Markku Luolajan-Mikkola é um homem de técnica, sensibilidade e coragem. Simplificou os trechos que eram absolutamente impossíveis para o violoncelo, deixou a coisa mais lenta que o habitual, alterou as tonalidades e foi em frente, gravando as Sonatas e Partitas de Bach, originalmente escritas para o leve violino. É uma gravação estranha e maravilhosa. Os tempos das performances de Luolajan-Mikkola são os mais lentos que eu já ouvi. Mas não pense que tudo é uniformemente lento. A Chacona, por exemplo, dura cerca de 15 minutos, o que é a duração comum em violino. Markku Luolajan-Mikkola é um músico sensível e escrupuloso. Trata-se de um mestre de uma série de instrumentos de cordas. Aqui, ele toca um violoncelo barroco feito por Barak Norman em Londres por volta de 1700. O som é impressionante — rústico e forte, muito ressonante. A ideia maluca de transcrever do violino solo de Bach para o violoncelo não é nova, parece ter nascido com o próprio autor. Existem manuscritos do século 19 com tentativas de transcrições e, de acordo com Johann Friedrich Agricola, o próprio compositor costumava improvisar essas peças ao cravo, violoncelo e órgão. A transcrição de Luolajan-Mikkola é muito fiel ao original. Ele afirmou que os abusos eram absolutamente desnecessários, pois a idiomática para todos os instrumentos de cordas é a mesma…
OK. Divirtam-se com o finlandês. É um país incrível. A Finlândia e a Estônia são para a música clássica assim como a Irlanda está para a literatura. Há uma desproporção notável entre o tamanho da população e a excelência artística.
J.S. Bach (1685-1750): Sonatas & Partitas para Violino, BWV 1001-1006, arranjadas para Violoncelo
Disc 1:
Violin Partita No. 2 in D Minor, BWV 1004 (Arr. in G Minor for Cello):
1 I. Allemanda 4:42
2 II. Corrente 3:09
3 III. Sarabanda 4:16
4 IV. Gigue 4:29
5 V. Ciaccona 15:15
Violin Sonata No. 2 in A Minor, BWV 1003 (Arr. in D Minor for Cello):
6 I. Grave 3:43
7 II. Fugue 10:38
8 III. Andante 5:13
9 IV. Allegro 7:02
Violin Partita No. 3 in E Major, BWV 1006 (Arr. in A Major for Cello):
10 I. Preludio 4:47
11 II. Loure 4:22
12 III. Gavotte en rondeau 3:15
13 IV. Menuets I & II 4:54
14 V. Bourrée 1:40
15 VI. Gigue 2:09
Disc 2
Violin Partita No. 1 in B Minor, BWV 1002 (Arr. in E Minor for Cello):
1 I. Allemanda 5:31
2 II. Double 3:56
3 III. Corrente 4:13
4 IV. Double. Presto 3:53
5 V. Sarabanda 4:59
6 VI. Double 3:22
7 VII. Tempo di bourrée 3:54
8 VIII. Double 4:13
Violin Sonata No. 1 in G Minor, BWV 1001 (Arr. in C Minor for Cello):
9 I. Adagio 4:05
10 II. Fugue. Allegro 6:47
11 III. Siciliana 3:27
12 IV. Presto 4:10
Violin Sonata No. 3 in C Major, BWV 1005 (Arr. in F Major for Cello):
13 I. Adagio 4:28
14 II. Fugue 12:41
15 III. Largo 2:57
16 IV. Allegro assai 5:34
Neste belíssimo CD o jovem pianista Jean Rondeau mostra a genialidade da família Bach quando se tratava de concertos para teclado.
O CD começa com a obra imortal de nosso Johann Sebastian, com seu concerto nº 1, BWV 1052, o meu favorito, e creio que também seja de bastante gente. Depois temos obras dos irmãos Wilhelm e Carl Phillip, mostrando que talento também vem de berço.
Apesar de jovem, Jean Rondeau já é um nome conhecido, com outros dois CDs já lançados. Sugiro ouvirem este CD para melhor apreciarem o talento desta nova geração. Ouçam o último movimento do BWV 1052 para poderem entender o que digo. Rondeau tira de letra as armadilhas da obra, que exige muita concentração, técnica e virtuosismo. O rapaz tem futuro.
P.S. Não consegui nem no site da Erato o nome do grupo orquestral que o acompanha, apenas os nomes dos músicos. Se alguém tiver alguma informação, agradeço.
Johann Sebastian Bach, W. F. Bach & C.P.E. Bach: Dinasty Bach Family Concertos – Jean Rondeau
Johann Sebastian Bach
01. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 1 in D Minor, BWV 1052- I. Allegro
02. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 1 in D Minor, BWV 1052- II. Adagio
03. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 1 in D Minor, BWV 1052- III. Allegro
Johann Christian Bach
04. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 6 in F Minor, W. C73 (formerly attrib. W. F. Bach)- I. Allegro di molto
05. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 6 in F Minor, W. C73 (formerly attrib. W. F. Bach)- II. Andante
06. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 6 in F Minor, W. C73 (formerly attrib. W. F. Bach)- III. Prestissimo
Wilhelm Friedemann Bach
07. Jean Rondeau – Keyboard Sonata in G Major, F. 7- II. Lamento
Johann Sebastian Bach
08. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 5 in F Minor, BWV 1056- I. Allegro
09. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 5 in F Minor, BWV 1056- II. Largo
10. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 5 in F Minor, BWV 1056- III. Presto
Carl Philipp Emanuel Bach
11. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto in D Minor, H. 427- I. Allegro
12. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto in D Minor, H. 427- II. Poco andante
13. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto in D Minor, H. 427- III. Allegro assai
Johann Sebastian Bach
14. Jean Rondeau – Harpsichord Concerto No. 4 in A Major, BWV 1055- II. Larghetto
A brasileira de olhos ébrios de música e a sorte de um LP que sobreviveu à ditadura
Nestes tempos em que o Brasil parece repetir 1964 como farsa, o meu patriotismo tem encontrado apenas um refúgio inabalável: uma brasileira com os olhos ‘ébrios da música’ e aquele poder de isolar-se de tudo que a cerca – faculdade raríssima – que é a marca bem característica do artista. É assim que Debussy descreveu Guiomar Novaes quando ela tinha 13 anos. Mais de 60 anos depois, ela gravou seu segundo LP com música de Debussy*, e se trata de uma intérprete ideal, não só por ter conhecido o compositor quando estudou em Paris**, mas também pelo estilo de Guiomar, de toque delicado, cuidadoso, às vezes forte mas nunca percussivo, considerado “feminino” naquela época distante em que mulheres deviam ser belas, recatadas e do lar.
O senso comum diz que esse toque feminino não deveria tocar as obras musculosas e diabólicas de Liszt, não é? Pois o senso comum mundial se rendeu a Guiomar. Segundo o American Record Guide, 1962:
“O surpreendente, e que vale à pena gritar do alto dos telhados, é que, pela primeira vez em quarenta anos, Novaes registrou aqui algumas de suas incomparáveis interpretações de Liszt. Sua performance na Dança dos Gnomos é tão brilhante e ritmicamente intoxicante quanto a de Emil von Sauer em um clássico 78 r.p.m., e sua 10ª Rapsódia está no nível da gravação histórica de Paderewski. É fácil entender por que no início do século ela foi apelidada a Paderewska dos Pampas***.”
Falar de Guiomar tocando Chopin é chover no molhado, pois as gravações completas dos Noturnos, Estudos, Valsas, Prelúdios, Concertos e de algumas preciosas Mazurkas estão por aí em LPs, CDs, youtube, no PQPBach, muito mais disponíveis do que este raro LP, o único de Guiomar pela Decca, e que nunca nem se cogitou lançar em CD.
O áudio que eu trago vem de um LP de família, e aqui começam as suposições, pois se mal conhecemos as histórias de parentes perseguidos nos anos de chumbo, o que dizer de um mero LP? Meus avós compraram este vinil importado por volta de 1963-64, devem ter ouvido poucas vezes e ele ficou no fundo de um armário carioca por décadas. No Brasil, um armário que dura décadas precisa de uma dose de sorte: um irmão de vovó teve a casa incendiada pelo regime militar. Se tivessem incendiado a casa dela (e foi por pouco que não), o LP viraria fumaça. Uma coisa é certa: a música sobreviveu.
* O primeiro, com os Prelúdios Livro I, em mono, tem qualidade de som bastante inferior
** O professor dela em Paris, Isidor Phillip, foi o amigo que dava a Debussy “conselhos de notação para que os pianistas pudessem entender melhor suas nuances e approach. Após considerável deliberação, ambos decidiram que quase nenhuma marca de pedal deveria ser usada” (wikipedia)
*** Pelo crítico James Huneker, biógrafo de Chopin e Liszt, que entendia mais de música do que de geografia
Guiomar Novaes Plays Chopin, Liszt, Debussy
Decca LP, circa 1962
A1. Barcarolle Op. 60 (Chopin)
A2. Les collines d’Anacapri (Preludes – Book 1) (Debussy)
A3. Soirée dans Grenade (Estampes) (Debussy)
A4. Poissons d’or (Images) (Debussy)
A5. Minstrels (Preludes – Book 1) (Debussy)
B1. Waldesrauschen (Forest Murmurs) (Liszt)
B2. Gnomenreigen (Dance of the Gnomes) (Liszt)
B3. Liebestraume No. 3 in A flat (Liszt)
B4. Valse oubliée no. 1 (Liszt)
B5. Hungarian Rhapsody no. 10 (”Preludio”) (Liszt)
Guiomar Novaes, piano
Títulos em português: Barcarola (Chopin) / As colinas de Anacapri, Noite em Granada, Peixes de ouro, Menestréis (Debussy) / Murmúrios da floresta, Dança dos Gnomos, Sonhos de amor, Valsa esquecida, Rapsódia húngara (Liszt)
A Orquestra Filarmônica de Berlim tem uma curiosa história recente. Com Herbert von Karajan tinha glamour, grana e resultados artísticos quase sempre de segunda linha. Melhorou muito com Abbado e Rattle, mas perdeu a grande fama, em boa parte ancorada pelas copiosas gravações de HvK para a DG. Só que, mesmo na época de baixaria artística, quando se apresentava com regentes convidados, destes que chegam para cumprir alguns concertos e vão embora, a orquestra arrasava. Por exemplo, quando pegou um gênio como Günter Wand, rendeu como nunca. Esta é uma gravação ao vivo que comprova o fato.
As duas sinfonias finais de Schubert estão translúcidas, claras e absolutamente cantantes. O velhinho Wand deu um jeito de iluminar as partituras como raramente se vê. Coisa de louco.
Franz Schubert (1797-1828): Sinfonias Nº 8 “Inacabada” e 9 “A Grande”
CD1
1. Sinfonie Nr. 8 h-moll Symphony No.8 B Minor ‘Unvollendete – Unfinished’ D 759: Allegro moderato
2. Sinfonie Nr. 8 h-moll Symphony No.8 B Minor ‘Unvollendete – Unfinished’ D 759: Andante con moto
CD2
3. Symphony No. 9 C Major ‘The Great’ D 944: Andante – Allegro ma non troppo
4. Symphony No. 9 C Major ‘The Great’ D 944: Andante con moto
5. Symphony No. 9 C Major ‘The Great’ D 944: Scherzo: Allegro vivace
6. Symphony No. 9 C Major ‘The Great’ D 944: Finale: Allegro vivace
As “Baladas” de Chopin estão entre as peças para piano favoritas de muita gente, inclusive deste que vos escreve. Cada compasso, cada nota traz uma explosão de cores, sentimentos e por que não dizer, dores. Chopin conseguiu extrair de seu piano uma torrente de emoções como poucas vezes se viu, ou ouviu, na história da música.
Beethoven escreveu uma Sonata que intitulou “Patética”, Tchaikovsky escreveu uma sinfonia que também levava essa alcunha, eu diria que diversas obras de Chopin poderiam ser enquadradas neste adjetivo, se seguirmos à risca o conceito deste termo no Dicionário Aurélio:
“Adj. Que comove a alma, despertando um sentimento de piedade ou tristeza, que revela forte emoção.”
Aí reside outro ponto que discuti dia destes quando levantei a questão do gênio. Um gênio como o de Chopin conseguiu extrair: “altíssimo grau de capacidade mental criadora.” E quando um gênio do porte de Arthur Rubinstein senta-se ao piano, sua genialidade, aliada à genialidade chopiniana, consegue como poucos elevar essa capacidade mental criadora à enésima potência. Coisa de louco.
Não, não esqueci dos “Scherzos”. Como esquecer do nº 2, talvez a primeira peça de Chopin que eu tenha ouvido na minha vida, em um velho LP com a maravilhosa Bella Davidovitch estraçalhando seu piano? A sensação de soco no estômago, ou como dizia um amigo, de secura na boca do estômago, deixa-nos prostados diante de tal enormidade de sensações que a obra transmite.
Chega de papo furado e vamos ao que interessa.
01 – Ballade No. 1, Opus 23. Largo – Moderato in G minor
02 – Ballade No. 2, Opus 38. Andantino in F major
03 – Ballade No. 3, Opus 47. Allegretto in A-flat major
04 – Ballade No. 4, Opus 52. Andante con moto in F minor
05 – Scherzo No. 1, Opus 20. Presto con fuoco in B minor
06 – Scherzo No. 2, Opus 31. Presto in B-flat minor
07 – Scherzo No. 3, Opus 39. Presto con fuoco in C-sharp minor
08 – Scherzo No. 4, Opus 54. Presto in E major
09 – Tarantelle, Opus 43. Presto in A-flat major
Brahms, em sua furiosa autoexigência, não costumava errar. Publicar porcaria não era com ele, isso desde o início de sua carreira. Claro, que em suas Sonatas Completas, todas escritas na juventude, havia uma grandiloquência que ele não manteve, mas, pô, que belos exemplos de pianística romântica temos aqui! Muito influenciadas por Schumann, elas têm a característica de serem longas e muito difíceis, especialmente a terceira, uma das peças da minha mais absoluta preferência. Ela é uma das maiores sonatas pós-Beethoven já compostas. Em tamanho e qualidade. Eu também gosto da #1 e #2. Adoro o movimento final da sonata #1. A #2 é mais fácil que a #3, mas não pense que é muito mais. Digamos que fique no nível das Variações sobre um Tema de Paganini. Ou seja… E o Andante da terceira, que coisa linda! Curiosamente, estas Sonatas são negligenciadas. Talvez por suas enormes proporções. Mas é uma injustiça do cão.
O trabalho de François-Frédéric Guy é estupendo, cheio de técnica, senso de estilo romântico e compreensão.
Johannes Brahms (1833-1897): Complete Piano Sonatas
Disc 1:
1 Piano Sonata No. 2 in F-Sharp Minor, Op. 2: I. Allegro non troppo (Ma energico) 6:06
2 Piano Sonata No. 2 in F-Sharp Minor, Op. 2: II. Andante con espressione 5:24
3 Piano Sonata No. 2 in F-Sharp Minor, Op. 2: III. Scherzo (Allegro) 3:57
4 Piano Sonata No. 2 in F-Sharp Minor, Op. 2: IV. Finale (Sostenuto – Allegro non troppo e rubato) 11:44
5 Piano Sonata No. 1 in C Major, Op. 1: I. Allegro 11:37
6 Piano Sonata No. 1 in C Major, Op. 1: II. Andante 5:47
7 Piano Sonata No. 1 in C Major, Op. 1: III. Scherzo (Allegro molto e con fuoco) 5:58
8 Piano Sonata No. 1 in C Major, Op. 1: IV. Finale (Allegro con fuoco) 7:10
Disc 2
1 Piano Sonata No. 3 in F Minor, Op. 5: I. Allegro maestoso 10:34
2 Piano Sonata No. 3 in F Minor, Op. 5: II. Andante (Andante espressivo) 11:31
3 Piano Sonata No. 3 in F Minor, Op. 5: III. Scherzo (Allegro energico) 4:39
4 Piano Sonata No. 3 in F Minor, Op. 5: IV. Intermezzo (Andante molto) 3:32
5 Piano Sonata No. 3 in F Minor, Op. 5: V. Finale (Allegro moderato ma rubato) 7:40
A solene, complexa e majestosa música de Anton Bruckner por um de seus maiores especialistas, Bernard Haitink. São 57 impecáveis minutos de um gravação ao vivo. Vamos falar sério: Bernard Haitink é sem dúvida o grande maestro de Bruckner em nosso tempo. Já octogenário, suas leituras da obra bruckneriana tornaram-se ainda mais profundas, poderosas e intelectuais. Esta sexta, recentemente gravada, é um exemplo perfeito: é uma gravação de referência como as de Celibidache, Klemperer e Wand. Esta é a melhor sexta desde a célebre gravação de Wand, também ao vivo, com a orquestra NDR. Uma recomendação absoluta.
Anton Bruckner (1824-1896): Symphony No. 6
1. Symphony No. 6 in A Major, WAB 106 (ed. R. Haas): I. Maestoso 15:57
2. Symphony No. 6 in A Major, WAB 106 (ed. R. Haas): II. Adagio. Sehr feierlich 17:19
3. Symphony No. 6 in A Major, WAB 106 (ed. R. Haas): III. Scherzo – Trio 8:36
4. Symphony No. 6 in A Major, WAB 106 (ed. R. Haas): IV. Finale 15:06
Já ouvi outras gravações destas obras, excelentes, por sinal, mas a presença do violinista italiano Salvatore Accardo é um ponto a mais a favor destas gravações. Accardo é um dos maiores violinistas do século XX, e seu talento,versatilidade e virtuosismo são um destaque a mais destes CDs, gravados em 1988, porém lançados apenas em 1991.
CD 1
01. KV 174 I – Allegro moderato
02. KV 406 Andante
03. KV 406 Menuetto in canone
04. KV 406 Allegro
05. KV 516 Allegro
06. KV 516 Menuetto
07. KV 516 Adagio ma non troppo
08. KV 516 Adagio – Allegro
Que disco foda! É mais um velho vinil garimpado e digitalizado pelo genial blog holandês 33 toeren klassiek, o que me faz amar ainda mais a Holanda. A cravista belga Aimée Van De Wiele (1907-1991) realizou, em 1965, uma leitura muito bonita e moderna da música de Couperin. Suas interpretações do grande francês — que já era um revolucionário por si só — são multifacetadas e cheias de humor. Muitas das obras para teclado de François Couperin têm títulos descritivos e evocativos que expressam diferentes atmosferas, de harmonias ousadas e algumas atonalidades. São como miniaturas de poemas sinfônicos. Este aspecto chamou a atenção de Richard Strauss, que chegou a orquestrar algumas dessas peças. A música para piano de Johannes Brahms foi influenciada pela música para teclado de Couperin. Brahms interpretou-a publicamente e contribuiu, em 1880, para a primeira edição completa das Pièces de clavecin.
François Couperin (1668-1733): Obras para Cravo
1 Prelude (L’Art De Toucher Le Clavecin, #7) 2:45
2 Les Fastes De La Grande Et Ancienne Menestrandise (II / 11) 9:37
3 L’Attendrissante (III / 18) 2:37
4 Le Tic-Toc-Choc, Ou Les Maillotins (III / 18) 2:10
5 La Favorite (I / 3) 6:40
6 Le Carillon De Cythere (III / 14) 2:25
7 Les Barricades Mysterieuses (II / 6) 2:58
8 Les Ombres Errantes (IV / 25) 2:26
9 Les Calotins Et Les Calotines Ou La Piece Á Tretous (III / 19) 3:05
10 Le Rossingnol En Amour (III / 14) 3:57
11 L’Arlequine (IV / 23) 1:51
12 La Garnier (I / 2) 3:54
13 Les Folies Francaises Ou Les Dominos (III / 13) 9:15
Todos os discos, todos os concertos, todos os gemidos e suspiros da Freiburger Barockorchester valem a pena. Ontem, presa de uma grave crise de HIPOBACHEMIA profunda — se me entendem — resolvi atacar novamente com a orquestra da pequena e bela e universitária cidade de Freiburg. Não me arrependi. Aqui está por inteiro o espírito atlético, dançável e saracoteante que deu 20 filhos a Bach em seus dois casamentos com Maria Barbara e Anna Magdalena, fora os que semeou no varejo, como eu.
Baixem logo porque este CD duplo da grande Harmonia Mundi é bom demais!
J. S. Bach (1685-1750): as 4 Suítes Orquestrais
1. Suite No. 4 in D Major, BWV 1069: I. Ouverture 11:26
2. Suite No. 4 in D Major, BWV 1069: II. Bourrées I & II 2:50
3. Suite No. 4 in D Major, BWV 1069: III. Gavotte 1:55
4. Suite No. 4 in D Major, BWV 1069: IV. Menuets I & II alternativement 4:14
5. Suite No. 4 in D Major, BWV 1069: V. Réjouissance 2:34
6. Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: I. Ouverture 10:42
7. Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: II. Rondeau 1:28
8. Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: III. Sarabande 2:36
9. Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: IV. Bourrées I & II alternativement 2:04
10. Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: V. Polonaise & Double 3:17
11. Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: VI. Menuet 1:05
12. Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: VII. Badinerie 1:23
13. Suite No. 1 in C Major, BWV 1066: I. Ouverture 9:17
14. Suite No. 1 in C Major, BWV 1066: II. Courante 2:18
15. Suite No. 1 in C Major, BWV 1066: III. Gavottes I & II alternativement 3:13
16. Suite No. 1 in C Major, BWV 1066: IV. Forlane 1:13
17. Suite No. 1 in C Major, BWV 1066: V. Menuets I & II alternativement 3:15
18. Suite No. 1 in C Major, BWV 1066: VI. Bourrées I & II alternativement 2:42
19. Suite No. 1 in C Major, BWV 1066: VII. Passepieds I & II 3:31
20. Suite No. 3 in D Major, BWV 1068: I. Ouverture 9:49
21. Suite No. 3 in D Major, BWV 1068: II. Air 4:37
22. Suite No. 3 in D Major, BWV 1068: III. Gavottes I & II alternativement 4:00
23. Suite No. 3 in D Major, BWV 1068: IV. Bourrée 1:10
24. Suite No. 3 in D Major, BWV 1068: V. Gigue 2:47
Recentemente eu escrevi que o Brasil tem uma rica tradição pianística, apesar dos pesares. Sobre o órgão de tubos, não se pode dizer o mesmo. São instrumentos caros, imensos, precisam de manutenção com mão de obra especializada… Tirando as honrosas exceções aqui e ali, muitas igrejas em nosso país deixaram seus órgãos definhar com os cupins e a maresia.
Pretendo trazer para o PQPBach um pouco desse instrumento. O CD de hoje tem algumas obras essenciais do repertório para órgão como os corais de Bach e a toccata de Widor.
Seis curiosidades sobre o órgão de tubos:
1. O órgão é um dos instrumentos mais antigos de que se tem notícia, segundo a tradição foi inventado no século III a.C. em Alexandria, muitos séculos antes do cravo ou do piano. O que não significa que ele só serve para tocar música antiga: compositores como os franceses Litaize, Duruflé e Messiaen escreveram muita música de vanguarda para órgão no século XX, sem falar nos mais recentes Xenakis (1922–2001), Ligeti (1923—2006), Terry Riley (1935–) e Philip Glass (1937–). 2. Antes da eletricidade, um assistente ficava atrás do órgão o tempo todo. Isso mesmo, nos tempos de Bach o som só saía continuamente enquanto alguém estivesse bombeando ar para os foles… 3. Órgãos fazem muito eco. Principalmente em igrejas amplas e altas, com grande reverberação, o som continua ecoando vários segundos depois do órgão parar de tocar. Ao vivo esse efeito é incrível e no disco de Olivier Latry também é possível ouvir o eco que fica no ambiente sonoro da Catedral Notre Dame de Paris. 4. Cada órgão é único: eles não são feitos em série, ao contrário de carros ou pianos. Por exemplo o órgão barroco Arp Schnitger de Mariana/MG tem semelhanças com seus irmãos que vivem na Alemanha e na Holanda, mas também tem muitas diferenças. 5. Órgãos têm teclados manuais – que podem ser dois, três, quatro… cada um com um registro, ou seja, tipo de som – e ainda uma pedaleira para os sons mais graves. Assim, com duas mãos e os pés, o organista pode tocar obras a três vozes como as Triosonatas de Bach. 6. Händel, W.F. Bach, C.P.E. Bach, Haydn, Mozart e Beethoven escreveram obras para órgãos mecânicos, ou “relógios musicais”, que eram instrumentos autômatos, sem um músico tocando, e deviam causar um grande espanto no século 18. As obras de Händel e Mozart aqui presentes fazem parte desse grupo, mas a gravação aqui tem um músico tocando, porque soa melhor, né?
Olivier Latry – 12 des plus belles pages de sa discographie
01 – Pieces for a Musical Clock, Georg Friedrich Händel (A voluntary on a flight of angels; Allegro; Menuet; Gigue)
02 – Choral ”Wachet auf, ruft uns die Stimme” (BWV 645), J.S. Bach
03 – Prélude & Fugue en fa mineur (BWV 534), J.S. Bach
04 – Choral ”Wir glauben all an einen Gott” (BWV 740), J.S. Bach
05 – Trio Sonata No. 2 (BWV 526), J.S. Bach
06 – Fantasia for mechanical organ in F minor, K. 608, Wolfgang Amadeus Mozart
07 – Symphonie No. 5 pour orgue: I. Adagio, Charles-Marie Widor
08 – Symphonie No. 5 pour orgue: II. Toccata, Charles-Marie Widor
09 – Naïades (24 Pièces de Fantaisie), Louis Vierne
10 – Carillon de Westminster (24 Pièces de Fantaisie), Louis Vierne
11 – Scherzo, Gaston Litaize
12 – Toccata, Maurice Duruflé
Olivier Latry – Órgão
Órgãos utilizados:
Händel, Mozart – órgão Stumm em Kirchheimbolanden, Alemanha (1745)
Bach (Coral BWV 645) – órgão Giroud em Le Grand Bornand, França (1988, ‘estilo século XVII’)
Bach (BWV 534) – órgão Aubertin em Vichy, França (1991)
Bach (Coral BWV 740) – órgão Aubertin em Viry-Chatillon, França (1991)
Bach (Trio Sonata) – órgão Giroud em Grenoble, França (1982)
Duruflé – órgão Cliquot/Cavaillé-Coll/Beuchet-Debierre em St Étienne du Mont, Paris, França (1777/1863/1956)
Widor, Vierne, Litaize: órgão Cavaillé-Coll (modificado) em Notre Dame de Paris, França (1868)
Música no Tempo das Caravelas Conjunto Música Antiga da UFF 1998
Música Ibérica à Época do Descobrimento
Em 1992 saudávamos com entusiasmo a gravação do LP intitulado Cantares de Amor, Suspiros e Cuydados, que o Conjunto de Música Antiga da UFF, sob os auspícios da FUNARTE, realizara. Incluía-se, então, nas comemorações dos 500 anos da conquista da América, uma vez que as músicas selecionadas eram exemplos das que animavam os serões palacianos em Portugal e Espanha, ao tempo das descobertas ultramarinas.
Passados seis anos, quando se aproxima o ano 2.000 e já se iniciam as festas comemorativas dos 500 anos da conquista do Brasil pelos portugueses, esse meritório Conjunto retoma as músicas do citado LP, acrescenta-lhes outras, e oferta-nos um ainda mais rico documento cultural da Era da Expansão ibérica.
Sobre as letras do Cancioneiro de Elvas (Biblioteca Públia Hortênsia)
À exceção das composições Dos estreitas le siguen e Puestos estan frente a frente, bem como do solo de alaúde, todas as demais peças que compõem este CD foram retiradas do Cancioneiro da Biblioteca Públia Hortênsia, de Elvas (Portugal), se bem que para a composição “Romerico, tú que vienes” optou-se pela transcrição da letra, mais completa, do Cancionero Musical de Palacio.
É raríssimo o “Cancioneirinho de mão”, pequeno volume manuscrito sobre papel de 14,5 cm X 10 cm, possivelmente quinhentista, encontrado em 1928 na referida biblioteca de Elvas pelo musicólogo Manuel Joaquim, que o publicaria em Coimbra, no ano de 1940. A encadernação, evidentemente que posterior à sua elaboração, como observara o pesquisador-editor, dava a obra como pertença de um enigmático J. J. d’ A., ao que tudo indica iniciais de João Joaquim de Andrade, retratado em quadro também pertencente à Biblioteca. Curioso para nós, brasileiros, é que muito possivelmente o precioso Cancioneiro fora adquirido no Brasil, quem sabe para cá trazido pela Corte Real portuguesa em 1808, uma vez que o eclesiástico seu possuidor vivera por algum tempo no Rio de Janeiro, segundo legenda apensa ao seu retrato.
Quanto ao conteúdo, compõe-se de duas partes. Na primeira, encontram-se 65 composições com letra e notações musicais, que indicam serem elas a três vozes. Na segunda, 36 poesias sem música. Em todo o conjunto, predominam as letras em castelhano, sendo que penas 19 foram grafadas em português.
Várias marcas levam os especialistas a reconhecer como dos séculos XV e XVI as suas composições. Já Manuel Joaquim observara que uma delas seria a similaridade de certos desenhos que o papel utilizado apresenta em relação a papéis fabricados no século XVI, remontando os mais semelhantes à Salzburgo de 1525. Outra, seria a recolha, na coletânea, de música de Juan del Encina — tal seja, a composição Romerico tu que vienes. E, ainda, a analogia das letras com poemas do Cancioneiro Geral de Garcia de Resende. Este, fora publicado em 1516, constituindo uma recolha da produção poética dos reinados de Afonso V, D. João II e D. Manuel. Tal analogia se mostra tanto na forma quanto na temática dos textos, bem como na marcante presença da língua e da cultura castelhana que neles se percebe — de resto uma tônica da época, devido a implicações políticas relacionadas com a aspiração dos soberanos, de unirem as coroas luso-espanholas, através de guerras e casamentos.
A tendência dominante nessas letras-poemas, quanto à forma, é para os versos curtos, de arte-menor, principalmente redondilhos, sendo reduzidíssima a ocorrência dos versos mais longos, de arte-maior. Abandonando a tradição paralelística trovadoresca, e pautando-se pela mentalidade glosadora então dominante na prédica clerical e no ensino universitário, bem como no folclore espanhol, elegeram os poetas-letristas de então como estrutura mais usual dos seus poemas a glosa, volta ou desenvolvimento de um mote. Daí que as formas estróficas mais utilizadas sejam as do vilancete, da cantiga e suas variações. Ao lado dessas, encontravam-se também os romances (poemas narrativos) e as esparsas (composições monostróficas, de versos mais longos). E destacava-se, no que concerne às características retóricas, o virtuosismo dos jogos verbais, tantas vezes instaurando o paradoxo.
É o que novamente faz o Música Antiga da UFF, pelo que merece os nossos aplausos e a nossa gratidão. Não se limitando a essas peças da época áurea de Portugal, documentam também, no romance “Puestos están frente a frente”, o seu ocaso: trata-se da narrativa da batalha de Alcácer-Quibir, em 1578, na qual o jovem rei português, D. Sebastião, desapareceria, sem deixar herdeiros para a coroa, que, com a morte do seu tio-avô, o Cardeal D. Henrique, em 1580, passaria para o domínio de Espanha, do qual só se libertaria em 1640, sem jamais retomar o brilho perdido. Brilho este que, no entanto, a arte perenizou, e que ora se representa nas peças deste CD, pelo que se torna valiosíssimo às comemorações do quinto centenário da conquista do Brasil.
Maria do Amparo Tavares Maleval, extraído do encarte
Música no Tempo das Caravelas
Anônimo 01. Obriga vossa lindeza 02. Venid a sospirar al verde prado 03. Tu Gitana que Adevinas 04. Testou minha ventura 05. Que He o que vejo 06. Las tristes lagrimas mias 07. Por amores me perdi
Pedro de Escobar (Portugal, c.1465–after 1535), a.k.a. Pedro do Porto 08. Pásame por Dios barquero
Anônimo 09. Llenos de lágrimas tristes 10. A la villa voy
Luís Milan (Espanha, c.1500-c.1561) 11. Pavana
Anônimo 12. Cuydados meus tão cuidados 13. Oigan todos mi tormento 14. Aquella voluntad que se ha rendido
Juan del Encina (Espanha, ca.1468-1529) 15. Romerico tú que vienes
Anônimo 16. Porque me não ves Joana 17. Que sentis coraçon mio
Juan del Encina (Espanha, ca.1468-1529) 18. Dos estrellas le siguen
Anônimo 19. Puestos estan frente a frente
Música no Tempo das Caravelas – 1998
Conjunto Música Antiga da UFF
Quis o destino benfazejo que este LP de 1978 fosse resgatado de uma prateleira empoeirada, cheia de LPs velhos, no fundo de um sebo! É um LP privado, não foi comercializado, e foi patrocinado pelo Banco do Brasil. Nada mais se sabe sobre ele, a não ser:
• é a principal obra (Te Deum) de um dos mais brilhantes compositores brasileiros (Lobo de Mesquita) interpretada por uma das mais importantes orquestras brasileiras (Orquestra de Câmara do Brasil) e acompanhada por um dos mais lapidados corais brasileiros (Coro Ars Barroca), regidos por um dos mais completos maestros brasileiros (José Siqueira). Em resumo: uma obra-prima jogada às traças !! IM-PER-DÍ-VEL !!
Como podemos cobrar das novas gerações a falta de sentimento de cidadania, de amor e orgulho pela pátria, se nem os nossos heróis cultivamos? Nossos filhos vão se orgulhar do que? de quem?
Quem já ouviu falar no Maestro José Siqueira levanta a mão!
Esta repostagem é dedicada ao nosso amigo Bisnaga, que ressuscitou, reviveu neste site, a vida e a obra do maestro José Siqueira após esta postagem !!!!!! Não tem preço.
Te Deum
O Te Deum, também chamado às vezes o ambrosiano, devido à sua associação com Santo Ambrósio, é um hino tradicional de alegria e ação de graças. Primeiramente atribuído aos Santos Ambrósio e Agostinho, ou Hilary, agora está creditado para Nicetas, bispo de Remesiana (século 4). Ele é usado na conclusão do Ofício das Leituras da Liturgia das Horas aos domingos fora da Quaresma, diariamente durante os Oitavas de Natal e Páscoa, e nas solenidades e festas.
Maestro José de Lima Siqueira
Maestro, compositor e acadêmico brasileiro nascido em 1907 em Conceição, no Vale do Piancó, alto sertão do Estado da Paraíba, regente e compositor reconhecido em nível internacional, de suma importância como educador pelo papel de liderança que exerceu no meio musical de sua época e pela participação na criação de várias entidades de classe e culturais, tornando-se uma das grandes figuras da música brasileira no século XX.
Filho de um mestre da banda Cordão Encarnado, em sua cidade natal, que lhe ensinou a tocar diversos instrumentos como saxofone e trompete. Durante sua juventude, atuou em bandas de música de várias cidades do interior da Paraíba. Foi para o Rio de Janeiro (1927), então capital da República, como integrante das tropas que tinham sido recrutadas para combater a Coluna Prestes e logo ingressou na Banda Sinfônica da Escola Militar, como trompetista. Estudou (1928-1930) composição com Francisco Braga e Walter Burle-Marx, no antigo Instituto Nacional de Música, e formou-se em Composição e Regência (1933) e iniciou sua brilhante carreira de compositor e regente no Brasil e no exterior, em grandes orquestras dos Estados Unidos, Canadá, França, Portugal, Itália, Holanda, Bélgica e Rússia, entre outros países.
Regeu nos Estados Unidos grandes orquestras como a Sinfônica de Filadélfia, Detroit, Rochester. Na França regeu a Orchestre Radio-Symphonique, de Paris, e em Roma, a Sinfônica de Roma, entre outras. Foi professor da Escola de Música da Universidade do Brasil, hoje da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Fundou a Orquestra Sinfônica Brasileira (1940) e formou-se em Direito (1943). Viajou pelos EUA e Canadá e fundou a Orquestra Sinfônica do Rio de Janeiro (1949), fechada 2 anos depois. Quando esteve em Paris (1953) freqüentou o curso de musicologia da Sorbonne. Oficializou junto ao prefeito Miguel Arraes, a Orquestra Sinfônica do Recife, a mais antiga do país.
Idealizou e criou a Ordem dos Músicos do Brasil, assumindo a sua Presidência (1960). Fundou a Orquestra Sinfônica Nacional (1961) e a Orquestra de Câmara do Brasil (1967). Figura incomparável do mundo cultural brasileiro, foi aposentado (1969) pela ditadura militar devido à sua pregação democrática. Proibido de lecionar, gravar e reger, encontrou abrigo na extinta União Soviética, onde regeu a Orquestra Filarmônica de Moscou e participou como jurado de grandes concursos de música internacionais. Também foi em Moscou que boa parte de sua obra foi editorada e preservada enquanto que no Brasil o estúpido governo militar cuidava de alijá-lo da história.
(A esse respeito, conta-nos Carlos Pereira: Em 1964, no golpe militar, foi submetido a interrogatório e protagonizou com um coronel, um diálogo que ficou famoso. O milico lhe perguntou se já tinha ido à Rússia e ele não só confirmou, como disse que gostava de lá voltar de vez em quando para… reger a Sinfônica de Moscou. Resultado: foi fichado como comunista e proibido, por alguns anos, de reger a Orquestra Sinfônica Brasileira. http://www.carlospereira.net.br/index.php/component/content/article/34-cronicas/323)
Deve-se a ele ainda a criação da Orquestra de Câmara do Brasil, da Sociedade Artística Internacional, do Clube do Disco e da Ordem dos Músicos do Brasil. Também publicou vários livros didáticos tais como Canto Dado em XIV Lições, Música para a Juventude, em quatro volumes, Sistema Trimodal Brasileiro, Curso de Instrumentação, entre outros.
Faleceu aos 78 anos, na cidade do Rio de Janeiro, no dia 22 de abril de 1985, deixando uma vastíssima obra composta de óperas, cantatas, concertos, oratórios, sinfonias e até a música de câmara, para instrumentos solos e para voz. A cadeira nº 8 da Academia Brasileira de Música, fundada (1945) por Heitor Villa-Lobos, nos moldes da Academia Francesa, foi alocada para ele como co-fundador, depois que o efetivo da Academia se reduziu de 50 para 40 cadeiras. Seu nome foi dado à Grande Sala da Cidade da Música por decreto do então Prefeito Cesar Maia, publicado no Diário Oficial do Município (2008). Uma justa homenagem a essa figura reconhecida internacionalmente, defensor da cultura musical brasileira e responsável por iniciativas como a criação da Orquestra Sinfônica Brasileira da cidade do Rio de Janeiro, da Academia Brasileira de Música, da Ordem dos Músicos do Brasil e dos Concertos Para a Juventude. (http://www.dec.ufcg.edu.br/biografias/JoseLSiq.html)
Palhinha: ouça a integral do Te Deum, enquanto observa fotos de Serro, MG (antiga Vila do Príncipe), onde Lobo de Mesquita nasceu.
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José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita (Vila do Príncipe, 1746- Rio de Janeiro, 1805)
Te Deum 01. Te Dominum confitemur
02. Tibi omnes Angeli; tibi cæli et universæ Potestates
03. Sanctus, Sanctus, Sanctus, Dominus Deus Sabaoth
04. Te gloriosus Apostolorum chorus
05. Te Martyrum candidatus laudat exercitus
06. Patrem immensæ maiestatis
07. Sanctum quoque Paraclitum Spiritum
08. Tu Patris sempiternus es Filius
09. Tu, devicto mortis aculeo, aperuisti credentibus regna cælorum
10. Judex crederis, esse venturus. Te ergo quæsumus, tuis famulis subveni, quos pretioso sanguine redemisti
11. Salvum fac populum tuum Domine, et benedict hereditati tuæ
12. Per singulos dies, benedicimus te
13. Dignare Domine die isto sine peccato nos custo dire
14. Fiat misericordia tua Domine super nos, quem admodum speravimus in te
15. Non confundar in aeternum
Barroco Mineiro – 1978
Orquestra de Câmara do Brasil & Coro Ars Barroca
Maestro José de Lima Siqueira
Vivaldi era um padre que não rezava missas. Ainda na casa dos vinte anos, já padre, alegara problemas com a asma, que o faria tossir e tossir. Como oficiaria missas? Dizia-se fraco, mas teve grandes amores — um muito rumoroso com uma aluna, o contralto Anna Giró –, além de dar aulas, tocar violino e reger. Irritado, pensando que o Padre Rosso era um fingido, Benedetto Marcello escreveu um panfleto contra ele. Em 1737, Vivaldi respondeu:
Há 25 anos que não dou missas e eu não pretendo fazê-lo novamente, não por causa de alguma proibição ou qualquer ordenança, mas por minha própria vontade, por causa de uma doença que sofro desde a infância e ainda me assombra.
Depois de ser ordenado sacerdote, disse Missas por um ano, mas depois decidi parar porque em três dias consecutivos tive que deixar o altar antes da celebração final por causa da minha doença.
Por esta razão eu vivo principalmente dentro de casa e nunca saio a não ser de gôndola ou de carro, já que não posso andar sem dor e aperto no peito.
Nenhum cavalheiro convida-me para ir a sua casa, mesmo o nosso príncipe, porque todos sabem de minha fraqueza.
Eu passeio após o jantar, mas nunca vou caminhando. Esta é a causa pela qual nunca rezo missas.
A propósito, excelente CD!
Vivaldi (1678-1741): Concerto Con Molti Strumenti (Violinos, Flautas, Oboés, Fagotes)
1. Con F.XII No.3 (RV 577) ‘Per L’Orch Di Dresda’ in g: Allegro
2. Con F.XII No.3 (RV 577) ‘Per L’Orch Di Dresda’ in g: Adagio
3. Con F.XII No.3 (RV 577) ‘Per L’Orch Di Dresda’ in g: Allegro
4. Con (RV 572) ‘Il Proteo, O Il Mondo Al Rovescio’ in F: Allegro
5. Con (RV 572) ‘Il Proteo, O Il Mondo Al Rovescio’ in F: Adagio
6. Con (RV 572) ‘Il Proteo, O Il Mondo Al Rovescio’ in F: Allegro
7. Con F.XII No.31 (RV 566) in d: Allegro Assai
8. Con F.XII No.31 (RV 566) in d: Largo
9. Con F.XII No.31 (RV 566) in d: Allegro
10. Con F.XII No.48 (RV 585) ‘In Due Cori’ in A: Allegro
11. Con F.XII No.48 (RV 585) ‘In Due Cori’ in A: Adagio
12. Con F.XII No.48 (RV 585) ‘In Due Cori’ in A: Allegro
13. Con F.XII No.14 (RV 556) ‘Per La Solennita Di S. Lorenzo’ in C:Largo-Allegro Molto
14. Con F.XII No.14 (RV 556) ‘Per La Solennita Di S. Lorenzo’ in C: Largo & Cantabile
15. Con F.XII No.14 (RV 556) ‘Per La Solennita Di S. Lorenzo’ in C: Allegro
16. Con F.XII No.17 (RV 557) in C: Allegro Non Molto
17. Con F.XII No.17 (RV 557) in C: Largo
18. Con F.XII No.17 (RV 557) in C: Allegro No Molto
19. Con F.XII No.33 (RV 576) ‘Sua Altezza Reale Di Sassonia’ in g: Allegro
20. Con F.XII No.33 (RV 576) ‘Sua Altezza Reale Di Sassonia’ in g: Larghetto
21. Con F.XII No.33 (RV 576) ‘Sua Altezza Reale Di Sassonia’ in g: Allegro
O barroco nos caminhos do ouro Cidades históricas brasileiras Década de 1980
Atenção para esta raridade!
“O barroco nos caminhos do ouro”, realizado por Reinaldo Varela e Manuel Gama, é um documentário produzido pela RTP (Rádio e Televisão de Portugal) na década de 1980, localizado pelo referencial Diuner Melo. O documentário, que exibe as cidades históricas brasileiras em fase anterior à explosão turística dos anos 90, possui interessantes análises e imagens que não estão disponíveis nem em documentários da atualidade. Vale a pena conhecer e usar em aulas e cursos. Vamos divulgar!(Prof. Paulo Castagna)
Cap 1: Rota de Paraty – Começando pelo belíssimo porto estratégico de Paraty, este episódio leva-nos ainda a São João D’El Rey, Tiradentes e Mariana. De passagem por Amarantina, a descoberta da família Vilhena, que miniaturiza o património barroco do Brasil.
Cap 2: Passagem de Mariana – O barroco português, principalmente aquele que floresceu no Norte de Portugal, foi transportado para o Trópico e lá sofreu as influências que singularizaram o estilo nos caminhos do ouro – enquanto se formavam as coordenadas espirituais de uma cultura que ainda hoje é marca do estado brasileiro de Minas Gerais. Neste episódio sobressai a Sé Catedral de Mariana, integrada num imponente conjunto da que foi a primeira vila, primeira cidade e primeira diocese das Minas Gerais. Mariana, que deve o seu nome à mulher de D. João V, D. Mariana de Áustria, foi ainda capital das Capitanias Unidas das Minas de Ouro e de São Paulo.
Cap 3: Relíquias do Rio – A ocupação gradual das novas Terras de Vera Cruz, com a divisão em capitanias, deu-se no contrapé da gesta do Oriente, onde se concentravam os esforços maiores do Reino. Portugal, país de dois milhões de habitantes, não podia manter a soberania tão longe das suas costas e em extensões tão grandes, sem sacrificar algumas conveniências. Em 1565, Estácio de Sá fundava as cidades de São Sebastião e de D. Sebastião, em homenagem ao mais popular dos mártires da cristandade e à mais bonita saudade portuguesa. A grande estrela deste episódio é o majestoso Mosteiro de São Bento, a maior e mais bem conservada das muitas relíquias que ainda hoje povoam o Rio de Janeiro.
Cap 4: O misterioso Porto da Estrela – A pirataria foi a grande inimiga dos países ibéricos durante a colonização das Américas. Para a evitar os carregamentos de ouro saíam de portos estratégicos, como Paraty, ou do misterioso Porto da Estrela, no fundo da Baía de Guanabara. Praticamente desconhecido nos nossos dias, em local de difícil acesso, dele só restam hoje alguns vestígios insignificantes. No entanto, até ao século passado, desempenhou importante função económica em relação ao Rio de Janeiro, ao Brasil e a Portugal. A ligação com a tradição lisboeta mantém-se até ao presente no rio. A festa de Santo António é uma das mais populares da Cidade Maravilhosa.
Cap 5: Por alcunha o Aleijadinho – Ao contrário do que sucedeu noutras latitudes durante as corridas para o ouro, e ao contrário do que recentemente ocorreu no próprio Brasil, com o surto aurífero da Serra Pelada, que deixou atrás de si um rasto de miséria, de prostituição, de doença e de crime, além de uma imensa ferida na terra violada e estéril, o ouro de Minas Gerais irrigou a terra brasileira com uma intensa vida cultural. Este episódio foca parte da obra do maior génio saído da cultura mineira do século dezoito: António Francisco Lisboa, por alcunha o Aleijadinho. A escultura em pedra sabão dos profetas no Santuário de Bom Jesus de Matozinhos, em Congonhas do Campo, e a igreja da Ordem Terceira de São Francisco de Ouro Preto sobressaem neste episódio.
Cap 6: O segredo de Ouro Preto e outros caminhos – Reclinada entre montanhas, a cidade de Ouro Preto recebe a luz fosca e doce da manhã de que falava Vitorino Nemésio. A câmara de Reinaldo Varela captou neste episódio, com rara sensibilidade, a luminosidade especial da antiga Vila Rica, descrita por escritores de primeira grandeza como o brasileiro Manuel Bandeira ou o nosso Vitorino Nemésio, o genial escritor da Terceira que inspirou este episódio com o seu livro “O Segredo de Ouro Preto e outros Caminhos”. Caminhos que nos levam ainda a Sabará, através de verdes campos bucólicos que saudosamente lembram as veigas de Bertiandos, na fresca Ribeira Lima.
Vídeo Cap 6: O segredo de Ouro Preto e outros caminhos – Baixe aqui – Download here
MP4 – 400,2 MB – 26,3 min
Cap 7: Pela Estrada Real – Neste último episódio são revisitados, em parte, os caminhos percorridos na série, desde a “Rota de Paraty” ao “Misterioso Porto da Estrela”. A câmara de Reinaldo Varela percorreu sinuosos caminhos que parecem estradas romanas, os quais, unindo as minas ao mar, foram outrora calcorreados por bandeirantes e escravos. Por lá descia o ouro e subiam mercadorias, manufacturas, alimentos, artistas, religiosos, funcionários e poetas. A artéria pulsante de uma civilização. A antiga Estrada Real, que ligava Ouro Branco a Ouro Preto, lembra um Portugal rústico que vai desaparecendo. O museu de miniaturas do barroco da família Vilhena em Amarantina leva-nos ao encontro de uma cavalhada. Na sua ingenuidade de profundo significado etnológico, religioso e histórico, o espectáculo é um feliz e adequado final para a festa de Arte e beleza que é o barroco nos caminhos do ouro.
Eliane Aquino, soprano Keila de Moraes, mezzo-soprano Kenny Simões, espineta Edilson de Lima, violão.
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.Segundo Silvio Romero, a modinha teria surgido … Um outro grupo de escritores, dentre eles Tomaz Borba … Já o escritor Ernesto Vieira,em seu … O historiador português Pinto de Carvalho … José Ramos Tinhorão, por sua vez …
Esse é o início dos 5 primeiros parágrafos do livro “As modinhas do Brasil”, de Edilson de Lima, publicado pela Edusp em 2001, 280 páginas, que apresenta a letra e a partitura de cada modinha abaixo, interpretadas por Eliane Aquino, soprano; Keila de Moraes, mezzo-soprano; Kenny Simões, espineta e Edilson de Lima, violão.
Compositor: Anônimo, séc. XIX/XVIII 01. Você Se Esquiva De Mim 02. Quem Me Vir Aflito E Triste 03.Pelo Amor De Deus 04. Tristemente A Vida Passa 05. Os Me Deixas Que Tu Dás 06. Eu Nasci Sem Coração 07. Ganinha, Minha Ganinha 08. Quem Ama Para Agravar 09. Sinto-Me Aflita 10. Vidinha Adeus 11. Por Desabafar Saudades 12. Choro, Padeço, Suspiro 13. Os Desprezos De Meu Bem 14. A Minha Nerina Gosta Dos Meus Ais 15. Se Fores Ao Fim Do Mundo 16. A Saudade Que No Peito 17. Ninguém Morra De Ciúme 18. Eu Estando Bem Juntinho 19. É Delicia Ter Amor 20. Quem Achou O Q’eu Achei 21. Da Minha Constante Fé 22. Eu Não Sei Minha Constância 23. Meu Amor, Minha Sinhá 24. Minha Mana Estou Gostando 25. Menina Você Vai Hoje 26. Homens Errados E Loucos 27. Cupido Tirano 28. Estas Lágrimas Sentidas 29. Ausente, Saudoso E Triste 30. Não Pode A Longa Distância
Eu amo Mahler. Suas sinfonias, ciclos de canções, sua esposa. Mas, se eu tivesse que escolher dentre suas obras as que menos gosto, estas seriam a 8ª e a 9ª Sinfonias. Claro, deve ser uma limitação minha. Eu as acho realmente exageradas, grandiosas e menores. Porém, Mahler estava convencido da importância da obra. Aqui, ele renuncia ao pessimismo que marca boa parte da sua música, oferecendo a Oitava como expressão de confiança no espírito humano. Logo após a morte do compositor, as interpretações foram relativamente pouco comuns. No entanto, a partir de meados do século XX, a sinfonia foi incluída com regularidade nos programas das salas de concertos de todo o mundo e foi gravada em muitas ocasiões. Sem deixar de reconhecer a sua grande popularidade, os críticos modernos têm opiniões diversas sobre a obra, alguns opinando que seu otimismo é pouco convincente e considerando a obra como artística e musicalmente inferior a outras de suas sinfonias. É o que penso. A gravação de Svetlanov é, literalmente, boa e russa.
Gustav Mahler (1860-1911): Sinfonia Nº 8
1 Part 1. Hymnus “Veni, creator spiritus”. Allegro impetuoso 24:08
2 Part 2. Scène finale du “Faust II” de Goethe. Poco adagio – Più mosso 59:15
Esta postagem é um agradecimento à acolhida que tive do povo de Natal, RN, na semana de abril de 2010. Depois de saborear todos os camarões e lagostas a que tinha direito, nada mais me resta senão confraternizar com os amigos potiguares que tão amavelmente me receberam.
Pois não é que visitando o Museu do Artezanato Potiguar, instalado numa edificação que serviu de presídio até os anos 70, encontrei este CD maravilhoso e contundente, discretamente disposto no setor da Galeria de Arte? Imediatamente comprei-o e até agora não canso de agradecer aos Ventos do Oriente por me terem orientado nessa aquisição.
Antônio José Madureira passou a integrar o Movimento Armorial em 1970, que incluía diversas linguagens artísticas, cerâmica, tapeçaria, pintura, poesia, música e teatro, entre outras. Passou a liderar então o Quinteto Armorial.
Em 1974, no primeiro LP do grupo adaptou o romance pernambucano, provelmente do século XIX, “Romance de Minervina”. Em 1976 compôs “Aralume” que deu nome ao segundo disco do Quinteto armorial. No ano seguinte criou o Quarteto Romançal, com um violino, um violoncelo, um violão e flautas, do qual é regente. No mesmo ano gravou em Oslo na Nuruega o LP “Romançal”.
Tem participação como solista, compositor, arranjador e regente em mais de 40 músicas. Em 1980 fez a direção de produção do LP do “V Congresso Nacional de violeiros” – Disco 1 – “Violas e repentes”. Em 1986 lançou um LP de forma independente, que trazia entre outras a composição “Batucada”. Em 1992 lançou o disco “Brasília: o romance da Nau Catarineta” e no ano seguinte, “Opereta do Recife”. Neste último, interpretou, entre outras, “Índios do Nordeste”, com letra de autor desconhecido e “Poema de Natal”, “Chope”, “Ciranda”, “Dádivas do amante” e “Bairro do Recife”, sobre versos do poeta pernambucano Carlos Penna Filho.
Em 1999 lançou pela Copacabana/EMI o CD “Do romance ao galope nordestino sete flexas”. No mesmo ano fez os arranjos e as composições para o CD “Revisitação dos Santos Reis”, interpretadas pela Orquestra Sinfônica do Rio Grande do Norte como parte das comemorações dos 400 anos da cidade de Natal. Tem diversas produções musicais para o cinema, teatro e dança. Tem músicas gravadas em diversos países e obras editadas pela Guitar Solo Publication da Califórnia, Estados Unidos. Teve músicas gravadas pelo Quinteto Armorial, por seu irmão, Antúlio Madureira e Cussy de Almeida, entre outros. (Dicionário Cravo Albin)
Revisitação dos Santos Reis
Antônio José Madureira (Macau, RN, 1949) 01. Loa do Potiguara 02. Canto do Mangue 03. Loa do Congolês 04. Procissão dos Navegantes 05. Loa do Mareante 06. Fortaleza dos Reis Magos
Revisitação dos Santos Reis -1999
Composição e arranjos: Antônio José Madureira
Orquestra Sinfônica do Rio Grande do Norte
Coordenação artística e Regência: Maestro Osvaldo D’Amore
Kyrie in B major Gloria in D major Missa del sesto tuono
Antonio Lotti (Italy, ca. 1667 – 1740)
Lotti Chamber Choir Camerata Pro Musica Maestro Ferenc Rózsa
Here are three of this early 18th Century composers masses of the Venice school, which have also received praise from Pope Pius X. It has constant harmonic tension with flowing melody and fine instrumental orchestration soaring around, above and in between.
This is fine performance by Camerata Pro Musica Chamber Orchestra and Lotti Chamber Choir all conducted by Ferenc Rózsa. Especially captivated by the Gloria in D Major, which is particularly glorious with its fine solo vocalists framed by baroque instrument flourishes!
Magnificent! (tirei da internet)
Antonio Lotti (Italy, ca. 1667 – 1740) 01. Kyrie in B major 1. Introduzione 02. Kyrie in B major 2. Kyrie 03. Kyrie in B major 3. Christe 04. Kyrie in B major 4. Kyrie 05. Gloria in D major 1. Gloria 06. Gloria in D major 2. Et in terra 07. Gloria in D major 3. Laudamus 08. Gloria in D major 4. Gratias 09. Gloria in D major 5. Domine Deus 10. Gloria in D major 6. Domine filii 11. Gloria in D major 7. Domine Deus, Agnus dei 12. Gloria in D major 8. Qui tollis 13. Gloria in D major 9. Qui sedes 14. Gloria in D major 10. Quoniam 15. Gloria in D major 11. Cum Sancto 16. Missa del sesto tuono 1. Kyrie 17. Missa del sesto tuono 2. Gloria 18. Missa del sesto tuono 3. Kyrie 19. Missa del sesto tuono 4. Sanctus 20. Missa del sesto tuono 5. Benedictus 21. Missa del sesto tuono 6. Agnus dei
Um bom disco da dupla de irmãs francesas, as irmãs Nemtanu. Concertos e peças de Bach com um Concerto multi-estilista de Schnittke encravado ali quase no final. Rola fácil o diálogo entre as duas irmãs tanto no Concerto de Bach quanto no comentário pós-moderno do russo. As duas — Deborah e Sarah Nemtanu, ambas com pouco mais de trinta anos — são spallas de orquestras em Paris e cada uma é uma forte a personalidade. Importante observação sobre o estilo: estas gravações combinam a correta quase falta de vibrato barroca com instrumentos modernos.
J. S. Bach / Alfred Schnittke: Concertos
1 Concerto for 2 Violins in D Minor, BWV 1043: Vivace 3:38
2 Concerto for 2 Violins in D Minor, BWV 1043: Largo ma non tanto 6:11
3 Concerto for 2 Violins in D Minor, BWV 1043: Allegro 4:47
4 Violin Concerto in E Major, BWV 1042: Allegro I 7:17 (com Sarah)
5 Violin Concerto in E Major, BWV 1042: Adagio e sempre piano 5:13
6 Violin Concerto in E Major, BWV 1042: Allegro II 2:32
7 Invention in C Major, BWV 772 1:18
8 Violin Concerto in A Minor, BWV 1041: Allegro moderato 3:48 (com Deborah)
9 Violin Concerto in A Minor, BWV 1041: Andante 5:40
10 Violin Concerto in A Minor, BWV 1041: Allegro assai 3:57
11 Concerto Grosso No. 3 for 2 Violins, Harpsichord and Strings: Allegro 2:00
12 Concerto Grosso No. 3 for 2 Violins, Harpsichord and Strings: Risoluto 3:18
13 Concerto Grosso No. 3 for 2 Violins, Harpsichord and Strings: Pesante 6:47
14 Concerto Grosso No. 3 for 2 Violins, Harpsichord and Strings: Adagio 7:03
15 Concerto Grosso No. 3 for 2 Violins, Harpsichord and Strings: Moderato 3:09
16 Invention in F Major, BWV 779 0:59
Sarah Nemtanu & Deborah Nemtanu, violinos
Paris Chamber Orchestra
Sascha Goetzel
Avicenna foi à França para complementar a sua LP/CDteca sobre música sacra colonial brasileira, uma vez que aqui em Pindorama a sua divulgação é inexistente, marginal.
Pasmem, mas na Europa essa nossa música está fazendo um baita sucesso!
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Allons nous! Le jour de gloire est arrivé! Direto da Cidade Luz, apresentamos a “Missa de Nossa Senhora do Carmo”, considerada pelos críticos uma das obras primas do Padre José Maurício Nunes Garcia.
“Written for the holy patron saint of the Royal Portuguese family, the Mass of the Virgin of Mount Carmel , composed in 1818, is one of the masterpieces of the composer. Its dramatic intensity is strong, its vocal virtuosity is inspired by the technic of the castrati, two of them having participated in the creation of the mass: a contralto (Laudamus Te) and a soprano (Quoniam). The variations in the sounds of the instruments and the voices, the contrasts between intensity and volume, the decorative ornamental apparatus are representative of the style of this piece.
Écrite pour la sainte patronne de la famile royale portugaise, la Messe de Notre Dame du Mont Carmel, composée en 1818, est l’un des chefs-d’œuvre du compositeur. Sa densité dramatique est forte, sa virtuosité vocale est inspirée de la technique des castrati, dont deux ont participé à la création de l’œuvre: un contralto (Laudamus Te) et un soprano (Quoniam). Les variations de timbres instrumentaux et vocaux, les contrastes d’intensité et de volume, l’ornamentation décorative sont éléments significatifs de cette pièce.” Maria Inês Junqueira Guimarães (L’oeuvre de Lobo de Mesquita, compositeur brésilien, Université Paris IV, Sorbonne. 1996. Thèse de doctorat), no encarte.
Manoel Dias de Oliveira (São José del Rey [Tiradentes], 1735-1813) 01. Magnificat
Pe. José Maurício Nunes Garcia (1767-1830, Rio de Janeiro, RJ) 02. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 1. Kyrie 03. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 2. Gloria In Excelsis 04. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 3. Laudamus Te 05. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 4. Gratias 06. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 5. Domine Deus 07. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 6. Qui Sedes 08. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 7. Quoniam 09. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 8. Cum Sancto Spiritu 10. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 9. Patrem Omnipotentem 11. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 10. Et Incarnatus 12. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 11. Crucifixus 13. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 12. Resurrexit 14. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 13. Sanctus Dominus Deus 15. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 14. Hosanna In Excelsis 16. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 15. Benedictus Qui Venit 17. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 16. Hosanna In Excelsis 18. Missa de Nossa Senhora do Carmo – 17. Agnus Dei Qui Tollis Peccata Mundi
* La Passion du Baroque Brésilien – 1985
* Associação de Canto Coral, dirigido por Cleofe Person de Mattos. (Em 1963, no Rio de Janeiro, a Associação de Canto Coral prestou homenagem ao recém-falecido Papa João XXIII apresentando a “Missa de 1948” de Stravinsky, sob a regência do próprio Stravinsky, que não poupou elogios à performance do Coral)
* Camerata Rio de Janeiro, regida por Henrique Morelenbaum
Avicenna
Em memória do meu irmão caçula Luis Carlos que mudou para os Céus levando parte de mim. (2014)
“O Senhor te abençoe e te guarde O Senhor faça resplandecer o rosto sobre ti e tenha misericórdia de ti O Senhor sobre ti levante o rosto e te dê a paz Amen”
Rosana Lanzelotte Cravo com a inscrição ‘Joze Calisto 1780’
Rosana Lanzelotte costuma dizer que tocar cravo no Brasil é “um ato de paixão”. Mas ela é daquelas artistas inquietas. E, da música brasileira do século 20 a obras do passado trazido à tona com pesquisas em bibliotecas européias, tem revelado pequenas jóias do repertório – caso de seu novo disco, com as sonatas do português Pedro António Avondano (selo Portugaler), sobre quem ela falou ao Estado [jornal O Estado de São Paulo].
Quem foi Avondano?
A corte portuguesa era uma das mais abastadas no século 18 graças às riquezas que chegavam do Brasil. O pai de Avondano foi importado de Nápoles por d. João V, que quis instaurar uma estética itáliana na corte, antes influenciada pelo gosto espanhol de seus antepassados.
A riqueza da vida musical em Lisboa vai aos poucos sendo descoberta. O musicólogo Sérgio Dias deparou-se com uma inédita Missa de Pergolesi na Biblioteca do Palácio da Ajuda. A arte de Marcos Portugal, o talentoso compositor português que fez a sua fama em Veneza e Paris, e que veio a contragosto para o Brasil chamado por d. João VI, tem também encantado alguns maestros europeus.
Pouco se praticou a música de câmara no Brasil antes da chegada de d. João VI em 1808. Porém a música de Avondano já era conhecida: há traços de sua ópera Il Mondo della Luna em arquivos de Ouro Preto. Pode-se imaginar, então, que, apesar de esquecido hoje, sua arte exerceu um grande fascínio sobre seus contemporâneos. Avondano só não é mais presente porque talvez grande parte de sua obra tenha desaparecido durante o Terremoto de Lisboa [1755].
Creio que a minha ascendência portuguesa e italiana, e mais o ritmo brasileiro, que corre nas veias, me ajudou na aproximação da música divertida, melancólica e muitas vezes carnal desse Pedro António. Afinal, como todos nós, ele era um mestiço.
Qual o objetivo destas pesquisas? Você fala em nova vida para o cravo.
Como nos ensinaram mestres como Gustav Leonhardt e Jacques Ogg, o cravista tem de ser, antes de mais nada, um pesquisador. No século19, ninguém tocou o instrumento. Mais de 200 cravos foram queimados em uma fogueira em Paris na Revolução Francesa, símbolos da monarquia.
A redescoberta do repertório e do ofício de tocar cravo faz parte da vida e da fascinação de qualquer cravista. Volta e meia são descobertas novas obras de grandes mestres, como Froberger e Scarlatti. Antes dessa viagem apaixonante pela música de Avondano, eu havia enveredado por obras pouco conhecidas de Bach, que registrei no meu primeiro CD, além de ter descoberto na Biblioteca de Viena a autoria da transcrição para teclado das Sete Últimas Palavras de Cristo de Haydn: Sigismund Neukomm, seu aluno predileto, que morou no Brasil de 1816 a 1821. Este é o compositor sobre o qual me debruço no momento. Em 1998 gravei o meu CD de música brasileira do século 20 com obras inéditas de Ernani Aguiar, Caio Senna e David Korenchendler, além de Ernesto Nazareth e Claudio Santoro. Essa é a minha contribuição para provar que o cravo é, sim, brasileiro!
(http://lanzelotte.com/antigo/port/clip10_b.htm)
Gravado no National Music Museum em Vermillion, South Dakota, USA, em 2002, em um cravo com a inscrição ‘Joze Calisto 1780’, um dos mais raros tesouros do National Music Museum da University of South Dakota.
Este CD, fonogramas + encarte, nos foi presenteado pelo prezado ouvinte da Espanha ‘Milton Clasic’, de refinado gosto musical e raro trato pessoal. Muito obrigado, Milton! Não tem preço.
Pedro Antonio Avondano (Lisboa, 1714-1782) 01. Sonata em Fá Maior – 1. Allegro 02. Sonata em Fá Maior – 2. Adagio 03. Sonata em Fá Maior – 3. Menuete 04. Sonata em Ré Maior – 1. Moderato – Allegro 05. Sonata em Ré Maior – 2. Andante 06. Sonata em Ré Maior – 3. Menuete 07. Sonata em Dó Maior – 1. Allegro 08. Sonata em Dó Maior – 2. Andante 09. Sonata em Dó Maior – 3. Allegro 10. Sonata em Sol Maior – 1. Allegro 11. Sonata em Sol Maior – 2. Menuete 12. Sonata em Dó Maior – 1. Allegro 13. Sonata em Dó Maior – 2. Menuet2 14. Sonata em Sol Maior 15. Sonata em Lá Maior – 1. Allegro con Spirito 16. Sonata em Lá Maior – 2. Presto – Presto
Sonatas – 2002
Pedro Antonio Avondano
Rosana Lanzelotte – cravo
Vamos então concluir mais uma integral, trazendo só petardos agora. Começa com a ‘Hammerklavier’, e as três últimas obras primas de op. 109, 110 e 111. Só coisa fina.
Vladimir Ashkenazy tem se dedicado mais à regência nos últimos anos e vem realizando ótimas gravações, revelando novos instrumentistas. Algumas destas gravações podem ser encontradas aqui mesmo no PQPBach como o belíssimo CD lançado pelo selo Deutsche Grammophon onde acompanha a violinista Lisa Batiashvilli nos concertos de Tchaikovsky e de Sibelius.
Espero que tenham gostado desta integral.
CD 9
01. Andante favori in F major, WoO 57 (1805)
02. Piano Sonata No.29 in B-flat major, Op.106 ‘Hammerklavier’ (1819) I. Allegro
03. II. Scherzo Assai vivace
04. III. Adagio sostenuto
05. IV. Introduzione Largo – Fuga Allegro risoluto
CD 10
01. Piano Sonata No.30 in E major, Op.109 (1820) I. Vivace, ma non troppo – Adagio espressivo
02. II. Prestissimo
03. III. Andante, molto cantabile ed espressivo
04. Piano Sonata No.31 in A-flat major, Op.110 (1821) I. Moderato cantabile, molto espressivo
05. II. Allegro molto
06. III. Adagio, ma non troppo
07. IV. Fuga Allegro ma non troppo
08. Piano Sonata No.32 in C minor, Op.111 (1822) I. Maestoso – Allegro con brio ed appassionato
09. II. Arietta Adagio molto, semplice e cantabile
“This is apparently the thirteenth release by the Necks, and this reviewer is ashamed to admit that it’s the first one he’s heard, especially when the music is singular enough to satisfy the average iconoclast status to which this reviewer would make no claim, incidentally.”
Faço minha a confissão de Nic Jones, do All About Jazz — até me sinto melhor por ter chegado atrasado. Estou postando este disco de supetão: descobri-o hoje cedo e não pude parar de ouvi-lo desde então, e estou louco pra chegar em casa e escutá-lo com a devida atenção, nas minhas queridas e pesadas caixas de som, ao invés desses fones de ouvido vazando o entrecortado ambiente de trabalho.
O The Necks é um trio australiano cuja exploração se dá num espectro bastante específico, e pouco revisto, do jazz: o minimalismo. “Chemist” evoca os drone blues de La Monte Young, as texturas de Steve Reich e os espaços acústicos dos discos de Miles Davis entre 1969 e 1970; um jazz que evolui muito lentamente, hipnotizando. Não há canções, e os temas desenvolvem-se sem objetivo que não o de observar a própria trajetória — mas, ao contrário do que se poderia esperar, não é enfadonho, nem carece de um melhor arranjo. Inclusive recebe bem ouvintes de jazz de quaisquer vertentes — que não tenham transtorno de déficit de atenção, preferencialmente, para encarar as faixas de mais de 20 minutos — , pois é um disco límpido, suave e bem-articulado.
“Ultimately, the chasm between being genuinely creative and simply going over the same old ground is arguably as wide as it’s ever been, and this group comes down firmly on the side of the former.
Now, these ears have got some catching up to do.”
The Necks – Chemist /2006 [V0]
Chris Abrahams: piano, keyboards
Lloyd Swanton: bass
Tony Buck: drums, percussion, guitar
A missa de Santa Cecília é a última criação do Pe. José Maurício. Foi o seu gran finale, la crema de la crema!
Todos os CDs e LPs desta magnífica missa foram gravados com velocidade 6,7% acima do real, comprometendo a qualidade da gravação.
Para completar o processo ‘nascoxal’ de produção desses CDs e LPs, as 15 faixas foram aglutinadas em apenas 8 faixas, sendo que a 5ª ficou igual à 4ª.
Gastamos muitas horas tratando esses LPs e CDs no computador e conseguimos chegar a um resultado harmonioso. Assim mesmo não foi possível restabelecer na sua plenitude a gravação original por defeito dos LPs-masters que originaram os CDs, principalmente as faixas 02, 11 e 15, onde alguns solos ficaram irreversivelmente comprometidos.
E a obra? Bem , segundo o prof. Paulo Castagna, ‘a monumental Missa de Santa Cecília foi a última composição de José Maurício Nunes Garcia (1767-1830), escrita em 1826 para a Confraria Santa Cecília do Rio de Janeiro, uma espécie de sindicato dos músicos daquela época. Em 1959, a Associação de Canto Coral e a orquestra Sinfônica Brasileira, sob direção de Edoardo de Guarnieri, gravaram a Missa completa, em LP duplo. Trata-se da obra com a maior quantidade de instrumentos orquestrais empregados por Nunes Garcia.’. (Texto retirado da Facebook fan page do Museu da Música de Mariana).
Palhinha: ouça 01. Missa de Santa Cecília CPM 113 – 01. Kyrie
Missa de Santa Cecília CPM 113
Pe. José Maurício Nunes Garcia (1767-1830, Rio de Janeiro, RJ) Missa de Santa Cecília (1826) – 1. Kyrie Missa de Santa Cecília (1826) – 2. Gloria: Et in terra Missa de Santa Cecília (1826) – 3. Gloria: Laudamus Te Missa de Santa Cecília (1826) – 4. Gloria: Gratias Missa de Santa Cecília (1826) – 5. Gloria: Domine Deus Missa de Santa Cecília (1826) – 6. Gloria: Qui Tollis Missa de Santa Cecília (1826) – 7. Gloria: Qui Sedes Missa de Santa Cecília (1826) – 8. Gloria: Quoniam Missa de Santa Cecília (1826) – 9. Gloria: Cum Sancto Spiritu Missa de Santa Cecília (1826) – 10. Credo: Patrem Omnipotentem Missa de Santa Cecília (1826) – 11. Credo: Et Incarnatus Missa de Santa Cecília (1826) – 12. Credo: Crucifixus Missa de Santa Cecília (1826) – 13. Credo: Et Ressurrexit Missa de Santa Cecília (1826) – 14. Sanctus. Benedictus Missa de Santa Cecília (1826) – 15. Agnus Dei
Associação de Canto Coral (Cleofe Person de Mattos, regente)
Orquestra Sinfônica Brasileira (Edoardo de Guarnieri, regente)
Gravado ao vivo no Teatro Municipal do Rio de Janeiro, em 7 de setembro de 1959.
Markku Luolajan-Mikkola é um homem de técnica, sensibilidade e coragem. Simplificou os trechos que eram absolutamente impossíveis para o violoncelo, deixou a coisa mais lenta que o habitual, alterou as tonalidades e foi em frente, gravando as Sonatas e Partitas de Bach, originalmente escritas para o leve violino. É uma gravação estranha e maravilhosa. Os tempos das performances de Luolajan-Mikkola são os mais lentos que eu já ouvi. Mas não pense que tudo é uniformemente lento. A Chacona, por exemplo, dura cerca de 15 minutos, o que é a duração comum em violino. Markku Luolajan-Mikkola é um músico sensível e escrupuloso. Trata-se de um mestre de uma série de instrumentos de cordas. Aqui, ele toca um violoncelo barroco feito por Barak Norman em Londres por volta de 1700. O som é impressionante — rústico e forte, muito ressonante. A ideia maluca de transcrever do violino solo de Bach para o violoncelo não é nova, parece ter nascido com o próprio autor. Existem manuscritos do século 19 com tentativas de transcrições e, de acordo com Johann Friedrich Agricola, o próprio compositor costumava improvisar essas peças ao cravo, violoncelo e órgão. A transcrição de Luolajan-Mikkola é muito fiel ao original. Ele afirmou que os abusos eram absolutamente desnecessários, pois a idiomática para todos os instrumentos de cordas é a mesma…
IM-PER-DÍ-VEL !!!
IM-PER-DÍ-VEL !!!
IM-PER-DÍ-VEL !!!
IM-PER-DÍ-VEL !!!
“This is apparently the thirteenth release by the Necks, and this reviewer is ashamed to admit that it’s the first one he’s heard, especially when the music is singular enough to satisfy the average iconoclast status to which this reviewer would make no claim, incidentally.”
