Almeida Prado (1943-2010): Concertos e Aurora para Piano e Orquestra; Cartas Celestes I (Rubinsky/OFMG; Scopel)

No panorama de obras para piano do século XX que tenho trazido ao blog, depois dos nomes de Villa-Lobos (proibido aqui no blog até que sua música chegue ao domínio público), de Nazareth (com várias postagens recentes: aqui, aqui, aqui) e de Mignone, logo me veio à mente o de Almeida Prado, que andava sumido aqui do blog há uns anos… Então preparei logo uma dobradinha: sua obra mais famosa, Cartas Celestes nº I, e uma série de obras para piano e orquestra recentemente gravadas.

Nascido em Santos/SP, Almeida Prado é um desses compositores que apresentam exigências imensas a todos os músicos da orquestra, ou quase todos. Além, é claro, do que ele exige aqui da pianista Sonia Rubinsky que, após gravar pela Naxos todo o piano solo de Villa-Lobos, aumenta com este álbum sua discografia pela mesma gravadora.

Assim como nas Cartas Celestes, no Concerto para Piano nº 1 (escrito em 1983 por encomenda de Antonio Guedes Barbosa) o compositor não parece preocupado com o suor que os músicos passarão para criar os mundos musicais que ele imagina, e isso é talvez um dos motivos para este concerto ser tão pouco tocado: é muito comum que, ao escolherem música contemporânea para sua programação, as orquestras dêem preferência a concertos mais fáceis ou para formações menores.

A gravação de Sonia Rubinsky com a Orquestra Filarmônica de Minas Gerais, portanto, estreou as obras em disco, brilhando solitária e nos mostrando os vários motivos para outras orquestras e solistas não terem coragem de se aventurar: Rubinsky tira do piano incontáveis sons que exigem uma longa dedicação à exploração dos timbres do seu instrumento. E a orquestra, como já falamos, não leva o acompanhamento na flauta, pelo contrário.

As Cartas Celestes I já foram gravadas por outros grandes pianistas como Roberto Szidon, mas a gravação ao vivo do então jovem pianista Aleyson Scopel em 2008 é tão boa que depois ele seria convidado pela Naxos para gravar a integral das Cartas Celestes para piano. A gravação que trazemos aqui é a primeira, ao vivo. O próprio Almeida Prado descreveu assim a interpretação dessa obra por Scopel: “Saíram diretamente do Céu! Chuvas de meteoros, radiantes constelações, nebulosas resplandecentes, e um vigor transcendental marcaram a genial interpretação deste imenso pianista. Maravilhoso!”

Deixo o compositor seguir na sua descrição da obra:

“Cartas Celestes é das minhas obras a mais tocada, e a mais comunicativa para o público. Composta em 1974, para o Planetário Municipal de São Paulo, foi posteriormente re-escrita. Utilizei 24 acordes diferentes como as 24 letras do alfabeto grego, e com isso os relacionai às estrelas que formam as constelações. Nesta obra procuro retratar o céu do Brasil na Primavera. Para confecção sonora deste grande mural celeste, utilizei os recursos mais extravagantes possíveis e inusitados.
O piano é uma máquina que fabrica as mais variadas cores para os meteoros, as constelações, os aglomerados, as nebulosas, e o êxtase solar final, onde o piano parece explodir de tal intensidade e vertiginosa velocidade no agudo.”

“Ao fazer uma obra, você não pode dizer assim: ‘eu vou compor uma obra-prima’. A obra-prima não é uma coisa premeditada. Ela acontece independente da sua vontade. Por exemplo, As Cartas Celestes número um, que considero a minha obra-prima, aconteceu por acidente. Foi uma encomenda do José Luiz Paes Nunes, em 1974, que impunha condições de rapidez. Me inspirei no livro do Rogério Mourão e fiz uma música de fundo para ser descartável. E a obra ficou. É a mais tocada das minhas peças e a mais celebrada. Eu não tive culpa.” (Almeida Prado)

O pianista José Eduardo Martins, que conheceu bem o compositor e estreou mais de uma obra dele, nos dá mais algumas pistas:
“Esse debruçar maior em França deu-se sob a orientação de Nadia Boulanger e de Oliver Messiaem, dois ícones na música no século XX. Em Darmstadt soube apreender conteúdos de György Ligeti e Lukas Foss. Seria todavia Messiaen o compositor que mais fortemente marcaria a escrita de Almeida Prado, assim como acentuaria no músico santista o olhar místico, pois parte considerável da obra de nosso pranteado autor tem forte conotação religiosa. A inclinação ao sagrado está traduzida nos vários gêneros musicais, orquestra e câmara. Seria entretanto nas criações para coro e sobretudo na vasta produção para piano – seu instrumento eleito – que Almeida Prado revelaria por inteiro esse olhar místico, que perduraria durante décadas até os dias finais.”
Fonte: O blog de José Eduardo Martins.

José Antônio de Almeida Prado (1943-2010):

Piano Concerto no. 1 (1982-83)
1 Apelo I –
2 I. Heróico, épico (variações) –
3 Monólogo (cadência) –
4 Interlúdio –
5 II. Transparente floral
6 III. Granítico, intenso (tocata)
7 Interlúdio: Onírico, entre a realidade e a fantasia –
8 Memorial
9 Apelo II

10. Aurora (1975)

Concerto Fribourgeois (1985)
11 Introduzioni –
12 Recitativo I
13 Passacaglia –
14 Recitativo II –
15 Toccata furiosa
16 Recitativo III
17 Arioso
18 Moto perpetuo

Sonia Rubinsky, piano
Orquestra Filarmônica de Minas Gerais – Fabio Mechetti
Recorded: May 2019, Sala Minas Gerais, Belo Horizonte, Brasil
World Premiere Recordings

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Sonia Rubinsky fazendo a clássica pose de pianista (mão no rosto)

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Almeida Prado: Cartas Celestes I (1974)

1. Pórtico do Crepúsculo
2. Via Láctea
3. Pórtico da Aurora

Aleyson Scopel ao vivo na Sala Cecília Meireles – Rio de Janeiro
9 de novembro de 2008

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Almeida Prado nos anos 1970 (Jornal do Brasil)

Pleyel

Anton Stepanovich Arensky (1861-1906) – Symphony No. 2 in A major, Op. 22, Suite No. 3 ‘Variations’, Op. 33 e Overture to ‘Un songe sur le Volga’, Op. 16 etc

Anton Arensky é um compositor russo bastante interessante pelas proezas realizadas em sua curta vida, o que o coloca dentro dos principais eventos e cenários da música do seu país. O disco que ora é apresentado não possui nada de especial, mas nos fornece uma boa percepção de sua música. Arensky desde muito jovem estabeleceu contato com a música e com bons professores. Um dos casos mais significativos foram as aulas de orquestração com Rinsky-Korsakov.

Como professor, o compositor teve entre os seus pupilos brilhantes, os nomes de Rachmaninov, Scriabin e Glière. Mais tarde, estabeleceu amizade com Tchaikovsky. Essa amizade rendeu importantes frutos para o compositor, pois Tchaikovsky tomou a decisão de ser o seu mentor.

Arensky foi um indivíduo de alma impulsiva. Após ter saído de sua Novgorod e ter ido para a grandiosa e efervescente São Petersburgo, o compositor assimilou algumas das características dos jovens ricos. Era talentoso. Possuía um potencial inquestionável, mas era conduzido por hábitos irreprimíveis. Viciado em jogos de azar, Arensky não conseguia abandonar o vício em álcool. Após conduzir uma vida de exageros, Arensky acabou morrendo ainda muito jovem – com apenas 46 anos de idade.

Enquanto compositor, conseguiu construir uma estilo em que ficam evidentes sua influência dos compositores europeus, principalmente os nomes dos compositores românticos como Mendelssohn e Chopin. Suas composições são permeadas pela presença de temas russos, todavia padrões de fluência composicional e um aguçado senso estético e rítmico, o que transforma em um compositor bastante sofisticado.

O presente disco apresenta algumas de suas composições, sendo as mais relevantes a Suíte nº 3 e a Sinfonia nº 2. A Sinfonia é um trabalho curto – de apenas 22 minutos – composta no ano de 1889. Seu início marcante denota a confiança, o entusiasmo que, talvez, inundava sua alma que experimentava inúmeras novidades. Revela o lado criativo e inteligente do compositor. O que fica de sua música é o charme melódico, a clareza da linguagem rítmica e das texturas agradáveis. Uma boa apreciação!

Anton Stepanovich Arensky (1861-1906) –

01. Overture to ‘Un songe sur le Volga’, Op. 16
02. Introduction to ‘Nal and Damayanti’, Op. 47

Suite No. 3 ‘Variations’, Op. 33
03. Theme. Andante con moto
04. I. Dialogue. Andante sostenuto
05. II. Valse. Allegro
06. III. Marche triomphale. Maestoso
07. IV. Menuet (XVIIIème siècle)
08. V. Gavotte. Allegro
09. VI. Scherzo. Presto
10. VII. Marche funèbre. Adagio non troppo
11. VIII. Nocturne. Andantino
12. IX. Polonaise. Allegro moderato
13. Intermezzo for Orchestra, Op. 13

Symphony No. 2 in A major, Op. 22
14. I. Allegro giocoso
15. II. Romance. Adagio ma non troppo
16. III. Intermezzo. Allegretto
17. IV. Finale. Allegro giocoso e poi fuga

BBC Philharmonic Orchestra

Vassily Sinaisky, regente

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Arensky numa pose performática para a equipe do PQP Bach

Francisco Mignone (1897-1986): 12 Valsas de esquina (Arthur Moreira Lima, piano)

Os pais eram imigrantes da Itália e ele que ajudava a família. Ele começou a trabalhar com dez anos de idade tocando nas ruas para sobreviver.
[…] da composição ele não ganhava dinheiro. O Mignone escrevia pelo prazer de compor, ele não tinha aquele jeito social de levar a música dele para tocar em recital. Ele sentia um grande vazio quando não compunha.

(M.J.Mignone, viúva do compositor, entrevista a Fernando Reis, 2010)

Compostas entre 1938 e 1943, as Valsas de Esquina de Mignone homenageiam as serestas, choros e concertos noturnos improvisados nas esquinas brasileiras. Homenagem que nunca soa nacionalista no sentido da grandiloquência ingênua, pelo contrário, as influências populares passam para dentro da escrita de Mignone com um ar de simplicidade que não é fácil de ser alcançado. Como nos conta o próprio compositor: “essas Valsas de Esquina, que parecem escritas de um jato só, algumas levaram meses até eu conseguir elaborar e tornar simples, sem parecer uma coisa vazia. Foi muito difícil.”

Vejamos também o que Mignone disse sobre as várias interpretações possíveis das suas valsas. O maestro Roberto Duarte relata que uma vez…

cheguei cedo e fiquei a tocar uma valsa dele ao piano, a Oitava Valsa. Ele chegou por trás de mim, não falou nada e, quando acabei, ele bateu no meu ombro: “Bravo! Bravo! Muito bem!” Alguns meses depois, eu chego atrasado e ele estava tocando a mesma Oitava Valsa, completamente diferente da que eu havia tocado. Disse-lhe: “Maestro, noutro dia eu estava tocando essa valsa, o senhor me elogiou, e disse ‘Muito bem. Você tocou muito bem, meu filho’, mas o senhor toca completamente diferente!” E ele disse: “Mas eu sou outra pessoa. Não quero que minhas composições sejam executadas de uma única maneira. Cada um é um intérprete. Se eu quisesse que minhas composições fossem executadas de uma só maneira, teria gravado todas elas e jogado as partituras fora.” Esse era Mignone.

Entre as principais gravações dessas obras, há algumas valsas avulsas por Arnaldo Estrella com um cantabile que ninguém imita. Há também a gravação pelo próprio Mignone, em 1957 pelo selo Festa, LP que recomendamos fortemente que vocês garimpem nos sebos e similares, pois a digitalização hoje disponível no Spotify não foi bem feita. E, finalmente, a gravação das doze valsas por Arthur Moreira Lima: junto com os discos dedicados pelo pianista a Nazareth, aqui fica clara a fluência de Moreira Lima neste idioma muito brasileiro. Abaixo, temos as notas escritas por Luiz Paulo Horta no primeiro lançamento do disco de Moreira Lima em 1982:

A valsa chegou ao Brasil nos tempos de D. Pedro I pelas mãos de um compositor austríaco, Sigismund Neukomm, professor do Imperador (que também compôs as suas valsas); e saiu da Corte para os salões, espalhando-se por todas as camadas da população. Tanto se podia ver um Carlos Gomes escrever uma Valsa de Bravura, para concerto, como um anônimo, certamente mineiro, rabiscar a Saudades de Ouro Preto.

Lá pelo fim do século, a valsa já estava completamente abrasileirada, sentindo a influência do choro e puxando, por sua vez, a modinha para o compasso 3/4. Nas mãos de Nazareth, ela se torna um delicadíssimo retrato da nossa belle époque – música de salão transformada por um artista genial. Nazareth punha um ouvido em Chopin e outro no que estavam fazendo os chorões. E em Nazareth, o Mignone que Manuel Bandeira chamaria “o rei da valsa” encontrou uma de suas primeiras (e constantes) inspirações.

Rua do Ouvidor, Rio de Janeiro (Marc Ferrez, ca.1890)

Mignone tinha 16 anos quando foi premiado em concurso de composição com uma valsa: Manon. Mais ou menos nessa época pôde ver Nazareth numa loja de música, onde o grande artista, que ninguém imaginava ser um gênio, lia à primeira vista as músicas para piano em que os fregueses pudessem estar interessados – isto é, fazia o papel que pertence hoje ao toca-discos. Um pouco mais tarde, Mignone seguiria para a Europa, onde a sua veia italiana ia ser reforçada por anos de estudo em Milão.

Mas antes disso ele foi seresteiro – e assim é que começaram a nascer as Valsas de Esquina. “Como flautista – contou a sua primeira mulher – ele ia pelas ruas da capital paulista, altas horas da noite, tocando chorinhos acompanhado pelos violões e cavaquinhos dos demais companheiros. Isso influiu para que ele, mais tarde, compusesse uma série de valsas, denominadas ‘de esquina’, em que a maneira popular transparece lindamente expressa”.

Vendedor de vassouras em rua do centro da cidade de São Paulo (Vincenzo Pastore, ca.1910)

Mignone dá a sua própria versão: o nome dessas valsas, segundo ele, foi dado por Mário de Andrade, pois “lembram aquelas valsas que, à noite, debaixo dos bruxoleantes lampiões a gás das esquinas, os chorões tocavam em suas serenatas às amadas que, atrás das venezianas ou cortinas, ficavam ouvindo. As esquinas serviam de refúgio, caso aparecesse um parente na rua para afugentar os boêmios perturbadores do silêncio noturno”…

Mignone aproveitou, nessas valsas, modelos da época, e até mesmo a sua experiência de músico popular – quando compunha sob o pseudônimo de Chico Bororó. Mas já na primeira valsa, em dó menor, ele mostra que tinha chegado a um estilo novo, que combina a simplicidade do popular com a sofisticação do clássico. O canto começa na mão esquerda – como nos bordões do violão – o que produz um efeito meio sério, meio brincalhão. Mignone libertava-se da sua fase internacionalista, de todas as paisagens estrangeiras, e voltava a ser um poeta perambulando pelas esquinas.

As doze Valsas de Esquina, compostas nos doze tons menores, são ao mesmo tempo simples e misteriosas. A melodia é simples; mas a harmonia é sutilmente construída.

Francisco Mignone (1897-1986): 12 Valsas de esquina
Valsa Nº 1 em dó menor: Soturno e seresteiro
Valsa Nº 2 em mi bemol menor: Lento e mavioso
Valsa Nº 3 em lá menor: Com entusiasmo
Valsa Nº 4 em si bemol menor: Vagaroso e seresteiro
Valsa Nº 5 em mi menor: Cantando, e com naturalidade
Valsa Nº 6 em fá sustenido menor: Tempo de valsa movimentada
Valsa Nº 7 em sol menor: Moderadamente
Valsa Nº 8 em dó sustenido menor: Tempo de valsa caipira
Valsa Nº 9 em lá bemol menor: Andantino mosso
Valsa Nº 10 em si menor: Lento, romântico e contemplativo
Valsa Nº 11 em ré menor: Moderato
Valsa Nº 12 em fá menor: Moderato – Vivo
Arthur Moreira Lima, piano

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Francisco Mignone, circa 1957

Pleyel

.: interlúdio :. Keith Jarrett – Mysteries / Shades {Remaster 2011}

.: interlúdio :. Keith Jarrett – Mysteries / Shades {Remaster 2011}

Ótimo e quase esquecido material da Impulse Records. São 2 LPs de Keith Jarrett transformados em um CD. A gente esquece deles porque a maioria das pessoas se concentra nas gravações de Jarrett para a ECM. Mysteries é um trabalho sombrio e melancólico de Keith Jarrett – um álbum que se baseia fortemente em seu sentimento de conjunto dos anos Impulse, mas que também parece carregar um pouco da vibração introspectiva que ele estava construindo em algumas de suas gravações solo mais despojadas. O grupo é ótimo aqui – com Dewey Redman, Charlie Haden, Paul Motian e Guilhermo Franco – e as músicas, embora longas e um tanto livres, ainda mostram o ótimo ouvido de Jarrett para uma melodia lírica – levada maravilhosamente sem clichês, e ainda com arestas mais afiadas do que você poderia esperar. Os títulos incluem “Rotation”, “Everything That Lives Laments”, “Flame” e “Mysteries”. Mas eu prefiro mil vezes Shades, que é outra joia perdida do período — uma sessão em quinteto de meados dos anos 70, gravada com o mesmo grupo. Há aqui uma boa sensação de descanso. Shades Of Jazz, Southern Smiles e Diatribe são extraordinárias! Ou seja, quase todo o LP.

Keith Jarrett – Mysteries / Shades {Remaster 2011}

tracklist:

Mysteries
01. Rotation
02. Everything That Lives Laments
03. Flame
04. Mysteries

Shades
05. Shades Of Jazz
06. Southern Smiles
07. Rose Petals
08. Diatribe

Personnel:
Keith Jarrett – piano, Pakistani flute, wood drums, percussion
Dewey Redman – tenor saxophone, maracas, tambourine, Chinese musette
Charlie Haden – bass
Paul Motian – drums, percussion
Guilherme Franco – percussion

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Keith Jarret na primeira metade dos anos 70, decidindo se vai mesmo para a ECM

PQP

Orlando Gibbons (1583-1625): Choral and Organ Music

Orlando Gibbons (1583-1625): Choral and Organ Music

A cristandade católica celebra o dia de Corpus Christi (Corpo de Cristo). A data sempre acontece numa quinta-feira. A instauração da Solenidade do Corpo e Sangue de Cristo remonta o século XIII. A Igreja sentiu a necessidade de realçar a presença real do “Cristo presente” no pão consagrado na Eucaristia. A Festa foi instituída pelo papa Urbano IV com a Bula “Transiturus” de 11 de agosto de 1264, para ser celebrada na quinta-feira após a festa da Santíssima Trindade, que acontece no domingo depois de Pentecostes. “O Papa Urbano IV foi o cônego Tiago Pantaleão de Troyes, arcediago do Cabido Diocesano de Liège na Bélgica, que recebeu o segredo das visões da freira agostiniana, Juliana de Mont Cornillon, que exigiam uma festa da Eucaristia no Ano Litúrgico. Conta a história que um sacerdote chamado Pedro de Praga, de costumes irrepreensíveis, vivia angustiado por dúvidas sobre a presença de Cristo na Eucaristia. Decidiu então ir em peregrinação ao túmulo dos apóstolos Pedro e Paulo em Roma, para pedir o Dom da fé. Ao passar por Bolsena (Itália), enquanto celebrava a Santa Missa, foi novamente acometido da dúvida. Na hora da Consagração veio-lhe a resposta em forma de milagre: a Hóstia branca transformou-se em carne viva, respingando sangue, manchando o corporal, os sangüíneos e as toalhas do altar sem no entanto manchar as mãos do sacerdote, pois, a parte da Hóstia que estava entre seus dedos, conservou as características de pão ázimo. Por solicitação do Papa Urbano IV, que na época governava a igreja, os objetos milagrosos foram para Orviedo em grande procissão, sendo recebidos solenemente por sua santidade e levados para a Catedral de Santa Prisca. Esta foi a primeira procissão do Corporal Eucarístico. A 11 de agosto de 1264, o Papa lançou de Orviedo para o mundo católico através da bula Transiturus do Mundo o preceito de uma festa com extraordinária solenidade em honra do Corpo do Senhor. A festa de Corpus Christi foi decretada em 1264. O decreto de Urbano IV teve pouca repercussão, porque o Papa morreu em seguida. Mas se propagou por algumas igrejas, como na diocese de Colônia na Alemanha, onde Corpus Christi é celebrada desde antes de 1270. A procissão surgiu em Colônia e difundiu-se primeiro na Alemanha, depois na França e na Itália. Em Roma é encontrada desde 1350. A Eucaristia é um dos sete sacramentos e foi instituído na Última Ceia, quando Jesus disse: ‘Este é o meu corpo…isto é o meu sangue… fazei isto em memória de mim’. Porque a Eucaristia foi celebrada pela 1ª vez na Quinta-Feira Santa, Corpus Christi se celebra sempre numa quinta-feira após o domingo da Santíssima Trindade. Corpus Christi é celebrado 60 dias ápos a páscoa”. O aspecto solene e místico da religião é algo que sempre me impressionou. Desagrada-me o dualismo existente na religião, que desemboca consequentemente num enfeiamento da vida. A religião cria uma metafísica do carrasco. Pune tudo aquilo que se aproxime do natural, por fugir em sentido platônico do mundo físico, o mundo das aparências. Estar no mundo é uma tarefa malquista pelo religioso, que ver na na realidade contingente, imperfeição, feiúra e um halo de pecado envolvendo todas as coisas. Não precisamos morrer para viver, pois morre-se muitas vezes enquanto se vive. A arte tira a alma do homem do caos. Sentença nietzschiniana: “Na arte, o ser humano frui a si mesmo enquanto perfeição”. Boa apreciação desse belíssimo CD repleto de mística, poética e sentidos de vida, de Orlando Gibbons.

P.S. O texto é uma mescla de palavras minhas e da Wikipédia. Informações AQUI sobre o compositor.

Orlnando Gibbons (1583-1625) – Choral and Organ Music

01. O clap your hands
02. Great Lord of Lords
03. Hosanna to the son of David
04. Prelude in G Major
05. Out of the deep
06. See, see, the word is incarnate
07. Prelude in D minor
08. Lift up your heads
09. Almighty and everlasting God
10. Magnificat ( 2nd Service)
11. Nunc dimittis (2nd Service)
12. Fantazia of four parts
13. Magnificat (Short Service)
14. Nunc dimittis (Short Service)
15. O God, the king of glory
16. O Lord, in thy wrath

Oxford Camerata
Jeremy Summerly, condutor
Laurence Cummings, órgão

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Não precisamos de legenda na data de hoje
Não precisamos de legenda na data de hoje

Carlinus

Dmitri Shostakovich (1906-1975) & Lera Auerbach (1973): Música para Violino e Piano (Gluzman / Yoffe)

Dmitri Shostakovich (1906-1975) & Lera Auerbach (1973): Música para Violino e Piano (Gluzman / Yoffe)

Vadim Gluzman e Angela Yoffe são marido e mulher que se entendem. Eles nos dão uma poderosa versão da Sonata de Shostakovich de 1968. Esta performance atende à quaisquer exigências, com o Allegretto central projetando uma atmosfera de estimulante ferocidade. A Jazz Suite No 1 de 1934 leva a um Shostakovich muito diferente: o humor pode ser sarcástico, mas o clima é alegre e otimista. A Sonata de Auerbach, sua resposta aos eventos de 11 de setembro, tem gestos largos e até melodramáticos. É uma peça bem feita, imaginativamente moldada para os dois instrumentos e com alguns momentos lindos e inspiradores.

Dmitri Shostakovich (1906-1975) & Lera Auerbach (1973): Música para Violino e Piano (Gluzman / Yoffe)

Shosta:
Sonata For Violin And Piano, Op. 134 (1968)
1 I. Andante 11:05
2 II. Allegretto 6:51
3 III. Largo – Andante 14:30

Jazz Suite No. 1 For Violin And Piano (1934/2005)
4 I. Waltz 2:26
5 II. Polka 1:42
6 III. Foxtrot 3:45

Auerbach:
Lonely Suite (Ballet For A Lonely Violinist), Op. 70 (2002)
7 I. Dancing With Oneself. Andante 2:09
8 II. Boredom. Moderato 1:15
9 III. Nos Escape. Allegro 1:23
10 IV. Imaginary Dialogue. Andantino 3:12
11 V. Worrisome Thought. Moderato 1:05
12 VI. Question. [Ad Lib.] 0:56

13 Sonata No.2 For Violin And Piano (September 11), Op. 63 (2001) [In One Movement] 14:39

Vadim Gluzman, violino
Angela Yoffe, piano

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Lera Auerbach escrevendo uma cartinha para René Denon. “Ouça minha música, Rê”, pede ela.

PQP

Schubert (1797–1828): Música para Violino e Piano – Suyoen Kim & Dong-Hyek Lim ֎

Schubert (1797–1828): Música para Violino e Piano – Suyoen Kim & Dong-Hyek Lim ֎

Schubert

Sonata para Violino D. 574

Rondó D. 895

Fantasia D. 934

Suyeon Kim, violino

Dong-Hyek Lim, piano

Aqui em casa adoramos os encontros e desencontros do Chefe Hong e da Senhora Dentista – Hong Du-sik, o faz tudo de Gongjin, cidade costeira da Coréia do Sul e Yoon Hye-jin, dentista que se transferiu para a pequena cidade. O resto do elenco é muito divertido. Mi-seon é a ‘miga’ de Hye-jin e faz com o policial Choi Eun-chul um par à la Papagena-Papageno, mas aqui é a Mi-seon a líder da dupla, pois o policial Eun-chul é a pessoa mais tímida na face da terra.

A Papagena-Mi-seon e seu par…
A simpática Senhora Gam-ri

A terceira idade também está presente, como a sábia e simpática Senhora Kim Gam-ri, que tem a figura de avó-funcional do Tamino da série, o faz-tudo Du-sik.

 

Mas por que estou mencionando isto tudo nesta postagem de Schubert? Bem, por nada… é que eu gostei do disco e gosto bastante da K-série, que assisto com minha querida, que ao ver a capa do disco no painel multimídia do carro em nossa última viagem, quis logo saber se Suyoen Kim e Dong-Hyek Lim seriam os protagonistas de alguma nova K-série…

Suyoen Kim

Suyoen Kim é coreana, mas nasceu em Münster, na Alemanha. Começou a tocar violino muito cedo e tornou-se a mais jovem estudante em uma escola de música alemã ao ser admitida como aluna externa na Detmold Musikhochschule. Aos 16 anos já dava concertos com famosas orquestras e participava de competições internacionais.

Ela já fez uma visita aqui ao PQP Bach ao acompanhar Sumi Jo em umas árias de Bach.

Dong-Hyek Lim

O pianista Dong-Hyek Lim também estudou na Alemanha, na Hochschule für Musik de Hanover e aperfeiçoou-se na Julliard School com Emanuel Ax. Dong-Hyek Lim é um dos muitos pianistas que receberam atenção e apoio no início de suas carreiras da especialíssima Martha Argerich. Esta é a primeira aparição dele aqui no blog, mas esperamos recebe-lo com mais frequência de agora em diante.

Enquanto isso, aproveitem este disco com música para violino e piano no mestre Schubert, pois que esse repertório não é muito vasto e relativamente pouco explorado.

A Sonata foi composta em 1828, junto com outras três sonatinas, enquanto o Rondó e a Fantasia são do último período de Schubert. Ele as compôs para o violinista Josef Slavík e pianista Carl Maria von Bocklet, que as interpretaram em 1827 ou 1828, mas antes da morte de Schubert.

Franz Schubert (1797 – 1828)

Sonata para Violino e Piano em lá maior, D.574
  1. Allegro Moderato
  2. Scherzo (Presto)
  3. Andantino
  4. Allegro Vivace
Rondo em si menor, D. 895, Op. 70
  1. Andante
  2. Allegro
Fantasia em dó maior, para Violino e Piano D.934
  1. Andante Molto
  2. Allegretto
  3. Andantino
  4. Allegro Vivace – Allegretto – Presto

Dong-Hyek Lim, piano

Suyoen Kim, violino

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FLAC | 355 MB

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MP3 | 320 KBPS | 162 MB

Sobre a Fantasia: Harriet Smith compares recordings of Schubert’s Fantasie for Violin & Piano in C major, D934. It’s a piece which baffled its audience when it was premiered in 1828, because it was much longer and more complexly structured than the conservative Viennese audience was used to. Despite using a recognisable melody of one of Schubert’s own songs in its central variation movement, a contemporary review remarked that the piece took rather more time and concentration than “a Viennese is prepared to devote to pleasures of the mind.” Great virtuosity is required from both violin & piano, so which duo of performers will come out on top?

Veja o que disse Dong-Hyek Lim sobre a música de Schubert, a propósito de outro de seus discos: I feel privileged that I can now present my thoughts and ideas about Schubert.

Aproveite!

René Denon

A cara que o Dong-Hyek fez quando lhe perguntamos se ele assiste as K-séries…

Rued Langgaard (1893-1952): Gitanjali-Hymner, Fantasi-Sonate e outras obras para piano

Nascido em Copenhagen e filho de dois pianistas, Rued Langgaard foi um compositor solitário, idealista, que não pertenceu a nenhum grupo como por exemplo os seus contemporâneos franceses “Les Six” ou os que se juntaram em Viena ao redor de Schoenberg. Langgaard teve lições de contraponto com o compositor Carl Nielsen (1865-1931) por cerca de um mês, mas aparentemente os dois não se entenderam bem e seus caminhos não se cruzariam mais.

Langgaard em Ribe (1951); Abaixo, o órgão da catedral

Aos 18 anos, foi organista assistente em uma igreja em Copenhage e, apenas aos 46, conseguiu um emprego fixo em uma importante e antiga catedral, mas em uma cidade pequena do interior da Dinamarca, onde ele era considerado um músico excêntrico, introvertido, com roupas estranhas e descabelado.

Não que ele necessariamente tenha se importado com o que os dinamarqueses achavam dele. Sua música foi razoavelmente bem recebida na Alemanha, com várias apresentações em Berlim e Karlshue. A principal influência na música para piano de Langgaard parece ser o também alemão Robert Schumann (1810-1856), especialmente em aspectos rítmicos e nas obras compostas de várias miniaturas pianísticas em sequência.

Harmonicamente, porém, a linguagem tonal expandida de Langgaard está mais próxima daquela que utilizavam, no início do século XX, os grandes pianistas-compositores Alexander Scriabin (1872-1915) e Ferruccio Busoni (1866-1924). Ainda assim, a influência do piano de Schumann parece predominar, e falo aqui apenas da música para piano, pois Langgaard compôs 16 sinfonias que pouca gente ouviu, e ainda uma “Música das Esferas” para coro e orquestra. Esta última (Sfærernes Musik), estreada na Alemanha em 1921 e esquecida pouco depois, foi redescoberta em 1968 pelo compositor György Ligeti, então no auge de sua fama como vanguardista inovador. Impressionado com o fato de que várias técnicas da sua própria música microtonal tinham sido utilizadas por Langgaard 50 anos antes, Ligeti disse: “Então, sou um seguidor de Langgaard”. E foi assim que, 16 anos depois de sua morte, o organista da pequena cidade de Ribe (8 mil habitantes) tornou-se um dos grandes compositores dinamarqueses, talvez hoje o segundo mais famoso depois de Carl Nielsen.

Assim como o fazia Schumann, Langgaard nomeou suas obras para piano com títulos poéticos e bastante românticos, como Vanvidsfantasi (Imaginação insana) ou Hél-Sfærernes Musik (Música das esferas do inferno, composta 30 anos após a outra obra orquestral que seria apreciada por Ligeti).

No caso dos Gitanjali-Hymner, Gitanjali – que em Bengali significa “Oferenda Lírica” – é uma coleção de poemas publicados em 1910 pelo poeta indiano Rabindranath Tagore, Prêmio Nobel de Literatura de 1913. Também foi Tagore quem deu a Gandhi o apelido Mahatma (“grande alma” em sânscrito), que muitos hoje supõem ter sido seu nome de batismo. Os títulos dos movimentos dessa obra de Langgaard, como “canção distante” e “silêncio de verão”, são inspirados no poeta indiano.

Rued Langgaard (1893-1952): Gitanjali-Hymner, Fantasi-Sonate, etc.

1-10. Gitanjali-Hymner, efter Tagore [Hinos de Gitanjali, por Tagore] (1918-1920)
I. Din Musiks Glands [Luz da música]
II. Himlen sukker [Estrondos do céu]
III. Den fjerne Sang [Canção Distante]
IV. Sejlfærd [Navegando à vela]
V. Sommerhvisken [Silêncio de verão]
VI. Himmel-Ensomhed [Solidão do céu]
VII. Den hvileløse Vind [Vento sem repouso]
VIII. Tavshedens Hav [O Mar do Silêncio]
IX. Regnfulde Blade [Chuva de folhas]
X. Gyldne Strømme [Córregos Dourados]

11. Fantasi-Sonate [Sonata-Fantasia] (1916)
Molto agitato e con passione

Langgaard tocou órgão desde jovem

12. Nat paa Sundet [Noite sobre o som] (1907)

13. Hél-Sfærernes Musik [Música das esferas do inferno] (1948) Mouvement unique : Efterhaanden vanvittigt Tempo

14-16. Vanvidsfantasi [Fantasia insana] (1914-16, rev. 1947-49)
I. Vanvidsefteraarsnat, II.Efteraarsengel, III. Vanvidsgang

Berit Johansen Tange, piano

BAIXE AQUI — DOWNLOAD HERE – MP3 320kbps

Catedral de Ribe, edifício medieval e provavelmente o mais alto da cidade

Pleyel

Boris Tishchenko (1939-2010): Sinfonia Nº 7 (Yablonsky / Moscow Philharmonic)

Boris Tishchenko (1939-2010): Sinfonia Nº 7 (Yablonsky / Moscow Philharmonic)

IM-PER-DÍ-VEL !!!

(impossível ouvir o segundo e o quinto movimentos sem sorrir)

Boris Tishchenko morreu recentemente (2010). Conhecido e respeitado na Rússia, mas basicamente desconhecido no resto do mundo. Ele foi muito requisitado no ocidente para falar sobre seu mestre Dmitri Shostakovich, com que teve uma relação pai-filho. Além disso, a música de Boris Tishchenko não soa muito distante do mundo shostakovichiano: som tonal, militarizado e muitas vezes prolixo. Numa audição superficial, a música de Boris Tishchenko não atrai. Talvez por isso, no primeiro momento, não concentrei toda minha atenção em sua música, ouvia as suas imensas sinfonias enquanto lia algum livro. Hábito que não costumo ter. Mas, de repente, um milagre aconteceu.

Eu era um leitor voraz de romances, prática que ultimamente não me agrada tanto. Talvez pelo fato de ficar muito mais impressionado com a realidade das biografias e dos livros de história. Mas claro que quando eu me pergunto “por que este homem fez isso?”, a chave quase sempre é dada por um bom romancista. Por isso a leitura de Berlin Alexanderplatz de Doblin era crucial para entender o homem alemão dos anos 1920. Claro que o livro é muito mais que isso, mas não vou seguir adiante em questões literárias…Minha principal surpresa, além de vivenciar os descaminhos da personagem principal, foi ter conhecido a sinfonia n.7 de Boris Tishchenko enquanto lia esse livro. Essa sinfonia é a trilha sonora perfeita, pois todo o ambiente, personagens e fatos narrados no livro ganharam muito mais viço. Minha recomendação é que todos pudessem vivenciar esta experiência emocionante, mas é óbvio que a música sobrevive sem o livro.

Boris Tishchenko (1939-2010): Sinfonia 7 (Yablonsky / Moscow Philharmonic)

1. Symphony No. 7, Op. 119: Movement I
2. Symphony No. 7, Op. 119: Movement II
3. Symphony No. 7, Op. 119: Movement III
4. Symphony No. 7, Op. 119: Movement IV
5. Symphony No. 7, Op. 119: Movement V

Moscow Philharmonic Orchestra
Conduzido por Dmitry Yablonsky

BAIXE AQUI — DOWNLOAD HERE

Boris Tishchenko: sexy sem ser vulgar.

cdf