifônico air de cour claramente pertence ao período da Renascença, enquanto o solo air de cours com o acompanhamento do alaúde é uma manifestação óbvia do novo estilo “barroco”. A linha vocal é simples e o texto perfeitamente inteligível, com o objetivo de ressaltar a elegância e o refinamento da poesia, particularmente apreciada na época, nos salões da cidade. Nos “duplos” e reprises a cantora ficava livre para expressar sua virtuosidade e bom gosto através da realização de arabescos sutis. (Extraido e traduzido do encarte)
200 Anos de Música em Versailles Nos salões do pavilhão de caça no começo do período barroco Antoine Boesset (França, 1587-1643) 01. Airs de cour – ‘Air qui produit tant de choses si belles’ 02. Airs de cour – ‘Ne deliberons plus’ 03. Airs de cour – ‘Jamais n’auray-je le pouvoir’ Robert Ballard Senior (França, ca 1520-1588) 04. Pièces pour luth – Ballet du Dauphin Antoine Boesset (França, 1587-1643) 05. Airs de cour – ‘Plaignez la rigueur de mon sort’ 06. Airs de cour – ‘Suis-je pas miserable’ Robert Ballard Senior (França, ca 1520-1588) 07. Pièces pour luth – Entree Antoine Boesset (França, 1587-1643) 08. Airs de cour – ‘Ennuis, désespoirs et douleurs’ 09. Airs de cour – ‘Du plus doux de ses traits’ Anônimo 10. Pièces pour luth – Courante 11. Pièces pour luth – Volte Antoine Boesset (França, 1587-1643) 12. Airs de cour – ‘Me veux-tu voir mourir’ 13. Airs de cour – ‘Alors que d’un discours hardy’ 14. Airs de cour – ‘Heureux sejour de Partenisse’
200 Anos de Música em Versailles CD1/20: Os segredos de Versailles no tempo de Luis XIII: Nos salões do pavilhão de caça no começo do período barroco.- 2007
Monique Zanetti, soprano francesa, especializada em música do repertório barroco.
Claire Antonini, francesa, especializada em música para alaúde do repertório barroco.
Eis um CD que provoca paixões. Desde seu lançamento, em 1994, é saudado como uma grande realização. FDP Bach é tarado por Emma Kirkby, sabiam? Pois é, mas fui eu quem entrevistou ela. Toma! Mas leiam o apaixonado e descontrolado abaixo que encontrei no Google:
I love Emma Kirkby — too bad she’s married to Anthony Rooley. My dark, secret fantasy is to kidnap her and force her to sing for me whenever I want. But since I’m not into anti-social acts, this recording will have to do. It does very nicely indeed. Beautiful material and lovely sonics make this recording a definite Record to Die For for anyone but the Beavis and Butt-head crowd. The opening selection, “Quel Sguardo Sdegosetto,” is just too beautiful for words.
Olympia’s Lament
Claudio Monteverdi (1567-1643) 1. Quel sguardo sdegnosetto
2. Ohime ch’io cado
3. Lamento d’Olimpia
4. Voglio di vita uscir
5. Maladetto sia l’aspetto
Sigismondo d’India (1582-1629)
6. Diana ( Questo dardo, quest’ arco)
7. Amico hai vint’io
8. Piangono al pianger mio
9. Lamento d’Olimpia
10. Torna il sereno zefiro
11. Sfere fermate
Para muitos, a exemplo do filósofo, teólogo luterano, organista interprete de Bach e médico missionário Albert Schweitzer, Johann Sebastian Bach seria o Quinto Evangelista. Abundam os comentários que o elevam ao panteão dos Apóstolos: “A música de Bach é como o Evangelho. O público pode conhece-lo por Mateus, por Marcos, Lucas ou segundo João, todos diferentes, mas sempre Evangelho” – François Auguste Givaert. “Esta semana ouvi três vezes a Paixão Segundo São Matheus, do divino Bach, cada uma delas com o mesmo sentimento, quem se há esquecido do cristianismo, pode ouvi-lo como um evangelho” – F. Nietzsche. “Bach revela-se no conjunto o mais universal dos artistas. O que expressa através de suas obras é uma grande emoção religiosa (…) Bach é, para mim, um grande pregador” – Charles Maria Widor.
Segundo o autor de um dos melhores livros sobre Ele – maiúscula proposital – James R. Gaines (em “Uma noite no palácio da razão”), com relação à concepção dos ciclos de Cantatas de Leipzig, mais as Paixões Segundo São João e São Mateus, “somente um profundo senso de missão poderia sustentar um transbordamento tão extraordinário de trabalho”. O autor observa que ‘Naqueles Tempos’ (para assumir um ar bíblico), não eram obras que fossem concebidas com finalidades artísticas em si, mas sim como acessórios do culto Luterano, cuja finalidade era a pregação da Palavra e nada mais senão a Palavra. Gaines nos aponta que desde o seu primeiro emprego em Arnstadt, Bach havia lidado com os textos de Lutero e com a Bíblia quase todos os dias de sua carreira, e com o tempo, a sua busca no sentido espiritual teria se tornado cada vez mais tenaz. Nos informa também que a biblioteca de livros luteranos que acumulou, especialmente em Leipzig, daria orgulho a qualquer pastor. Possuía os mais famosos trabalhos de pietistas e místicos cristãos; mais numerosas obras de comentários sobre os textos de Lutero e sobre a Bíblia alemã. Em 1733 comprou uma versão em três volumes da Bíblia Luterana, que havia sido publicada em 1681 com comentários do dr. Abraham Calov e mais tarde gastou boa parte de seu salário anual para adquirir a edição em sete volumes de textos de Lutero. Isso se juntou a mais oito volumes que ele já possuía. A maior parte da biblioteca teológica de Bach desapareceu após sua morte, mas a Bíblia de Calov foi encontrada em 1934, no sótão de uma fazenda em Michigan (!). Mais instigantes do que o portento de tal biblioteca são as anotações e exclamações nas margens de muitas das páginas dessa Bíblia. Diversas passagens grifadas e comentadas se relacionavam aos textos utilizados em sua música, mas outras anotações se dirigiam a questões prementes de sua vida, pontuada por dificuldades várias e atritos com seus “superiores”. O caráter despojado de algumas anotações é comovente. Nos apresenta o Mestre sem a peruca, curvado sobre suas partituras, nas bordas das quais também escrevinhava aclamações ao Altíssimo e contas domésticas: “Quando as coisas estão bem, considere que elas podem ficar ruins; e se estão ruins, podem se transformar em boas. Não presuma que as coisas vão caminhar da forma que você quer. Aquele que se preocupa em fazer as coisas serem da maneira que quer só terá tristeza, desassossego e dor no coração”. Ou ainda: “Aprenda a conhecer o mundo. Você não vai transformá-lo, ele não vai evoluir de acordo com você. Acima de todas as coisas aprenda e saiba que o mundo é ingrato”. E ainda: “O que é esse mundo senão um grande espinho que temos de remover nós mesmos? Esta terra é o reino do diabo”.
Tudo isso, junto à intensidade de sua música (“as melodias de Haendel são extensas, as de Bach são intensas”, escreveu Manfed F. Bukofzer), faz materializar-se uma auréola quase palpável sobre a figura de Bach; e de forma fácil e romântica se plasmou um herói da fé para a posteridade.
Contudo, seria a devoção a origem de tal profundidade na obra de Bach? Seria o fervor místico o magma que alimentaria a intensidade de sua música? Até que ponto essa devoção seria apenas a superfície deste “oceano” – como o chamaria Beethoven, ao considerar o significado do seu nome Bach – ‘regato’ ou ‘ribeiro’ (porém mais anteriormente a seu tempo, Bacher– padeiro, lembrando seu ancestral Veit Bach, que era padeiro e tangedor de cítara). A vida de Bach foi marcada por perdas, desde tenra infância, quando se foram irmãos e parentes próximos e distantes. Aos nove anos perdeu seus pais. Primeiro a sua mãe Elisabeth, depois Ambrosius, seu pai. Dos vinte filhos enterraria doze, idos em diversas idades, um deles Gottfried Bernard, com 24 anos. Sua primeira esposa Maria Bárbara também. O peso de tais perdas poderia ser, de forma bastante plausível, o esteio da música que toca a tantos ao longo dos séculos e de forma tão profunda, como uma verdade perene; e sobre estas correntezas abismais, cintilações que sabem a fé. Não seria prudente descartar, todavia, a ideia de que Bach cultivasse uma forte identificação com a figura do Cristo-homem, perseguido, sofrido e massacrado; vide as veementes exclamações na Paixão Segundo São Mateus: Geduld, mein Herz! – Paciência, meu coração! Todavia, na prática, não tinha pudores em intercambiar material entre obras sacras e profanas, reciclando o que podia com finalidades exclusivamente práticas e musicais. Mesmo nas Paixões e nas Cantatas nas quais ressoam árias que falam da morte, temos material rítmico típico de gêneros dançantes. Bach voa sobre os abismos. O autor Franz Rueb (em “48 variações sobre Bach”) nos aponta como trabalhar para a igreja teria sido uma triste e última opção para Bach, que preferiria a liberdade de um emprego nas cortes, ao invés de jazer sob os tacões dos carolas luteranos; sob as exigências de administrar a música nos rituais, lecionar grego e latim, e ainda ensinar boas maneiras a uma manada de órfãos. Sabe-se o quanto lamentou o seu afastamento da corte de Köthen, onde produzia a bel prazer música instrumental e profana, devido ao casamento do seu patrão príncipe Leopold com uma criatura que preferia cavalos e soldados a música. Também se sabe como ao longo da vida buscou benefícios junto a outros principados, alguns deles católicos; como trabalhou de bom grado obras instrumentais e cantatas seculares (como a Cantata do Café) para exibições no Café Zimmermann, de onde foi diretor musical por dez anos. Enfim, talvez os vernizes dos ideais oitocentistas, o uso de sua figura nos movimentos de exaltação da cultura alemã – o próprio Wagner o apontou como um herói germânico; a sua transformação em um herói romântico nos moldes que aquele século exigia, tudo isso veio a exacerbar a visão do compositor como um baluarte da fé. Convém também lembrar que seu renascimento se deu através da Paixão Segundo São Mateus, pelas mãos de Mendelssohn. Esta exaltação de sua figura talvez tenha dado margem a impressões extremadas, assim como gerou ficções, a exemplo do conhecido livro “Pequena Crônica de Anna Magdalena Bach”, escrito pela inglesa Esther Meynell, em 1925.
Esta arca do tesouro que o Sr. Avicena nos traz dispensa comentários. Olhamos para ela como quem contempla os píncaros do Himalaia. É tal a concentração de engenho, arte, beleza e profundidade destas obras e tal a sua relevância, que bem podemos cair de joelhos. Como se não bastasse, estas obras nos vêm pelas mãos de um profeta, o egrégio Karl Richter, que, conforme me contou o grande flautista Aurèle Nicolet, a quem tive a honra e privilégio de conhecer, sabia de cor a Bíblia Luterana; o que não duvido, conta-se também que antes dos seus concertos de órgão apenas entrava numa banheira e relia as partituras. Todos sabemos que existem inúmeras gravações dessas obras. Particularmente falando e não pontifico sobre isso, as interpretações de Richter me parecem inigualáveis. Não somente pelo rigor técnico, mas também pela continuidade dramática. Me sabem ao desenrolar de uma narrativa consciente e contínua, por um narrador que acredita no que está dizendo. Outras versões sempre me parecem uma sucessão de trechos perfeitamente executados, brilhantemente executados, contudo, nelas me faltam a inteireza e a ‘fé’ de Richter. Enfim, diria que de todos que propagaram Bach como Evangelista, Richter foi o mais convincente.
É opcional vermos Bach como O quinto Evangelista tão propagado ou ‘apenas’ como um gênio da música que inescapavelmente vivia em seu mundo luterano, rogava a Cristo e anotava aforismos nas margens de sua Bíblia. Lutando contra as investidas dos pretensos iluministas da Universidade de Leipzig, a estupidez dos seus patrões, o peso das perdas, as incertezas, enfim, os males que até hoje nos assolam e que muitas vezes nos compelem a, nem que seja ‘interjeitivamente’, clamar pelo auxílio celeste. Seja como for, não há dano. Como disse Berlioz, “Bach é Bach como Deus é Deus”.
Como já disse tantas vezes, Buxtehude é o compositor com a sintaxe mais parecida com a de Bach que conheço. Isso não significa, é claro, que o dinamarquês possua algum percentual significativo do talento do alemão, mas é mesmo assim é muito bom ouvi-lo. Estas sonatas revelam um Bux alegre e influente. Tanto que se notam ecos seus em outros compositores posteriores do barroco. É que, em diversas ocasiões, ele foi visitado por compositores promissores da época, como Georg Friedrich Händel e Johann Mattheson, que o procuraram principalmente para aprender os segredos do órgão. Porém, de todas as visitas, a mais notável foi a de Johann Sebastian Bach, grande admirador de sua obra. Bach prorrogou a estada inicialmente planejada de quatro semanas para quatro meses. Os intérpretes são notáveis. Observando a discografia do L’Estravagante está cheia de Buxtehude. Não dá para competir com os caras. São os especialistas em Bux.
Dieterich Buxtehude (1637-1707): Sonatas Op. 2
1 Sonata No. 1 in B flat major, BuxWV 259: Allegro 1:20
2 Sonata No. 1 in B flat major, BuxWV 259: Adagio – Allegro 2:28
3 Sonata No. 1 in B flat major, BuxWV 259: Grave – Vivace – Lento 3:19
4 Sonata No. 1 in B flat major, BuxWV 259: Poco Adagio – Presto 1:58
5 Sonata No. 2 in D major, BuxWV 260: Adagio – Allegro – Largo 3:22
6 Sonata No. 2 in D major, BuxWV 260: Arietta 6:35
7 Sonata No. 2 in D major, BuxWV 260: Largo – Vivace 2:21
8 Sonata No. 3 in G minor, BuxWV 261: Vivace – Lento 2:52
9 Sonata No. 3 in G minor, BuxWV 261: Allegro – Lento 1:35
10 Sonata No. 3 in G minor, BuxWV 261: Andante – Grave 4:33
11 Sonata No. 3 in G minor, BuxWV 261: Gigue 2:00
12 Sonata No. 4 in C minor, BuxWV 262: Poco Adagio 1:39
13 Sonata No. 4 in C minor, BuxWV 262: Allegro 1:27
14 Sonata No. 4 in C minor, BuxWV 262: Lento – […] – Vivace 4:30
15 Sonata No. 5 in A major, BuxWV 263: Allegro 0:58
16 Sonata No. 5 in A major, BuxWV 263: Solo 1:19
17 Sonata No. 5 in A major, BuxWV 263: Concitato 2:11
18 Sonata No. 5 in A major, BuxWV 263: Adagio (solo) 1:18
19 Sonata No. 5 in A major, BuxWV 263: Allegro – Adagio 1:22
20 Sonata No. 5 in A major, BuxWV 263: […] – Poco Presto 2:09
21 Sonata No. 6 in E major, BuxWV 264: Grave – Vivace 3:46
22 Sonata No. 6 in E major, BuxWV 264: Adagio – Poco Presto – Lento 4:01
23 Sonata No. 6 in E major, BuxWV 264: Allegro 1:33
24 Sonata No. 7 in F major, BuxWV 265: Adagio – […] 3:00
25 Sonata No. 7 in F major, BuxWV 265: Lento – Vivace 2:42
26 Sonata No. 7 in F major, BuxWV 265: Largo – Allegro 2:47
O último CD do extraordinário John Surman tinha sido Saltash Bells, de 2012, um álbum solo que foi considerado um de seus melhores trabalhos. Invisible Threads marca a estreia de um novo trio que inclui o pianista, arranjador e compositor brasileiro Nelson Ayres e o percussionista norte-americano Rob Waring (que mora na Noruega desde 1981). Surman (que também mora lá) conheceu Ayres enquanto eles trabalhavam no disco Fala de Bicho, de Marlui Miranda, no Brasil. Depois, eles tocaram alguns shows juntos. A dupla seguiu caminhos separados com a intenção de voltar. Enquanto compunha ideias para enviar ao pianista, Surman continuava ouvindo o toque de Waring em sua cabeça. Então enviou arquivos de som com suas ideias também para Waring. Estava formado o trio sem bateria. Gravaram rapidamente e, nossa!, o resultado vale a pena ouvir.
O disco é de uma fineza só. Tranquilo e de belos temas, melodias e timbres.
Invisible Threads: John Surman, Nelson Ayres & Rob Waring
1. At First Sight (02:33)
2. Autumn Nocturne (06:52)
3. Within the Clouds (04:48)
4. Byndweed (05:11)
5. On Still Waters (04:45)
6. Another Reflection (01:33)
7. The Admiral (05:15)
8. Pitanga Pitomba (07:06)
9. Summer Song (05:22)
10. Concentric Circles (06:32)
11. Stoke Damerel (03:37)
12. Invisible Threads (05:39)
Personnel:
John Surman, soprano and baritone saxophones, bass clarinet
Nelson Ayres, piano
Rob Waring, vibraphone, marimba
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Pois é. Dizer o quê? A grande discussão lá em casa era se este CD era melhor ou pior que os de André Rieu ou que as incursões populares de Mullova. Eu acho que Mutter vence seus concorrentes, mas houve opiniões contrárias. No que todos concordaram é no fato de Mutter ter desejado tornar-se popular ou ter decidido ganhar dinheiro. Como não creio que grandes haja rombos em sua conta bancária, talvez a moça tenha apenas desejado ser (ainda mais) reconhecida nas ruas. Este é um mal que atinge muitas carreiras. Chega o momento em que alguns artistas dizem: “não quero mais ser moderno, quero ser eterno”. Este CD de Mutter nem é tão bem interpretado, é um CD de brilhaturas pessoais e de abordagens para atingir o grande público. Apesar de eu achá-lo superior aos de Rieu e àquele de música brasileira de Mullova, dou-lhe a nota 1, com louvor.
1962. Charlie Mingus reuniu uma banda imensa que incluía Clark Terryn, Eric Dolphy, Jaki Byard e o amigo de sempre Dannie Richmond. Um disco estranho, muito livre e surpreendente. Destaque para a música preferida de meu filho, a visceral e poética Freedom, escrita sobre poema de Mingus contra o racismo. E há únicos trechos gravados por Mingus de sua obra-prima “Epitaph” (uma das maiores peças de jazz já escritas, com mais de duas horas de música e que já foi gravada em DVD. Sim, tenho. Ganhei… do meu filho). Atenção para My Search e Portrait. O que me surpreende é que a maioria dos fãs de Mingus rejeitam este disco. Não entendo. Gostar de Mingus e ter problemas com modernagens? Não, né?
IM-PER-DÍ-VEL !!!
A pianista Lise de la Salle (1988) está entre as novas estrelas da música erudita. É daquelas mais ou menos bonitinhas. As gravadoras que exploram a imagem dos artistas devem ficar meio decepcionadas com a excelente Lise. Ela se sai muito bem no Shosta e no Liszt, mas não vai tão bem assim no Prokofiev. Não adianta, a gravação que o FDP postou com a integral dos concertos do ucraniano é muito melhor. O legal do CD é o programa. Dois excelentes concertos com um Liszt bem ruinzinho no meio. É um refresco meio sem gosto entre os russos (ou entre o russo e o ucraniano, ambos soviéticos). Funciona como um adágio fraquinho entre dois movimentos rápidos e cheios de vida. Bem, não gosto de quase nada de Liszt e alguns podem discordar fortemente de mim. Todos os concertos são Nº 1… Na boa, por que ela não colocou Primeiro Concerto para Piano do Tchai, muito melhor que o do Liszt? Seria uma estupenda trinca!
Um excelente disco, infelizmente curto. A banda de Silver tem uma sonoridade tão parruda que chega a ser curioso ouvir e pensar que se trata de um quinteto. Não há faixas ruins neste álbum, todas elas são superlativas, e por isso cometerei uma injustiça se escolher uma delas, deixando de fora outra que o pequepiano eventualmente ame. Eu chamaria este disco de quente. Há faixas lentas, mas Silver parece gostar mais das pauleiras. Mas suas pauleiras não são amargas, são expressão de pura felicidade.
É consenso. Jaco Pastorius foi o maior virtuose do baixo elétrico em todos os tempos. Este é seu primeiro disco solo. Antes, em 1974, ele tinha gravado o CD Jaco com Pat Metheny. Sua habilidade é algo arrebatador. Esta não é a melhor amostra de Pastorius, 
Este é mais um disco de Aimard do que de Boulez. O regente está burocrático, o pianista está demais. Raramente se ouve uma versão do concerto para piano (duas mãos) tão bem tocada, principalmente no Adagio Assai, típico movimento que parece simples, mas onde é fácil cair no precipício da vulgaridade. Pierre-Laurent Aimard é aquele tipo de músico que só grava quando tem a compreensão completa da peça. Ele busca a intimidade e apenas vai para o estúdio quando a obra está completamente analisada em cada detalhe dentro de sua concepção. Vi-o uma vez no Cadogan Hall em Londres. O cara é extraordinário.
IM-PER-DÍ-VEL !!!
IM-PER-Dí-VEL !!!
Como já disse tantas vezes, Buxtehude é o compositor com a sintaxe mais parecida com a de Bach que conheço. Isso não significa, é claro, que o dinamarquês possua algum percentual significativo do talento do alemão, mas é mesmo assim é muito bom ouvi-lo. Estas sonatas revelam um Bux alegre e influente. Tanto que se notam ecos seus em outros compositores posteriores do barroco. É que, em diversas ocasiões, ele foi visitado por compositores promissores da época, como Georg Friedrich Händel e Johann Mattheson, que o procuraram principalmente para aprender os segredos do órgão. Porém, de todas as visitas, a mais notável foi a de Johann Sebastian Bach, grande admirador de sua obra. Bach prorrogou a estada inicialmente planejada de quatro semanas para quatro meses. Os intérpretes são notáveis. Observando a discografia do L’Estravagante está cheia de Buxtehude. Não dá para competir com os caras. São os especialistas em Bux.
IM-PER-DÍ-VEL !!!