Este CD apresenta um programa dedicado a um repertório menos explorado do compositor e violinista virtuoso Pietro Antonio Locatelli (1695-1764). Em vez de focar em sua obra mais famosa, L’Arte del Violino (Op. 3), a gravação destaca as seis Introduttioni Teatrali que compõem a primeira parte do Op. 4, publicadas em 1735. As Introduttioni são peças curtas em três movimentos (geralmente no formato rápido-lento-rápido), que se assemelham mais à sinfonia operística italiana da época do que a uma “introdução” para uma obra teatral, embora provavelmente tivessem essa função, talvez como aberturas para espetáculos no Amsterdã Musical Theatre, que ficava perto da casa do compositor. Musicalmente, estas obras representam um momento de transição. Elas mesclam a estrutura do concerto grosso herdado de Corelli, com a alternância entre o grupo de solistas (concertino) e a orquestra (ripieno), com a forma tripartite da sinfonia operística contemporânea. No entanto, Locatelli inova ao integrar os dois grupos de forma mais fluida, fazendo com que toquem juntos na maior parte do tempo e destacando o concertino apenas em certos momentos, especialmente nos movimentos finais. O resultado é uma música vivaz, cheia de contrastes dinâmicos e texturas encantadoras, que realmente evocam a atmosfera de uma noite de teatro. A faixa de abertura, por exemplo, já apresenta o quarteto de solistas se destacando em vários momentos. O grande mérito desta interpretação do Freiburger Barockorchester, sob a regência de Thomas Hengelbrock, é a de valorizar a energia e a vivacidade inerentes a essas partituras. Além das seis Introduttioni, o CD traz três sonatas de Locatelli, oferecendo um panorama mais completo de sua música de câmara.
Pietro Antonio Locatelli (1695-1764): 6 Introduttioni Teatrali, op. 4 – Freiburger Barockorchester, Thomas Hengelbrock
1 Introduttione 1. D-dur / D-major 5:39
2 Introduttione 2. F-dur / F-major 6:50
Sonata Op. 8 No.2 D-dur/ D-major
3 Adagio 2:14
4 Allegro 3:27
5 Presto-Lento-Presto 3:19
6 Introduttione 3. B-dur / B-major 5:39
7 Introduttione 4. G-dur / G-major 4:27
Sonata Op. 5 No.2 e-moll/ E minor für/for 2 Violinen/violins & Basso Continuo
8 Largo-Andante 5:40
9 Allegro 3:01
10 Allegro 1:34
11 Introduttione 5. D-dur / D-major 6:51
Sonata Op. 5 No.2 e-moll/ E minor für/for Violin(e), Cello & Basso Continuo
12 Cantabile 3:59
13 Allegro 1:40
14 Vivace 4:31
15 Introduttione 6. C-dur / C-major 5:50
Conductor – Thomas Hengelbrock
Orchestra – Freiburger Barockorchester
PQP
Para os fãs de Lyle Mays, conhecido principalmente por seu trabalho elétrico no Pat Metheny Group, Fictionary (1993) foi uma surpresa e tanto. Este álbum é um mergulho profundo e corajoso na tradição dos trios de piano acústico, funcionando como uma homenagem aos pianistas que mais o influenciaram, como Bill Evans, Keith Jarrett, Herbie Hancock, Chick Corea e Paul Bley.
Este CD, parte da bela série da Naxos com as obras orquestrais de Penderecki, oferece uma visão fascinante de dois momentos distintos, porém complementares, na trajetória de Pen. É uma gravação que, nas palavras do crítico da Gramophone, “deveria receber mais atenção”. Ele temn razão!
IM-PER-DÍ-VEL !!!
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Sou um admirador de alguns nacionalismos e, dentre eles, está o do grande Manuel de Falla, compositor espanhol. Além de grande pianista e compositor, de Falla participa da história literária de seu país ao tentar — figura de proa que era na Espanha — impedir o assassinato de seu amigo Federido García Lorca pelas milícias franquistas em 1936. Em vão. Seus últimos anos foram vividos no exílio, na Argentina. El Amor Brujo é uma bela peça, mas ainda é melhor na versão de câmara original que ora apresentamos. É incomum ouvi-la assim. Já El Corregidor y la Molinera é a primeira versão de O Chapéu de Três Bicos, que depois apareceu reescrita e com novo nome para o Balé Russo de Diaguilev.
Um jurássico razoável, entre o dureza de ouvir e o mais ou menos. 
IM-PER-DÍ-VEL !!! (Candidato a ser levado para a ilha deserta).
Esta é a versão reorquestrada e cantada em alemão de ”Acis e Galatea”, de Handel, realizada em 1788 para o Barão von Swieten, alguém rico que apaixonou-se para música barroca pero no mucho. Em sua forma original, em inglês com instrumentação simplificada, este trabalho de Handel foi muitas vezes apresentado na forma de concerto. Contudo o Barão queria um pouco mais de massa sonora e pediu uma versão mais parruda a Mozart. Nosso amigo agregou duas flautas, clarinetes e trompas, o que dá a orquestra uma sonoridade meio esquisita, mas que sublinha muito bem a partitura de Handel. Afinal, estamos falando de Mozart, não de um amador qualquer.
Johann Sebastian Mastropiero é um compositor clássico sobre o qual pouco se sabe. Suspeita-se que ele tenha nascido em 7 de fevereiro, embora o ano, o século e até mesmo o local sejam desconhecidos. Vários países o reivindicam como seu. Seu nome de batismo, Johann Sebastian, é motivo de debate, pois ele também era conhecido por outros nomes: Peter Illich, Wolfgang Amadeus, entre outros (por exemplo, assinou sua terceira sinfonia como Etcétera Mastropiero). Sabe-se que ele era filho de mãe italiana e tinha um irmão gêmeo, Harold Mastropiero, membro da máfia, que vivia nos Estados Unidos.
IM-PER-DÍ-VEL !!!
IM-PER-DÍ-VEL !!!
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Hoje, só teremos excelentes postagens! Afinal, é o aniversário de PQP Bach! Não, não é o aniversártio do blog e sim o MEU aniversário!
Something like a bird é a última declaração de um gigante o canto do cisne de Charles Mingus — o seu derradeiro testemunho musical. Gravado em janeiro de 1978, cerca de um ano antes da sua morte, este álbum capta o compositor e baixista num momento de profunda vulnerabilidade física, mas de inabalável criatividade. Já confinado a uma cadeira de rodas devido à esclerose lateral amiotrófica, Mingus não conseguiu tocar o seu inseparável contrabaixo nestas sessões, mas supervisionou cada detalhe, transmitindo as suas ideias musicais através de esboços e da orientação aos arranjadores. É, por isso, mais do que um álbum de jazz; é um documento histórico e um ato de resistência. Lançado postumamente em 1981, o álbum é composto por apenas duas peças. A faixa-título é uma suite de mais de 31 minutos, dividida em duas partes para acomodar o formato de vinil. É uma viagem épica e efervescente, construída sobre uma sequência de acordes boppish de uma composição anterior de Mingus, Extrasensory Perception. A peça, que incluiu uma orquestra de 27 músicos, com 11 saxofones e quatro guitarras, avança como uma conversa polifônica onde solos se erguem e se dissolvem em explosões de energia coletiva, ecoando o espírito das jam sessions da Jazz at the Philharmonic, como a crítica da época sublinhou. Em contraste, Farewell Farewell é uma balada mais contida e introspetiva. Arranjada para uma orquestra ligeiramente menor, a sua melancolia e o seu título parecem prenunciar a despedida iminente do seu criador. É um momento de serena beleza, um adeus elegíaco que encerra o álbum com uma nota de contemplação silenciosa, em vez do frenesim da faixa anterior.
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Gosto dos maestros contemporâneos, especialmente de Rattle, Mäkelä e Nelsons. Gostei deste CD curtinho com a Sétima de Ludwig van. Esta gravação de Beethoven, com os Wiener Philharmoniker sob a direção de Sir Simon Rattle, pertence ao ciclo completo das nove sinfonias registrado ao vivo no Musikverein de Viena, em 2002. O projeto chegou com grande expectativa: Rattle, prestes a assumir a Filarmônica de Berlim, e os vienenses, uma orquestra de tradição inquestionável, a confrontarem-se com um repertório que ambos conhecem como poucos. O lançamento foi um evento muito comentado na época. A aposta de Rattle era clara e ambiciosa: conciliar a tradição interpretativa com as descobertas da investigação musicológica. Para isso, utilizou a edição Urtext de Jonathan Del Mar (não pensem que sei do que estou falando, apenas pesquisei), que procurou limpar a música das “camadas de verniz” acumuladas ao longo de décadas, e optou por um efeito sonoro mais transparente, com menos vibrato. A escolha da Filarmônica de Viena, uma orquestra com uma sonoridade inconfundível e profundamente enraizada no Romantismo, tornou a experiência particularmente fascinante — uma tentativa de modernizar ou arcaizar (depende do ângulo) o velho mundo a partir de seu interior.
IM-PER-DÍ-VEL !!!
Gravado em 25 de julho de 1993, num dia ligeiramente chuvoso em Tóquio, este concerto documenta o Trio de Keith Jarrett no auge da sua telepatia musical. Uma década após a formação do grupo — que liderou um revivalismo do jazz acústico — Jarrett, Gary Peacock (contrabaixo) e Jack DeJohnette (bateria) oferecem uma demonstração magistral de interação, improvisação e virtuosismo. O programa equilibra standards do cânone jazzístico, originais e surpresas. A abertura com “In Your Own Sweet Way” de Dave Brubeck estabelece o tom: uma abordagem respeitosa mas radicalmente pessoal do material. O ponto alto indiscutível é a interpretação de “Solar” de Miles Davis, que se estende por uns impressionantes 26 minutos numa “Extension” que incorpora uma influência oriental, transformando o tema numa jornada hipnótica que nunca perde o ímpeto. Outros momentos de destaque incluem “Oleo” de Sonny Rollins — uma leitura vibrante que revela a cumplicidade do trio, com DeJohnette sempre a desafiar Jarrett com explorações rítmicas –, “The Cure” — o original de Jarrett, com uma groove contagiante que sublinha a sua veia mais rítmica –, “Bye Bye Blackbird” — uma das interpretações mais celebradas do trio, aqui captada com uma intensidade comovente — e a bela “Butch and Butch”. A química entre estes três músicos é verdadeiramente notável. Gary Peacock, em particular, revela uma sintonia extraordinária com Jarrett, trocando provocações musicais que evidenciam anos de cumplicidade. Jack DeJohnette, com a sua abordagem inventiva à bateria, demonstra porque é considerado um dos mais influentes percussionistas da sua geração — e a realização em vídeo (aqui temos apenas o áudio) permite observar de perto as suas técnicas sutis, desde o swing mais tradicional até aos sons mais únicos que produzem.
