IM-PER-DÍ-VEL !!!
Fonogramas espetaculosamente enviados por Robson Leitão, autor do completo texto que apresenta as obras, via Strava.
Este CD foi o escolhido para lançar oficialmente o Acervo P.Q.P.Bach de Música Clássica Brasileira porque sua qualidade é muito, mas muito alta, com obras e compositores da mais alta importância para nossa história musical.
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Seguindo-se a Aurora Luminosa [postada aqui no PQPBach], Alma Brasileira traz obras dos principais compositores da nossa primeira e segunda geração nacionalista, atendo-se ao período que vai de 1913 ao fim da década de 20. O título do CD reporta-se ao discurso proferido por Graça Aranha na abertura da Semana de 22, onde o escritor prognostica que “da libertação do nosso espírito sairá a arte vitoriosa”, arte cujo apanágio consistirá em plasmar a “progressão infinita da alma brasileira”. Francisco Braga representa o elo entre os compositores impregnados da estética romântica européia e a geração que busca uma linguagem nova, representativa da individualidade artística nacional. Dele aqui incluímos A Paz – Cortejo, obra composta em 1919 para comemorar o fim da Primeira Grande Guerra, e que aliás serviu, em 1939, de protesto contra a eclosão da Segunda Grande Guerra. De Glauco Velásquez, que forte fascínio exerceu sobre os jovens compositores de sua época, apresentamos a canção Alma minha gentil, composta sobre um dos mais célebres sonetos de Camões. Vivamente influenciado por Velásquez foi Luciano Gallet, de quem interpretamos o Tango-Batuque.
Oscar Lorenzo Fernândez e Francisco Mignone tornaram-se os mais notáveis representantes da nossa segunda geração nacionalista. Do primeiro optamos por gravar a Suíte Reisado do Pastoreio, que compreende sua peça instrumental mais famosa: o Batuque. Trata-se, dentro do período em pauta, da obra que melhor representa o compositor. Quanto a Francisco Mignone, pudemos dar vida a uma de suas composições de juventude, que sem dúvida não merece o silêncio que a mantinha afastada do público: o poema sinfônico Caramuru, inspirado na obra homônima de Santa Rita Durão.
Apresentação: Ligia Amadio
COMPOSITORES E OBRAS
Francisco Braga (1868 — 1945) é mais lembrado nacionalmente como autor da música do Hino à Bandeira que por sua trajetória de glórias. Depois da infância humilde no Asilo dos Meninos Desvalidos, no Rio de Janeiro, e da adolescência como aluno brilhante do Imperial Conservatório de Música (atual Escola de Música da UFRJ), Braga se destacou como regente, compositor e professor de composição, contraponto, fuga e instrumentação, tendo entre seus alunos mais ilustres Glauco Velásquez, Luciano Gallet e Lorenzo Fernândez. Era tão famoso no início do século XX que em 1909, na inauguração do Theatro Municipal do Rio de Janeiro, foi o maestro convidado para o concerto de abertura, quando regeu, entre outras peças, seu poema sinfônico Insônia. Além do consagrado hino ao pavilhão nacional, composto para os versos de Olavo Bilac, Braga foi autor de ópera, concertos, poemas sinfônicos, música de câmara e canções que o projetaram internacionalmente. No final de sua vida, criou o Sindicato dos Músicos Profissionais, do qual foi o primeiro presidente.
A obra — A Primeira Guerra Mundial, que durou de 1914 a 1918 e causou a morte de 10 milhões de pessoas na Europa, abalou as estruturas do mundo todo. Temendo a continuidade dos conflitos, artistas, intelectuais e políticos se uniam em prol da paz. Em 1919, o então presidente da República Epitácio Pessoa participou da Conferência de Paris, em que diversos governantes mundiais discutiram o processo de paz entre as nações. Quando regressou ao Brasil, foi realizado um concerto em sua homenagem, para o qual três compositores foram convidados a criar, cada um, uma sinfonia sobre o fim da guerra. Segundo o pesquisador e antropólogo Paulo Renato Guérios, a Heitor Villa-Lobos coube A guerra; A vitória foi composta por J. Otaviano Gonçalves e A paz por Francisco Braga. Braga se inspirou diretamente no poema escrito por Escragnolle Dória e compôs um poema sinfônico para coro e orquestra, inserindo na composição o clamor pela paz dos versos de Dona.
Glauco Velásquez (1884 — 1914) nasceu em Nápoles, Itália, filho da brasileira Adelina Alambary e do barítono português Eduardo Medina Ribas, mas foi criado por família italiana, vindo para o Brasil ao completar 13 anos de idade. Em Nápoles descobriu a música, cantando em coros de igrejas. Aos 18 anos, o maestro Francisco Braga aprova suas partituras e o faz ingressar no Instituto Nacional de Música. Ali, Frederico Nascimento contribuiu decisivamente para seu aprimoramento, sem falar no próprio Braga, seu professor de contraponto, fuga e composição. Sua evolução é rápida e suas composições dessa época têm traços de um modernismo, ou pré-modernismo, que logo seria alcançado no Brasil, principalmente a partir de Villa-Lobos. Curiosamente, sua estréia pública só aconteceu aos 27 anos, em concerto no salão do Jornal do Commercio. Apresentou composições suas e foi muito elogiado pelos críticos. Mas o sucesso tardio o encontrou com tuberculose, e ele definhava rapidamente. Ao falecer, Velásquez deixou inacabada a partitura da ópera Soeur Béatrice, terminada por Francisco Braga, e o Quarto trio, concluído pelo francês Darius Milhaud.
A obra – A canção Alma minha gentil foi ouvida pela primeira vez em 19 de julho de 1913, no Rio de Janeiro, com solo da cantora Stella Parodi. Velásquez compôs a música sobre os versos do Soneto 48, escrito pelo português Luís de Camões no século XVI. Segundo historiadores, este soneto aproxima-se do soneto XXXVII de Petrarca, sendo o de Camões “de mais pura espiritualidade e mais penetrante melodia”. De acordo com o manuscrito da VIII Década de Couto, de posse da Biblioteca Municipal do Porto, em Portugal, ele foi inspirado por sua amada Dinamene, que naufragou com o poeta na foz do rio Mécon e morreu afogada. O poema, escolhido por Velásquez, revela sua própria angústia diante da iminente aproximação da morte, em decorrência da tuberculose, que ocorreria onze meses depois da estréia desta canção. O compositor tinha apenas 30 anos.
Luciano Gallet (1893 — 1931), descendente de franceses, nasceu no Rio e freqüentou o Colégio Salesiano, em Niterói (RN onde integrou o coral e estudou harmônio e piano como autodidata. Estudou arquitetura, mas a música seria seu caminho. Junto com Villa-Lobos, tocou em orquestras de baile. Em 1913, orientado pelos amigos Henrique Oswald e Glauco Velásquez, passou a se dedicar à música com seriedade. Matriculou-se no Instituto Nacional de Música para estudar piano e conquistou Medalha de Ouro. Empenhou-se em divulgar a obra de Velásquez, falecido em 1914, ajudando a fundar a Sociedade Glauco Velásquez. Além deste, Gallet sofreu influências do francês Milhaud, seu professor de harmonia. Suas primeiras obras tinham características dos dois, sempre com sonoridade afrancesada. Mas voltou-se para o folclore. Sua primeira suíte, Turuna (1926), para orquestra de câmara, traz resultados desse trabalho. Três anos depois compõe a Suíte sobre temas negro-brasileiros. Além de compositor e intérprete, foi professor, e no INM implantou a linha de ensino que vigora hoje, além de criar a cadeira de Folclore.
A obra — Assim como o Batuque da Suíte brasileira (1897), de Alberto Nepomuceno, e o Batuque do Reisado do pastoreio (1929), de Lorenzo Fernândez, o Tango-Batuque de Gallet, situado cronologicamente entre aquelas peças, apresenta elementos rítmicos afro-brasileiros. Entretanto, sua composição tem também elementos da música urbana carioca, no caso o “tango brasileiro”, que, distante das harmonias típicas argentinas, estava bem mais próximo do maxixe, cujos maiores representantes foram Ernesto Nazareth e Chiquinha Gonzaga. Gallet considerava seu Tango-Batuque o primeiro passo de sua obra na exibição de uma brasilidade profunda, preocupação sua desde 1918, quando deu inicio às pesquisas folclóricas. Ainda assim, os aspectos urbanos e populares encontrados na composição do Tango-Batuque são mesclados à musicalidade erudita, principalmente da escola francesa, tão em voga na época.
Oscar Lorenzo Fernândez (1897 — 1948), filho de espanhóis e fundador, com Villa-Lobos, da Academia Brasileira de Música, nasceu no Rio no mesmo ano em que o cearense Alberto Nepomuceno, um dos precursores do nacionalismo, compôs a Suíte brasileira. Sinal premonitório para uma carreira de muito empenho pela consolidação do nacionalismo na música erudita no Brasil. Aprendeu piano de ouvido e recebeu da irmã as primeiras noções de teoria. Tocava em bailes e compunha. Aos 20 anos, ingressou no Instituto Nacional de Música, onde aprendeu com Henrique Oswald, Francisco Braga e Frederico Nascimento, seu mentor. Teve composições premiadas em concurso internacional de 1922, e estreou no nacionalismo em 1924, com o Trio brasileiro. A consagração chega com a suíte Reisado do pastoreio. Instigado pelos manifestos modernistas de Mário de Andrade, Fernândez se inspirava em temas afro-brasileiros, ameríndios e caboclos, e criou, entre outras, a Valsa suburbana e a ópera Malazarte, baseada no texto de Graça Aranha, principal mentor da Semana de Arte Moderna. Também regente e professor, fundou o Conservatório Brasileiro de Música, em atividade até hoje no Rio.
A obra — Após o enorme sucesso de seu poema sinfônico ameríndio lmbapara, a estréia do Reisado do pastoreio se dá em 29 de agosto de 1929, no Rio, com a Orquestra do Instituto Nacional de Música, regida por Francisco Braga. Suíte orquestral dividida em três partes, teve grande êxito devido principalmente à última parte, o Batuque, muitas vezes executada separadamente e que se tornou um clássico. O Batuque se destacou, como a Congada de Mignone, pela força rítmica e estética tirada da cultura negra. Ganhou público, fama internacional e atenção de regentes estrangeiros que o interpretaram em inúmeros concertos e gravações. Sua intensa brasilidade encantou, entre outros, o lendário italiano Toscanini, o americano Leonard Bernstein e o russo Koussevitsky. Esta é uma das raras oportunidades de se ouvir o Batuque inserido na obra original.
Francisco Mignone (1897 — 1986) dedicou-se a todos os gêneros musicais, colorindo grande parte de sua obra com os matizes culturais brasileiros. Filho de imigrantes, viveu até a juventude nos bairros italianos de São Paulo. Recebeu cedo do pai lições de flauta, trompa e piano, estudando este instrumento com professor particular, mas, aos 13 anos, para custear as aulas tocava em pequenos conjuntos e acompanhava sessões de cinema mudo. Assinava suas músicas como Chico Bororó, nome de um jogador de futebol, pois fazer música popular era transgressão social. No Conservatório Dramático e Musical São Paulo conheceu Mário de Andrade, que teria imensa influência em sua música nacionalista. Em 1918, sua Suíte campestre e o poema sinfônico Caramuru foram apresentados ao público, o que lhe rendeu bolsa do governo paulista para aperfeiçoamento na Europa. Mignone ficou por lá de 1920 a 1929 mas foi tocado pela Semana de Arte Moderna e suas conseqüências. Admirava muito Villa-Lobos e estudava suas obras com afinco. De volta ao Brasil, escreveu dezenas de peças com influência afro-brasileira, e foi considerado o maior compositor erudito de música negra no Brasil.
A obra — A primeira composição orquestral de Mignone foi o poema sinfônico Caramuru, inspirado no poema épico escrito em 1781 por Frei José de Santa Rita Durão que descreve a lenda do naufrágio de Diogo Álvares Correia (o “Caramuru”), ocorrido no século XVI no Recôncavo Baiano. A estréia da obra aconteceu no Teatro Municipal de São Paulo, em 18 de setembro de 1918, sob a regência de seu pai, Alfério Mignone, mas com supervisão direta de Francisco, que tinha 21 anos. Caramuru já apresenta características que seriam comuns na sua obra e sonoridades brasileiras que tanto o atraiam. Para o musicólogo Mario Tavares, “a melhor música de Mignone é toda ela impregnada de um brilho orquestral impetuoso e singular, bem como do desejo incontido de expressar todo o seu comprometimento com a brasilidade”.
textos: Robson Leitão
Trata-se de um disco antológico, com compositores e obras que queriam dar uma cara mais brasileira à música que aqui se fazia, afastar-se dos estrangeirismos, fazer uma arte genuinamente nacional.
Ouça, ouça! Deleite-se sem a menor moderação!
Alma Brasileira
Nacionalismo e modernismo brasileiros
Francisco Mignone (1897-1986)
01. Caramuru – Poema Sinfônico
Glauco Velásquez (1884-1914)
02. Alma Minha Gentil, op. 107, para canto e orquestra de câmara
Oscar Lorenzo Fernandez (1897-1948)
Reisado do Pastoreio
03. Reisado
04. Toada
05. Batuque
Luciano Gallet (1893-19031)
06. Tango-Batuque
Francisco Braga (1868-1945)
07 e 08. A Paz – Cortejo para coro e orquestra
Orquestra Sinfônica Nacional – UFF
Ligia Amadio, regente
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