Enquanto vocês estão a me ler, eu estou a caminho do Congo, onde deverei passar uma boa parte das próximas semanas.
Sim, falo sério.
E o que vocês têm com isso?
Nada, é claro: afinal de contas, vocês só querem postagens novas, e estão pouco se lixando onde Vassily está quando sua postagem nova aparece para vocês enquanto se preparam para o almoço, não é?
Bem que fazem, leitores!
Só menciono a expedição ao Congo para justificar, de antemão, por que minhas postagens serão mais sucintas, e talvez repetitivas, ao longo deste setembro. Por ora, posso-lhes dizer que aqueles que detestam piano devem iniciar os preparativos para a urticária. Mas vocês não seriam desalmados a ponto de xingarem alguém que está no Congo, certo?
Esta integral com as Sonatas de Beethoven por John O’Conor, feita por um especialista na obra pianística do velho Ludovico, é uma gravação aclamada pela crítica. Eu a vi ser tão incensada que temi uma decepção cabal ao escutá-la, o que felizmente não aconteceu. Era a minha preferida até escutar a série com Pollini, e continua entre minhas mais queridas, junto com as de Schnabel, Gulda e Brendel (sim, vocês podem ter outras – mas estas são as minhas).
O’Conor reúne, talvez, o que as gravações do notável trio de austríacos têm de melhor, acrescentando um quê de, sei lá como chamá-la, talvez “sanguinidade”, que torna suas interpretações muito atraentes. Neste primeiro volume da série, claro, a gravadora fez questão de colocar as Sonatas mais célebres, aquelas com apelidos apelativos, para ver se seduz o ouvinte familiarizado com elas a comprar os oito volumes restantes. Ainda assim, e em que pese o som um pouco opaco da Teldec, a “Patética”, a “Luar” e a “Appassionata” são defendidas com brilho por O’Conor, cujas interpretações, aparentemente despojadas à primeira audição, só revelam riqueza e complexidade ao longo de revisitas.
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827)
SONATAS PARA PIANO, VOL. I – JOHN O’CONOR
Sonata no. 8 em Dó menor, Op. 13, “Patética”
01 – Grave – Allegro di molto e con brio
02 – Adagio cantabile
03 – Rondo. Allegro
Sonata no. 14 em Dó sustenido menor, Op. 27 no. 2, “Luar”
04 – Adagio sostenuto
05 – Allegretto
06 – Presto
Sonata no. 23 em Fá menor, Op. 57, “Appassionata”
07 – Allegro assai
08 – Andante con moto
09 – Allegro ma non troppo
François-Xavier Roth chamou minha atenção por gravar duas obras primas de Stravinsky – A Sagração da Primavera e Petruchka – com a orquestra que ele fundou em 2003, Les Siècles, usando instrumentos de época. Bem, instrumentos de época em que estas peças foram compostas. A Sagração foi estreada em 29 de maio de 1913 e Petruchka em 13 de junho de 1911. A orquestra Les Siècles é inovadora, como seu regente fundador, e usa tanto instrumentos de época como instrumentos modernos, geralmente no mesmo concerto.
Professor Xavier
François-Xavier também rege outras orquestras. Atualmente é o Gürzenich-Kapellmeister und Generalmusikdirektor der Stadt Köln, Diretor Geral de Música da cidade de Colônia. Este posto foi ocupado por Günter Wand! Além disso, é o Principal Regente Convidado da London Symphony Orchestra. É maestro convidado por muitas outras orquestras, em várias partes do mundo.
Assim, quando cruzei com este disco, saltei-lhe em cima. Reunidos aqui temos então um inovador maestro, uma obra das mais icônicas de todo repertório clássico e uma gravação ao vivo, tomada em um festival – plateia entusiasmada!
Há realmente uma sensação de ocasião em toda a interpretação, que tem algumas características das bandas do movimento HIP com as quais já ficamos bastante acostumados. Som mais transparente, com os grupos de instrumentos bem diferenciados, tímpanos bem audíveis e a música fluindo com mais tensão e urgência. A bem da verdade, devo dizer que este é o mais urgente adagio que já ouvi. Batendo em menos do que 12 minutos é mais urgente do que a gravação do Gardiner com a Orchestre Révolutionnaire et Romantique, minha referência para as gravações historicamente informadas. Portanto, se a sua praia é o Beethoven granítico do Klemperer ou Böhm (especialmente a última gravação), pode se agarrar na poltrona, segurar o chapéu e se preparar para torcer o nariz.
Mas, ao final de umas doze audições, assim como eu, começará a achar que era exatamente isso o que o Ludovico queria dizer:
Seid umschlungen, Millionen!
Diesen Kuß der ganzen Welt!
A gravação feita ao vivo em 2007, no Swansea Festival, é muito boa e a plateia só aparece no fim, para aplaudir com muito entusiasmo!
O outro Professor Xavier também gostou da Nona!
Gostei muito de ouvir a Nona mais uma vez com a sensação de descobrimento. Há tempos não fazia isso! Baixe, ouça (é menos do que uma hora…), depois me conte!
Há dois dias, algumas postagens em minhas redes sociais deram conta do desaparecimento, aos 91 anos, do grande Paul Badura-Skoda, o subdecano dos pianistas (pois o decano é, sem dúvidas, o incansável Menahem Pressler: noventa e seis anos, oito décadas de carreira, participações em todas as formações do Beaux Arts Trio – de Daniel Guilet a Antonio Meneses – estreia com a Filarmônica de Berlim com noventa primaveras, e que tinha um recital marcado com o jovem Badura-Skoda para o mês passado, e que foi cancelado por indisposição do garoto austríaco). Imediatamente, comecei a escrever uma postagem lamentando o fato e celebrando a longa vida artística e, particularmente, o prolífico legado de Paul, fartamente registrado em gravações ao longo de sete décadas, muitas delas, como notou nosso colega Pleyel, em instrumentos de época, antes que esta prática entrasse em voga.
O sono me chamou, e a postagem jazeu incompleta, o que me poupou-me do vigoroso constrangimento de publicá-la só para depois constatar, com alegre cara de tacho, que, assim como acontecera com Mark Twain e das muitas teorias a darem conta de que Sir James Paul is no more, os rumores da morte do Paul austríaco foram grandemente exagerados.
Ainda bem.
Com votos de que o notável vienense se recupere prontamente, deixo-lhes o primeiro duma série de discos comemorando seu septuagésimo quinto aniversário – efeméride que, como veem, já fez seu baile de debutantes. Nele, Paul – adolescente e adulto jovem – deixa-nos alguns bombons, tanto em leituras do repertório tradicional para o piano, em peças a que voltaria dezenas de vezes, quanto em gravações para o acordeão, o instrumento favorito na família Skoda – uma delas, o arranjo para a abertura de La Gazza Ladra, que dedica à mãe pelo seu dia.
Gute Besserung, und komm schnell wieder auf die Beine!
PAUL BADURA SKODA – A MUSICAL BIOGRAPHY – 75h BIRTHDAY TRIBUTE – CD1
Johann Sebastian BACH (1685-1750)
O Cravo bem Temperado, livro 1: Prelúdio e Fuga em Dó sustenido menor, BWV 849
01 – Prelúdio
02 – Fuga
Ludwig van BEETHOVEN (1770-1827)
Sonata para piano no. 21 em Dó maior, Op. 53, “Waldstein”
03 – I. Allegro con brio
Fryderyk Franciszek CHOPIN (1810-1849)
04 – Barcarola em Fá sustenido maior, Op. 60
05 – Fantasia em Fá menor, Op. 49
Hans Ulrich STAEPS (1909-1988)
06 – Pan Pan
Louis GRUENBERG (1884-1964)
07-12 Six Jazz Epigrams
Billy GOLWYN (?-?)
13 – Verbena
Leopold MITTMANN (1904-1976)
14-16 Jazz Babies
Gioachino Antonio ROSSINI (1792-1868)
17 – La gazza ladra: Abertura
Pietro FROSINI (1885-1951)
18 – Serenade italienne
Hermann SCHITTENHELM (1893-1979)
19 – Der Eislaufer (The Ice Skater)
“O piano não consegue respirar naturalmente – o pianista tem que insuflar vida no piano” – por isso que Paul também toca, como faz nesta gravação, o acordeão.
As paisagens como as do Sonho de uma noite de verão ou a Caverna de Fingal são, de certa forma, exteriores ao artista; elas não são ele mesmo. É nos Romances sem Palavras e nas Sinfonias que se deve procurar o Mendelssohn íntimo, o som, a tonalidade e o charme dessa alma. (Camille Bellaigue, 1909)
Década de 1820: Goethe tinha 75 anos quando Mendelssohn, então com doze anos, foi visitá-lo, apresentado por seu professor. Desde este primeiro encontro, Mendelssohn encantou Goethe tocando fugas de Bach e outras obras-primas, de forma que dois anos mais tarde, quando o jovem prodígio voltou a Weimar, o velho poeta, antes de cumprimentá-lo, abriu seu piano e disse “Vem aqui e me faz reviver os os espíritos adormecidos neste piano!” (Fonte: Goethe et Beethoven, por Henri Blaze de Bury, 1813-1888)
1830: Mendelssohn visita Goethe pela última vez e o poeta lhe dá de presente uma página do manuscrito do Fausto com as palavras “Ao amável Felix Mendelssohn, mestre soberano do piano, lembrança de amizade”. Após deixar Weimar e passar por Praga e Munique, em outubro de 1830 Mendelssohn chega a Veneza, aquela cidade única que foi o sonho de sua vida, como ele escreveu a suas irmãs.
Em Roma, onde chega em novembro de 1830, ele faz amizade com o abade Fortunato Santini, dono de uma rica biblioteca musical. Mendelssohn escreve à sua família pedindo que enviem da Alemanha uma coletânea de seis cantatas de Bach para presentear o abade. Em 1831, ainda em Roma, ele conhece o francês Hector Berlioz e as palavras a seguir, das memórias de Berlioz, mostram a relação de admiração um tanto agressiva entre os dois. Berlioz relata:
Um dia, eu falava do metrônomo e de sua utilidade.
“Por que usar o metrônomo?, questionou energicamente Mendelssohn, é um instrumento bastante inútil. Um músico que, olhando uma partitura, não adivinha logo o andamento é uma toupeira.”
No dia seguinte, quando pediu para olhar minha abertura Rei Lear que eu tinha escrito em Nice, ele a leu com atenção e, no momento de colocar os dedos no piano para tocá-la (o que ele fez com um talento incomparável), disse:
“Me dê o seu andamento”,
“Por quê? Você não disse ontem que qualquer um que olha uma partitura e não adivinha o andamento é uma toupeira?” (Fonte: Memórias de Hector Berlioz)
Sua forte ligação com a música de Bach, sua rejeição ao metrônomo, suas sinfonias em quatro movimentos (comparem com a inovadora Sinfonia Fantástica de Berlioz e os Poemas Sinfônicos de Liszt) fazem com que Mendelssohn seja considerado o mais clássico dos românticos. As Canções sem palavras mostram que a cabeça do compositor era mais complexa do que essas classificações. São obras curtas, de harmonia mais simples do que as que Chopin criava na mesma época. Não são equivalentes a noturnos por não terem uma seção contrastante no meio, nem muito menos se assemelham à forma sonata. Para um crítico de 1879, estes pequenos poemas formam, na música para piano, o equivalente dos Lieder de Schubert para o canto. São pequenas joias típicas do século XIX, perfeitas para serem tocadas em salas burguesas por donzelas puras ou senhoras respeitáveis, desde as amadoras até as grandes intérpretes, como Clara Schumann, a quem um dos livros de canções sem palavras foi dedicado.
Mendelssohn compôs um total de 48 peças para piano com este nome e mais uma para violoncelo. São pouco adaptadas aos recitais em grandes salas, aos concursos de piano e também, na minha opinião, às gravações de integrais: ouvir as 48 de uma só vez pode ser uma experiência repetitiva. Muito mais prazerosos são os discos em que pianistas tocam uma seleção de canções sem palavras, como um precioso LP gravado por Gieseking e este vinil de Guiomar, jamais editado em CD, que trago hoje para vocês.
Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847): Songs Without Words (Lieder ohne Worte)
Completamos a coleção com os dois CDs que restavam da série (originalmente em quatro álbuns duplos) de Arthur Moreira Lima interpretando Ernesto Nazareth.
É curioso lembrar que Arthur não só já foi pop o bastante para ter seu programa na TV aberta (“Um Toque de Classe”, na extinta TV Manchete), mas que MÚSICA INSTRUMENTAL já tenha sido um tema suficientemente pulsante entre os brasileiros para ser abordado, entre novelas e comerciais de cigarros, no dito horário nobre:
Arthur sempre foi um top of mind entre os pianistas brasileiros, e assim continua mesmo entre pessoas que nunca viram um piano de perto. Isso talvez explique o imenso sucesso, entre outros, do seu “Piano na Estrada” e da coleção de discos que ele vendeu junto à revista “Caras” nos anos 90. Seu jeito bonachão de sempre, muito atencioso com os fãs, e sua postura cheia de bravado no palco, brandindo a cabeleira e fazendo gestos dramáticos, sintetizam talvez o que o público iniciante espera de um pianista e de um popstar – mais que, provavelmente, todas as notinhas no lugar.
Compreendo que estas sejam circunstâncias extramusicais e que muitos lhe torçam o nariz por isso. Como disse na postagem anterior, esta me parece uma opção deliberada do artista e que, mais ainda, ele é feliz assim. O que é realmente lamentável é as pessoas se esquecerem das gravações de Arthur no zênite de suas forças, como no belíssimo Noturno de Chopin a seguir, que ele tocou em Varsóvia como convidado do Concurso Chopin:
Chegamos ao último post da série com a Sinfonia de Todas as Sinfonias, a Bruckner-S#8!
Gramophone, a famosa revista inglesa sobre música, tem em seu site o artigo Top 10 Bruckner recordings e justifica esta lista dizendo que estas 10 gravações selecionadas representam os perfeitos pontos de partida para quem estiver embarcando em uma jornada pelo universo sonoro de Bruckner. A gravação desta postagem está na lista, que não é apresentada com uma numeração, a primeira, a segunda e assim por diante. Realmente, digamos assim, temos aqui dez primeiros lugares.
No meu caso, acho que esta gravação não é só ponto de partida, é de chegada, de permanência. Veja o que o crítico Richard Osborne disse sobre ela: ‘Esta nova Oitava é excepcionalmente boa. Quando, no Scherzo, você sente que as próprias montanhas estão começando a dançar, você percebe algo muito bom; neste caso, o próprio Olimpo parece estar com o vírus terpsicoreano. Não que haja algo exagerado ou descomedido. Depois de todos esses anos, Wand sabe onde cada cume está e como melhor se aproximar dele. Esta leitura é mais grandiosa do que já foi a vinte anos atrás, o que talvez seja devido às próprias predileções dos Berlinenses. Ainda assim, não há em qualquer parte um sentido de excesso inapropriado. ’
Sobre a religiosidade de Bruckner, veja as palavras do próprio Günter Wand:
‘Para que eu não seja mal compreendido: eu sou um músico e não um padre! Minha missão é completamente diferente, mesmo que eu intimamente sinta uma conexão entre arte e religião e talvez possa comunicar isto aos meus músicos e audiências. (…) Quando estou regendo Bruckner, quero mostrar que ele é um grande sinfonista e não apenas um compositor caracterizado pelo clima solene e sacro. Eu apenas quero que a música soe como Bruckner queria que ela soasse. ’
E ele arremata com essa temeridade: ‘Bruckner é o mais importante sinfonista depois de Beethoven.’
Volta e meia, numa roda de conversa entre melômanos, sempre que o assunto envereda para o piano brasileiro, surge a inevitável pergunta:
– Pô, o que aconteceu com o Arthur Moreira Lima?
Não se referem, claro, a sua vida ou morte – Arthur está, felizmente, bem vivo e mora, muito bem aliás, em Floripa, na Ilha da Magia com a esposa e os pianos. O que querem saber é como um sujeito que esteve entre os melhores pianistas do mundo, laureado no Concurso Chopin de Varsóvia (medalha de prata, pois naquele 1965 a Martha Argerich competiu e não teve para mais ninguém), destacado intérprete de Chopin, acabara assim (e aqui capricham no suspiro desdenhoso), *desse jeito*, tocando piano num caminhão-teatro, nos recantos mais isolados do Brasil, para plateias que nunca puderam escutar um piano ao vivo.
Não entrarei no mérito do seu projeto “Piano pela Estrada”, louvado por alguns (eu entre eles), criticado por outros tantos. Tampouco me juntarei ao coro dos que escutaram o grande pianista dos anos 70-80 esbarrando, nas décadas subsequentes, nas teclas e a se atrapalhar em obras mais difíceis. Acho que todos têm um tanto de razão em suas defesas e ataques. Se foi a técnica minguante que o afastou das grandes salas de concerto e o levou para lugares onde, suspeitam alguns, ninguém a notaria, ou se foi o contrário, talvez só ele mesmo pudesse responder. Mas cada vez que vejo Arthur a caminhar na praia, com aquele jeitão bonachão que tem desde jovem, fico com a impressão de que ele simplesmente quis remodelar a vida, e eu – que deixei Dogville para também ser menos infeliz na Ilha da Magia – compreendo e muito respeito sua decisão.
Nestas gravações dos anos 70, Arthur ainda estava no auge da forma, e ele a emprestou para o registro, com brilho e graça, de um bom punhado das obras de Ernesto Nazareth. Salvo melhor juízo, foi a primeira vez que tantas obras foram gravadas por um pianista clássico de tamanha reputação. O resultado é notável: a técnica sobra, as obras pulsam, e o ouvinte sorri. Aqui, ao contrário de alguns de seus outros projetos em música popular, como o ConSertão, Arthur não soa quadrado, nem sufoca a verve do pianeiro Nazareth: quem não espera grande ginga de dedos treinados em Moscou vai surpreender-se aqui com seus graciosos pulinhos.
Apesar do italianíssimo nome, La Serenissima é um conjunto inglês fundado pelo virtuose Adrian Chandler. O grupo adota a prática de performances historicamente informadas, mas não temam nossos PQP-nianos amigos amantes do barroco italiano que preferem o som dos instrumentos modernos. Temos aqui o melhor dos dois mundos.
Este álbum reúne obras de compositores que vieram de quatro grandes e lindas cidades italianas.
Da sereníssima Veneza, temos Vivaldi, Albinoni e o menos conhecido Antonio Caldara, cuja deliciosa Sinfonia em dó maior abre o álbum, com o extravagante uso de trompetes, fagotes, oboés, violino solo e as outras cordas. O movimento lento, contrasta imensamente dos outros, devido a sua delicadeza e o uso de staccato.
De Roma, la Città Eterna, temos uma obra de Corelli que não é um de seus concerti grossi. A Sinfonia a Santa Beatrice d’Este é a peça mais séria do disco e foi composta para fechar um longo oratório de um outro compositor. Chandler e sua banda encontram a medida certa de energia e gravidade para apresentar propriamente a música.
Adrian Chandler
De Padova, La dotta (a sábia Pádua), temos Tartini com o seu espetacular concerto para violino. Tartini foi um precursor do compositor-intérprete-virtuose, como seriam posteriormente Paganini e Vieuxtemps, entre outros. Nesta peça Adrian Chandler tem uma ótima oportunidade de exibir seus talentos de violinista.
Seguimos de volta para Veneza, com o Padre Vermelho e seu lindo concertinho alla rustica, seguido pelo não menos mavioso concerto para fagote.
O concerto para dois oboés de Tomaso Albinoni tem um lindíssimo adagio, para derreter o mais empedernido coração.
Para fechar este ótimo disco, mais uma sinfonia com molti instrumenti, de volta muitos instrumentos de sopros e tímpanos, na generosa obra de Giuseppe Torelli, cidadão de Bologna, la grassa (a gorda), a cidade das massas e da gastronomia.
De um inspirado crítico: O álbum The Italian Job tem todas as coisas que caracterizam La Serenissima:um tom fresco, tinindo, pleno de vitalidade e divertimento, tudo parece fácil e simples para o conjunto e para os solistas, e com fundamentada erudição, tanto na escolha do programa quanto na sua execução, sem perder nem de leve qualquer graça.
The Italian Job
Antonio Caldara (c. 1671-1753)
Sinfonia para dois oboés, dois fagotes, dois trompetes, tímpanos, violino, cordas e contínuo, em dó maior
Allegro
Andante, piano e staccato
Allegro
Arcangelo Corelli (1653-1713)
Sinfonia para o Oratório a Santa Beatriced’Este, para cordas e contínuo, em ré menor
Grave
Allegro
Adagio
Largo assai
Vivace
Giuseppe Tartini (1692-1770)
Concerto para violino, cordas e contínuo, em mi maior, D 51
Allegro
Grave “Tortorella bacie…”
Allegro assai
Antonio Vivaldi (1678-1741)
Concerto ‘alla rustica’ para dois oboés, cordas e contínuo, em sol maior, RV 151
Presto
Adagio
Allegro
Concerto para fagote, cordas e contínuo, em dó maior, RV 476
Allegro
Adagio
Allegro
Tomaso Albinoni (1671-1751)
Concerto à cinque, para dois oboés, cordas e contínuo, em fá maior, Op. 9, 3
Allegro
Adagio
Allegro
Giuseppe Torelli (1658-1709)
Sinfonia para quatro trompetes, tímpanos, dois oboés, dois fagotes, dois violinos, dois violoncelos, cordas e contínuo, em dó maior, G 33
Rachel Chaplin e Gail Hennessy, oboés
Peter Whelan, fagote
La Serenissima
Adrian Chandler, violin / diretor
Gravação: 23 – 26 de agosto de 2016, St John’s, Smith Square, Londres
Resumindo, um disco para ser ouvido numa ensolarada manhã de domingo, preguiçosamente escolhendo o cardápio do almoço, deixando a louça do café da manhã para mais tarde…
Não, você não leu errado: estas são as gravações completas dos legendários violinistas Joachim e Sarasate, feitas no começo do século XX.
Sim, Joachim: aquele que estreou sob a batuta de Felix Mendelssohn e consolidou o Concerto Op. 61 de Beethoven no repertório, que escreveu dezenas de cadenzas para concertos alheios, fundador de uma importante escola pedagógica, amigo de Schumann e de Brahms, e consultor deste último nas obras concertantes para violino.
E sim, ele mesmo: Sarasate, o mais célebre dos violinistas do século XIX depois de Paganini, receptor das dedicatórias da Sinfonia Espanhola de Lalo, do Concerto no. 2 de Wieniawski, do Concerto no. 3 e Introdução e Rondó Caprichoso de Saint-Saëns, entre outros.
De quebra, para fechar o disco, algumas das gravações que Eugène Ysaÿe, o maior violinista de seu tempo, realizou durante uma visita a Nova York em 1912.
Joseph Joachim (1831-1907)
Joachim tinha 72 anos quando realizou suas gravações – idade avançada para a época – e certamente já não estava no melhor de sua forma, tanto física quanto técnica. As técnicas primitivas de gravações, agravadas pelas dificuldades inerentes à captação do som do violino, ainda mais com as cordas de tripa que eram então a norma, exigem bastante do ouvinte que deseja apreciar a arte deste violinista legendário. As duas peças de Bach para violino solo carregam a distinção de serem as primeiras obras do Pai da Música jamais gravadas. Chamam a atenção também as ornamentações que adicionou, especialmente à bourrée, o uso muito comedido de vibrato (pois a escola fundada por Joachim assim defendia) e o que parece uma entonação distinta, que talvez estivesse em voga na distante década de 1830, quando começou a receber sua educação musical.
Joachim com o jovem Franz von Vecsey, em foto de 1903 – ano em que realizou suas únicas gravações. Aquele dedo indicador artrítico da mão esquerda dói só de olhar, e nos faz conceder um generoso desconto quando ouvimos os erros que ele deixou registrados para a posteridade.
Pablo de Sarasate (1844-1908), com seu Stradivarius que pertenceu a Paganini, o mesmo instrumento usado nestas gravações.
Comedimento era o que não existia no diminuto corpo de Sarasate, virtuose de fama mundial e compositor de diversas obras feitas sob medida para exibir sua técnica. Diferentemente de Joachim, ele abusa do vibrato e, a julgar por suas gravações, apreciava andamentos insanamente rápidos. O Prelúdio da Partita em Mi maior de Bach, por exemplo, é tocada em velocidade lúbrica, mais rápido até do que era capaz o violinista sexagenário: lá pelo segundo terço ele se perde completamente, como um estudante em pânico na prova, e só vem a se recuperar quando a obra se encaminha para o final (ele parece comentar alguma coisa no fim – talvez uma exclamação desbocada – mas não a consegui entender). O arranjo do Noturno de Chopin permite apreciar um pouco de seu afamado “cantabile”, que pelo jeito abusava do portamento. No entanto, é em suas próprias obras que o basco parece se sair melhor, principalmente no “Zapateado” e nas famosas “Zigeunerweisen” (Árias Ciganas), aparentemente abreviadas para caberem na gravação – o Adagio acaba bruscamente (em meio a instruções sem-cerimoniosamente faladas pelo intérprete) para dar lugar ao velocíssimo Finale.
Eugene Ysaÿe (1858-1931)
Já o belga Ysaÿe, aluno dos legendários Vieuxtemps e Wieniawski em Bruxelas, viveu até os anos 30. Por isso, deixou um legado maior de gravações, que nos soam mais modernas e muito mais satisfatórias que as de Sarasate e Joachim – mérito, também, da impressionante evolução das técnicas de gravação. O movimento final do Concerto de Mendelssohn, apesar dos cortes necessários para que coubesse num lado de um LP de 78 rpm, é bastante bom, e a famosa elegância do estilo de Ysaÿe fica evidente, apesar de algumas escorregadelas. Lembremo-nos de que as gravações eram feitas em uma só tomada, e o alto custo da mídia não permitia o luxo de repetir tomadas a bel-prazer.
Ysaÿe e o pianista Camille Decreus, realizando as gravações que vocês escutarão em breve, em Nova York (1912). Reparem no cone que fazia as vezes de microfone
Espero que apreciem estas gravações preciosas que permitem, pelo menos àqueles que lhe relevam os ruídos de superfície inerentes às limitações técnicas da época, uma fascinante viagem aural ao passado.
JOSEPH JOACHIM – THE COMPLETE RECORDINGS (1903) PABLO DE SARASATE – THE COMPLETE RECORDINGS (1904) EUGÈNE YSAYE – SELECTED RECORDINGS (1912)
Johann Sebastian BACH (1685-1750)
01 – Partita no. 1 em Si menor para violino solo, BWV 1002 – Bourrée
02 – Sonata no. 1 em Sol menor para violino solo, BWV 1001 – Adagio
Joseph Joachim, violino
(1903)
Joseph JOACHIM (1831-1907)
03 – Romance em Dó maior para violino e piano
Johannes BRAHMS (1833-1897), arranjos para violino e piano de Joseph Joachim
04 – Dança Húngara no. 1 em Sol menor
05 – Dança Húngara no. 2 em Ré menor
Joseph Joachim, violino
Pianista desconhecido
(1903)
Pablo Martín Meliton de SARASATE y Nevascués (1844-1908)
BÔNUS: vocês sabiam que não há só uma, mas DUAS gravações de Johannes Brahms ao piano? Claro que o som é precaríssimo, pois elas são de 2 de dezembro de 1889 (imaginem, menos de um mês após a Proclamação de República no Brasil!). Brahms toca uma de suas Danças Húngaras e um trecho de uma polca de Josef Strauss. Este vídeo do pianista Jack Gibbons, que tem um dos melhores canais de YouTube para amantes do piano, guia-nos nessa experiência aural a um só tempo difícil e privilegiada:
Um belo e surpreendente disco de música cigana com todo aquele ambiente exótico e sem grandes pasteurizações ou tentativas de tornar a coisa mais “elegante” (sim, entre aspas). Então, amigos puristas, por favor, fujam, evitem ouvir este Gypsic da violinista romena-francesa Sarah Nemtanu.
O restante de vocês, no entanto, deve ouvir e, talvez, ficar intrigado. O álbum não é um conjunto convencional de peças orientais e orientadas para o cigano como são tocadas há meio século. Experimente ouvir com atenção, concentrando-se especialmente nas faixas 2, 3 e 8 para que saber bem no que está se metendo. O álbum de Nemtanu também tenta adicionar elementos de transição modernos à forma tradicional do concerto cigano-clássico. Mais tradicional é a sua versão da Sonata para Violino No. 3 em Lá menor, op. 25, “On Popular Romanian Themes”, de Georges Enescu, interpretado por Nemtanu e pelo pianista Romain Descharmes de uma maneira direta que não exagera os elementos ciganos. A Tzigane de Ravel já é meio suja e ESPETACULAR. Então a diversão se acentua… O Sarasate tem uma parte adicionada. O tecladista francês nascido no Canadá, Chilly Gonzales, adiciona elementos de eletrônica às Czárdás de Vittorio Monti… Mais inacreditável ainda é o movimento Blues da Sonata de Ravel para violino e piano de 1927. Esta peça recebe de Gonzales o que Nemtanu chama de “etno-percussão” — a melodia é reformulada como um pedaço do pop etíope. É um risco, pois parece não combinar o resto da música do álbum, só com a versão das Czárdás. Talvez seja uma tentativa de criar um ponto de encontro entre a França e a Romênia. Nemtanu choca com conceitos de como a música clássica e os eletrônicos de sabor internacional podem ser juntados e seus esforços valem a pena serem ouvidos. Enfim, um disco excelente e diferente.
Maurice Ravel, Pablo Sarasate, Georges Enescu, Vittorio Monti, Georges Boulanger: Gypsic
1 Vittorio Monti – Czardas
2 Maurice Ravel – Tzigane
3 Maurice Ravel – Berceuse
4 George Enescu – Sonate premier mouvement
5 George Enescu – Sonate deuxième mouvement
6 George Enescu – Sonate troisième mouvement
7 Pablo de Sarasate – Airs Bohémiens
8 Maurice Ravel – Blues
9 Georges Boulanger – Avant de mourir
Sarah Nemtanu – Violin
Chilli Gonzales – Piano, organ farfisa, Drum, Percussion
Romain Desmarches – Piano
Iurie Morar – Cimbalom
Os capítulos dessa curta novela sobre o MESTRE Antonio Guedes Barbosa começam a minguar.
O CD da Connoisseur Society está esgotadíssimo, e o link ao lado leva a um exemplar usado pela bagatela de cento e quatro doletas. Mais ainda: ele jamais teria sido lançado no Brasil, não fosse uma ação entre clientes da Ticket Restaurante.
Sim, foi a TICKET RESTAURANTE – fiel depositária de estipêndios pagadores de coxinhas, tubaínas e churrascos gregos Brasil afora – e não a vontade das gravadoras, nem o clamor do público, a responsável pela iniciativa de distribuir esta gravação do genial pianista pessoense em seu país natal.
Se acham isso lamentável, saibam que o maravilhoso álbum triplo de Barbosa tocando as mazurcas de Chopin só chegou às praias de Pindorama graças à BOLSA DE VALORES DO RIO DE JANEIRO, que o distribuiu entre sua rapaziada como presente de final de ano.
Mas, claro, nada é tão ruim que não possa ser pior: quando encontrei este CD perdido numa loja de usados do Rio no ano passado, ele estava entre CDs do NETINHO e da BANDA BEIJO.
Três palavras mágicas que aquietam qualquer plateia quando entoadas. A elas segue um cortejo de seres mágicos, extraordinários – a Gata Borralheira, a Fada Madrinha, o Pequeno Polegar…
Os ávidos ouvintes até sabem os enredos, os desfechos dos casos, mas ainda assim esperam por eles. Neste ambiente nasce e fortalece o amor pela literatura e pelas outras artes.
Este petit álbum reúne música com alguns temas e inspirações comuns e o universo das histórias infantis é um deles. Temos aqui obras de seis compositores franceses que as compuseram entre 1890 e 1918. São peças para piano a quatro mãos ou duetos para piano. Na virada do século XIX para o século XX esta forma musical era muito popular, pois permitia que as pessoas ouvissem boa música, mas que elas mesmas precisavam tocar. Este álbum dá uma perspectiva da música francesa para piano desta época.
RavelA família de Cipa Godebski, por Pierre Bonnard
Começamos com a suíte Ma mere l’Oye, que Maurice Ravel compôs para Mimi e Jean Godebski, filhos de Ida e Cipa Godebski, grandes amigos de Ravel. Para saber quanto eles eram amigos, leia aqui.
O próprio Ravel escreveu: Era minha intenção despertar a poesia da infância nestas peças e isto naturalmente levou-me a simplificar meu estilo e diluir minha maneira de escrever.
A suíte começa com uma bela e simplíssima pavane, para uma princesa adormecida. Segue uma peça que ilustra a história do Pequeno Polegar, vagando pela floresta.
Na próxima peça, Laideronnette – Impératrice des Pagodes, encontramos um aspecto que foi caro aos compositores franceses deste período: o interesse pela música e temas orientais. Esta é uma brilhante e bem humorada elegia à Feiosanete, a Imperatiz do Pagode! Um doce para quem descobrir a história que está aqui representada…
Nesta suíte de Ravel, a peça que eu mais gosto é a de A Bela e a Fera! A Fera entra em cena grunhindo (seu tema) no registro baixo e depois do beijo, um fulgurante glissando, reaparece em um registro mais alto, como o da Bela. Lindo!
Para arrematar a obra, um sensacional passeio pelo Jardim Encantado!
Debussy e seu vaso chines…
A obra de Debussy apresentada aqui chama-se Six épigraphes antiques e foi uma de suas últimas, datando de 1914. As épigraphes antiques são adaptadas da música incidental que ele escreveu para uma apresentação das Chansons de Bilitis, encenada como um recitativo em 7 de fevereiro de 1901. Apenas a metade do material foi aproveitado e o resultado é uma peça altamente atmosférica, lembrando sua origem. Os títulos, que você poderá ler por completo logo a seguir, por si são poesia pura. Pour que la nuit soit propice, pour remercier la pluie au matin.
Satie
Debussy, foi amigo de Satie, mas não deixou de criticá-lo, dizendo que este deveria dar mais atenção à forma em suas composições. Pois não é que o amigo entendeu o recado e imediatamente compôs está maravilha aqui: Trois morceaux em forme de poire. Três peças em forma de pera! Erik Satie foi um músico e compositor rebelde e iconoclasta, assim como o foi em sua vida pessoal. Mesmo assim, exerceu grande influência nos outros compositores de sua geração. Seu estilo tão pessoal é baseado na simplicidade, favorecendo a sutis nuances e absoluta modéstia. No extravagante título desta peça – Trois morceaux em forme de poire, tanto responde ao comentário do amigo, quanto leva em conta o fato de poire ter duplo sentido no francês coloquial, de pera mesmo, mas também de simplório, tolo. Bem Satie!
Ele trabalhava como pianista de café em Montmartre, um caldeirão cultural na época, e a peça é baseada em música de cabaré composta entre 1890 e 1903. O famoso café Le Chat Noir, de Rudolf Salis, certamente estava entre eles. Não deixe de ouvir aqui a simples e maravilhosa valsa, Je te veux.
Séverac
A próxima peça, Le soldat de plomb, O soldadinho de chumbo, nos traz de volta ao mundo das historinhas infantis. Déodat de Séverac passou a maior parte de sua vida na província francesa de Languedoc. Sua música tem um forte traço de regionalismo. Esta peça conta bem a história e é leve e bem humorada. Ganha um Kit-Kat quem descobrir a citação da música francesa mais famosa. Composta em 1904-1905, teve sua estreia por Ricardo Viñes e Blanche Selva, em um concerto só com música de Séverac, em 25 de março de 1905, na Scola Cantorum.
A obra Le parapluie chinois, de Florent Schmitt, é a última peça de um conjunto de sete, intitulado Une semaine du petit elfe Ferme-l’Oeil. Nesta peça charmosa e brilhante temos história infantil e o apelo da música do oriente. A peça é deliciosa e uma das que mais me fez lembrar do disco. Para saber mais sobre esse ótimo compositor, veja aqui.
Florent SchmittViñes ao piano
Para fechar o disco temos uma sonata em três (breves) movimentos de Poulenc, que estudou com Viñes (amigo, associado, colega e intérprete de todos os compositores deste álbum). A sonata é uma composição bem do início da carreira e foi escrita antes que Poulenc recebesse maior treinamento. Mesmo assim, a peça tem os traços que marcariam a sua obra.
Poulenc, jovemNotre-Dame du Liban, Paris
As intérpretes deste especialmente despretensioso disco, editado pelo selo americano Price-Less, Marylène Dosse e Annie Petit, estudaram no Conservatório de Paris, ganharam prêmios, mas se conheceram em Viena, em Master-Classes de Paul Badura-Skoda, Alfred Brendel e Jörg Demus. Passaram a tocar em duo quando mudaram-se para os Estados Unidos da América, onde tornaram-se professoras. As peças de Ravel, Debussy e Satie foram gravadas em 1985, na Igreja Libanesa, em Paris, onde por muitos anos foram gravados muitos e muitos discos, de artistas tais como Jean-Pierre Rampal e Maurice André. As outras peças foram gravadas em Nova Iorque, em 1988.
Maurice Ravel (1875-1937)
Ma mère l’Oye
Pavane de la Belle au bois dormant
Petit Poucet
Laideronnette – Impératrice des Pagodes
Les entretiens de la Belle et de la Bête
Le jardin féerique
Claude Debussy (1862-1918)
Six épigraphes antiques
Pour invoquer Pan
Pour um tombeau sans nom
Pour que la nuit soit propice
Pour la danseuse aux crotales
Pour l’egyptienne
Pour remercier la pluie au matin
Erik Satie (1866-1925)
Trois morceaux em forme de poire
“Avec une manière de commencement, une prolongation du même, un En Plus suivi d’une Redite”
Em uma série deste tamanho, devemos nos preparar com antecipação, não acham? Deixar tudo prontinho … quem dera, na atual conjuntura de minha vida. Mal consigo sentar no computador … com a idade vem a responsabilildade, dizem, e a falta de tempo, idem. Estou tentando manter uma periodicidade semanal, se não conseguir, só tenho a lamentar. Para os apressados, sugiro procurarem na rede mundial, está tudo lá, bonitinho.
Não pretendo me estender em maiores explicações, a obra de Bach se explica por si só. Divirtam-se.
P.S. Como sempre, Ton Kopman está muito bem de solistas nesta caixa, temos aqui a presença ilustre de Andreas Schöll …
CD 1
01. BWV.063 – 1. Chorus ‘Christen, atzet diesen Tag’
02. BWV.063 – 2. Recitative (Alto)- ‘O selger Tag! o ungemeines Heute’
03. BWV.063 – 3. Duet (Soprano, Bass)- ‘Gott, du hast es wohl gefuget’
04. BWV.063 – 4. Recitative (Tenor)- ‘So kehret sich nun heut das bange Leid’
05. BWV.063 – 5. Duet (Alto, Tenor)- ‘Ruft und fleht den Himmel an’
06. BWV.063 – 6. Recitative (Bass)- ‘Verdoppelt euch demnach’
07. BWV.063 – 7. Chorus- ‘Hochster, schau in Gnaden an’
08. BWV.162 – 1. Aria (Bass)
09. BWV.162 – 2. Recitative (Tenor)- ‘O grosses Hochzeitfest’
10. BWV.162 – 3. Aria (Soprano)- ‘Jesu, Brunquell aller Gnaden’
11. BWV.162 – 4. Recitative (Alto)- ‘Mein Jesu, lass mich nicht’
12. BWV.162 – 5. Aria (Duet- Alto, Tenor)- ‘In meinem Gott bin ich erfreut’
13. BWV.162 – 6. Chorus- ‘Ach, ich habe schon erblicket’
14. BWV.155 – 1. Recitative (Soprano)
15. BWV.155 – 2. Aria (Duet- Alto, Tenor)- ‘Du musst glauben, du musst hoffen’
16. BWV.155 – 3. Recitative (Bass)- ‘So sei, o Seele, sei zufrieden’
17. BWV.155 – 4. Aria (Soprano)- ‘Wirf, mein Herze, wirf dich noch’
18. BWV.155 – 5. Chorale- ‘Ob sichs anlie als wollt er nicht’
19. BWV.063 – Appendix 1. Duet (Soprano, Bass)
20. BWV.162 – Appendix 1. Aria (Bass)
21. BWV.162 – Appendix 2. Chorus- ‘Ach, ich habe schon erblicket’
CD 2
01. BWV.022 – 1. Arioso & Chorus (Tenor, Bass, Chorus)- Jesus nahm zu sich die Zwolfe
02. BWV.022 – 2. Aria (Alto)- Mein Jesu, ziehe mich nach dir
03. BWV.022 – 3. Recitative (Bass)- Mein Jesu, ziehe mich
04. BWV.022 – 4. Aria (Tenor)- Mein Alles in Allem
05. BWV.022 – 5. Chorus- Ertot uns durch dein Gute
06. BWV.023 – 1. Duet (Soprano, Alto)- Du wahrer Gott und Davids Sohn
07. BWV.023 – 2. Recitative (Tenor)- Ach, gehe nicht voruber
08. BWV.023 – 3. Duett & Chor (Tenor, Bass, Chorus)- Aller Augen warten, Herr
09. BWV.023 – 4. Chorus- Christe, du Lamm Gottes
10. BWV.163 – 1. Arie (Tenor)- Nur jedem das Seine
11. BWV.163 – 2. Recitative (Bass)- Du bist, mein Gott
12. BWV.163 – 3. Aria (Bass)- Lass mein Herz die Munze sein
13. BWV.163 – 4. Recitative (Soprano, Alto)- Ich wollte dir, o Gott
14. BWV.163 – 5. Aria (Soprano, Alto)- Nimm mich mir und gib mich dir
15. BWV.163 – 6. Chorus- Fuhr auch mein Herz und Sinn
16. BWV.165 – 1. Aria (Soprano)- O heilges Geist- und Wasserbad
17. BWV.165 – 2. Recitative (Bass)- Die sundige Geburt verdammter Adams Erben
18. BWV.165 – 3. Aria (Alto)- Jesu, der aus grosser Liebe
19. BWV.165 – 4. Recitative (Bass)- Ich habe, ja, mein Seelenbrautigam
20. BWV.165 – 5. Aria (Tenor)- Jesu, meines Todes Tod
21. BWV.165 – 6. Chorus- Sein Wort, sein Tauf, sein Nachtmahl
CD 3
01. BWV.054 – 1. Aria (Alto) ‘Widerstehe doch der Sunde’
02. BWV.054 – 2. Recitative (Alto) ‘Die Art verruchter Sunde’
03. BWV.054 – 3. Aria (Alto) ‘Wer Sunde tut, der ist vom Teufel’
04. BWV.161 – 1. Aria (Alto) ‘Komm, du susse Todesstunde’
05. BWV.161 – 2. Recitative (Tenor) ‘Welt, deine Lust is Last’
06. BWV.161 – 3. Aria (Tenor) ‘Mein Verlangen ist den Heiland zu umfangen’
07. BWV.161 – 4. Recitative (Alto) ‘Der Schluss ist schon gemacht’
08. BWV.161 – 5. Chorus ‘Wenn es meines Gottes Wille’
09. BWV.161 – 6. Chorus ‘Der Leib zwar in der Erden’
10. BWV.208 – 01. Recitative (Soprano) ‘Was mir behagt, ist nur die muntre Jagd’
11. BWV.208 – 02. Aria (Soprano) ‘Jagen ist die Lust der Gotter’
12. BWV.208 – 03. Recitative (Tenor) ‘Wie, schonste Gottin, wie’
13. BWV.208 – 04. Aria (Tenor) ‘Willst du dich nicht mehr ergotzen’
14. BWV.208 – 05. Recitative (Soprano, Tenor) ‘Ich liebe dich zwar noch!’
15. BWV.208 – 06. Recitative (Bass) ‘Ich, der ich sonst ein Gott in diesen Feldern bin’
16. BWV.208 – 07. Aria (Bass) ‘Ein Furst ist seines Landes Pan’
17. BWV.208 – 08. Recitative (Soprano) ‘Soll dann der Pales Opfer hier’
18. BWV.208 – 09. Aria (Soprano) ‘Schafe konnen sicher weiden’
19. BWV.208 – 10. Recitative (Soprano) ‘So stimmt mit ein’
20. BWV.208 – 11. Chorus ‘Lebe, Sonne dieser Erden’
21. BWV.208 – 12. Duet (Soprano, Tenor) ‘Entzucket uns beide’
22. BWV.208 – 13. Aria (Soprano) ‘Weil die wollenreichen Herden’
23. BWV.208 – 14. Aria (Bass) ‘Ihr Felder und Auen’
24. BWV.208 – 15. Chorus ‘Ihr lieblichsten Blicke’
BARBARA SCHLICK, CAROLINE STAM, RUTH HOLTON, ELS BONGERS soprano
ELISABETH VON MAGNUS soprano II, alto
ANDREAS SCHOLL alto(BWV54)
PAUL AGNEW tenor
KLAUS MERTENS bass
THE AMSTERDAM BAROQUE ORCHESTRA & CHOIR
TON KOOPMAN – CONDUCTOR
Talvez para me redimir do erro crasso que foi ignorar a gravação pioneira do decano dos violoncelistas brasileiros, o potiguar Aldo Parisot, e atribuir erroneamente a Dimos Goudaroulis a primeira gravação brasileira da integral das Suítes para violoncelo solo de J. S. Bach, apresento-lhes um belo álbum em que Parisot rege o conjunto de violoncelos da Universidade de Yale, formado por seus alunos, e que leva seu nome.
O álbum original, como vocês podem perceber pela capa rasurada, não continha somente obras de J. S. Bach, mas também outras tantas do maior dos compositores brasileiros, que se inspirou em Bach para compor um conjunto de nove obras, cujos títulos, mui apropriadamente, remetem a Bach. Duas dessas obras – a primeira e quinta da série – foram compostas para conjunto de violoncelos (acompanhados, na quinta, por uma soprano solista, que nesta gravação é a excelente Arleen Augér).
Lamentavelmente, não temos a autorização dos representantes dos direitos de tal compositor para divulgar suas obras por aqui. Assim, deixamos que as obras de Bach lhes mostrem a beleza do som do coro de violoncelos burilado por Parisot, enquanto vocês ficam imaginando como as obras do compositor-de-quem-não-se-diz-o-nome não soariam com esse conjunto.
Ou, ah sim, também podem comprar o disco. É só clicar a imagem acima.
(ou, então, escutar no YouTube – mas, shhhhhh, não espalhem!)
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750)
01 – Suíte para orquestra no. 3 em Ré maior, BWV 1068 – Ária
02 – Partita para violino solo no. 2 em Ré menor, BWV 1004 – Chaconne
03 – O Cravo bem Temperado, livro I – Prelúdio e Fuga em Mi bemol menor, BWV 853
04 – O Cravo bem Temperado, livro I – Prelúdio em Si bemol menor, BWV 867
05 – Suíte para violoncelo solo no. 6 em Ré maior, BWV 1012 – Sarabande
The Yale Cellos of Aldo Parisot Aldo Parisot, regência
Arranjos para conjunto de violoncelos: Aldo Parisot
(os excertos d’O Cravo bem Temperado foram arranjados, parece, por um grande compositor brasileiro)
Quando ouvi este CD ela primeira vez, o Quixote completava 400 anos. Eu estava perante uma contribuição distinta para a celebração do 4º centenário da obra-prima de Cervantes. Eu ouvia um trabalho que não era a “música nos tempos do…”, nem uma associação de um compositor ao mito com base unicamente na sua coincidência no tempo, nem uma obra inspirada no romance, mas precisamente aquela que todos sentiam falta: uma espécie de “trilha sonora” do Quixote, as próprias referências citadas pelo livro. Ou seja, aquilo que apimenta o grande trabalho de Cervantes e algumas de suas Novelas Exemplares são coletadas e executadas com amor e respeito. Romances e canções alternam-se com danças como chaconnes, folías e jácaras, criando uma paisagem musical bonita e precisa, na qual o bom leitor localizará facilmente as aventuras do nosso herói.
O disco marcava também o reencontro de José Miguel Moreno com seu renovado grupo, o Orphénica Lyra, após alguns anos. Nuria Rial, com uma voz que nos eleva a alturas sublimes de beleza, sensibilidade e agilidade, compartilha a cena com uma surpreendente Raquel Andueza, e ambos os sopranos se juntam à voz de Jordi Domenech. Um absurdo de perfeição. No âmbito instrumental, temos um conjunto que sabe transmitir o sabor da era cervantina: Eligio Quinteiro, Fernando Paz, Fahmi Alqhai e Álvaro Garrido, conduzido da vihuela por um Moreno em pleno comando de seus poderes.
Música en el Quijote: Romances, songs, instrumental pieces
01 Luys Milán: Pavana VI
02 Anónimo: Al alva venid
03 Juan Arañés: Chacona
04 Luys Milán: Romance de Durandarte
05 Alonso Mudarra: Gallarda
06 Francisco Guerrero: Prado verde y florido
07 Anónimo: Qué me queréis, caballero
08 Anónimo: Romance de Don Gayferos
09 Antonio Martín Y Coll: Canarios
10 Anónimo: Madre, la mi madre
11 Anónimo: Ay luna que reluces
12 Anónimo: Jácaras
13 Alonso Mudarra: Fantasía X, sobre la folía
14 Luys Milán: Romance de Valdovinos
15 Antonio Martín Y Coll: Villanos
16 Anónimo: Qué bonito niño chiquito
17 Alonso Mudarra: Beatus ille
18 Antonio de Ribera: Romance de Cardenio
19 Diego Coll: Recercada segunda
20 Gabriel: De la dulce mi enemiga
21 Anónimo: Romance del Marqués de Mantua
22 Diego Pisador: Flérida, para mí dulce
23 Anónimo: Al villano se la dan
24 Luys de Narváez: Romance de Conde Claros
25 Diego Ortiz: Recercada octava
26 Juan Arañés: Chacona: A la vida bona
Intérpretes: Orphénica Lyra : Nuria Rial, soprano; Raquel Andueza, soprano; Jordi Domenech, countertenor; Eligio Quinteiro, Renaissance guitar; Fernando Paz, recorders; Fahmi Alqhai, viola da gamba; Álvaro Garrido, percussion; José Miguel Moreno, vihuela y dir.
“Concerto do Século” é um título bastante presunçoso para esta gravação da celebração dos 85 anos (jubileu esquisito, né?) do Carnegie Hall em Nova York, e que eu comprei no Carrefour nos anos 90.
Os talentos reunidos talvez justifiquem a presunção: afinal, se hoje Leonard Bernstein, Isaac Stern, Yehudi Menuhin, Vladimir Horowitz, Slava Rostropovich e Dietrich Fischer-Dieskau provavelmente estão, entre uma piada e outra de Slava, a fazer música no Olimpo, no tempo em que eles repartiam conosco o ar pestilento do Hades era bem difícil vê-los repartindo um palco.
O repertório é um saco de gatos difícil de entender, cujo único critério de eleição, parece, era o da Roda da Fortuna. Talvez quisessem apenas achar pretextos para reunir o notável panteão musical e ganhar dinheiro com isso – a edição de luxo da gravação, por exemplo, limitada a mil exemplares e autografada pelos artistas, ainda pode trocar de mãos pela ninharia de duas mil e trezentas doletas.
Essa, no entanto, é uma questão que empalidece quando imaginamos o espetáculo sui generis que não deve ter sido assistir aos célebres instrumentistas cantando (!) o Hallelujah de Händel que encerra o festim musical. Não conseguimos, em momento algum, discernir suas vozes em meio ao coro e, por isso, provavelmente devamos à Oratorio Society e à Filarmônica de New York nossos efusivos agradecimentos.
Ver Horowitz soltando um dó de peito certamente foi uma das trombetas do Apocalipse, mas o fechamento meio bizarro do concerto não condiz com algumas das belezas nele contidas. Ok, o Concerto Duplo de Bach com Stern e Menuhin é decepcionante, meio cru e cheio de arestas, e também fica difícil entender por que o “Pater Noster” à capela de Tchaikovsky está ali, perdido entre Bach e Händel. No entanto, o “Pezzo Elegiaco” que abre o belo Trio em Lá menor de Tchaikovsky (com Stern, Horowitz e Rostropovich) e o Andante da Sonata para violoncelo e piano de Rachmaninov (com Rostropovich e Horowitz) são tão bons que a gente fica cá com os botões a se perguntar por que diachos deles foram tocados só excertos.
O ouro maciço, entretanto, está no MA-RA-VI-LHO-SO “Dichterliebe” de Schumann, na voz de seu maior intérprete, Dietrich Fischer-Dieskau, e com Horowitz ao piano. Não conseguiríamos tecer loas bastantes à maior voz do século XX, então concentramos nossos confetes sobre Horowitz, que não só acompanha impecavelmente como também acrescenta tensão e lirismo a momentos cruciais. Para mim, esta é disparadamente a melhor gravação que existe desta obra-prima do gênero, e tenho certeza de que, se fosse lançada separadamente e não escondida neste saco de gatos de pedigree, seria um sempiterno sucesso.
CONCERT OF THE CENTURY – CELEBRATING THE 85th ANNIVERSARY OF CARNEGIE HALL
Gravado ao vivo em 18 de maio de 1976
Ludwig van BEETHOVEN (1770-1827)
01 – Abertura “Leonore”, Op. 72a
New York Philarmonic Leonard Bernstein, regência
Pyotr Ilyich TCHAIKOVSKY (1840-1893)
02 – Trio em Lá menor para violino, piano e violoncelo, Op. 50 – Pezzo elegiaco
Isaac Stern, violino Vladimir Horowitz, piano Mstislav Rostropovich, violoncelo
Sergey Vasilyevich RACHMANINOV (1873-1943)
03 – Sonata em Sol menor para violoncelo e piano, Op. 19 – Andante
Mstislav Rostropovich, violoncelo Vladimir Horowitz, piano
Isaac Stern, Yehudi Menuhin, Vladimir Horowitz, Mstislav Rostropovich, Leonard Bernstein, Dietrich Fischer-Dieskau, vozes The Oratorio Society New York Philarmonic Leonard Bernstein, regência
Em seus mais de trinta anos regendo a Orquestra Gürzenich, de Colônia, Günter Wand construiu um repertório de centenas de peças de diferentes períodos históricos, incluindo música contemporânea. No entanto, neste período ele regeu apenas quatro das nove sinfonias de Bruckner. A Sétima foi a primeira, em 1949. Wand não teve pressa para introduzir as obras de Bruckner em seu repertório, mas tornou-se uma absoluta referência com suas muitas apresentações pelo mundo e pelas inúmeras gravações que deixou.
Há três principais registros da Sétima Sinfonia, certamente uma das que tem maior sucesso com o público. Em janeiro de 1980 ele fez uma gravação em estúdio com a Kölner Rundfunk-Sinfonie-Orchester, que foi lançada em LP pela harmonia mundi/EMI e posteriormente em CD. Esta gravação faz parte do ciclo completo agora na RCA e está postada aqui no blog.
Ao tornar-se diretor principal da NDR-Sinfonieorchester em Hamburgo, registrou a Sétima Sinfonia novamente. Esta gravação foi feita ao vivo em 1992 e foi lançada pelo selo RCA.
A gravação desta postagem é com a poderosa Berliner Philharmoniker, feita também ao vivo em novembro de 1999 e atinge limites sônicos e técnicos ainda mais altos do que as gravações anteriores. Além disso, conta com a emoção e energia extra de todos os envolvidos, devido a ocasião. O respeito e a admiração da orquestra para com o venerando maestro ficaram evidentes quando esta lhe conferiu, durante o Festival de Berlim de 1996, a Hans-von-Bülow-Medaille. Esta medalha é dada apenas em raras ocasiões e deve ser vista como sinal de gratidão da orquestra para o maestro, devido a muitos anos de frutífera cooperação.
Hans-von-Bülow-Medaille
A principal virtude destas gravações feitas por Wand e a Berliner Philharmoniker está no fato de eles conseguirem revelar a grandeza da arquitetura destas peças, assim como sua profunda espiritualidade (estamos diante de algo que nos eleva), sem deixar que a música perca sua fluidez nem que sua texture torne-se demasiadamente densa. Não deixe de dançar no Scherzo e aproveite todos os momentos do poderoso Adagio.
Não espere mais, baixe o arquivo e arranje tempo de qualidade para ouvir uma obra prima gravada por um time maravilhoso, liderado por alguém com a experiência de uma vida preparando-se para este momento. Entre nesta onda bruckneriana que estamos proporcionando. Bandanas com o logo “❤ Bruckner” serão distribuídas posteriormente…
Nesta overdose de Bach que lhes estou proporcionando trazendo as Cantatas, trago hoje outra overdose, desta vez com uma das principais intérpretes da atualidade do velho mestre, a violinista, professora e musicóloga francesa Amandine Beyer. Essa moça respira música barroca vinte e quatro horas por dia, sete dias por semana, trezentos e sessenta e cinco dias por ano. Todos os cds dela a que já tive acesso são de excepcional qualidade.
Serão quatro CDs dedicados ao violino, acompanhado por orquestra, por cravo, ou solo. Ou seja, para se fartar, no bom sentido é claro. E acompanhando-a, como sempre, temos o excelente conjunto Gli Incogniti, dirigido pela própria Amandine.
Coisa fina, para se ouvir à exaustão, sem temer excessos. Sempre que possível, ouçam com um bom fone de ouvido, relaxados, sentados em uma confortável poltrona e apreciando um bom vinho.
Vamos ao que viemos? Uma overdose de Bach nas mãos de uma de suas melhores intérpretes da atualidade.
CD 1
01. Concerto pour violon No. 1 in D Minor, BWV 1052 I. Allegro
02. Concerto pour violon No. 1 in D Minor, BWV 1052 II. Adagio
03. Concerto pour violon No. 1 in D Minor, BWV 1052 III. Allegro
04. Concerto pour violon No. 5 in G Minor, BWV 1056 I. Allegro
05. Concerto pour violon No. 5 in G Minor, BWV 1056 II. Largo
06. Concerto pour violon No. 5 in G Minor, BWV 1056 III. Presto
07. Concerto pour violon No. 2 in E Major, BWV 1042 I. Allegro
08. Concerto pour violon No. 2 in E Major, BWV 1042 II. Adagio
09. Concerto pour violon No. 2 in E Major, BWV 1042 III. Allegro assai
10. Concerto pour violon No. 1 in A Minor, BWV 1041 I. (Allegro moderato)
11. Concerto pour violon No. 1 in A Minor, BWV 1041 II. Andante
12. Concerto pour violon No. 1 in A Minor, BWV 1041 III. Allegro assai
1. Partita pour violon No. 1 in B Minor, BWV 1002 I. Allemanda
2. Partita pour violon No. 1 in B Minor, BWV 1002 II. Double
3. Partita pour violon No. 1 in B Minor, BWV 1002 III. Corrente
4. Partita pour violon No. 1 in B Minor, BWV 1002 IV. Double, presto
5. Partita pour violon No. 1 in B Minor, BWV 1002 V. Sarabande
6. Partita pour violon No. 1 in B Minor, BWV 1002 VI. Double
7. Partita pour violon No. 1 in B Minor, BWV 1002 VII. Tempo di borea
8. Partita pour violon No. 1 in B Minor, BWV 1002 VIII. Double
9. Sonata pour violon No. 2 in A Minor, BWV 1003 I. Grave
10. Sonata pour violon No. 2 in A Minor, BWV 1003 II. Fuga
11. Sonata pour violon No. 2 in A Minor, BWV 1003 III. Andante
12. Sonata pour violon No. 2 in A Minor, BWV 1003 IV. Allegro
13. Partita pour violon No. 2 in D Minor, BWV 1004 I. Allemanda
14. Partita pour violon No. 2 in D Minor, BWV 1004 II. Corrente
15. Partita pour violon No. 2 in D Minor, BWV 1004 III. Sarabanda
16. Partita pour violon No. 2 in D Minor, BWV 1004 IV. Giga
17. Partita pour violon No. 2 in D Minor, BWV 1004 V. Ciaccona
1. Sonata pour violon No. 3 in C Major, BWV 1005 I. Adagio
2. Sonata pour violon No. 3 in C Major, BWV 1005 II. Fuga
3. Sonata pour violon No. 3 in C Major, BWV 1005 III. Largo
4. Sonata pour violon No. 3 in C Major, BWV 1005 IV. Allegro assai
5. Sonata pour violon No. 1 in G Minor, BWV 1001 I. Adagio
6. Sonata pour violon No. 1 in G Minor, BWV 1001 II. Fuga, allegro
7. Sonata pour violon No. 1 in G Minor, BWV 1001 III. Siciliana
8. Sonata pour violon No. 1 in G Minor, BWV 1001 IV. Presto
9. Partita pour violon No. 3 in E Major, BWV 1006 I. Preludio
10. Partita pour violon No. 3 in E Major, BWV 1006 II. Loure
11. Partita pour violon No. 3 in E Major, BWV 1006 III. Gavotte en rondeaux
12. Partita pour violon No. 3 in E Major, BWV 1006 IV. Menuet I – Menuet II
13. Partita pour violon No. 3 in E Major, BWV 1006 V. Bourée
14. Partita pour violon No. 3 in E Major, BWV 1006 VI. Gigue
15. Sonata a violino solo senza basso I. —
16. Sonata a violino solo senza basso II. Allegro
17. Sonata a violino solo senza basso III. Giga
18. Sonata a violino solo senza basso IV. Variatione
1. Sonate in B-Flat Major, Wq. 77 I. Allegro di molto
2. Sonate in B-Flat Major, Wq. 77 II. Largo
3. Sonate in B-Flat Major, Wq. 77 III. Presto
4. Sonate in C Minor, Wq. 78 I. Allegro moderato
5. Sonate in C Minor, Wq. 78 II. Adagio ma non troppo
6. Sonate in C Minor, Wq. 78 III. Presto54. Sonate in G Minor, H 545 I. Allegro
7. Sonate in G Minor, H 545 II. Adagio56. Sonate in G Minor, H 545 III. Allegro
8. Sonate in B Minor, Wq. 76 I. Allegro moderato
9. Sonate in B Minor, Wq. 76 II. Poco andante
10. Sonate in B Minor, Wq. 76 III. Allegretto siciliano
Poucos músicos me impressionam tanto quanto Jordi Savall: sua extensa discografia parece não ter pontos baixos, e, mesmo quando ele flerta com tradições musicais distantes de suas praias gambísticas, barrocas e clássicas, os resultados são sensacionais.
Neste “Espírito da Armênia”, Savall mergulha na rica tradição musical de uma das mais antigas nações do mundo. A pequenina Armênia de hoje é apenas uma fração da Armênia histórica (que inclui partes da Turquia, Síria e Irã), e há mais armênios espalhados pelo mundo do que na combalida república rodeada de inimigos históricos. Seja nessa vasta diáspora que se seguiu ao horror do genocídio perpetrado por forças otomanas, ou no minúsculo e montanhoso país encravado no Cáucaso, a sobrevivência da cultura armênia é um impressionante caso de resiliência.
O sagrado Monte Ararat, visto da capital Yerevan. Símbolo onipresente da Armênia, da mitologia ao brasão de armas, ergue-se de forma imponente e melancólica desde… o território da arqui-inimiga Turquia (foto do autor)
A viela de Savall e os demais instrumentos do Hespèrion XXI harmonizam lindamente com suas contrapartes armênias, entre as quais destacam-se a zurna (instrumento de sopro de palheta dupla, semelhante a um oboé), o kamancheh (com três cordas de seda tocadas com arco) e, particularmente, o duduk, também de palheta dupla – uma palheta enorme, aliás – e belíssimo timbre pungente. Se vocês se lembram da abertura de “A Última Tentação de Cristo” de Martin Scorsese e do mesmerizante instrumento solista, então já escutaram um duduk.
A musicalidade de Savall, mais uma vez, dá amálgama a uma combinação improvável que, sob mãos menos sensíveis, daria chabu. O resultado é uma gravação poderosa e, graças às fartas doses de duduk, cala fundo no ouvinte.
Como tudo o que o catalão toca vira ouro, espero que desfrutem, amigos, mais este pomo de seu toque de Midas.
ESPRIT D’ARMÉNIE – ARMENIAN SPIRIT JORDI SAVALL
1 – Menk kadj tohmi (duduk, vielas, kamantcha, percussão)
2 – Akna krunk (duduks)
3 – Kani vur djan im (rabeca, duduk, viela e percussão)
4 – Chant et Danse (duduk e percussão)
5 – O’h intsh anush (vielas, duduk e percussão)
6 – Matshkal (duduks)
7 – Dun en glkhen (kamantcha)
8 – Garun a (vielas, duduk, percussão)
9 – Chants de mariage (duduks, kamantcha e percussão)
10 – Al aylukhs (duduk, kamantcha, vielas e percussão)
11 – Plainte: en sarer (duduks)
12 – Azat astvatsn & Ter kedzo (viela e percussão)
13 – Sirt im sasani (duduks)
14 – Hayastan yerkir (viola, duduk e órgão)
15 – Hey djan (duduks)
16 – Hov arek (duduk, vielas, percussão)
17 – Lamento : sev mut amper (duduks)
Haig Sarikouyoumdjian e Georgi Minassyan, duduks Gaguik Mouradian, kamantcha Hespèrion XXI Jordi Savall, viela, viola e regência
Muito me surpreenderei se James Ehnes não for um interessado em literatura, artes plásticas ou outro gênero de arte. É muito cultura envolvida, muito conhecimento e fineza de estilo, isso não vem apenas da música. Esta é a opinião de minha mulher, também uma violinista. Ehnes e o pianista Andrew Armstrong tocam juntos como só velhos parceiros de crime conseguem. Ambos fizeram notáveis gravações de Franck, Bartók, Strauss, Debussy e Elgar; agora eles se voltam para Beethoven com a mesma combinação de toque leve e clareza de ideias. Eles nunca precisam exagerar — tome a frase inicial da Kreutzer, a maneira impecavelmente eloquente com que o acorde de abertura toma-se de esplendor.
Este é o primeiro disco de sonatas de Beethoven gravado por James Ehnes e eu espero que ele e Armstrong sigam até gravar todas. O acoplamento da Kreutzer com a Op. 30/1 também é astuto, pois — poucos sabem disso — o Presto da Kreutzer era, originalmente, o movimento final do Op. 30/1.
Eles iniciam pela Kreutzer e seu movimento de abertura é incrivelmente bem tocado. Os silêncios são bem utilizados e os pizzicatos na casa dos 3min, a 6min31 e na casa dos 11 min estão suficientemente presentes. Os momentos finais são levados com extrema classe, reduzindo a dinâmica e o ritmo antes da explosão final.
Eles são um pouco mais lentos no Andante do que, por exemplo, Dumay e Pires ou Faust e Melnikov, mas assim que as variações começam, a coisa decola lindamente. Ibragimova e Tiberghien formam um dupla capaz de enfrentar Ehnes e seu parceiro, mas estes são muito mais atraentes no finale, mesmo sem deixar de lado a delicadeza.
A Op 30 nº 1 vem de um outro mundo. A abertura se desenrola muito bem. Faust e Melnikov parecem melhores, mas… Ehnes e Armstrong são arrebatadores no movimento lento, verdadeiramente molto espressivo, enquanto uma sensação de diversão fica latente, colocando o selo de IMPERDÍVEL à já notável discografia de Ehnes e Armstrong.
Ludwig van Beethoven (1770-1827): Violin Sonatas Nos.6 & 9 ‘Kreutzer’
Violin Sonata No.9 in A op.47 ‘Kreutzer’
1 Adagio sostenuto 13min43
2 Andante con variazioni 16min07
3 Finale: Presto 8min23
Violin Sonata No.6 in A op.30/1
4 Allegro 7min54
5 Adagio molto espressivo 7min23
6 Allegretto con variazioni 8min16
Vou fazer esta postagem a toque de caixa, por exigência do grão mestre PQPBach que estava nervoso por vê-la parada lá nos rascunhos do WordPress. Insistiu que eu a preparasse o quanto antes.
Pois bem, eis dois extraordinários CDs deste extraordionário violinista, que a cada lançamento nos surpreende ainda mais. O ‘Jascha Heifetz’ do século XXI, de acordo com alguns críticos.
Exageros ou não a parte, os senhores podem ter certeza de que estas obras de Bártok estão em ótimas mãos. A cumplicidade entre Ehnes e o pianista Andrew Armstrong foi se formando com o correr dos anos, os dois já gravaram outros cds juntos. Um conhece muito bem o outro. e em se tratando de Bártok, volto a repetir, a coisa funciona muito bem. Não vou perder muito tempo aqui, o booklet vai em anexo, assim os senhores podem saber a história de cada uma destas peças.
Divirtam-se.
Volume 1
01. Rhapsody No.1, BB 94a – I. (‘Lassu’) Moderato –
02. Rhapsody No.1, BB 94a – II. (‘Friss’) Allegretto moderato
03. Rhapsody No.1, BB 94a – [Agitato]
04. Sonata No.2 in C major, BB 85 – I. Molto moderato –
05. Sonata No.2 in C major, BB 85 – II. Allegretto
06. Rhapsody No.2, BB 96a – I. (‘Lassu’) Moderato –
07. Rhapsody No.2, BB 96a – II. (‘Friss’) Allegro moderato
08. Sonata No.1 in C sharp minor, BB 84 – I. Allegro Appassionato
09. Sonata No.1 in C sharp minor, BB 84 – II. Adagio
10. Sonata No.1 in C sharp minor, BB 84 – III. Allegro
11. Andante in A major, BB 26b
12. Alternative ending for Part II of Rhapsody No.1 – Accelerando – A tempo
13. Alternative ending for Part II of Rhapsody No.1 – [Agitato]
Volume 2
01. Sonata for solo violin, BB 124 – I. Tempo di ciaccona
02. Sonata for solo violin, BB 124 – II. Fuga
03. Sonata for solo violin, BB 124 – III. Melodia
04. Sonata for solo violin, BB 124 – IV. Presto
05. Sonata in E minor, BB 28 – I. Allegro moderato (molto rubato)
06. Sonata in E minor, BB 28 – II. Andante
07. Sonata in E minor, BB 28 – III. Vivace
08. Hungarian Folksongs, BB 109 – I. Book II No. 34 –
09. Hungarian Folksongs, BB 109 – I. Book II No. 36 –
10. Hungarian Folksongs, BB 109 – I. Book I No. 17 –
11. Hungarian Folksongs, BB 109 – I. Book II No. 31
12. Hungarian Folksongs, BB 109 – II. Book I No. 16 –
13. Hungarian Folksongs, BB 109 – II. Book I No. 14 –
14. Hungarian Folksongs, BB 109 – II. Book I No. 19 –
15. Hungarian Folksongs, BB 109 – II. Book I No. 8 –
16. Hungarian Folksongs, BB 109 – II. Book I No. 21
17. Hungarian Folk Tunes – I. Book II No. 28 –
18. Hungarian Folk Tunes – I. Book I No. 18 -19. Hungarian Folk Tunes – I. Book II No. 42
20. Hungarian Folk Tunes – II. Book II No. 3 –
21. Hungarian Folk Tunes – II. Book I No. 6 –
22. Hungarian Folk Tunes – III. Book I No. 13 –
23. Hungarian Folk Tunes – III. Book II No. 38
24. Romanian Folk Dances – I. Allegro moderato
25. Romanian Folk Dances – II. Allegro
26. Romanian Folk Dances – III. Andante
27. Romanian Folk Dances – IV. Molto moderato
28. Romanian Folk Dances – V. Allegro
29. Romanian Folk Dances – VI. Allegro
Os antipianistas que me perdoem e que voltem noutro dia: hoje, mais uma vez, é dia de Chopin.
Tiete irremediável que dele sou, um verdadeiro “chopinete” com devoção quase patológica ao polonês genial, não foi à toa que o escolhi para minha estreia neste blogue, que ocorreu com duas postagensmamúticas do que eu afirmava ser a obra integral do polonês em instrumentos de época.
Sim, afirmava.
Sim, pretérito imperfeito.
ooOoo
Por algum motivo, não encontraram espaço naquela caixa de 21 CDs para estas transcrições dos concertos de Chopin para piano e quinteto de cordas. Ou talvez exista, sim, um bom motivo: o arranjo não é da lavra do próprio Chopin, mas de um certo Richard Hofmann, sobre o qual nada mais descobri, exceto o nome no frontispício da primeira edição do Concerto em Mi menor.
Ali, bem borradinho, no rodapé. Note-se o “avec Accompagnement d’Orchestre ou de Quintuor ad libitum” (“com acompanhamento de orquestra ou de quinteto, a bel-prazer”)
Tais arranjos eram muito populares naqueles tempos em que havia poucas orquestras profissionais, o que tornava os ensaios orquestrais muito dispendiosos. Ademais, ajudavam a popularizar a obra, libertando-a das salas de concertos e permitindo sua execução mesmo em domicílios ou nos salões aristocráticos notoriamente preferidos por Chopin.
Aqueles que não conseguem deglutir o que chamam de orquestração inepta de Chopin talvez apreciem seus Concertos nesta roupagem camerística, em que o pianista não só se exibe nos complicados solos, mas também assume algumas partes originalmente delegadas à orquestra, notoriamente aquelas das madeiras. A pianista Janina Fiałkowska pega leve nos fortes e fortissimos na parte solista e, assim, ajuda a preservar o caráter camerístico dos arranjos – que, se não chegam a se tornar sextetos com piano, pelo menos deixam estas muito conhecidas obras respirarem ar fresco.
FRYDERYK FRANCISZEK CHOPIN (1810-1849) CONCERTOS PARA PIANO EM VERSÃO DE CÂMARA Arranjos para piano e quinteto de cordas: Richard Hofmann
Compor quartetos de cordas em Viena, depois de Haydn e Mozart, e nos dias de Beethoven, não era tarefa fácil. Apesar disso, Schubert deixou quinze quartetos de cordas e iniciou a composição de mais alguns, mas a maioria deles são peças para uso quase doméstico, para serem tocados com os amigos. No entanto, em dezembro de 1820 compôs um movimento para quarteto de cordas que é conhecido agora como seu Quarteto No. 12, o Quartettsatz (Satz = movimento). Essa peça iniciou uma nova fase de produção de obras de altíssima qualidade. Ele comporia mais três quartetos, obras primas, com os quais pretendia pavimentar seu caminho em direção às grandes sinfonias. Alas! Modesto Schubert!
Franz Schubert
Este disco contêm os dois quartetos que se seguiram e faziam parte de um planejado conjunto de três a serem dedicados ao violinista Ignaz Schuppanzigh, que estreou vários quartetos de Beethoven. O terceiro quarteto planejado não se materializou, mas estes dois que foram terminados são obras maravilhosas. Estes quartetos foram compostos em 1824. O último quarteto de Schubert, em sol maior, D. 887, foi composto em junho de 1826.
O que as obras deste disco têm em comum é o fato de que seus movimentos lentos são baseados em material e temas usados em obras anteriores.
O quarteto que abre esse disco deve seu apelido, Der Tod und das Mädchen – A Morte e a Donzela, ao tema do movimento lento, emprestado de um Lied com este nome, composto alguns anos antes. Este movimento contém um conjunto de cinco variações e uma coda e apresenta a morte como uma figura confortadora. Segure a minha mão… diz a indesejada das gentes. Mas a figura da morte também é aludida nos outros movimentos, mas não da forma confortadora. Os outros movimentos estão mais para o Erlkönig, da morte impiedosa.
O movimento lento do outro quarteto foi transcrito da música incidental do terceiro entreato da peça Rosamunde. Mesmo sem completar o conjunto de três quartetos, o Rosamunde foi dedicado à Schuppanzigh, que foi o primeiro violino na sua estreia em 14 de março de 1824.
Conta-se que Schubert teria feito a um amigo a pergunta: Você conhece alguma música alegre? E teria acrescentado: Pois eu não! Se olharmos para as duas obras deste disco poderemos entender o sentido da anedota. Na mesma proporção que o primeiro quarteto é dramático, o segundo é melancólico. Encontrar a medida certa para realizar as propostas das peças é o desafio para os intérpretes. O experiente Endellion String Quartet, com a cooperação do produtor Misha Donat, passa fácil por esta prova e nos brinda com um disco adorável.
Franz Schubert (1797 – 1828)
Quarteto de Cordas No. 14 em ré menor, D 810 – Der Tod und das Mädchen
Um dos mais célebres concertos da história da Filarmônica de Nova York (e que o encarte chama de “infame”) foi o que aconteceu na noite de 6 de abril de 1962, cuja gravação agora lhes apresento.
Os músicos envolvidos eram estrelas da gravadora Columbia e surfavam em sucessos estrondosos: o regente Leonard Bernstein, nas ondas de “West Side Story”, que chegara ao cinema no ano anterior; e o pianista canadense Glenn Gould, ainda no maremoto causado por sua gravação de estreia das Variações Goldberg, sete anos antes, embora já granjeasse a reputação de excentricidade que só cresceria no decorrer dos vinte anos que lhe restariam de vida.
Bernstein e Gould já tinham colaborado algumas vezes, tanto em palcos quanto em estúdios, sem maiores dificuldades. Durante os ensaios do Concerto de Brahms, entretanto, ficou claro que as concepções de ambos para a obra eram radicalmente diferentes. Gould, célebre pelas liberdades que tomava em relação às partituras (em especial nos andamentos, articulação e dinâmica – i.e., quase tudo, exceto as notas!), escolhera uma abordagem lenta e ruminativa, enfatizando o contraponto. Bernstein, mais afeito a obedecer as indicações do compositor, acedeu. Não obstante, com a orquestra a postos, entrou sozinho no palco e, subindo ao pódio, sentiu obrigado a eximir-se da responsabilidade em relação ao que se iria ouvir:
“Não se apavorem, o Sr. Gould está aqui [risadas da plateia – Gould era famoso pelos cancelamentos de última hora, e de tal forma que a orquestra já preparara a Sinfonia no. 1 de Brahms para o caso dele não aparecer]. Ele aparecerá num instante. Não tenho, ahn, como vocês sabem, o hábito de falar em qualquer concerto, exceto os das quintas à noite, mas uma situação curiosa surgiu, que merece, penso eu, uma ou duas palavras. Vocês estão prestes a ouvir uma, digamos, interpretação bastante inortodoxa do Concerto em Ré menor de Brahms, uma interpretação distintamente diferente de qualquer outra que eu já escutei, ou até mesmo, diria, sonhei, em seus andamentos notavelmente vagarosos e frequentes abandonos das indicações dinâmicas de Brahms. Não posso dizer que estou totalmente de acordo com a concepção do Sr. Gould, e isso traz a interessante pergunta: ‘por que a estou regendo?’. Eu estou regendo porque o Sr. Gould é um artista tão capaz e sério que eu tenho que levar a sério tudo aquilo que ele concebe em boa fé, e sua concepção é interessante o bastante para eu achar que vocês também a devem ouvir.
Mas a velha pergunta permanece: ‘num concerto, quem é o chefe: o solista ou o regente?’. A resposta, claro, é às vezes um, às vezes o outro, dependendo das pessoas envolvidas. Mas quase sempre os dois conseguem se entender por persuasão, charme ou mesmo ameaças para chegarem a uma interpretação coerente. Só uma vez antes na vida eu tive que me submeter à concepção totalmente nova e incompatível de um solista, e isso foi da última vez que acompanhei o Sr. Gould [gargalhadas da plateia]. Mas dessa vez as discrepâncias em nossos entendimentos são tão grandes que achei que tinha que fazer esta breve ressalva. Então por que, para repetir a pergunta, estou regendo? Por que não faço um pequeno escândalo – conseguir um solista substituto, ou mandar o regente assistente conduzir? Porque estou fascinado, feliz com a oportunidade de um novo olhar sobre esta obra muito executada. Porque, ainda mais, há momentos na interpretação do Sr. Gould que emergem com frescor e convicção surpreendentes. Em terceiro lugar, porque todos nós podemos aprender algo com este extraordinário artista, que é um intérprete pensante, e finalmente porque há na música aquilo que Dimitri Mitropoulos costumava chamar de “elemento esportivo”, aquele toque de curiosidade, aventura, experimentação, e posso assegurar-lhes que tem sido uma aventura colaborar com o Sr. Gould neste Concerto de Brahms ao longo dessa semana, e é nesse espírito de aventura que nós agora o apresentamos a vocês” [minha tradução livre]
O comentário de Bernstein e a interpretação de Gould, claro, causaram um pequeno escândalo. Os críticos detonaram ambos, e a gravação da transmissão radiofônica circulou durante décadas em cópias piratas, até ser lançada oficialmente (e com qualidade de gravação pirata) pela Sony em 1998, incluindo o controverso pronunciamento de Bernstein.
Houve até quem atribuísse à controvérsia com Bernstein a decisão posterior de Gould de abandonar para sempre as apresentações ao vivo e concentrar-se em gravações de estúdio. Não é, entretanto, o que ele deixa entender na entrevista que deu a um radialista, anos depois, e que também está incluída no álbum. Não tenho como transcrever tudo o que Gould, um notório tagarela, falou, mas ele essencialmente corrobora a atitude de Bernstein e declara ter problemas com a dualidade masculino/feminino do concerto como forma musical – posição que o levaria, no restante da carreira, a preferir gravar obras para piano solo e música de câmara.
Sobre a gravação em si, já falei que a qualidade do som é medonha: tem-se a impressão de que os microfones preferiram captar a sinfonia tísica da plateia, que não para de botar os bofes para fora, ao piano de Gould, que parece tocar das coxias. Os andamentos são de fato muito lentos, mas me parece haver um gradual accelerando ao longo dos movimentos, em especial no Maestoso. O mais interessante é que as gravações posteriores de Bernstein (como aquela que ele faria com Krystian Zimerman) duram quase tanto quanto a que ele fez com Gould, o que nos faz concluir que, talvez, o solista tenha vencido o embate contra o regente.
É bem provável que vocês, acostumados a Gilels, Zimerman e Pollini, detestem a interpretação de Gould. Para mim, ela foi um gosto adquirido: eu também já a detestei, mas sua leitura heterodoxa é hoje uma de minhas favoritas.
Johannes BRAHMS (1833-1897)
Concerto para piano e orquestra no. 1 em Ré menor, Op. 15
01 – Introdução de Leonard Bernstein
02 – Concerto Op. 15 – Maestoso
03 – Concerto Op. 15 – Adagio
04 – Concerto Op. 15 – Rondo – Allegro non troppo
05 – Trecho de entrevista de Glenn Gould ao radialista James Fassett (1967)
Glenn Gould, piano New York Philarmonic Leonard Bernstein, regência
Gravado no Carnegie Hall, Nova York, em 6 de abril de 1962.
Este é certamente um dos principais CDs lançados em 2019. Muito se falará dele, ainda mais se considerarmos que são versões EXTREMAMENTE LIVRES E ESPONTÂNEAS das Toccatas para Cravo de Bach. Elas são, ao lado das Goldberg, das Partitas e das Trio Sonatas para Órgão, minhas peças preferidas para teclado solo de papai.
Esfahani está correto. As Toccatas serviam para que os cravistas demonstrassem, além da música, suas habilidades. Nós jamais saberemos exatamente quão livres eram as versões dos cravistas da época, mas podemos ver que Esfahani se esbalda em liberdade. Sua versão é decididamente improvisada, se considerarmos o que temos ouvido. Mas também é alta e decididamente convincente.
As sete Toccatas de Bach são obras da juventude de Bach. O jovem compositor desejava liberdade expressiva, obviamente. Seria necessário um duro trabalho de detetive para tratar de questões de ornamentação e fraseado, cor e clareza, que papai esperaria que variassem de acordo com o gosto do executante. Esfahani, que explica a complexa história das peças em um ensaio detalhado no CD, fez sua própria versão e revela para nós que nessas músicas há mistérios que talvez nunca suspeitássemos.
Você tem duas opções. Ouvir ou ouvir.
J. S. Bach (1685-1750): As Toccatas (completo)
1 Toccata in F sharp minor BWV910 [11’14]
2 Toccata in C minor BWV911 [12’05]
3 Toccata in D major BWV912 [12’33]
4 Toccata in D minor BWV913 [14’22]
5 Toccata in E minor BWV914 [8’04]
6 Toccata in G minor BWV915 [10’08]
7 Toccata in G major BWV916 [8’28]
Enquanto vocês estão a me ler, eu estou a caminho do Congo, onde deverei passar uma boa parte das próximas semanas.
![Paul is not dead: celebrando a vida de Paul Badura-Skoda (A Man and His Music – Young and Curious [1941-46])](https://pqpbach.ars.blog.br/wp-content/uploads/2019/09/Badura-CD1-Inner-960x880.jpg)
Há dois dias, algumas postagens em minhas redes sociais deram conta do desaparecimento, aos 91 anos, do grande Paul Badura-Skoda, o subdecano dos pianistas (pois o decano é, sem dúvidas, o incansável 
