A primeira vez em que ouvi esta versão de “Be-Bop” foi em uma coletânea, um LP duplo, e fiquei impressionado. E não poderia deixar de ficar, afinal foi esta lendária música que nomeou o ritmo de jazz que se tornaria famoso no mundo inteiro, e que revelou gente com Dizzie Gillespie, Charlie Parker, Miles Davis, Coltrane entre tantos outros. E o que Coltrane e Jackson fazem aqui é de arrepiar.
Milton Jackson e John Coltrane são duas lendas no mundo do jazz, disso ninguém em sã consciência duvida. E o resultado da parceria desta dupla só poderia ser esse disco, “Bags & Trane”, fácil, fácil, classificável como um dos melhores discos de jazz gravados na história da indústria fonográfica. Ele é tão perfeito que fica difícil qualquer comentário, a única coisa que posso dizer aos senhores é para ouvir e ouvir e ouvir, e não esqueçam de ouvir inteiro, novamente, para preencherem seus cérebros com o que de melhor produziram dois dos maiores gênios da música do século XX. Lhes garanto que após sua audição irão enxergar o mundo com outros olhos, e um sorriso lhes vai brotar nos lábios quando lembrarem que quando chegarem em casa, este disco vai estar lhes esperando para ser ouvido, novamente.
Milt Jackson & John Coltrane – Bags & Trane
1 Stairway to the Stars (Matty Malneck, Mitchell Parish, Frank Signorelli)
2 The Late Late Blues (Milt Jackson)
3 Bags & Trane (Milt Jackson)
4 Three Little Words (Harry Ruby)
5 The Night We Called It a Day (Matt Dennis, Tom Adair)
6 Be-Bop (Dizzy Gillespie)
7 Blues Legacy (Milt Jackson)
8 Centerpiece” (Sweets Edison, Bill Tennyson)
Milt Jackson (vibraphone)
John Coltrane (tenor saxophone)
Hank Jones (piano)
Paul Chambers (bass)
Connie Kay (drums)
Recorded: January 15, 1959 – Atlantic Studios, New York City
Released: July 1961
Um país que concede carteira de habilitação automobilística a um sujeito como eu, ‘barbeiro de carteirinha’, não pode ser um país sério, embora hoje, nesta data de 2 de janeiro de 2022 d.C., saibamos o quanto podemos ser seríssimos (pelo menos em pouco mais de 50% da população). Permitam-me contar, a propósito da tal credencial, que há alguns anos, quando ainda não aprendêramos a duríssimas penas o quanto poderíamos ser tão sérios, precisei renovar a carteira de motorista. Aproveitando o ensejo de estar num Taxi, indaguei ao chofer como andavam as coisas quanto a ‘renovação de carteira’. Ele me olhou ‘seríssimo’ e de olhos esbugalhados, me falou: “Ah, isso agora é uma DEMOCRACIA!”. Eu jamais cometeria a indelicadeza de rir do meu seríssimo informante e condutor, decerto desabituado a utilizar o termo ‘burocracia’; apenas me veio a ideia de que contaria o ocorrido a alguns colegas do meu círculo musical e eles dariam boas gargalhadas. Hoje, sob o lábaro do nosso gratíssimo momento histórico, me vem a lembrança deste divertido episódio, mais a referência de um ótimo livro de Tom Holland (historiador inglês, não o ator do Homem Aranha mais insosso do cinema). Em seu formidável “Fogo Persa”, Mr. Holland nos traz detalhes sobre a criação da Democracia (por vezes um verdadeiro presente de grego, mas ainda assim a melhor filosofia). Na lente da História os antigos nos sabem a semideuses. O fato é que onde há poder e porfia pelo mesmo, há veneno. Clístenes, filho de dona Agarista de Sicião com o compadre Mégacles, assomou pelos milênios como um dos pais, senão o pai, da chamada Democracia. Clístenes, vendo-se quase que literalmente com a peixeira no pescoço, num momento de sagacidade digna do Odisseu, lançou à multidão a ideia democrática e cativou o público. Angariando, todavia, o ódio dos asseclas com os quais chegara a Atenas aspirando a tirania. Enfim, em nossa História, só foi santo J. S. Bach. Evoco a Democracia nessa postagem, não apenas porque é a palavra do momento e a virtude cívica pela qual devemos primar. Trago o termo também porque não existe gênero musical mais democrático do que o Jazz.
Também não existe gênero musical mais difícil de se classificar, analisar e definir, quanto o Jazz – que um dia foi Jass. Fosse um termo indecoroso referente ao refocilo da carne ou uma referência aos jasmins dos cabelos das ninfas de ébano de New Orleans, este derivado do blues com o ragtime cumpriu uma celeríssima evolução no espaço de poucas décadas, na dinâmica de um século vertiginoso. Fazendo o século XX, como diria Dizzy Gillespie, soar como nenhum outro. No Jazz temos estilos conforme o tempo e lugar, e dentro de cada estilo intérpretes, os quais, cada um em si constitui um universo particularíssimo de manifestação musical. Não há também estilo mais gregário e dúctil, aberto a influências conforme diferentes culturas e veículo de novas expressões – únicas, a cada artista que o cultiva. Para além disso, o Jazz é dificílimo de se conceituar. Existem intérpretes que mal usam o material do blues, elemento considerado fundamental no gênero, embora seu espírito esteja presente. Defender que a preeminência da improvisação define o Jazz é plausível, todavia, a peça Fontainebleau, de Tadd Dameron, é escrita com o rigor de uma fuga barroca, sem espaços para improviso, e é Jazz. Mais inúmeros arranjos de orquestras e big-bands estruturadíssimos, apesar dos momentos de solo. O elemento do swing pode ser apontado como fator determinante para definir o que seria Jazz, porém que swing? New Orleans Style, Be-bop, Hard Bop, Jazz Manouche, Fusion… Louis Armstrong, Django Reinhardt, Basie, Ellington, Moacir Santos, Hermeto Pascoal… Impossível capturar uma definição precisa. Convenhamos, nada menos aplicável a uma arte do que um dogma. Assim sendo, melhor seguir o conselho do meu tio Wilde e aproveitar a rosa, ao invés de ficarmos analisando suas raízes num microscópio.
O mais puro exercício de democracia em música acontece numa Jam Session, onde cada um tem a sua vez na construção musical. Mesmo que parte da chamada cozinha, bass e drums, não se pronunciem em solo em todas as faixas, haverá sempre seus momentos, o que os ressalta de forma especialíssima. Não há ostracismo na Jam Session. Os longos movimentos em Tacet, onde o pobre tocador de pratos numa certa sinfonia de Tschaikovsky fica de castigo até o último momento. O chorus (o bloco harmônico a ser utilizado ao longo de certo número de compassos) é dividido em número pré estabelecido entre os solistas, e a ordem de atuação deve ser respeitada. Cada nota é um voto pela construção da obra total e, grande lição, pelo bem comum. Não há partidos numa Jam Session. E o único roubo se dá quando um solista aproveita e desenvolve uma ideia tocada pelo outro ao final do seu solo. Na verdade, uma reciclagem motívica.
Esta postagem traz dois tesouros da Pablo Records, que tantas maravilhas jazzísticas nos legou, envoltas em suas características e belas capas em preto e branco: Basie Jam 2 e 3 de 1976. Escolhi estes e não o Basie Jam 1, de 1973 (que poderá vir futuramente) porque ambos, 2 e 3, trazem o mesmíssimo grupo em ação e foram gravados em sequência. Temos aqui um brilhantíssimo exemplo da democracia musical supracitada, nas mãos de verdadeiros tótens do Jazz, liderados por Sua Majestade (sem qualquer apologia monárquica) Count Basie. Certa vez lhe indagaram como desenvolveu o seu lacônico estilo ao piano. Sutis tilintares no mar sereno da condução rítmica e harmônica, monossilábicas blue-notes que dizem tudo o que precisamos saber – ou sentir. Ele respondeu que tocando nas noites se via obrigado a revezar a sua mão direita entre o piano, o copo de whisky, o charuto e as mãos dos que vinham cumprimentá-lo. Ora, o que para outros gêneros musicais poderia ser uma limitação, no Jazz transmuta-se em estilo. Orbitando o piano de Basie, um gigante do trompete, o queridíssimo Clark Terry. Um daqueles artistas reconhecíveis com apenas duas notas. Dono de uma habilidade e verve que marcaram a história do gênero. Aqui deflagrando estonteantes solos repletos de feeling. Ao seu lado, no sax tenor, Eddie “Lockjaw” Davis, também chamado “Jaws” (nada a ver com o cara dos filmes de 007), devorando os solos como se come pelas beiradas um delicioso pastel quente. No trombone, Al Grey, egresso das melhores big bands, especialmente de Count Basie, onde se notabilizou pelo som vibrante, pelo contagiante swing dos seus solos e pelo uso da surdina plunger (desentupidor de pia), com a qual tecia verdadeiros e quase vocálicos comentários no efeito ‘wa-wa’. Integrando essa constelação, o grande Benny Carter no sax alto. Um dos músicos mais representativos do Jazz, como multi-instrumentista, compositor e arranjador, além de uma personalidade ímpar e admirável. Junto com Johnny Hodges foi pioneiro no seu instrumento (embora deva ser lembrado Frank Trumbauer, colega de copo e de orquestra do genial Bix Beiderbecke, que tocava algo similar, um chamado Sax Melody). Carter foi um dos mais destacados, prolíficos e queridos músicos do Jazz. Por trás desta quadra de ases, à guitarra, Joseph Anthony Jacobi Passalaqua, mais conhecido como o fenomenal Joe Pass. Outro dos mais relevantes e atuantes criadores daquele idioma musical, especialmente no seu instrumento, do qual é, inegavelmente e junto a Django Reinhardt, Charles Christian e Wes Montgomery, um dos maiores e influentes nomes – um daqueles nomes dos quais duas ou três postagens ainda seria pouco para se falar. No Double Bass, John Heard, baixista, mas também artista plástico. Pintor e escultor. Músico de extensa atuação junto a demarcados artistas e que aqui se ressalta especialmente pela virtude que se espera de um grande contrabaixista: uma base fidelíssima e cheia de swing, que a certa altura percebemos ser fundamental; sem a qual nada poderia acontecer na linha de frente. Finalmente, no trono da bateria, um dos brilhantes nomes desse instrumento junto a Chick Webb e Gene Krupa, o ítalo-americano Luigi Paulino Alfredo Francesco Antonio Balassoni: Louis Bellson, com sua ‘discretíssima’ e famosa peruca. Drumer, bandleader, compositor e arranjador, educador musical (ufa!); ah, e pioneiro no uso de dois Bass Drums, os tambores maiores da bateria. Como podemos ver, amigos, num time desses só falta o Rei Pelé – que Deus o tenha!
Dedico esta postagem ao amigo José Maria Avallone (em memória), clarinetista e artista plástico, um dos maiores amantes e conhecedores do Jazz que conheci.
BASIE JAM 2
1 Mama don’t Wear No Drawers (Basie, Carter, Terry)
2 Doggin’ Around (Battel, Evans)
3 Kansas City Line (Basie)
4 jump (Basie, Carter, Tery, J.J. Johnson)
BASIE JAM 3
1 Bye Bye Blues (Bennet, Gray, Lows)
2 Moten Swing (Bennie Moten)
3 I Surrender Dear (Berris, Clifford)
4 Song of the Islands (Charles King)
O que você quer de um grande disco de jazz? Uma boa banda? Tem. Arranjos espetaculares e surpreendentes? Tem. Um monte de gente ouvindo um ao outro e criando belos contrapontos? Tem. Mingus revisitado? Tem. Um Monk cheio de novidades? Tem. Ainda pouco conhecido, Jean Philippe Scali oferece-nos aqui um lindíssimo álbum. O saxofonista faz-se acompanhar por excelentes músicos, majoritariamente do sul de França. Este é o primeiro álbum dele. É de 2012. Ouvi uma vez e tive que repetir e repetir. A cada vez, ouço novos sons, antes ocultos, óbvio. Um álbum muito bonito e divertido!
.: interlúdio :. Jean-Philippe Scali: Evidence
01. Brother James – 5:48
02. Autoportrait d’Un Chat Sauvage – 10:32
03. Fables Of Faubus – 9:19
04. Eternel Present – 5:37
05. Five Minutes’ Walk – 4:33
06. Come Sunday – 3:46
07. Evidence – 9:04
08. When The Saints Go Marching In… Suite (Part 1) – 4:53
09. When The Saints Go Marching In… Suite (Part 2) – 4:42
10. Hope – 4:54
11. Dragui’s Mood – 6:01
Personnel:
Jean-Philippe Scali, saxophone & compositions
Julien Alour, trumpet & flugelhorn
Jerry Edwards, trombone
Adrien Chicot, piano & Fender Rhodes
Simon Tailleu, bass
Manu Franchi, drums
Stephan Carracci, vibraphone
Bastien Ballaz, trombone
François Théberge, tenor saxophone
Thomas Savy, bass clarinet
Tentar atender um chavão como postar “O Quebra-Nozes” no Natal ao mesmo tempo que se o subverte marotamente é puro sumo deste blogue, pelo que resolvi trazer-lhes hoje estas gravações. Se certamente há na discografia de “Duke” álbuns mais brilhantes, também há muita beleza e humor nessas transmutações do balé de Tchaikovsky que fizeram tanto e tão tremendo sucesso em sua época quanto foram rapidamente esquecidas entre os jorros da cornucópia criativa de Ellington. Digno de nota é o destaque então inédito dado a seu braço direito: o incansável Billy Strayhorn, compositor de “Take the ‘A’ Train” e de “Chelsea Bridge”, excelente pianista e, sobretudo, arranjador responsável por muito do que de imediatamente reconhecível há no som de “Duke” e sua orquestra. Seu sobrenome aparece, merecidamente, entre os de “Duke” e Pyotr na capa do LP original, da mesma forma que seu nome ganha as mesmas maiúsculas que o dos colegas mais velhos na capa do álbum que lhes apresentamos na sequência, aquele que interrompeu inacreditáveis cinquenta anos até que tivessem a ideia de lançar o “Quebra-Nozes” de Tchai ao lado de sua suingueira recriação pelos talentos do Novo Mundo.
THE NUTCRACKER SUITE (1960)
Ellington – Strayhorn – Tchaikovsky
Música de Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)
Arranjos de Duke Ellington e Billy Strayhorn
1 – Overture
2 – Toot Toot Tootie Toot (Dance of the Reed-Pipes)
3 – Peanut Brittle Brigade (March)
4 – Sugar Rum Cherry (Dance of the Sugar-Plum Fairy)
5 – Entr’acte
6 – Volga Vouty (Russian Dance)
7 – Chinoiserie (Chinese Dance)
8 – Danse of the Floreadores (Waltz of the Flowers)
9 – Arabesque Cookie (Arabian Dance)
Duke Ellington, piano
Willie Cook, Fats Ford, Ray Nance e Clark Terry, trompetes
Lawrence Brown, Booty Wood e Britt Woodman, trombones
Juan Tizol, trombone valvulado
Jimmy Hamilton, clarinete e sax tenor
Johnny Hodges, sax contralto
Russell Procope, sax contralto e clarinet
Paul Gonsalves, sax tenor
Harry Carney, sax barítono, clarinete e clarone
Aaron Bell, contrabaixo
Sam Woodyard, bateria
Gravado em 26 e 31 de maio e 3, 21 e 22 de junho de 1960 nos estúdios Radio Recorders, Los Angeles, Estados Unidos.
NUTCRACKER SUITES (2013)
Harmonie Ensemble New York
Pyotr Ilyich TCHAIKOVSKY (1840-1893)
Suíte do baléShchelkuntchik (“O Quebra-Nozes”), Op. 71a 1 – Abertura
2 – Marcha
3 – Dança da Fada Açucarada
4 – Trépak (Dança Russa)
5 – Dança Árabe
6 – Dança Chinesa
7 – Dança das Flautas de Bambu
8 – Valsa das Flores
The Nutcracker Suite Arranjo de Billy Strayhorn e Duke Ellington para a Suíte do balé “Quebra-Nozes” de Tchaikovsky
9 – Overture 3:19
10 – Toot Toot Tootie Toot (Dance of the Reed Pipes)
11 – Peanut Brittle Brigade (March)
12 – Sugar Rum Cherry (Dance Of The Sugar Plum Fairy)
13 – Entr’acte 1:56
14 – The Volga Vouty (Russian Dance)
15 – Chinoiserie (Chinese Dance)
16 – Dance of the Floreadores (Waltz of the Flowers)
17 – Arabesque Cookie (Arabian Dance)
George Cables, piano
Lew Soloff, Robert Millikan e Steve Bernstein, trompetes
Art Baron, Curtis Fowlkes e Wayne Goodman, trombones
Scott Robinson, clarinete, sax contralto e flauta de bambu
Mark Gross, sax contralto
Bill Easley, clarinete e sax tenor
Bobby Lavell e Lew Tabackin, sax tenor
Ron Janelli, sax barítono e clarone
Hassan Shakur, contrabaixo
Victor Lewis, bateria
Harmonie Ensemble New York
Steven Richman, regência
Não, não é preciso tirar as crianças da sala. Tio Zorn fez um disco de natal, sim, mas que é verdadeiramente cândido como um… disco de natal. Não, nada de torrentes agressivas de saxofone; na verdade nem há um saxofone nesse álbum. Mas, estranhamente, há uma guitarra havaiana, que reforça o clima de algumas canções: algo lounge, lembrando um tantinho o Beach Boys Christmas Album. Uma faixa puxa para o blues, e outras ainda são verdadeiramente peças de jazz onde se pode facilmente ignorar a temática. Apesar da mistura de estilos, o talento de Zorn se destaca exatamente na composição da banda e na sofisticação dos arranjos, que dão a uniformidade necessária. E ele ainda se sai (bem) com duas composições em meio aos standards: “Santa’s Workshop” and “Magical Sleigh Ride”.
O resultado é francamente agradável, e pra mim, uma surpresa; que quer o Zorn, judeu de quatro costados, Radical Jewish Culture series etc, tocando música de natal? Pesquisei, e deu o óbvio: lembranças de infância. A família dele celebrava o natal e esse disco é uma homenagem àqueles tempos, e uma tentativa de renovar as opções do catálogo disponível. Óbvio, justo, e possivelmente o melhor disco de natal já feito, junto com aquele do Charlie Brown.
John Zorn – A Dreamers Christmas /2011 [320] John Zorn, producer, arranger;
Cyro Baptista, percussion;
Joey Baron, drums;
Trevor Dunn, bass;
Mike Patton, vocal;
Marc Ribot, guitars;
Jamie Saft, keyboards;
Kenny Wollesen, vibes, chimes, glockenspiel
01 Winter Wonderland
02 Snowfall
03 Christmas Time is Here
04 Santa’s Workshop
05 Have Yourself a Merry Little Christmas
06 Let it Snow! Let it Snow! Let it Snow!
07 Santa Claus is Coming to Town
08 Magical Sleigh Ride
09 The Christmas Song
O compositor John Zorn é um homem de muitos projetos, gêneros e estilos. Quando perguntado sobre estilos, ele respondeu: “Não tenho medo de estilos, gosto de todos.” Sua música é um cruzamento único — seja jazz de vanguarda, clássico, música de desenho animado, improvisação livre, etc. –, ele mergulha continuamente em territórios musicais diferentes. Sendo um explorador intrépido e uma esponja musical, seus interesses são tão vastos e em constante mudança que é inútil colocá-lo em qualquer coisa, exceto em uma categoria para si mesmo. Parece que a exploração é a motivação e o principal motor que conduz Zorn. Aqui, com Bill Frisell, Carol Emanuel e Kenny Wollesen, prepare-se para algumas das músicas mais bonitas que Zorn já fez. Ele se volta para a delicadeza da música de câmara com um conjunto íntimo de harpa, vibrafone e violão inspirado na Música Antiga, em Debussy, no minimalismo de Reich e nas tradições espirituais esotéricas de todo o mundo. A música é lírica e hipnótica, perfeita para meditação matinal, para uma tarde solitária ou contemplação à meia-noite. Interpretado com grande emoção por colaboradores de longa data de Zorn, eles interagem com sensibilidade e graça. Os Gnostic Preludes são uma das criações mais delicadas e sutis de Zorn.
John Zorn: The Gnostic Preludes
1 Prelude 1: The Middle Pillar 6:39
2 Prelude 2: The Book Of Pleasure 6:06
3 Prelude 3: Prelude Of Light 5:56
4 Prelude 4: Diatesseron 4:35
5 Prelude 5: Music Of The Spheres 8:14
6 Prelude 6: Circumambulation 6:34
7 Prelude 7: Sign And Sigil 6:22
8 Prelude 8: The Invisibles 3:35
Composed By, Arranged By – John Zorn
Ensemble – The Gnostic Trio
Guitar – Bill Frisell
Harp – Carol Emanuel
Vibraphone, Bells – Kenny Wollesen
As tais “gravações selecionadas” são todas boas, mas não têm quase nada a ver umas com as outras. Este álbum duplo é formado por diversos grupinhos de gravações afins, porém, quando mudamos de grupo, o clima muda de tal forma que tomamos um susto. Não condeno o disco. Afinal, serve para que a gente tome contato com o ecletismo de Jarrett, mas a audição de enfiada é penosa. O CD começa com improvisações ao clavicórdio e finaliza com uma bela peça para órgão. De entremeio, temas para piano solo e para o quarteto escandinavo de KJ. Aprovado com restrições.
Keith Jarrett: Selected Recordings
1. Book Of Ways – 18 7:21
2. Book Of Ways – 12 4:07
3. Book Of Ways – 14 7:10
4. Bregenz, May 28, 1981 – Heartland 4:55
5. Spirits 16 2:10
6. Spirits 20 5:13
7. Spirits 2 1:37
8. Spirits 13 5:09
9. Spirits 25 2:18
10. Spheres – 7th Movement 8:17
11. The Windup 8:22
12. ‘Long As You Know You’re Living Yours 6:10
13. My Song 6:09
14. The Journey Home 10:32
1. Recitative 11:15
2. Americana 7:05
3. First (Solo Voice) 5:22
4. Fifth (Recognition) 5:04
5. Munich, June 2, 1981 – Part IV 11:06
6. Late Night Willie 8:45
7. The Cure 10:30
8. Bop-Be 6:16
9. No Lonely Nights 5:34
10. Hymn of Remembrance 4:03
Keith Jarrett, piano, clavicórdio, órgão, sopros
Mais seu quarteto escandinavo
Em 1975, a verdadeira odisseia musical chamada The Köln Concert tornou-se o mais improvável produto de vendas multimilionárias. No Köln, Keith Jarrett revelou como uma relação privada, não planejada, desplugada e não comercial — entre apenas ele e um piano tradicional — poderia hipnotizar ouvintes em todo o mundo. Jarrett também tocou bastante música clássica e em grupos de jazz com grandes estrelas. Gravou dezenas de discos com mil artistas diferentes. Mas seguiu valorizando corajosamente sua arte sem esconderijos da improvisação em piano solo, como testemunhado por álbuns ao vivo, incluindo o Carnegie Hall Concert de 2006, o Rio de 2011 e, claro, aquela obra de 1975. Em 2018, dois golpes sucessivos interromperam essa alquimia espontânea — assim como as outras –, o que torna esta performance a final solo de Jarrett. Ela foi gravada em julho de 2016. Depois, Jarrett sofreu dois grandes AVCs em fevereiro e maio de 2018. Após o segundo, ficou paralisado e passou quase dois anos em uma clínica de reabilitação. Embora ele tenha recuperado a capacidade limitada de andar com bengala e possa tocar piano com a mão direita, permanece parcialmente paralisado do lado esquerdo e não deve se apresentar novamente. “Não sei como deve ser meu futuro. Não me sinto agora como um pianista”, disse Jarrett ao The New York Times em outubro de 2020. Neste disco, tudo começa com longos fragmentos de improvisação livre, cheio de agudos brilhantes e acordes melancólicos, enquanto Jarrett sente o instrumento e a sala. Quando um gospel de balanço lento surge na Parte III, seus assobios e ganidos irrompem, e quando os loops minimalistas frenéticos da Parte V param, o público entra em erupção. No final, tudo, desde as baladas improvisadas mais suaves até os blues mais exuberantemente pesados, é sensacional. E é notável a variação entre as partes. O público viu surgir uma música única que morava apenas na cabeça de Jarrett, naquele espaço, naquela tarde. Uma pena esses AVCs de merda.
.: interlúdio :. Keith Jarrett: Bordeaux Concert (Live)
1. Keith Jarrett – Part I (Live)
2. Keith Jarrett – Part II (Live)
3. Keith Jarrett – Part III (Live)
4. Keith Jarrett – Part IV (Live)
5. Keith Jarrett – Part V (Live)
6. Keith Jarrett – Part VI (Live)
7. Keith Jarrett – Part VII (Live)
8. Keith Jarrett – Part VIII (Live)
9. Keith Jarrett – Part IX (Live)
10. Keith Jarrett – Part X (Live)
11. Keith Jarrett – Part XI (Live)
12. Keith Jarrett – Part XII (Live)
13. Keith Jarrett – Part XIII (Live)
O saxofonista Pharoah Sanders caminhou para uma outra dimensão ontem, na Califórnia, aos 81 anos, cercado de amigos e familiares. Além uma longa carreira solo dedicada ao jazz, ele também colaborou com muita gente, desde o último grupo de John Coltrane (de 1965 a 67) até um álbum que muitos consideraram o melhor de música instrumental de 2021, com a London Symphony Orchestra e o DJ/instrumentista/compositor Floating Points, álbum que você encontra no link abaixo ou no Spotify, Tidal e similares.
Nosso foco aqui hoje, porém, se volta para uma grande, imensa dupla de instrumentistas, aquela formada por Alice Coltrane e Pharoah Sanders, dois seres humanos que parecem ter canalizado as mesmas energias musicais enraizadas em referências pan-africanas pinçadas com muito ecletismo – com espaço para antigo Egito, yoga, hinduismo… – e sobretudo preocupadas com um tipo de expressão musical que desafia os rótulos, talvez porque o tipo de união mística que eles buscavam vai além das divisões nossas de cada dia… aliás, Expression (1967) é o nome do último álbum gravado por John Coltrane com seu último quinteto, que incluía Alice e Pharoah. Após o sucesso do álbum Karma (1969) com a longa e mística gravação The Creator has a master plan, o nome de Sanders aparece na capa do álbum Journey In Satchidananda que já postamos aqui:
Mas, mesmo sem o nome na capa, Pharoah tem uma participação importantíssima também em dois outros álbuns de estúdio de Alice Coltrane, além de uma gravação de rádio ao vivo no Carnegie Hall. Sua tendência a explorar o limite dos agudos do sax (tenor?) permite identificá-lo facilmente quando ele toca com outros saxofonistas como Joe Henderson e Archie Shepp. Na biografia de Sun Ra – pioneiro do afrofuturismo, corrente que aliás se aplicaria a Sanders se este fosse do tipo que se encaixa em qualquer rótulo – consta que foi aquele pianista que convenceu o jovem Farrell Sanders a usar o nome Pharoah. E mais não digo, porque o importante mesmo é ouvir essa música que vai muito além dos conceitos e definições. Deixo apenas as palavras de mais algumas pessoas que também foram profundamente impactadas pelo respirar tão especial de Pharoah Sanders:
“What I like about him is the strength of his playing, the conviction with which he plays. He has will and spirit, and those are the qualities I like most in a man.” – John Coltrane
(“O que eu gosto nele é a força, a convicção com que ele toca…” – John Coltrane)
“Pharoah Sanders, Whose Saxophone Was a Force of Nature, Dies at 81” – The New York Times
“Even at his most beatific, Pharoah Sanders brings a sense of holy destruction to his playing. The Creator has a master plan, but the journey isn’t always gentle.” – Jason P. Woodbury
(“Mesmo no seu momento mais espiritual, Pharoah Sanders traz um elemento de destruição sagrada quando toca. ‘The Creator has a master plan’, mas a jornada não é sempre tranquila.” – Jason P. Woodbury)
“Pharoah is more abstract, more transcendental.” – Alice Coltrane
(“Pharoah é mais abstrato, mais transcendental.” – Alice Coltrane)
The fact that Pharoah Sanders was part of a movement that turned to yoga, breathing, and other practices to create a new jazz genre is powerful. From his work with Alice Coltrane to Phyllis Hyman, he blew that horn alongside Black women for decades. As a peer and collaborator. pic.twitter.com/Szz7DTQUtk
“Em suas obras com Alice Coltrane e Phyllis Hyman, ele tocou com mulheres negras por décadas. Como um par e colaborador. Não são todos que veem as mãos de Alice Coltrane no desenvolvimento do free jazz, jazz cósmico/espiritual, fusion… ela era um par perfeito para os ouvidos de Pharoah e John. Eles ouviam Alice.” – Lynnée Denise (@lynneedenise)
Alice Coltrane – A Monastic Trio (1968, 1998 remaster)
1. Lord, Help Me to Be
2. The Sun
3. Ohnedaruth
4. Gospel Trane
5. I Want to See You
6. Lovely Sky Boat
7. Oceanic Beloved
8. Atomic Peace
9. Altruvista
Tracks 1-3: Ben Riley — drums, Jimmy Garrison — bass, Pharoah Sanders — tenor saxophone, bass clarinet, flute, Alice Coltrane — piano
Tracks 4-9: Rashied Ali — drums, Jimmy Garrison — bass, Alice Coltrane — piano, harp
Recorded at the Coltrane home studio, Dix Hills, New York, 1968
Alice Coltrane — harp (track 3), piano
Pharoah Sanders — tenor sax (right channel), alto flute (track 3), bells
Joe Henderson — tenor sax (left channel), alto flute (track 3)
Ron Carter — bass
Ben Riley — drums
Recorded at the Coltrane home studio in Dix Hills, New York on 26 January 1970
Alice Coltrane – Carnegie Hall ’71
1. Africa (28:35)
Live at the Carnegie Hall, New York, February 21, 1971
FM radio soundboard
Alice Coltrane – piano, harp
Pharoah Sanders – ts, ss, fl, perc, fife
Archie Shepp – ts, ss, perc
Jimmy Garrison – b
Cecil McBee – b
Clifford Jarvis – d
Ed Blackwell – d
Tulsi – tamboura
Kumar Kramer – harmonium
Fala Chick Corea: “Fazer música para uma combinação de músicos de orquestra e músicos de jazz tem infinitas possibilidades. A valorização das habilidades que cada um tem pelo outro cria uma atmosfera carregada de alto interesse, comunicação criativa e novas ideias. Este foi o cenário para a composição e gravação de The Continents para mim, um sonho tornado realidade. O processo de fazer a gravação foi mágico. O moral dos músicos e da equipe de gravação estava tão alto que terminamos de gravar os seis movimentos do concerto um dia e meio antes do previsto. Depois de se despedir dos músicos da orquestra, o Quinteto fez uma jam improvisada apenas por diversão. Claro, o gravador estava ligado. Eu então tive a noite seguinte para gravar alguns trechos de solo de piano que achei que se encaixariam nas seções de cadência do concerto. Depois de gravá-los, senti que ainda havia algo incompleto na gravação do The Continents. Então eu decidi tentar chegar ao que era improvisando no piano sozinho. Senti que o material básico estava de alguma forma faltando, algo estava faltando. Naquela última noite, enquanto esperava Bernie arrumar as coisas e ligar o gravador, toquei piano, começando minha exploração para encontrar o que estava faltando. Como você vai ouvir, depois de tocar várias pequenas peças, perguntei a Bernie se ele estava pronto para gravar, ao que Bernie respondeu que estava gravando o tempo todo, mas não queria me interromper. Então continuamos gravando a partir daí até que eu senti que tinha terminado. Depois de ouvir a jam do Quinteto e os solilóquios de piano, agora sinto que a gravação de The Continents está completa (pelo menos por enquanto). A música pode ter suas falhas técnicas, pois a perfeição nunca foi o objetivo, mas estou satisfeito que a música tenha sido feita no espírito e no prazer jazzístico, que foi a intenção inicial da composição depois de ser convidado a escrever um concerto para piano no espírito de Mozart. pelo Wiener Mozartjahr”.
Chick Corea: The Continents – Concerto for Jazz Quintet & Chamber Orchestra
1-1 Africa 8:22
1-2 Europe 20:28
1-3 Australia 6:26
1-4 America 12:32
1-5 Asia 11:09
1-6 Antarctica 12:45
2-1 Lotus Blossom 14:30
2-2 Blue Bossa 6:19
2-3 What’s This? 5:14
2-4 Just Friends 9:15
2-5 Solo Continum 31 1:05
2-6 Solo Continum 42 2:05
2-7 Solo Continum 53 1:15
2-8 Solo Continum 64 2:45
2-9 Solo Continum 75 7:24
2-10 Solo Continum 86 2:52
2-11 Solo Continum 97 1:27
2-12 Solo Continum 108 2:56
2-13 Solo Continum 119 3:10
2-14 Solo Continum 1310 3:46
2-15 Solo Continum 1411 3:29
Bass Guitar – Hans Glawischnig
Clarinet, Flute, Soprano Saxophone, Bass – Tim Garland
Concertmaster – Fred Sherry
Conductor – Steven Mercurio
Drums – Marcus Gilmore
Piano [Solo] – Chick Corea (faixas: 2-5 to 2-15)
Piano, Liner Notes, Producer, Executive-Producer – Chick Corea
Trombone – Steve Davis (7)
Written-By – Strayhorn* (faixas: 2-1), Chick Corea (faixas: 1-1 to 1-6, 2-3, 2-5 to 2-15), Klenner* (faixas: 2-4), Dorham* (faixas: 2-2)
Em mim, poucos álbuns tiveram um impacto tão forte na primeira audição como Rain Dogs. Embora essa primeira audição tenha ocorrido há 30 anos, suas canções permanecem poderosas até hoje. Se você nunca ouviu este disco antes, sugiro fortemente que o faça, mesmo que seja apenas uma vez. É um álbum longo — 19 faixas num vinil — primitivo, exótico, inteligente, abrasivo, bonito e estranho. O disco é doce o suficiente para não desanimar todo mundo, mas Waits o manteve dissonante o suficiente para ser interessante também. Seus sons mais distintos são bastante incomuns: a voz rouca característica de Tom Waits, a guitarra de Marc Ribot, os metais distorcidos de alguns dos melhores instrumentistas do jazz do underground de Nova York, a percussão estranha e, talvez o mais bizarro, o toque frequente da marimba – um instrumento quase nunca ouvido na música popular… A variedade de Rain Dogs é inacreditável. O disco contém números de cabaré, músicas country, gospel, polcas, baladas e temas de jazz. Waits é teatral e carnavalesco, mas traz também damas de olhos tristes e uma garota com lágrima tatuada – “uma para cada ano que ele está longe, ela disse”. Waits pode ser extremamente engraçado – eu amo a formação hilária e grotesca de parentes seniores mesquinhos na Cemetery Polka – mas ele também pode controlar seus impulsos e escrever músicas dolorosamente bonitas, como Hang Down Your Head e a obra-prima que é Anywhere I Lay My Head.
Tom Waits: Rain Dogs
1 Singapore 2:46
2 Clap Hands 3:47
3 Cemetery Polka 1:51
4 Jockey Full Of Bourbon 2:45
5 Tango Till They’re Sore 2:49
6 Big Black Mariah 2:44
7 Diamonds & Gold 2:31
8 Hang Down Your Head 2:32
9 Time 3:55
10 Rain Dogs 2:56
11 Midtown (Instrumental) 1:00
12 9th & Hennepin 1:58
13 Gun Street Girl 4:37
14 Union Square 2:24
15 Blind Love 4:18
16 Walking Spanish 3:05
17 Downtown Train 3:53
18 Bride Of Rain Dog (Instrumental) 1:07
19 Anywhere I Lay My Head 2:48
Performer
Tom Waits – vocals (1–10, 12–17, 19), guitar (2, 4, 6, 8–10, 15–17), organ (3, 19), piano (5, 12), harmonium (8, 18), banjo (13)
Musicians
Michael Blair – percussion (1–4, 7, 8, 12, 13, 17), marimba (2, 7, 10, 12), drums (8, 14, 18), congas (4), bowed saw (12), parade drum (19)
Stephen Hodges – drums (1, 2, 4, 6, 10, 11, 15, 16), parade drum (3)
Larry Taylor – double bass (1, 3, 4, 6, 8–10, 15), bass (7, 11, 14, 16)
Marc Ribot – guitar (1–4, 7, 8, 10)
“Hollywood” Paul Litteral – trumpet (1, 11, 19)
Bobby Previte – percussion (2), marimba (2)
William Schimmel – accordion (3, 9, 10)
Bob Funk – trombone (1, 3, 5, 10, 11, 19)
Ralph Carney – baritone saxophone (4, 14), saxophone (11, 18), clarinet (12)
Greg Cohen – double bass (5, 12, 13)
Chris Spedding – guitar (1)
Tony Garnier – double bass (2)
Keith Richards – guitar (6, 14, 15), backing vocals (15)
Robert Musso – banjo (7)
Arno Hecht – tenor saxophone (11, 19)
Crispin Cioe – saxophone (11, 19)
Robert Quine – guitar (15, 17)
Ross Levinson – violin (15)
John Lurie – alto saxophone (16)
G.E. Smith – guitar (17)
Mickey Curry – drums (17)
Tony Levin – bass (17)
Robbie Kilgore – organ (17)
Em seu último registro para a Elektra, Heartattack and Vine, revelou um Tom Waits com um instinto especial para sons mais estranhos e sujos e uma atração por um material menos comercial, mas mesmo isso não foi suficiente para avisar o que estava por vir em Swordfishtrombones. Swordfishtrombones deu um passo drástico em uma direção totalmente nova, longe do blues mais tradicional e das baladas pop de seus álbuns dos anos 70. Este é o trabalho de um artista totalmente diferente. Waits saiu do music hall e entrou em um submundo surrealista. Ou pelo menos era o que parecia. Este era o som de um homem deixando para trás a segurança das expectativas para uma nova e estranha jornada. A partir da marimba de abertura e trompa de Underground, fica claro que o Tom Waits que cantou Ol’ 55 foi aposentado e substituído por um mais barulhento (e sensacional). Apareceu outro cantor e uma instrumentação excêntrica. Waits ressurgiu totalmente reformado como um artista muito mais estranho e interessante do que sua música até aquele momento poderia ter sugerido. Swordfishtrombones foi o primeiro disco a ter Tom Waits entrando em seu estranho mundo de personagens excêntricos e melodias distorcidas e também é um bom ponto de partida para aqueles que ainda não deram o passo para o espetacular segundo ato do cantor/compositor — trata-se de uma coleção brilhante, peculiar e colorida que abriu as portas para a imaginação bizarra de Waits.
Tom Waits: Swordfishtrombones
1 Underground 1:58
2 Shore Leave
Percussion [Metal Aunglongs] – Francis Thumm
4:12
3 Dave The Butcher 2:15
4 Johnsburg, Illinois 1:30
5 16 Shells From A Thirty-Ought-Six
Trombone – Joe Romano (4)
4:30
6 Town With No Cheer
Bagpipes – Anthony Clark Stewart
Synthesizer – Clark Spangler
4:22
7 In The Neighborhood
Trombone – Bill Reichenbach (2), Dick Hyde
3:04
8 Just Another Sucker On The Vine
Trumpet – Joe Romano (4)
1:42
9 Frank’s Wild Years
Organ [Hammond] – Ronnie Barron
1:50
10 Swordfishtrombone 3:00
11 Down, Down, Down
Guitar – Carlos Guitarlos
Organ – Eric Bikales
2:10
12 Soldier’s Things 3:15
13 Gin Soaked Boy 2:20
14 Trouble’s Braids 1:18
15 Rainbirds
Glass Harmonica – Francis Thumm, Richard Gibbs, Stephen Taylor Arvizu Hodges*
3:05
Arranged By – Francis Thumm (faixas: A1, A4, A7, B8)
Baritone Horn, Trombone – Randy Aldcroft (faixas: A1, A2, A7)
Bass – Greg Cohen (faixas: A4, B3, B5, B8), Larry Taylor (faixas: A1, A2, A5, A7, B2 to B4, B6, B7)
Drums – Stephen Taylor Arvizu Hodges* (faixas: A1, A2, A5, A7, B4, B6, B7)
Featuring – Victor Feldman (faixas: A1 to A3, A5, A7, B3, B4, B7)
Guitar – Fred Tackett (faixas: A1, A2, A5, B6)
Lacquer Cut By – JS*
Mixed By – Biff Dawes
Written-By, Producer, Arranged By – Tom Waits
Um CD maravilhoso! Hank Jones e Charlie Haden improvisando sobre spirituals. O que não consigo conceber é que conheço todos os temas. E nunca estive escondido num porão de nenhuma igreja do sul dos EUA. Gravado pouco antes da morte de Jones, em 2010, aos 91 anos, “Come Sunday” é uma sequência da gravação da dupla “Steal Away”, de 1995, que também explorou o spiritual. Embora Haden tenha explorado órbitas mais avant-garde com Ornette Coleman e sua própria Liberation Music Orchestra, tanto ele quanto Jones tratam essas melodias tradicionais com reverência, permitindo que as canções respirem com seu sentimento original enquanto são coloridas com uma elegância amorosamente inventiva que as leva a algum lugar novo. Há algo no tom do baixista Charlie Haden que soa cheio de história como os ecos de uma capela rural. Cada canção é exuberantemente reproduzida, muitos das quais são ligadas ao movimento dos direitos civis.
Hank Jones & Charlie Haden: Come Sunday
1 Take My Hand, Precious Lord
Written-By – Thomas A. Dorsey
4:28
2 God Rest Ye Merry, Gentlemen
Arranged By – Charlie Haden
Written-By – Traditional
2:32
3 Down By The Riverside
Arranged By – Charlie Haden, Hank Jones
Written-By – Traditional
3:00
4 Going Home
Arranged By – Charlie Haden, Hank Jones
Written-By – Traditional
4:14
5 Blessed Assurance
Written-By – Van Alstyne*, Fanny Crosby, Phoebe P. Knapp*
2:10
6 It Came Upon The Midnight Clear
Written-By – Edmund Hamilton Sears*, Richard Storrs Willis*
3:00
7 Bringing In The Sheaves
Written-By – George A. Minor, Knowles Shaw
2:56
8 Deep River
Arranged By – Charlie Haden
Written-By – Traditional
1:58
9 Give Me That Old Time Religion
Arranged By – Charlie Haden, Hank Jones
Written-By – Traditional
3:01
10 Sweet Hour Of Prayer
Written-By – William B. Bradbury, William W. Walford
2:31
11 The Old Rugged Cross
Written-By – Rev. Geo. Bennard*
3:58
12 Were You There When They Crucified My Lord
Arranged By – Charlie Haden, Hank Jones
Written-By – Traditional
3:11
13 Nearer My God To Thee
Written-By – Sarah Flower Adams
2:18
14 Come Sunday
Written-By – Duke Ellington
3:38
Tentar acompanhar os projetos musicais do pianista cubano Omar Sosa ou do trompetista italiano Paolo Fresu é algo quase atlético. Chamar qualquer um de prolífico é um eufemismo, mas, mais impressionante do que a quantidade de música que eles lançam é a qualidade de sua produção. Amo ambos. Ambos exploram uma fonte de criatividade que escapa à maioria dos artistas. Grande parte dos temas deste CD é bastante discreta, mas sempre de alto em conteúdo emocional. O uso de percussão e da eletrônica em alguns lugares — juntamente com a presença do violoncelista brasileiro Jaques Morelenbaum, dá ao projeto uma sensação de profundidade e variedade, mas essa união de duas almas musicais espiritualmente conectadas teria sido suficiente para fazer a mágica, se esta fosse simplesmente uma gravação nua de piano + trompete. Morelenbaum, Fresu e Sosa criam uma mistura celestial na pacífica faixa-título, que começa em um lugar sereno e chega a um espaço latino firme, enquanto equilibra humores sombrios e imponentes em “Crepuscolo”.
Paolo Fresu & Omar Sosa com Jaques Morelenbaum: Alma
1 S’Inguldu 5:35
2 Inverno Grigio 5:28
3 No Trance 3:36
4 Alma 5:49
5 Angustia 4:34
6 Crepuscolo 3:15
7 Moon On The Sky 5:59
8 Old D Blues 6:36
Medley
9 Niños 4:00
10 Nenia 5:23
11 Under African Skies 7:28
12 Rimanere Grande! 2:58
Cello – Jaques Morelenbaum
Composed By – Omar Sosa (faixas: 2 to 8, 9), Paolo Fresu (faixas: 1, 3, 9, 10, 12), Paul Simon (faixas: 11)
Piano [Acoustic], Sampler, Electric Piano [Fender Rhodes], Synthesizer [Microkorg], Percussion, Vocals, Effects [Multieffects], Producer – Omar Sosa
Trumpet, Flugelhorn, Percussion, Whistle, Effects [Multieffects], Producer – Paolo Fresu
Cada vez que penso no Máli não consigo deixar de lembrar que a primeira caracterização desse país que uma enciclopédia me ofereceu começava dizendo: “um dos países mais pobres do mundo” – afirmação seguida, naturalmente, de uma série de números que, pela mentalidade ocidental dominante, resumem tudo o que existe de relevante no real.
Por isso vocês hão de imaginar meu espanto quando mais tarde descobri que há não tantos séculos assim esse era o nome de um nos impérios mais extensos e poderosos do mundo. Ao ver fotos de crianças lindas e evidentemente bem nutridas às margens do Rio Níger. Ao saber da imensa diversidade étnica e cultural que a região contém, e que se mostra exuberantemente todos os anos no Festival sur le Niger, na cidade de Segu ou Ségou. Diante da espantosa arquitetura em adobe de Djenné ou de Mopti, e dos 600 mil manuscritos remanescentes da universidade medieval de Tombúktu – etc. etc. E, talvez mais que tudo, diante da sutil e refinada tradição de música instrumental que se expressa, por exemplo, em Toumani Diabaté, de que já fiz uma postagem aqui.
O som que trago hoje parecerá menos “clássico” – quem sabe já por envolver palavra cantada em vozes não impostadas -, e não estranharei se alguém disser que “parece tudo igual”. Caso isso aconteça, pedirei antes de mais nada que o ouvinte lembre de conceitos como “minimalismo” antes de descambar pra palavras como “primarismo”; e em segundo lugar que microscopize um pouco mais sua atenção e seus ouvidos, lembrando que, segundo dizem, não apenas o diabo mas também Deus mora nos detalhes (hora em que cabe invocar o desafio de não lembro qual compositor dos anos 60-70 que o Padre Penalva lançava sempre aos seus alunos: “quando estiver achando uma música monótona, desconfie de si mesmo”).
Bassekou Kouyaté já trabalhou com Toumani Diabaté mas não toca a espécie de harpa que é a kora, toca ngoni, instrumento de cordas com braço. Seu conjunto de ngonis, percussão e voz se chama Ngoni Ba, e conta com a participação vocal da sua mulher Ami Sacko. O CD, premiado como o melhor de “world music” em 2007 pela BBC3, tem “blue” no nome. Um disco de blues?
Não. Ou… quem sabe talvez. Ou talvez de certa forma sim… Querem saber? Ouçam! Mas sugiro que também “ouvejam” o primeiro dos vídeos abaixo: no calor da interpretação ao vivo diante da multidão, parece gritante um caráter de blues – e na quietude “cool” da gravação de estúdio onde é que ele foi parar? É a mesma música… Minha impressão é que o tal caráter não está ausente, mas como que “virado para dentro”; ou em estado latente, potencial.
Algum bluesman que tocou com Bassekou (não lembro qual, desculpem, li faz anos) saiu declarando que havia descoberto a região de origem do blues. Suspeito que seja exagero. Quando falo de “ancestralidade” no título não quero dizer que essa música do Máli seja avó do blues ou do jazz ou algo assim, e sim que têm ancestralidade em comum. Afinal, Bassekou Kouyaté vive hoje, nasceu quando Muddy Waters e Howlin’ Wolf já tinham mais de 50 anos (cada!), e as vias que unem a África ao resto do mundo não são de mão única. Bassekou é um cultor atual da música de raiz de sua terra, mas nesse cultivo não deixa de levar em conta o aroma dos frutos que a mesma árvore produziu quando transplantada a outros continentes. E muito mais que um avô, eu o veria como um primo dos jazzmen e bluesmen desse mundo.
Bom, essa a minha impressão – e agora é com vocês.
Bassekou Kouyate & Ngoni Ba: SEGU BLUE (2007)
01 Tabeli te
02 Bassekou
03 Jonkoloni
04 Juru nani
05 Mbowdi
06 The River Tune
07 Andra’s Song
08 Ngoni fola
09 Banani
10 Bala
11 Segu tonjon
12 Sinsani
13- Lament For Ali Farka
14- Segu Blue (Poyi)
É preciso celebrar os 73 anos de vida, encerrados anteontem (em 20/01/2012), de uma das cantoras de mais intensidade expressiva que os meus 50 e tantos me deram o privilégio de conhecer: ETTA JAMES.
Não, a capa acima não é a da coletânea que estou postando aqui. Não sei que amigo me passou um dia uma pasta com essas 35 faixas não numeradas, de modo que a aleatoridade organizou o show pela ordem alfabética dos títulos. Faltaram só 6 minutos para inteirar duas horas de um panorama fascinante, que alterna das canções mais conhecidas, besuntadas daqueles violinos de produtor, até faixas que vibram de uma tensão áspera do que poderia ser chamado “partido alto do blues” – coisa que eu inicialmente nem sabia que ela tinha gravado.
Um leitor me informou que a presente coletânea seria “Etta James Gold”, lançada em 2007 – mas fui checar e há um considerável número de faixas que não coincidem. Além disso, gosto da ordem que o alfabeto conferiu às faixas aqui, de modo que proponho “oficializiar” uma nova coletânea, “ABC de Etta James”.
Uma sugestão adicional para a celebração: o filme Cadillac Records. Já se disse que ele não é historicamente fiel em muitos detalhes, inclusive quanto ao relacionamento entre o produtor da gravadora e a nossa cantora. Mas acho que, uma vez sabendo disso, não faz mal nenhum entregar-se ao prazer de assistir: é um panorama poderoso de uma certa época e de uma certa cena artística também poderosa, a Chicago do cair dos anos 40 ao alvorecer dos 60. E Beyoncé no papel de Etta James surpreende: ganhou de mim um respeito que a produção plastificante atual não me havia facilitado encontrar.
“A música de John Coltrane’s é um grito de revolta contra a frieza do nosso mundo.” (Willie Gschwedner, resenha de um concerto em 27/11/1962)
Aqui, dois álbuns de Coltrane que, apesar de muito diferentes, foram gravados a poucos meses de distância. Ele e seus parceiros deram uma no cravo e outra na ferradura. Em Olé Coltrane temos jazz bastante inovador, em um formato maior do que o seu habitual quarteto, expandido aqui com dois músicos nos sopros: Eric Dolphy (flauta e sax) e Freddie Hubbard (trompete). E igualmente importante: aqui temos dois baixos, um de cada lado da gravação em stereo. Olé, faixa que ocupava todo o lado A do LP, utiliza harmonias que acenam para a música espanhola, como havia feito Miles Davis um ano antes (Sketches of Spain). E com um amplo protagonismo para os dois baixistas (Reggie Workman e Art Davis), que têm tempo para mostrar uma ampla gama de sonoridades, tanto usando os dedos como também com arco. No lado B – ao contrário dos discos pop – a sonoridade é mais familiar, com melodias assobiáveis como a de Aisha, melodia introduzida pelo sax alto de Eric Dolphy, enquanto Coltrane explora camadas mais subterrâneas, aqui no sax tenor (que ele usa no lado B, enquanto no lado A era o sax soprano).
Os baixistas Reggie Workman (foto) e Art Davis tocam escandalosamente bem na faixa-título de Olé
John Coltrane — soprano saxophone on “Olé”; tenor saxophone on “Dahomey Dance” and “Aisha”
Freddie Hubbard — trumpet
Eric Dolphy — flute on “Olé”; alto saxophone on “Dahomey Dance” and “Aisha”
McCoy Tyner — piano
Reggie Workman — bass
Art Davis — bass on “Olé” and “Dahomey Dance”
Elvin Jones — drums
Recorded May 25, 1961, New York City
Já em Ballads, Coltrane e seu grupo acenaram para um público que apreciava musicais da Broadway e filmes de Hollywood, o que eles já haviam feito em My Favorite Things. Esse álbum me lembra o tipo de jazz que vinha à minha cabeça quando muito jovem, combinando com vinhos tintos ou um pesado whisky sem gelo, em reunião de pessoas de classe média alta com uma bela vista para as montanhas ou para o mar. Não por acaso, todos os standards gravados em Ballads são de compositores brancos (tipo de análise mais comum hoje em dia do que nos anos 1960, quando isso poderia passar batido num álbum de jazz gravado por músicos negros. Hoje não passa mais como detalhe.)
Com o baixo e a bateria aqui bastante “quadradinhos” fazendo o ritmo – ao contrário de Olé Coltrane em que o ritmo é tudo menos previsível – quem brilha nos arranjos é o pianista McCoy Tyner, com sua chance de tocar de forma mais suave, menos percussiva do que na maioria dos álbuns que ele gravou. Quando o sax está fazendo as melodias que podemos facilmente cantarolar (“Too young to go steady…”), o piano vai enchendo os espaços vazios com blue notes e outras intervenções de extremo bom gosto e, como já dito acima, sem chocar os ouvidos mais conservadores. Se a música de John Coltrane e de seus fiéis escudeiros passou por mudanças, jornadas em busca de novos sons e expressões, e é claro que passou por muito disso, também devemos lembrar que o olhar estritamente evolucionista é uma apreensão rasa: assim, entre o John Coltrane de Olé (1961) e o de A Love Supreme (1964), temos o de Ballads.
Ballads (1963)
1. Say It (Over and Over Again)”(Jimmy McHugh) – 4:18
2. You Don’t Know What Love Is (Gene DePaul) – 5:15
3. Too Young to Go Steady (Jimmy McHugh) – 4:23
4. All or Nothing at All (Arthur Altman) – 3:39
5. I Wish I Knew (Harry Warren) – 4:54
6. What’s New? (Bob Haggart) – 3:47
7. It’s Easy to Remember (Richard Rodgers) – 2:49
8. Nancy (With the Laughing Face) (Jimmy Van Heusen) – 3:10
John Coltrane – tenor saxophone
McCoy Tyner – piano
Jimmy Garrison (#1-6, 8), Reggie Workman (#7) – bass
Elvin Jones – drums
Recorded December 21, 1961; September 18 and November 13, 1962
Ótimo e quase esquecido material da Impulse Records. São 2 LPs de Keith Jarrett transformados em um CD. A gente esquece deles porque a maioria das pessoas se concentra nas gravações de Jarrett para a ECM. Mysteries é um trabalho sombrio e melancólico de Keith Jarrett – um álbum que se baseia fortemente em seu sentimento de conjunto dos anos Impulse, mas que também parece carregar um pouco da vibração introspectiva que ele estava construindo em algumas de suas gravações solo mais despojadas. O grupo é ótimo aqui – com Dewey Redman, Charlie Haden, Paul Motian e Guilhermo Franco – e as músicas, embora longas e um tanto livres, ainda mostram o ótimo ouvido de Jarrett para uma melodia lírica – levada maravilhosamente sem clichês, e ainda com arestas mais afiadas do que você poderia esperar. Os títulos incluem “Rotation”, “Everything That Lives Laments”, “Flame” e “Mysteries”. Mas eu prefiro mil vezes Shades, que é outra joia perdida do período — uma sessão em quinteto de meados dos anos 70, gravada com o mesmo grupo. Há aqui uma boa sensação de descanso. Shades Of Jazz, Southern Smiles e Diatribe são extraordinárias! Ou seja, quase todo o LP.
Keith Jarrett – Mysteries / Shades {Remaster 2011}
Não gosto de começar uma resenha de música pelas credenciais do protagonista; parece um apelo à autoridade, um canetaço ineficaz (adianta carteirinha de virtuose se a obra não fala por si?), e um habeas corpus preventivo da resenhista em questão. Mas vejam bem, por favor me permitam notar, que o pequeno Tigran tocou piano em um palco pela primeira vez aos TRÊS ANOS de idade. Não, não sei qual palco, nem de que tamanho, nem se tocou Mozart ou a versão local de Atirei o pau no gato; não especificaram. De toda forma, em 2006 ele conquistou o 1º lugar no prêmio do Thelonious Monk Institute of Jazz, então taí a prova de que aquele talento infantil floresceu e se concretizou. (Se é que prêmio prova alguma coisa. Não, não sei se o instituto de jazz é quente, mas sob o nome do Monk, vale botar fé; ainda que confusamente tenha sido renomeado pra Herbie Hancock Institute of Jazz em 2019. Achei deselegante. Nada contra o Hancock, mas… enfim, essa é outra conversa.)
Hamasyan foi pra escola de jazz aos 9, e continuou os estudos de música na adolescência, quando sua família se mudou para a Califórnia. Mais tarde, retornou à Armênia, e fixou residência em Yerevan. Esse movimento é claro em sua música, que não somente tem influência do jazz west coast americano (e do prog rock), mas também da tradição do folk armênio, incorporando suas escalas e tonalidades. Da mais de dezena de álbuns lançados desde 2006, Shadow Theater, seu segundo para a Verve, é o que mais permanece comigo; em especial pela faixa abaixo, “The Poet”, uma deliciosa e sensível jornada de sofisticado jazz-pop que gruda no ouvido e narra melancolicamente noites tristes e solitárias.
Mas não fica por isso; Tigran demonstra um vocabulário bastante variado, que vai de momentos jazz-trio tradicional e baladas neoclássicas a composições sincopadas que remetem ao zeuhl, como “Alternative Universe”, também nesse álbum. Mas é só dar uma pesquisada no youtube pra perceber que, enquanto bom jazzista, o bicho brilha mesmo é ao vivo — como nessa versão de solos empolgantes da faixa acima, e que bate nos 20 minutos. Outro ponto forte desse álbum é a banda que lhe acompanha, e chama a atenção imediatamente o etéreo canto feminino que divide os vocais.
Não fui só eu que notei; depois de gravar e fazer tournées com Hamasyan, e lançar um disco independente, a sempre antenada ECM foi lá e pescou Areni Agbabian. A americana, que segue a carreira de seu pai, um folclorista armênio, desenvolve sua música calcada na linguagem musical de seus ancestrais, também tomando o piano como instrumento principal, complementando sua voz. O resultado surgiu em Bloom, de 2019; um álbum de canções leves, esparsas, de qualidade quase espectral. “Sereno e surreal na mesma medida“, como bem definiu a AllAboutJazz. Tendo a seu lado um percussionista, que se mantém respeitosamente tímido e, de forma brilhante, se contenta em meramente pontuar e acentuar os devaneios sonoros de Areni, o disco se revela frágil, intimista, e definitivamente belo. Mas não apenas; entre as canções, pequenas vinhetas visitam o avant-garde e trazem experimentações cinemáticas e desconcertantes, demonstrando a curiosidade e as pretensões da jovem artista.
O nosso companheiro de longa data Carlinus tem sido responsável por várias pérolas musicais em tantos anos de postagens no Ser da Música. Em homenagem ao blog recém-sumido-e-ressuscitado, pedi a ele autorização para repostar essa série de cinco álbuns, uma das descobertas que fiz lá no blog dele. São os primeiros cinco álbuns de Freddie Hubbard (1938-2008), lançados pela gravadora Blue Note. Eu, que conhecia Freddie apenas pelos brilhantes solos de trompete no disco Olé Coltrane (1961), baixei tudo correndo.
Desses cinco, meu preferido é o primeiro álbum, no qual o jovem trompetista já chega com um estilo muito particular, melódico, mais hard bop do que free jazz, para mencionarmos algumas classificações que, de qualquer jeito, sempre estão bem aquém do que o jazz de fato é. Nesse álbum de estreia, como classificar a assobiável Gypsy Blue com seu diálogo entre Freddie e o sax de Tina Brooks? Também dignas de nota são as intervenções de McCoy Tyner. No ano seguinte, Freddie e McCoy se juntariam novamente nos álbuns de John Coltrane Africa/Brass e Olé Coltrane.
Também gosto do último disco, Hub-Tones. Ali, nos temas Prophet Jennings (um jazz rapidinho) e Lament for Booker (um slow blues), o trompete de Freddie toca em sofisticado contraponto com a flauta de James Spaulding. Para um ouvinte carioca é impossível não lembrar dos contrapontos do mestre Pixinguinha (1897-1973). Acompanhando Freddie Hubbard, temos ainda alguns jovens talentos que depois se tornariam famosos, como Wayne Shorter e Herbie Hancock. E também alguns que já eram veteranos na época, como os saxofonistas Jimmy Heath e Hank Mobley.
Freddie Hubbard — 5 original Blue Note albums
Tina Brooks (1932-1974)
Open Sesame (1960)
01. Open Sesame
02. But Beautiful
03. Gypsy Blue
04. All Or Nothing At All
05. One Mint Julip
06. Hub’s Nub
Freddie Hubbard – trumpet
Tina Brooks – tenor saxophone
McCoy Tyner – piano
Sam Jones – bass
Clifford Jarvis – drums
Goin’ up (1961)
01. Asiatic Raes
02. The Changing Scene
03. Karioka
04. A Peck A Sec.
05. I Wished I Knew
06. Blues For Brenda
Freddie Hubbard – trumpet
Hank Mobley – tenor saxophone
McCoy Tyner – piano
Paul Chambers – bass
Philly Joe Jones – drums
Hub Cap (1961)
01. Hub Cap
02. Cry Me Not
03. Luana
04. Osie Mae
05. Plexus
06. Earmon Jr.
Freddie Hubbard – trumpet
Julian Priester – trombone
Jimmy Heath – tenor saxophone
Cedar Walton – piano
Larry Ridley – bass
Philly Joe Jones – drums
Ready for Freddie (1962)
01. Arietis
02. Weaver Of Dreams
03. Marie Antoinette
04. Birdlike
05. Crisis
Freddie Hubbard – trumpet
Bernard McKinney – euphonium
Wayne Shorter – tenor saxophone
McCoy Tyner – piano
Art Davis – bass
Elvin Jones – drums
Freddie Hubbard: “Jazz isn’t like pop, where you sell millions of records with a hit. Jazz is like classical music. If people like you, they’ll remember you and you’ll last forever.”
Antes de iniciar esta postagem, quero pedir licença ao velho cão sarnento, nosso querido bluedog, por estar adentrando em seu território, o do Jazz e do Blues, sua especialidade, e que nos tem proporcionado momentos muito especiais com suas postagens sempre muito bem escritas, e selecionando um repertório ímpar de seu imenso acervo.
Por algum motivo inexplicável, esse imenso guitarrista chamado Stanley Jordan nunca tinha aparecido por aqui. Hoje, ouvindo a clássica canção ‘Sunny’ no rádio, me lembrei da versão de Jordan em seu belíssimo álbum intitulado ‘Standards Volume 1’, inexplicavelmente fora da catálogo do selo Blue Note. Aí fui procurar no PQPBach e, pasmo, descobri que nunca postamos nada dele. Então vamos corrigir esta tremenda falha trazendo seus dois primeiros discos, duas obras primas em minha humilde opinião.
Stanley Jordan nasceu em Chicago, Illinois, em 1959. Aos seis anos de idade começou a aprender a tocar piano e com 0nze, guitarra. Estudou Teoria Musical e Composição na Universidade de Princeton, onde teve a oportunidade de tocar com os lendário músicos de Jazz Benny Carter e Dizzie Gilespie. Em 1985 foi contratado pelo prestigioso selo de Jazz Blue Note, onde gravou seus primeiros discos, incluindo estes dois que ora vos trago.
“Magic Touch” tem um título bem apropriado. Comprei o LP na mesma época em que foi lançado, 1985, e nunca mais deixei de ouvi-lo. Com certeza seria um daqueles discos que eu levaria para uma ilha deserta. A técnica que Jordan desenvolveu para tocar suas guitarras (sim, no plural, por vezes ele toca dois instrumentos ao mesmo tempo) é baseada no ‘tapping’, se utilizando dos dedos da mão esquerda para tocar a linha do baixo e com a mão direita faz a parte do solo. O resultado é uma sonoridade única, em um primeiro momento até podemos imaginar que está tocando com dois ou três acompanhantes ao mesmo tempo. O disco começa com uma versão única e muito especial de ‘Eleanor Rigby’, clássico dos Beatles, canção que todos conhecem. Em seguida, vem ‘Freedie Freeloader’ de Miles Davis em uma roupagem única, (tudo bem, os arranjos de Jordan são todos únicos) com acompanhantes de luxo, como o baterista Peter Erskine e o contrabaixista Charnett Moffett. Aliás, a Blue Note chamou uma legião de grandes músicos para acompanhar o jovem guitarrista, a lista está aí embaixo.
Uma das mais belas composições da História do Jazz no século XX, ‘Round´Midnight’, de Thelonius Monk vem em seguida, para manter aquele clima de inverno, para se ouvir embaixo das cobertas, tomando um bom vinho. Nestes dois primeiros discos Jordan mantém sempre um clima de relaxamento, leve, nunca se excedendo no volume de suas guitarras. Em seguida temos a delicada e sensível ‘All the Children’ (lembro que esta faixa tocava muito em uma determinada rádio lá na Florianópolis dos anos 80 e 90, não tanto quanto sua versão do ‘Bolero’ de Ravel, que ele gravou alguns anos mais tarde, mas isso é assunto para outra postagem). Nesta em em outras três faixas Jordan revela seu lado compositor, mas o que eu mais destacaria nestes dois primeiros discos é sua incrível capacidade de arranjador, desconstruindo clássicos, como os já citados ‘Eleanor Rigby’, ‘Roun´Midnight’, e nos mostrando novas possibilidades nestas obras já tão gravadas e regravadas.
Uma curiosidade: depois de lançado, ‘Magic Touch’ ficou nas ‘paradas’ da Billboard, na categoria de Jazz, por 51 semanas. Um recorde.
Creio que o título de seu segundo álbum ‘Standards, Volume 1’ seja uma brincadeira, e que nem Jordan nem a Blue Note pensavam em lançar um segundo volume. Aqui não tem banda de apoio, apenas o talento de Jordan se consolidando e mostrando um músico já mais maduro, mas ainda com ímpetos da juventude, afinal ele estava no apogeu de seus vinte e sete anos. Sempre digo que sou suspeito para falar desse disco, pois o considero impecável, do começo ao fim. Conheço cada nota tocada, cada respiração do músico e sempre volto a ele, e o velho LP ainda está na minha estante, trinta e seis anos após sua aquisição. Fui muito influenciado por ele, me ajudou muito em determinado momento de minha vida, aquele das paixões não correspondidas, quando estamos procurando o caminho a seguir (eu tinha meros 21 anos quando comprei esse disco).
Já desde a primeira faixa, ‘The Sound of Silence’, que foi imortalizada pela dupla Simon & Garfunkel, podemos identificar os riscos a que Jordan se expõem, não temendo os erros, se perdendo em redundâncias nos seus solos. Enfim, é um disco único no sentido em que ouvimos um músico em pleno processo criativo, estabelecendo parâmetros e critérios de execução, nem sempre conseguindo, mas nunca desistindo. E acho que isso pode ser melhor observado em ‘Georgia on My Mind’, onde a magnífica canção imortalizada na voz de Ray Charles é virada ao avesso e exposta em sua mais delicada expressão. A considero a melhor faixa do disco, apesar de amar o disco inteiro.
Stanley Jordan – Magic Touch (1985)
01. Eleanor Rigby
02. Freddie Freeloader
03. Round Midnight
04. All The Children
05. The Lady In My Life
06. Angel
07. Fundance
08. New Love
09. Return Expedition
10. A Child Is Born
Stanley Jordan – Guitar
Wayne Brathwaite – Electric Bass
Peter Erskine – Drums
Sammy Figueroa – Percussion
Onaje Allan Gumbis – Keyboards
Omar Hakim – Drums
Charnett Moffett – Acoustic Bass
Bugsy Moore – Percussion
Al Di Meola – Cymbals
01. The Sound of Silence
02. Sunny
03. Georgia on My Mind
04. Send One Your Love
05. Moon River
06. Guitar Man
07. One Less Bell to Answer
08. Because
09. My Favorite Things
10. Silent Night
Eu não ouvia este CD há anos, e minha impressão — neste período em que fiquei longe dele — é a de que ele soava muito datado. A sonoridade geral situa-no claramente nos anos 70. Porém, hoje, muito rapidamente, fiquei impressionado com a sensação de que há algo muito limpo e original no álbum. Há grande exuberância, são músicos tocando coisas que gostam e se divertindo fazendo isso. Há momentos em que tudo beira o pop, e o som do rock da época jamais se afasta. No entanto, a musicalidade, harmonia e improvisação são claramente o produto de músicos de jazz altamente talentosos. Você logo descobrirá que não consegue tirar as pequenas melodias peculiares da sua cabeça. As músicas têm aquela agradável característica de serem ao mesmo tempo bonitas e inesperadas. Não é um disco necessário, mas é mais do que apenas agradável.
Gary Burton & Keith Jarrett (1971)
1 Gary Burton & Keith Jarrett– Grow Your Own 4:51
2 Gary Burton & Keith Jarrett– Moonchild / In Your Quiet Place 7:19
3 Gary Burton & Keith Jarrett– Como En Vietnam 7:02
4 Gary Burton & Keith Jarrett– Fortune Smiles 8:28
5 Gary Burton & Keith Jarrett– The Raven Speaks 8:15
Throb (1969)
6 Gary Burton– Henniger Flats 4:22
Composed By – David Pritchard (2)
7 Gary Burton– Turn Of The Century 5:03
8 Gary Burton– Chickens 2:25
9 Gary Burton– Arise, Her Eyes 3:45
10 Gary Burton– Prime Time 3:59
Composed By – Jerry Hahn
11 Gary Burton– Throb 4:27
12 Gary Burton– Doin The Pig 3:40
13 Gary Burton– Triple Portrait 4:25
14 Gary Burton– Some Echoes 6:54
Bass – Steve Swallow
Composed By – Keith Jarrett (tracks: 1, 2, 4, 5), Michael Gibbs (tracks: 7, 11, 13, 14), Steve Swallow (tracks: 3, 8, 9, 12)
Drums – Bill Goodwin
Guitar – Jerry Hahn (tracks: 6 to 14), Sam Brown (2) (tracks: 1 to 5)
Piano, Electric Piano, Soprano Saxophone – Keith Jarrett (tracks: 1 to 5)
Vibraphone [Vibes] – Gary Burton (tracks: 1 to 5)
Vibraphone [Vibes], Piano – Gary Burton (tracks: 6 to 14)
Violin – Richard Greene (tracks: 6 to 14)
Seguindo o caminho do interlúdio anterior, continuamos ouvindo violões, por que não. E sobre Kaori, bem; é jovem, linda, e toca de olhos fechados. Que dizer mais? Era daquelas crianças-prodígio, aprendeu a tocar violão com o pai aos três anos, e dali em diante foi conquistando competições e prêmios internacionais — até ser a primeira artista japonesa a assinar um contrato internacional com a Decca.
Credenciais à parte, os ouvidos notam que Kaori leva tudo muito a sério. Tem uma técnica impecável, e suas escolhas nos arranjos não costumam ser bem comportadas. Dos quatro álbuns desde post — talvez 1/5 de sua discografia — , três são de repertório erudito, e se o próprio Joaquín Rodrigo, pouco antes de sua morte, elegeu-a como sua voz no século XXI, a resenha do AMG para “Plays Bach” é bem menos elogiosa. (Este cão, que sabidamente não entende lhufas de música erudita, gostou bastante da segunda parte do cd, em que ela toca sozinha.) O último disco do post é de repertório popular, bem ao estilo balaio de gatos, misturando West Side Story à International Socialista — e se eu prefiro mastigar vidro a ouvir Tears in Heaven outra vez nesta ou em qualquer outra vida, há momentos realmente sublimes, como Jongo, Sunburst e até Merry Christmas Mr. Lawrence (no vídeo abaixo, numa parceria muito bem concatenada com o próprio Saka).
Dito isto, aos álbuns? Blue Dog recomenda a ordem cronológia/de postagem mesmo; Lumières é fabuloso.
01 Gymnopedie No. 1 (Satie)
02 Gymnopedie No. 3 (Satie)
03 La fille aux cheveux de lin (Debussy)
04 Pavane Pour Une Infante Defunte (Ravel)
05 Saudade No. 3 (From Trois Saudades): I Rituel (Dyens)
06 Saudade No. 3 (From Trois Saudades): II Danse (Dyens)
07 Saudade No. 3 (From Trois Saudades): III Fete Et Final (Dyens)
08 2 Barcarolles, Op.60: I Lent, Calme, Dans Une Quietude Expressive (Kleynjans)
09 2 Barcarolles, Op.60: II Allegro (Kleynjans)
10 Fantasie Pour Guitare: I Resolu (De Breville)
11 Fantasie Pour Guitare: II Lent (De Breville)
12 Fantasie Pour Guitare: III Trés Vite (De Breville)
13 Gnossienne No 1 (Satie)
14 Water Color Scalor: I Prelude (Yoshimatsu)
15 Water Color Scalor: II Intermezzo A (Yoshimatsu)
16 Water Color Scalor: III Dance (Yoshimatsu)
17 Water Color Scalor: IV Intermezzo B (Yoshimatsu)
18 Water Color Scalor: V Rondo (Yoshimatsu)
19 Claire de Lune from Suite Bergamasque (Debussy)
20 Summer Knows Theme from “The Summer of ’42” (Legrand)
Kaori Muraji – Viva! Rodrigo /2007 [V0] Kaori Muraji, guitar; Orquesta Sinfónica de Galícia, reg. Viktor Pablo Pérez. Música de Joaquín Rodrigo download / 97MB
01 Concierto de Aranjuez – Allegro con spirito
02 Concierto de Aranjuez – Adagio
03 Concierto de Aranjuez – Allegro gentile
04 Sones en la Giralda
05 Concierto para una fiesta – Allegro deciso
06 Concierto para una fiesta – Andante calmo
07 Concierto para una fiesta – Allegro moderato
Kaori Muraji – Plays Bach /2008 [V0] Kaori Muraji, guitar; Leipzig Bachorchester, reg. Christian Funke download / 113MB
01 Cembalo Concerto No.2 in E major, BWV 1053 – I. Allegro
02 Cembalo Concerto No.2 in E major, BWV 1053 – II. Siciliano
03 Cembalo Concerto No.2 in E major, BWV 1053 – III. Allegro
04 BWV 1068 Air on the G string
05 Cembalo Concerto No.5 in F minor, BWV 1056 – I. Allegro
06 Cembalo Concerto No.5 in F minor, BWV 1056 – II. Largo
07 Cembalo Concerto No.5 in F minor, BWV 1056 – III. Presto
08 BWV 147 Choral Jesus bleibet meine Freude
09 Partita No.2 in D minor, BWV 1004 – I. Allmanda
10 Partita No.2 in D minor, BWV 1004 – II. Corrente
11 Partita No.2 in D minor, BWV 1004 – III. Sarabanda
12 Partita No.2 in D minor, BWV 1004 – IV. Giga
13 Partita No.2 in D minor, BWV 1004 – V. Ciaconna
14 Menuet, BWV Anh. 114 & 115
01 Merry Christmas Mr. Lawrence (Sakamoto)
02 Tango en Skai (Dyens)
03 Tears In Heaven (Clapton)
04 Jongo for guitar(Bellinatti)
05 Energy Flow (Sakamoto)
06 What a Friend We Have in Jesus(Converse)
07 Internationale (De Geyter)
08 Amours Perdues (Kosma)
09 Secret Love (Fain)
10 Porgy and Bess – Summertime (Gershwin)
11 West Side Story – I Feel Pretty (Bernstein)
12 West Side Story – Maria (Bernstein)
13 West Side Story – America (Bernstein)
14 Nocturne No.2 in E flat, Op.9 No.2 (Chopin)
15 Thousands of Prayers (Tanikawa)
16 Träumerei (Schumann)
17 Love Waltz (Neumann)
18 Introduction To Sunburst/Sunburst (York)
19 In My Life (Lennon / McCartney)
Esta foi uma de minhas primeiras postagens, lá em 2008, há quatorze anos. Outros tempos, outra realidade, outra tecnologia. O link para Download foi colocado no falecido Rapidshare, era o que tinhamos naquele momento.
Um usuário encontrou essa pequena delícia chamada “Virtuosi” la naqueles primórdios do PQPBach e pediu para atualizar o link. O CD reune o vibrafonista e o pianista Makoto Ozone, músico totalmente desconhecido para mim naquele momento.
Mas além do CD solicitado trago outro CD desta parceria, que foi lançado em 1995, o CD intitulado ‘Face to Face’, onde a dupla toca alguns clássicos do Jazz, assim como obras do próprio Ozone, Thelonius Monk, Benny Goodman, dentre outros. O texto abaixo é da postagem original.
Outra preciosidade encontrada em meu velho porta cds, dos tempos em que ainda baixava mp3 via Soulseek. Um belo dia digitei Gary Burton, e no meio de um monte de coisas, também excelentes, encontrei essa jóia da coroa de meus cds de Jazz.
O nome dado ao CD, “Virtuosi”, define bem a proposta: o encontro de dois virtuoses em seus respectivos instrumentos. Gary Burton com seu vibrafone, e o até então desconhecido para mim, Makoto Ozone, pianista. Algus poderão torcer o nariz e comentar com desdém “mais um disco do tão famigerado encontro OcidentexOriente”. Mas lamento informar senhores de nariz torcido, de que não se trata de nada disso. O que se ouve aqui neste cd é música ocidental, com arranjos de obras de Ravel até Brahms. E tocadas com uma precisão e correção que beira as raias do absurdo. Ainda com relação a esta mesma precisão, dá-se a impressão de que eles tocam juntos há incontáveis décadas, mas existe aí uma diferença de gerações, porém o jovem Makoto Ozone não se deixa intimidar frente ao gigante Gary Burton, que traz junto de si toda a tradição de outros mestres do instrumento no jazz, como Lionel Hampton ou Milt Jackson.
Apesar de poder soar estranho num primeiro momento, garanto-lhes que o que os senhores irão ouvir é da mais pura beleza. Como comentei acima, existe uma cumplicidade tremenda entre os músicos, dando a nítida impressão de eles tocam juntos há muito tempo.
Boa audição.
Gary Burton & Makoto Ozone – Face to Face
01 – Kato’s Revenge
02 – Monk’s Dream
03 – For Heaven’s Sake
04 – Bento Box
05 – Blue Monk
06 – O Grande Amor
07 – Laura’s Dream
08 – Opus Half
09 – My Romance
10 – Times Like These
11 – Eiderdown
1 – Le tombeau de Couperin, for piano – Prelude – Composed by Maurice Ravel
2 – Excursions (4), for piano, Op. 20 No. 1 – Composed by Samuel Barber
3 – Prelude for piano No.19 in A minor, Op. 32/8 – Composed by Sergey Rachmaninov
4 – Milonga, for guitar – Composed by Jorge Cardoso
5 – Preludes (3) for piano II – Composed by George Gershwin
6 – Sonata for keyboard in E major, K. 20 (L. 375) “Capriccio” – Composed by Domenico Scarlatti
7 – Three Little Oddities, suite for piano Impromptu – Composed by Zez Confrey
8 – Concerto in F, for piano & orchestra Movement III – Composed by George Gershwin
9 – Lakmé, opera Medley: Berceuse / Duettino – Composed by Leo Delibes
10 – Capriccio for piano in B minor, Op. 76/2 – Composed by Johannes Brahms
11 – Something Borrowed, Something Blue – Composed by Makoto Ozone
Nascida em 1937, Alice Coltrane foi uma pianista de jazz que fez seu nome – antes de ter esse sobrenome – a partir de 1960 como improvisadora em Paris e Detroit. Quando tocava em Nova York com o vibrafonista Terry Gibbs em 1962, ela conheceu John Coltrane. No ano seguinte, Alice saiu abruptamente da banda de Terry Gibbs, dizendo a ele que ia se casar com Coltrane. John e Alice tiveram três filhos juntos. Em toda a década de 60, a música de John Coltrane tomava progressivamente uma dimensão espiritual. Ele dizia que, após esse acordar espiritual, “não dá mais para esquecê-lo. Torna-se parte de tudo que você faz.”
John Coltrane morreu de câncer de fígado em 1967. Por algum tempo, Alice dormiu mal, teve visões, emagreceu. Nas profundezas de sua dor, Alice tornou-se discípula de Swami Satchidananda, guru indiano especialista em Hatha Yoga. Seus conselhos e orientação espiritual acalmaram seu espírito, enquanto ela estudava harpa, instrumento que, segundo a lenda, teria sido encomendado por John Coltrane mas ele não teve tempo de vê-la tocando. (informações tiradas daqui)
O tipo de “spiritual jazz” que Alice Coltrane fez na década de 1970 se insere em um movimento que também contou com o inglês John McLaughlin (Mahavishnu Orchestra) e o mexicano/americano Carlos Santana, ambos também muito influenciados por Coltrane. E no álbum Journey in Satchidananda, de 1970, temos músicos do último grupo liderado por Coltrane: Pharoah Sanders no sax e Rashied Ali na bateria e percussão. Além, é claro, de Alice, que tinha substituído o pianista McCoy Tyner no fim de 1965. Na última faixa, gravada ao vivo, Charlie Haden aparece no baixo, mas a estrela desse momento final do álbum é o diálogo entre a harpa e o oud (instrumento da família do alaúde, comum no mundo islâmico), pontuado por aparições do sax.
O título do álbum dá boas pistas: é uma jornada. Alice Coltrane nos leva a um território inexplorado no jazz, com base em múltiplas culturas e diversos instrumentos, mas sobretudo com base na emoção.
Alice Coltrane (1937-2007) – Journey in Satchidananda (1970)
1. Journey in Satchidananda – 6:39
2. Shiva-Loka – 6:37
3. Stopover Bombay – 2:54
4. Something About John Coltrane – 9:44
5. Isis and Osiris – 11:49
All compositions by Alice Coltrane
Tracks 1-4
Alice Coltrane – piano, harp
Pharoah Sanders – soprano saxophone, percussion
Cecil McBee – double bass
Rashied Ali – drums
Tulsi – tanpura
Majid Shabazz – bells, tambourine
Recorded at the Coltrane home studio, Dix Hills, New York, on November 8, 1970
Track 5
Alice Coltrane – harp
Pharoah Sanders – soprano saxophone, percussion
Rashied Ali – drums
Charlie Haden – bass
Vishnu Wood – oud
Recorded live at The Village Gate, New York City, on July 4, 1970
A primeira vez em que ouvi esta versão de “Be-Bop” foi em uma coletânea, um LP duplo, e fiquei impressionado. E não poderia deixar de ficar, afinal foi esta lendária música que nomeou o ritmo de jazz que se tornaria famoso no mundo inteiro, e que revelou gente com Dizzie Gillespie, Charlie Parker, Miles Davis, Coltrane entre tantos outros. E o que Coltrane e Jackson fazem aqui é de arrepiar.
As tais “gravações selecionadas” são todas boas, mas não têm quase nada a ver umas com as outras. Este álbum duplo é formado por diversos grupinhos de gravações afins, porém, quando mudamos de grupo, o clima muda de tal forma que tomamos um susto. Não condeno o disco. Afinal, serve para que a gente tome contato com o ecletismo de Jarrett, mas a audição de enfiada é penosa. O CD começa com improvisações ao clavicórdio e finaliza com uma bela peça para órgão. De entremeio, temas para piano solo e para o quarteto escandinavo de KJ. Aprovado com restrições.
![[as 35 faixas do panorama informal de Etta James]](http://i959.photobucket.com/albums/ae78/ranulfus/etta_james_faixas.jpg)
