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Christian McBride é provavelmente o melhor baixista da sua geração — é um jovem, nasceu em 1972. Conquistou-me definitivamente com este disco, de um jazz ousado na forma, embora purista; mais tarde fui descobrir que McBride entrou com os dois pés no mundo do fusion e do groove. Neste Live at Tonic (NY) esta avenida é escancarada — o allaboutjazz diz o aponta como o melhor disco de funk jazz desde Agartha, de Miles Davis.

São três CDs que vão caminhando em direção à modernidade; o primeiro, principal, é fusion tradicional. No último há até DJs executando scratches enquanto os metais evocam tempos antigos de James Brown. Impossível não se deixar sorrir com as intervenções da plateia e imaginar a energia do show. Escandalize seus vizinhos tocando-o bem alto no dia de Finados que está chegando. É o que eu pretendo fazer. Quem quer ficar lamentando, que fique longe de mim!

Christian McBride – Live at Tonic /2006 [V2]

Christian McBride: acoustic and electric bass
Geoffrey Keezer: keyboards
Terreon Gully: drums
Ron Blake: tenor, baritone and soprano saxophones, flute
Charlie Hunter: guitar (CD 2)
Jason Moran: piano (CD 2)
Jenny Scheinman: violin (CD 2)
DJ Logic: turntables (CD 3)
Scratch: beatbox (CD 3)
Eric Krasno: guitars (CD 3)
Rashawn Ross: trumpet (CD 3)
Produzido por Andy Blackman Hurwitz e Christian McBride para a Rope-a-Dope

download (mediafire)
parte 1 • parte 2 • parte 3
(os pedaços estão compactados separadamente – pode baixar o primeiro e já sair escutando!)

download (rapidshare)
parte 1 • parte 2 • parte 3
(os pedaços estão compactados separadamente – pode baixar o primeiro e já sair escutando!)

CD 1 (10/01/2005)
01 Technicolor Nightmare
02 Say Something
03 Clerow’s Flipped
04 Lejos De Usted
05 Sonic Tonic
06 Hibiscus
07 Sitting on a Cloud
08 Boogie Woogie Waltz
CD 2 (10 e 11/01/2005)
01 See Jam, Hear Jam, Feel Jam
02 Out Jam/Give It Up or Turnit Loose
03 Lower East Side/Rock Jam
04 Hemisphere Jam
05 Bitches Brew
06 Out Jam/Via Mwandishi
07 Mwandishi Outcome Jam
08 The Comedown (LSD Jam)
CD 3 (11/01/2005)
01 E Jam
02 Ab Minor Jam
03 D Shuffle Jam
04 D Shuffle Jam (part 2)

Boa audição!
Blue Dog

Reduzindo seu grupo de onze para 7 integrantes, Miles apresentou quatro shows no Fillmore East de NYC, de 17 a 20 de junho de 1970. O produtor Teo Macero resolveu adicionar sua criatividade ao disco fazendo um trabalho de colagem: recortando diversos temas apresentados a cada noite e montando uma única e longa faixa.

Evidente que o termo “ao vivo” fica um pouco prejudicado. Não temos registros completos de cada música, e sim quatro coletâneas, nomeadas originalmente com o dia da semana em que o show foi realizado. Apesar disso, o resultado é interessante; mostra um grupo mais agressivo do que em Bitches Brew, e já com bastante espaço destinado ao fusion.

Miles Davis at Fillmore: Live at the Fillmore East (320)
Miles Davis: trumpet
Steve Grossman: soprano sax
Chick Corea: electric piano
Keith Jarrett: electronic organ
Dave Holland: acoustic bass, electric bass
Jack DeJohnette: drums
Airto Moreira: percussion, cuica
Produzido por Teo Macero para a Columbia

download disco1 (117MB) disco2 (115MB)

Disco 1
Wednesday Miles
01 Directions 2’29
02 Bitches Brew 0’53
03 The Mask 1’35
04 It’s About That Time 8’12
05 Bitches Brew/The Theme 10’55

Thursday Miles
06 Directions 9’01
07 The Mask 9’50
08 It’s About That Time 11’22

Disco 2
Friday Miles
01 It’s About That Time 9’01
02 I Fall in Love Too Easily 2′
03 Sanctuary 3’44
04 Bitches Brew/The Theme 13’09

Saturday Miles
05 It’s About That Time 3’43
06 I Fall in Love Too Easily 0’54
07 Sanctuary 2’49
08 Bitches Brew 6’57
09 Willie Nelson/The Theme 7’57

Boa audição!

Blue Dog

An article in a men’s magazine once suggested an exercise regimen that consisted of a walk to the local record store to buy one Bill Evans CD every day. That way you would not only be in better shape, but you would also have a great collection of piano jazz as well. It’s an established fact that Evans revolutionized the sound of the piano trio; you can bet that every pianist who ever worked the hotel lounge circuit has worn out the grooves listening to his records. However, unlike the cocktail tinklings of his admirers that end up little more than background music, Evans demands to be heard, seducing you with his indelibly emotional playing. Most aficionados would agree that his trio records with Scott LaFaro on bass are his best, and the natural place for a novice to start.

Explorations is the second outing by this trio and took almost a year to record after Portrait in Jazz, the album that won him such great critical acclaim. Evans conceptualized the trio as exactly that—a trio, where each member contributed equally to the whole. It works marvelously: LaFaro’s nimble bass playing and Motian’s drumming provide a relaxed, rhythmic underpinning for Evan’s graceful chords. The trio works magic here, breathing fresh air into standards such as “How Deep and the Ocean?” and “Beautiful Love” and creating the illusion that these songs were written just so someone like Evans could play them. The highlight of the album is “Elsa,” which is one of the most beautiful piano ballads on record. Many would point to the later live recordings at the Village Vanguard as the essential Evans, but this earlier studio recording is quite a treat as well. David Rickert, All About Jazz

Bill Evans Trio – Explorations (320)
Bill Evans: Piano
Scott LaFaro: Bass
Paul Motian: Drums
Produzido por Orrin Keepnews para a Riverside

download – 118MB

01 Israel (Carisi) 6’10
02 Haunted Heart (Deitz, Dietz, Schwartz) 3’25
03 Beautiful Love [take 2] (H. Gillespie, King, Alstyne, Young) 5’04
04 Beautiful Love [take 1] 6:04
05 Elsa (Zindars) 5’09
06 Nardis (Davis) 5’49
07 How Deep is the Ocean? (Berlin) 3’31
08 I Wish I Knew (Warren, Gordon) 4’39
09 Sweet and Lovely (Arnheim, LeMare, Tobias) 5’52
10 The Boy Next Door (Martin, Blane) 5’06

Boa audição!

Blue Dog

A verdade é que nada – ou quase – de jazz contemporâneo chega aos nossos ouvidos via grande mídia. Por aqui e ali, nos canais independentes, é possível conhecer algo novo; ainda assim, a impressão que se pode ter é que o jazz é um gênero moribundo, que só viverá em discos antigos quando todos os decanos músicos estiverem mortos.

Exceção: Esbjörn Svensson Trio, que conheci em uma resenha em já-não-lembro-qual jornal. A notícia chamava a atenção para o fato de que os suecos do e.s.t. – como é frequentemente abreviado – estavam sendo convidados para tocar em festivais de rock; com sua música, conseguiam aproximar-se de novos e diferentes públicos. De fato, a música do pianista Svensson é repleta de dinâmicas, ou talvez melhor dizendo, uma energia que soa “moderna”; mesmo em faixas mais cool, é possível imaginar os músicos suando bicas e dando sangue em cada apresentação. Não apenas isso, também na abordagem aos instrumentos e gravação – como pedal de distorção no baixo ou pedaços de papel nas cordas do piano. O ouvinte irá encontrar algumas doses de experimentalismo – doses essas muito bem utilizadas, a favor do jazz, ao contrário de enfraquecê-lo. Se não, ouçam a faixa “Brewery of Beggars” e me digam o contrário.

As últimas três perguntas desta entrevista para o All About Jazz mostram bem o que vocês tem diante de si.

AAJ: So I guess you have to balance that, the improvising aspect is strong but you have to have the good tunes.
ES: Yeah, I work very hard on composing music, and I know exactly what you’re saying. Not just music to improvise on, but music that is music in its own right. If it fits, great, you improvise over it. I mean, I don’t have a strategy or anything, I just compose from the heart. I’ve been inspired the last couple of years very much by classical music, and trying to learn as much as I can by the great composers, I mean, Bach, Beethoven, Chopin, Bartok. But then put that in a context for the trio so we can put our stamp on it, improvise a lot but in the general framework of the song itself.

AAJ: Well, it goes back to the division between genres. It used to be said that if it didn’t “swing” it wasn’t jazz. I think that’s not so strong now, because of different rhythms brought in through fusion and also free jazz, which doesn’t swing in an orthodox sense. Now, it seems that the yardstick is just improvisation. If you improvise, it’s jazz, but if not, then…
ES: Yes, but then that’s misguided too, and we can’t forget that lots of pop musicians, they are improvising a lot, and also classical! I mean, Johann Sebastian Bach was supposed to be a fantastic improviser, and much of that church music is based on these long improvisations before you get to the melody. And I mean, all those composers… composing is improvising and improvising is composing. But you’re right, the idea that if you’re improvising, you’re playing jazz… it’s just words.

AAJ: Well, there are Ellington pieces with no improvisation, and even avant garde music, some Anthony Braxton pieces are through-composed.
ES: Yes! We just have to live with these labels… I mean, what we’re doing, if you have to call it something… I guess it’s jazz, but it’s not what jazz was.

Esbjörn Svensson morreu em 2008, aos 44 anos, num acidente estúpido enquanto praticava mergulho.

Esbjörn Svensson Trio – Tuesday Wonderland (VBR)
Esbjörn Svensson: piano
Dan Berglund: bass
Magnus Ostrom: cymbals

download – 97MB
01 Fading Maid Preludium 4’10
02 Tuesday Wonderland 6’30
03 The Goldhearted Miner 4’51
04 Brewery of Beggars 8’22
05 Beggar’s Blanket 2’53
06 Dolores in a Shoestand 8’52
07 Where We Used to Live 4’25
08 Eighthundred Streets by Feet 6’47
09 Goldwrap 3’59
10 Sipping on the Solid Ground 4’32
11 Fading Maid Postludium 5’08

Boa audição!
Blue Dog

Quando ia escrevendo sobre um som de tempos complexos e classificação desafiadora, que talvez mostrasse um futuro (sonoro) para o jazz, eis que descubro esta resenha:

It is, perhaps, the sound of the future—one of them anyway—and boy, does it work. Basically uncategorisable, Polar Bear reflects the mega-eclectic, post-modern listening tastes of Rochford (who wrote all the tunes) and his colleagues, moving with equal enthusiasm through Björk and Beethoven, Pig Destroyer, Coltrane and his tenor legacy, Monk, Stockhausen and the ghost of Rip Rig & Panic. With some of Kurt Weill’s crudely syncopated, rough edged, fairground-meets-cabaret pit band arranging aesthetic thrown in for good measure.

It is jazz all right, 100% and no mistake, but with bongfuls of left-field electronica and mutant, rocked-up and pfunkified groove spicing the free-improv centred mix. There’s not a lot of concern with harmonic development—hey, the band is led by a drummer, and apart from Jonny Phillips’s guest guitar on “Beartown” there are no chord instruments—but for aberrant and off-centre rhythmic and melodic development you’ve hit the muthalode.

Most excitingly perhaps, Polar Bear has reclaimed the in-the-moment, radical, “out” attitude that jazz pretty much invented, back in the day, and then has progressively lost, at least in some strands, as it has become an increasingly repertory-bound, cautious, and conservative music. Held On The Tips Of Fingers by contrast explodes with passion and exuberance, a hunger for risk and adventure, and full-on and revelling-in-it spontaneity. allaboutjazz

Não, não é o standard-bop do café da manhã; é criativo, improvisativo, e muito interessante. Não é outro estilo onde somou-se jazz; é jazz – tanto que concorreu ao BBC Jazz Award em 2006 – , mas contemporâneo e exploratório. A faixa-título é um primor de beleza e levada cativante. Ousem.

Polar Bear – Held in the Tips of the Fingers (vbr v0)
Sebastian Rochford: drums
Mark Lockheart, Pete Wareham, Ingrid Laubrock: tenor saxophone
Tom Herbert: double bass
Leafcutter John: electronics
Jonny Phillips: guitar
Joe Bentley: trombone
Emma Smith: violin
Hannah Marshall: cello

download – 74MB
01 Was Dreaming You Called You Disappeared I Slept
02 Beartown
03 Fluffy (I Want You)
04 To Touch the Red Brick
05 Held on the Tips of Fingers
06 Argumentative
07 The King Of Aberdeen
08 Your Eyes the Sea
09 Life that Ends Too Soon

Boa audição!
Blue Dog

Em sua mais recente passagem pelo país, o maestro alemão Kurt Masur apelidou Yamandu Costa de “o Paganini do violão”. O gaúcho de Passo Fundo achou a comparação exagerada e se apressou em dizer que não tinha pacto com o demônio – segundo a lenda, o violinista Niccolà Paganini tinha. Além de ser um magnífico elogio, a alcunha inventada por Masur serviu para ressaltar o vínculo de Yamandu com o universo erudito. No mesmo ano em que estreou sua peça Bachbaridade (uma suíte para violões) no palco do Municipal do Rio de Janeiro, o músico gravou um disco com o sanfoneiro Dominguinhos, talvez o maior expoente vivo do forró. Agora solta mais um álbum – o oitavo da carreira – em que a música regional dá as cartas. (daqui)

O disco em questão, Lida, foi lançado em 2007, de forma independente, e está esgotado – como todos os outros de Yamandu. Assim como no Duofel postado há um tempo atrás, este cão se envereda pela seara dos violonistas – que evocam Radamés Gnatalli, Baden Powell e um certo regionalismo que é difícil de encontrar em dose igual à do talento instrumental (ok, não vou falar de Hermeto hoje). O resultado é essa sempre procurada sensação antagônica – de relaxamento cerebral ao mesmo tempo em que ele põe-se louco a decifrar a complexidade do que se ouve. E para mim, pouco brilho pode ser maior que este, em que uma trama tão desafiadora dá forma a algo tão belo quanto simples. A isso rotulam “genial”, e eu concordo meneando a cabeça, em respeitoso silêncio.

Yamandu Costa – Lida (320)
Yamandu Costa: violão de 7 cordas
Guto Wirtti: baixo acústico
Nicolas Krassik: violino

download – 83MB
01 Baionga
02 Missionerita
03 Dayanna
04 Lida
05 Ana Terra
06 Bem Baguala
07 Brincante
08 Adentro
09 Encerdando
10 Ventos dos Mortos

Boa audição!
Blue Dog

Que tal um lançamento, pra variar? Esse recém-chegado, duplo ao vivo, do Return to Forever registra a turnê mundial que a banda fez no ano passado, lotando plateias por onde passou. Com o line-up clássico de Corea, Clarke, DiMeola e Lenny White, as gravações mostram estes senhores dividindo-se em passagens de quase-inacreditável perícia e a grande energia progressiva do fusion. John Kelman, do allaboutjazz, indica os destaques:

Stretched to 38 minutes, the title track from Romantic Warrior includes solo features from Corea (which breaks, midway, into an unexpected, hard-swinging version of Miles Davis’ “Solar”), Clarke (referencing some of his own ’70s solo albums) and White (a powerhouse solo that segues smoothly back to the song). It’s part of an unplugged middle section that also includes a stunning feature for Di Meola and a vibrant group take of the lyrical but thematically knotty title track from No Mystery (Polydor, 1975). Seventies RTF never sounded this good.

But it’s the electric RTF that is remembered most, and Returns delivers plenty of high octane playing, especially on a 27-minute “Song to the Pharoah Kings,” from Where Have I Known You Before (Polydor, 1974). Often criticized for being more style than substance, Di Meola dispels that perception once and for all throughout the set, even supplanting original RTF guitarist Bill Connors’ iconic solo on “Hymn of the Seventh Galaxy.” Still capable of light-speed finger work that leaves most in his wake, Di Meola has grown significantly since being recruited, at 19, to replace Connors. With greater harmonic sophistication and attention to space, he’s the star of the show (among a group of stars) alongside Corea, whose meatier synth tones have never sounded better, adding a broader textural palette to the group.

Return to Forever – Returns (VBR HQ)
Chick Corea: piano
Stanley Clarke: bass
Al Di Meola: guitar
Lenny White: drums

download: disco 1 – 110MB e disco 2 – 105MB
1.01 Opening Prayer
1.02 Hymn of the Seventh Galaxy
1.03 Vulcan Worlds
1.04 Sorceress
1.05 Song to the Pharoah Kings
1.06 Al’s Solo
1.07 No Mystery
2.01 Friendship
2.02 Romantic Warrior
2.03 El Bayo de Negro
2.04 Lineage
2.05 Romantic Warrior (continued)
2.06 Duel of the Jester and the Tyrant
2.07 500 Miles High
2.08 BBC Lifetime Achievement Award to Return to Forever as presented by Sir George Martin, including a performance of Romantic Warrior

Boa audição!
Blue Dog

Esta é uma postagem para ouvidos ousados. Sun Ra, o controverso anjo de Saturno, é conhecido por extrapolar os limites do free jazz e associá-lo a mitologias e cosmogonias. Em um registro ao vivo como esse de 1973, pode-se imaginar a que altura voa.

The best way to describe this music is to say it is out there on the fringes of all that has ever made any sense in recorded music, particularly jazz. There really is no other way to attempt to come up with something that makes sense. Sun Ra was a pioneer in every sense of the word. He was one of the very first to take free form jazz and make it more spacey and adventurous by experimenting with electronics and such.

Live In Paris At The “Gibus” stands as a live recorded document to the Sun Ra musical genius and his avant-garde approach to jazz. He effectively used the ability and styles of the genre and all its flexibility. (daqui)

Sun Ra – Live In Paris At The “Gibus” (320)
Confira a extensa ficha técnica aqui

download – 98MB
01 Spontaneous Simplicity 4′
02 Lights on a Satellite 5’25
03 Ombre Monde 2 12’15
04 King Porter Stomp 2’50
05 Salutations From The Universe 14’53
06 Calling Planet Earth 1’22

Boa audição!
Blue Dog

Sonny Criss Plays Cole Porter (320)
Sonny Criss: alto sax
Larry Bunker: vibraphone
Sonny Clark: piano
Buddy Clark: bass
Lawrence Marable: drums

download – 80MB
01 I Love You
02 Anything Goes
03 Easy to Love
04 It’s All Right With Me
05 In the Still of the Night
06 Love for Sale
07 Night and Day
08 Just One of Those Things
09 What Is This Thing Called Love?
10 I Get a Kick Out of You

Boa audição!
Blue Dog

Jazz waltzes were still fairly rare back in 1961, and Paul Chambers’ pedal point intro keeps the meter a mystery during the opening seconds. Cobb is part of the conspiracy, and refuses to signal the downbeat, while Wynton Kelly floats over their throbbing pulse. These opening feints — forty seconds of sweetness and light — are worth the price of admission alone . . . but then Miles enters and shows how he can put his stamp on a song just by playing the melody. His solo is a minimalist canvas, perfectly matched by Kelly’s crisp comping. The swing gets stronger with Mobley’s tenor and during Kelly’s solo, but when Coltrane enters with his “sheets of sound” the temperature in the studio rises at least ten degrees. The handsome prince has arrived on a Harley, ready to burn rubber. But Chambers rushes back like a protective dueña, instilling decorum with his pedal point, and this magical performance makes a complete circle back to its starting point. What a ride! (jazz.com)

Este é um disco que, talvez injustamente, ficou marcado pela faixa-título – onde, como se não bastasse o arranjo brilhante, ainda se ouve dois solos grandiosos de Coltrane. Someday My Prince Will Come é também um período de trasição para Miles: gravado em três sessões, entre 7 e 21 de março de 1961, marcava a saída de Kind of Blue para um período de diversidade de estilos, até fixar-se nas bandas do fusion ao final daquela década. Se, por um lado, foi brilhante revendo uma valsa, as composições de Miles são, na verdade, o melhor neste álbum. Há cool jazz uptempo em “Pfrancing”, há (um adequadíssimo) blues em “Drad Dog”, e outra show de Trane em “Teo”, homenagem ao produtor e amigo. Exige do ouvinte, apenas, paciência com Hank Mobley; essas faixas seriam as últimas que Coltrane gravaria com Davis, e o “peso-médio” Mobley (nas palavras do All About Jazz), se não compromete, é prejudicado pelo desnível imediato que a assinatura sonora de Coltrane traz quando entra em campo.

Não se pode culpar Mobley, claro.

Quanto à moça da capa, uma curiosidade pessoal antiga, não encontrei nenhuma informação – a não ser que Miles condicionou o lançamento do álbum à obrigatoriedade de sua foto na fronte. Fico imaginando Miles atrás do fotógrafo, talvez um meio sorriso, amarrando com um pouco de autobiografia outro de seus grandes trabalhos.

Miles Davis – Someday My Prince Will Come (320)
01 Someday My Prince Will Come (Churchill, Morey) 9’04
02 Old Folks (Robison, Hill) 5’14
03 Pfrancing (Davis) 8’31
04 Drad Dog (Davis) 4’29
05 Teo (Davis) 9’34
06 I Thought About You (Van Heusen, Mercer) 4’53
07 Blues No. 2 (Davis) 7’08
08 Someday My Prince Will Come [alt take] 5’34

Miles Davis: trumpete
Hank Mobley: sax tenor (exceto faixa 5)
John Coltrane: sax tenor (faixas 1 e 5)
Wynton Kelly: piano
Paul Chambers: baixo
Jimmy Cobb: bateria (exceto faixa 7)
Philly Joe Jones: bateria (faixa 7)
Gravado em março de 1961 – New York City, USA
Produzido por Teo Macero para a Columbia

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE (mp3 320 kbps)

Boa audição!
Blue Dog

Confesso que sei muito pouco sobre Wayne Shorter. Sei que nasceu nos anos 30 e ainda está vivo, o que é sempre bom; que tocou naquele quinteto mágico de Miles Davis, no final da década de 50; que é um excelente compositor, além de um grande saxofonista. Este “Night Dreamer”, de 1964, é apontado pelos críticos como um momento de transição entre o bop direto que fazia e sua ascensão como compositor. Descobri o disco recentemente e compartilho-o ainda fresco nos ouvidos. É grandioso e relaxante. Aproveitem.

Wayne Shorter – Night Dreamer (256)
Wayne Shorter: tenor saxophone, compositions
Lee Morgan: trumpet
McCoy Tyner, piano
Reggie Workman: bass
Elvin Jones: drums
Produzido por Alfred Lion para a Blue Note

download – 88MB
01 Night Dreamer 7’15
02 Oriental Folk Song 6’51
03 Virgo 7’07
04 Black Nile 6’28
05 Charcoal Blues 6’54
06 Armageddon 6’23
07 Virgo [alt. take] 7’03

Boa audição!
Blue Dog

Dezembro segue veloz e estamos atrasados para nossa programação jazzística natalina!

Não, não pensem que este cão está de touca vermelha e guizos na cauda a esperar o Papai Noel; não sou um grande fã do natal, e inclusive compartilho a orientação religiosa de nosso célebre PQP. Mas a verdade é que este é o único período do ano em que se pode escutar tais discos sem uma sensação estrondosa de deslocamento invadindo cada frase.

E, claro, há muito o que ouvir. No ano passado, postei os hors-concours Chet Baker & Christopher Mason Quartet – Silent Night e Vince Guaraldi Trio – A Charlie Brown Christmas; retomo a série no mesmo tom, com uma trinca de ases. Logo abaixo vocês verão, e talvez ouvirão, Dave Brubeck sozinho ao piano, como um velho Scrooge às avessas, solitário mas benevolente; Louis Armstrong dividindo o estúdio com músicos diversos, numa viagem por sua discografia; e Ella Fitzgerald, bem, fazendo o que sempre fez com maestria, em uma sessão monotemática de 1960, no auge de sua voz.

Tem mais; meia dúzia de outros bons discos devem pintar por aqui até o dia 25. E mesmo que você não goste muito da ocasião, aconselho a baixar e gravar um (uns) preferidos em CD. É sempre uma ótima saída se a festa for na casa do seu cunhado e ele surgir com o disco natalino da Simone ou do Chitãoró e Xorozinho.

Dave Brubeck – A Dave Brubeck Christmas (224)
Dave Brubeck: piano
Produzido por John Synder e Russell Gloyd para a Telarc (1996)
download – 93MB
01 “Homecoming” Jingle Bells 3’22
02 Santa Claus Is Coming to Town 3’42
03 Joy to the World 2’55
04 Away in a Manger 5’06
05 Winter Wonderland 4’22
06 O Little Town of Bethlehem 5’37
07 What Child Is This? (Greensleeves) 3’30
08 To Us Is Given 3’36
09 O Tannenbaum 3’38
10 Silent Night 4’56
11 Cantos Para Pedir las Posadas 4’01
12 Run, Run, Run to Bethlehem 3’51
13 “Farewell” Jingle Bells 3’02
14 The Christmas Song 4’29

Ella Fitzgerald – Wishes you a Swingin’ Christmas (256)
Produzido por Norman Granz para a Verve (1960)
Ella Fitzgerald: vocals
Frank DeVol: arranger, conductor

download – 64MB
01 Jingle Bells 2’21
02 Santa Claus Is Coming to Town 2’56
03 Have Yourself a Merry Little Christmas 2’56
04 What Are You Doing New Year’s Eve? 3’32
05 Sleigh Ride 2’56
06 The Christmas Song 3’00
07 Good Morning Blues 3’15
08 Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow! 2’43
09 Winter Wonderland 2’16
10 Rudolph the Red-Nosed Reindeer 2’51
11 Frosty the Snowman 2’12
12 White Christmas 3’02

Louis Armstrong & Friends – The Christmas Collection (224)
Compilado em 1997 por Andy McKaye para a Hip-O

download – 63MB
01 White Christmas (with Gordon Jenkins & His Orchestra) 2’39
02 ‘Zat you Santa Claus? (with The Commanders) 2’40
03 Christmas in New Orleans (with Benny Carter & His Orchestra) 2’54
04 Christmas Night in Harlem (with Benny Carter & His Orchestra) 2’39
05 Cool Yule (with The Commanders) 2’56
06 Winter Wonderland (with Gordon Jenkins & His Orchestra) 2’59
07 It’s Christmas Time Again (with Peggy Lee/Jud Conlon Rhythmaires) 3’00
08 Jingle Bells (with Duke Ellington & His Orchestra) 3’00
09 Santa Baby (with Eartha Kitt/Henri Rene & His Orchestra) 3’26
10 The Christmas Song (with Mel Tormé) 3’03
11 Silent Night (Dinah Washington) 2’22
12 Merry Christmas, Baby (with Lionel Hampton) 3’22
13 May Every Day be Christmas (with Louis Jordan & His Orchestra) 3’11
14 Santa Claus is Coming to Town (with Lena Horne) 2’43

Boa audição!
Blue Dog

11 de setembro é um dia de tristeza, perda.

Ora, faz um ano que Joe Zawinul nos deixou.

Já citei diversas vezes aqui no blog o apreço que tenho pelo pianista austríaco, sempre com seu respeitável bigodão. Não apenas eu; Zowy ganhou mais de 30 (sim, trinta) vezes o prêmio de ‘best keyboardist’ dos críticos da DownBeat. Um dos mais queridos músicos do jazz e muitas vezes homenageado com músicas por seus pares, militou em diversas frentes de vanguarda do jazz – incluindo vários sabores de bop, fusion (o seu Weather Report será sempre a referência) e também third stream, que é o disco desta postagem.

Também já falamos sobre third stream aqui, na postagem do Modern Jazz Quartet. E como é complexo definir esse desejado ponto de encontro entre música clássica e jazz, que o criador do termo diga o que não é:

It is not jazz with strings.
It is not jazz played on ‘classical’ instruments.
It is not classical music played by jazz players.
It is not inserting a bit of Ravel or Schoenberg between be-bop changes–nor the reverse.
It is not jazz in fugal form.
It is not a fugue played by jazz players.
It is not designed to do away with jazz or classical music.

Este Rise and Fall of the Third Stream foi gravado em 1965, durante a passagem de Zawinul pelo quinteto de Cannonball, e antes de seu encontro definitivo com o fusion – nas gravações com Miles a partir de 69. Lançado pela pequena Vortex, é sua segunda gravação como líder. Sua saída para contar a história do third stream foi aliar-se a William Fischer, maestro, arranjador e compositor. Fischer trouxe, além das composições, uma pequena seção de cordas para somar à jazz band, e o resultado é sublime. Música clássica? Eu não saberia dizer onde. Ouve-se jazz modal; sem a presença de temas, é verdade. Há poucos improvisos, e a maior parte das canções foi escrita; mas eles existem. Em muitos momentos até lembra o free jazz, em outras o cool, e também se ouve o elec piano que se tornou marca registrada da sonoridade de Zawinul (especialmente em “The Soul of a Village” – que, atentem, tem as duas partes unidas no mp3 trazido aqui). E o swing afro/black que o tornou famoso.

Rótulos à parte, temos aqui um gênio em formação, experimentando formatos e a si mesmo. Jamais deixaria de ser inquieto, até que um raro câncer de pele o impedisse de tocar. Apreciem. Zowy fazia música longa vida.

Joe Zawinul – The Rise and Fall of the Third Stream (256)
Joe Zawinul: piano, electric piano
William Fischer: tenor sax, arrangements
Jimmy Owens: trumpet
Alfred Brown, Selwart Clarke, Theodore Israel: violins
Kermit Moore: cello
Richard Davis: bass
Roy McCurdy, Freddie Waits: drums
Warren Smith: percussion

download aqui – 67MB
01 Baptismal (Fischer) 7’37
02 The Soul of a Village Part I (Fischer) 2’13
03 The Soul of a Village Part II (Fischer) 4’12
04 The Fifth Canto (Fischer) 6’55
05 From Vienna, With Love (Gulda) 4’27
06 Lord, Lord, Lord” (Fischer) 3’55
07 A Concerto, Retitled (Fischer) 5’30

Boa audição!

Blue Dog

Antes de ser um músico de sucesso, Wes Montgomery cansou das turnês mal-pagas com Lionel Hampton e voltou para casa, em Indianapolis. Era um jovem, tinha 25 anos, sentia falta da família (e provavelmente não se divertia muito na estrada). Preferiu o dia-a-dia numa fábrica, pegando no batente às 7h, mais um turno extendido nos clubes locais – tocando até as 2h para ajudar no sustento das oito pessoas da família. Isso durou de 1950 até 57, quando Cannonball Adderley esteve na cidade, viu Wes tocando e praticamente forçou o produtor Orrin Keepnews a dá-lo um contrato com a Riverside.

Há de se amar não apenas o jazz, mas também suas histórias entrelaçadas.

Enquanto preparava o material para a Riverside, Wes gravou com seus irmãos, o baixista Monk e o vibrafonista Buddy. Monk, o mais velho dos irmãos, tocou com Wes no grupo de Hampton e seguiu caminhos diversos pelo jazz, até formar o Mastersounds em 1957. Nesse mesmo ano recebeu Buddy, o caçula, que voltava do exército. Wes estava na cidade, e a Pacific Jazz resolveu bancar uma sessão entre os Montgomery. O líder foi o vibrafonista, que inclusive levou quatro temas. O som aqui é o hard bop de enciclopédia, ou seja, ouvimos Wes integrado à banda, e não como voz principal, o que ocorreria a partir das gravações seguintes. Mas seu estilo pode ser facilmente reconhecido na faixa-título, composição sua, onde a técnica monstruosa já se aninha do feeling lendário do guitarrista.

E não apenas na sonoridade – também os créditos do sucesso se dividem entre o trio. Monk é um baixista ágil e seguro, e Buddy é um excelente vibrafonista. Ainda, como atração à parte, a sessão também marca a primeira gravação do talentoso e promissor Freddie Hubbard – então com apenas 17 anos. A gravação, de 30/12/1957, acaba na faixa sete; as três últimas são do musical Kismet, de 1953, que contou com o clã Montgomery e foi incluída na reedição em CD deste disco.

Wes Montgomery – Fingerpickin’ (128)
Wes Montgomery: guitar
Wayman Atkinson, Alonzo Johnson*: tenor saxophone
Freddie Hubbard: trumpet
Buddy Montgomery: vibraphone
Joe Bradley, Richie Crabtree*: piano
Monk Montgomery: electric bass
Paul Parker, Benny Barth*: drums

Produzido por Richard Bock para a Pacific Jazz

download – 52MB
01 Sound Carrier (B. Montgomery) 6’55
02 Bud’s Beaux Arts (B. Montgomery) 7’33
03 Bock To Bock (B. Montgomery) 10’07
04 Billie’s Bounce (Parker) 4’42
05 Lois Ann (B. Montgomery) 4’45
06 All The Things You Are (Hammerstein, Kern) 3’59
07 Finger Pickin’ (W. Montgomery) 2’32
08 Stranger In Paradise* (Borodin, Forrest, Wright) 4’55
09 Baubles, Bangles And Beads* (Forrest, Wright) 3’30
10 Not Since Nineveh* (Borodin, Forrest, Wright) 7’24

Boa audição!

BD

Correndo e desastrado, trouxe o disco – mas não o texto. Peço licença e copio Larry Konigsberg, do All About Jazz – contrariando-o apenas no fato de que a faixa mais sensacional deste álbum é John’s Abbey, e tenho dito.

In one of their last performances before Jarrett’s illness took him from his public, his Standards Trio plays a typically inventive set of interpretations of tunes of former or perennial popularity, a Charlie Parker blues (”Billie’s bounce”) and a Bud Powell tune out of “I’ve got rhythm” (”John’s abbey”). Jarrett also gets credit for two compositions (”Caribbean sky” and “Song”), dignifying the vamps which conclude their associated standards with titles, and, no doubt, composer’s royalties. Throughout, Jarrett alternates sensitivity with flair, literally as he alternates ballads with up-tempo performances. It’s evident that his many years leading this group have not diminished his enthusiasm for either its format or its repertoire. The Tokyo audience is likewise appreciative.
I only found one track really galvanizing, though. The trio’s playing on “I’ll remember April” is spectacular, with DeJohnette cooking up a spectacular near-samba under Jarrett’s ringing gospel chords. A whole concert of such excitement would restore the Standards Trio to an eminence in this reviewer’s humble opinion which it enjoys among the more committed members of its audience. There’s nothing to complain about in any of the date, to be sure.
Knowledgeable fans will be interested to learn that Jarrett’s invariable vocalizations are here only intermittent and not generally obtrusive. For the rest, let it be said that the trio maintains its reputation as a consistently satisfying performing group.

Keith Jarrett, Gary Peacock, Jack DeJohnette – Tokyo ’96
Keith Jarrett: piano
Gary Peacock: bass
Jack DeJohnette: drums
Produzido por Manfred Eicher para a ECM

download – 70MB
01 It Could Happen to You
02 Never Let me Go
03 Billie’s Bounce
04 Summer Night
05 I’ll Remember April
06 Mona Lisa
07 Autumn Leaves
08 Last Night When We Were Young/Caribbean Sky
09 John’s Abbey
10 My Funny Valentine/Song

Boa audição!

Hesitei quase a semana inteira para postar este álbum. Já havia subido o arquivo há alguns dias, e eu pensando, será que não vou arranjar briga com os leitores mais conservadores do blog? Será que PQP, FDP e CDF não irão me botar pra dormir na rua, enquanto Clara joga no lixo todos os meus brinquedos – entre eles o meu fone de ouvido de mascar que eu tanto gosto?

Ora, também não haverá de ser para tanto. É sexta-feira, e este é um disco de sextas-feiras. Leve e bem-humorado, simples aos ouvidos, harmônico e, como eu, bem-intencionado.

Quase todo mundo conhece Björk – se não pela voz, pelas esquisitices que comete em nome de sua música e imagem avant-garde. O que quase todo mundo ignora, porém, é que antes mesmo de lançar-se em carreira solo, a pequena islandesa de voz gigante gravou um disco de standards de jazz. Islandeses, no caso.

O ano era 1990, e o Tríó Guðmundar Ingólfssonar foi incumbido de gravar um disco-memória do jazz local. Sendo uma formação econômica, precisariam de uma voz para a empreitada. O octogenário baterista Steingrímsson lembrou então da garota de 16 anos que vivia zanzando pelos corredores da rádio (onde mantinham há muito um programa ao vivo), apaixonada por jazz, e que estava sempre em bandas malucas de rock. Björk – a essas alturas, com 24 de idade – topou na hora, e foi a responsável por criar o setlist. Além das canções locais, alguns temas internacionais – como “I Can’t Help Loving that Man”, “Ruby Baby” e “You Can’t Get A Man With A Gun” (aqui traduzida para “Það Sést ekki Sætari Mey”). Daí já se pode notar a tônica: jazz-pop dos anos 50. É disco de platina e, mais que amor de verão, durou excursões até 1992 – quando Steingrímsson morreu.

Às vezes easy-listening, noutras dançante; singelo e honesto álbum, onde, é claro, a voz de Björk reina com descontração. Vai bem com vinho branco e sorrisos.

Björk Guðmundsdóttir & Tríó Guðmundar Ingólfssonar: Gling-Gló (224)
Björk Guðmundsdóttir: voice
Guðmundur Ingólfsson: piano, tambourine
Guðmundur Steingrímsson: drums, maracas, christmas bells
Þórður Högnason: bass

Produzido por Tómas Tómasson para a Smekkleysa

download – 90MB
01 Gling gló 2’44
02 Luktar-Gvendur 4’05
03 Kata Rokkar 2’56
04 Pabbi Minn 2’44
05 Brestir og Brak 3’23
06 Ástartröfrar 2’43
07 Bella símamær 4’00
08 Litli tónlistarmaðurinn 3’23
09 Það Sést ekki Sætari Mey 4’00
10 Bílavísur 2’38
11 Tondeleyo 3’29
12 Ég Veit ei Hvað Skal Segja 3’03
13 Í dansi með þér 2’26
14 Börnin við Tjörnina 2’46
15 Ruby Baby 4’00
16 I Can’t Help Loving That Man 3’40

Boa audição!

Este cão ficou feliz ao ver a postagem recente de FDP Bach, trazendo o Concierto de Aranjuez de Joaquin Rodrigo. Não só pela oportunidade de escutar uma versão fiel da peça, como também por ver aberta a brecha para postar a leitura que Miles Davis e Gil Evans realizaram 21 anos depois.

Historinha: 1959, Davis havia acabado de gravar “Kind of Blue” e dispensado Coltrane e Adderley da banda. Naquele ano, conheceu o Concierto na casa de um amigo baixista. Apaixonou-se e juntou esforços pela terceira vez com Gil Evans (já haviam colaborado em “Miles Ahead”/1957 e “Porgy and Bess”/58) para realizar uma adaptação e compor faixas em torno do tema espanhol. O resultado é uma obra de arte ao mesmo tempo popular e moderna. Mas que foi rejeitada por alguns críticos – que perguntavam isso é jazz? …ao que Miles respondeu: é música, e eu gosto. E eu também. Não só da peça principal – mas também faixas como Saeta, um solo absolutamente fantástico de Davis, e o balé sincopado de Manuel de Falla, Will o’ the Wisp, que é uma das minhas canções favoritas de jazz de todos os tempos. Às vezes deixo a faixa rodando no repeat várias e várias vezes, sonhando com uma gravação ao vivo com jams e 23 minutos de duração. (Há algo de mim que se sente visceralmente atraído pela simplicidade e afetividade hipnótica de balés e valsas, vou descobrindo aos poucos; colecionando esta faixa, e “My Favourite Things” de Coltrane, e “The Black Priest and the Sinner Lady” de Mingus…)

Atmosférico e acessível, este é também um grande álbum para congregar novos ouvidos. Portanto, mesmo que o amigo leitor seja avesso ao jazz, eis uma boa nova oportunidade. Ouça com carinho, que ele retornará. Os arquivos são independentes e em 320k, respeitando a excelente remasterização da edição apresentada aqui – com três faixas bônus, sendo duas delas um take alternativo do Concierto.

Antes da ficha técnica e dos links, uma análise mais criteriosa da peça e sua polêmica – Joaquin Rodrigo teria detestado a adaptação – encontrada na Amazon, para aqueles que quiserem um comparativo entre original e versão.

Sketches of Spain has its genesis in the slow movement of the Rodrigo Concierto di Aranjuez, one of the most beloved pieces of classical music out of Spain. Both Miles and Gil Evans were taken with the piece when they were introduced to it and it forms the centerpiece of the album, and the number that seems to register the greatest number of complaints. Purists in the classical world dislike it’s fast and loose treatment of the original work, and in fact, Rodrigo was on record as detesting the final product. And jazz musicians felt the work to be pretentious, with not enough room for Miles to solo, and not enough out and out swing. There was also a feeling that the work was just blatantly copied from it’s origins and that any brilliance in the work was due to Rodrigo, not to Evans.

A careful hearing, especially a side-by-side comparison with the original Concierto, can dispel much of the criticism of this work. Evans does not merely imitate the piece; he imaginatively rethinks it for wind ensemble. Instead of the spare English Horn and strings with which Rodrigo opens the work, Evans creates a shimmering bed of castanets and harp, over which he layers low flutes and French horns an muted brass, moving in a dense carpet of parallel fourths. While the main points of the original form are followed, with Miles taking mostly the guitar parts, there are many sections that illustrate the genius of Evans, the arranger. Particularly impressive is Evans rethinking of the guitar cadenzas. For the first cadenza Evans contrasts Miles in his dark low register, with beautifully balanced chords in the flutes and low brass, characterized by unusual voicings that include tense dissonances at the top of the chord. Also stunning is the original section that Evans uses to replace the second cadenza. The bass begins an understated vamp. Miles solos over it with his typical cool understatement and the orchestra builds to the climax of the work.

Miles Davis – Sketches of Spain (320)
Arranjado e conduzido por Gil Evans
Produzido por Teo Macero e Irving Townsend para a Columbia

Miles Davis (trumpet, flugelhorn); Gil Evans (arranger, conductor); Paul Chambers (bass); Jimmy Cobb (drums); Elvin Jones, Jose Mangual (percussion); John Barrows, James Buffington, Tony Miranda, Joe Singer, Earl Chapin (french horn); Johnny Coles, Bernie Glow, Taft Jordan, Ernie Royal, Louis Mucci (trumpet); Dick Hixon, Frank Rehak (trombone); Jimmy McAllister, Bill Barber (tuba); Danny Bank (bass clarinet); Albert Block (flute); Eddie Caine (flute, flugelhorn); Harold Feldman (clarinet, flute, oboe); Jack Knitzer (bassoon); Romeo Penque (oboe); Janet Putnam (harp)

download – parte 1 84MB parte 2 40MB
01 Concierto de Aranjuez (Adagio) (Joaquín Rodrigo) 16’19
02 Will o’ the Wisp (Manuel de Falla) 3’47
03 The Pan Piper (Evans) 3’52
04 Saeta (Evans) 5’06
05 Solea (Evans) 12’15
06 Song of Our Country (Evans) 3’23
07 Concierto de Aranjuez [alt take; part 1] (Rodrigo) 12’04
08 Concierto de Aranjuez [alt take; part 2 ending] (Rodrigo) 3’33

Boa audição!

Sempre tive pavor de coletâneas – mas com o tempo, aprendi a fazer uma exceção ao jazz. O estilo, generoso como só ele, não apenas permite que se arranque pedaços de álbum sem dor; é capaz de dar novas cores à compilação e seus temas pela mistura diferente criada entre elas. (Claro, ninguém aqui pensa em tirar pedaços de A Love Supreme ou Sketches of Spain; sempre há exceções, óbvio.) Para sair um pouco da linha habitual de John “Dizzy” Gillespie – o velocíssimo bop -, hoje trazemos um componente da série Jazz in Paris, da Verve/Gitanes – mais de 100 títulos lançados com raridades em apresentação suntuosa – mostrando faixas gravadas entre 1952 e 53, na capital francesa.

Paris, which had developed into the jazz center of Europe already in the beginning of the 20th century, offered many of these musicians a safe haven as well as a permanent home (later, Denmark, Sweden and sometimes Germany usurped that role) and jazz thrived because of it. One can even be as bold as to state that without Paris and Europe, jazz might never have been recognized as an art form. It was in Europe that jazz had gained that kind of recognition and, as far as I recall, it was jazz critics such as Leonard Feather (England) and Dan Morgenstern (Austria), who spent their entire lifetimes promoting it as an art form in the United States. daqui

É o lado mais swing e groove de um dos fundadores do bebop (ao lado de Parker); em momentos já afro-jazz, em outros quase cool, gravações parisienses cheias de atmosfera (incluindo alguns chiados, mesmo com remasterização – o que me deixa deveras feliz. Nada pior que uma limpeza asséptica em algo capaz de tirar vida do ruído). Coletânea para desfrutar e agradecer ao gênio; a relação das músicas, logo abaixo, mostra toda uma constelação. E evoca as noites de uma Paris dos anos 50 que jamais conheci, capaz de provocar uma romântica nostalgia enviesada.

Dizzy Gillespie – Verve/Gitanes Jazz in Paris Series: Cognac Blues (320)

Dizzy Gillespie: trumpet, vocal
Don Byas: tenor saxophone
Art Simmons, Arnold Ross, Wade Legge: piano
Jean-Jacques Tilché: guitar
Joe Benjamin, Lou Hackney: double bass
Bill Clark, Al Jones: drums
Humberto Canto Morales: congas

download – parte 1 (95MB), parte 2 (72MB)

01 Cognac Blues 2’40
02 Cocktails For Two 3’23
03 Moon Nocturne 3’03
04 Sabla Y Blu 3’05
05 Blue And Sentimental 2’42
06 Just One More Chance 3’10
07 They Can’t Take That Away from Me 3’14
08 Break at the Beginning (Taking a Chance on Love) 2’42
09 When It’s Sleepy Time Down South 2’55
10 Lullaby in Rhythm 4’22
11 Just Blues (One More Blues) 2’59
12 Ain’t Misbehavin’ 2’56
13 Summertime 4’16
14 Blue Moon 4’25
15 Mama’s blues (Mrs. Dizzy blues) 4’00
16 Undecided 2’32
17 The Way You Look Tonight 4’12
18 They Can’t Take That Away From Me [alt take] 3’59
19 Taking a Chance on Love [alt tk 1] 3’27
20 Taking a Chance on Love [alt tk 2] 3’36
21 Lullaby in Rhythm [alt take] 4’05

Boa audição!