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IM-PER-DÍ-VEL !!!

Somethin’ Else é um álbum do ano de 1958 do saxofonista Julian “Cannonball” Adderley, álbum reconhecido como um marco no estilo cool e hard bop. Este álbum conta com importantes contribuições de Miles Davis, em uma de suas poucas gravações para o selo Blue Note Records. Muitos críticos e jazzistas consideram Somethin’ Else um dos maiores álbuns de jazz de todos o tempos. A extensão da liderança de Davis ou co-liderança no álbum é contestada. Miles toca primeiro em diversos solos, e, de acordo com as notas do encarte, escolheu a maioria do material — ele continuaria a tocar Autumm Leaves e Love for Sale pela vida afora. Ele também compôs a faixa-título, sugerindo a Adderley incluir Dancing in the Dark no disco (faixa em que Davis não aparece). No blues One for Daddy-O escrita pelo irmão de Adderley, Nat, para o DJ Holmes da rádio de Chicago, Davis pode ser ouvido dizendo a seu produtor Alfred Lion: “Era isso que você queria, Alfred?” A colaboração entre Adderley e Miles continuaria em 1959 com o álbum Kind of Blue, talvez o maior disco de jazz de todos os tempos. O álbum também apresenta Art Blakey na bateria, com Hank Jones no piano e Sam Jones no contrabaixo. Relançamentos em CD, como este que temos aqui, incluíram uma faixa bônus, às vezes chamada Bangoon ou Allison’s Uncle. A música é de autoria de Hank Jones, e tende mais ao hard bop do que as outras. Apresenta um sensacional solo de Art Blakey. O título refere-se ao fato que a sessão realizou-se logo depois de a esposa do irmão de Adderley (Nat), ter dado à luz a uma menina chamada Allison.

.: interlúdio :. Cannonball Adderley: Somethin` Else

1 Autumn Leaves 10:58
2 Love For Sale 7:03
3 Somethin’ Else 8:12
4 One For Daddy-O 8:21
5 Dancing In The Dark 4:04
6 Bangoon 5:05

Cannonball Adderley – Saxofone, Líder
Miles Davis – Trompete
Hank Jones – Piano
Sam Jones – Contrabaixo
Art Blakey – bateria

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PQP

Um bom CD. Adoro Marsalis, mas ouvi este disco sem real entusiasmo apesar do incrível apuro técnico e musicalidade do septeto de Marsalis. As harmonias são lindas, mas nenhum dos temas é particularmente memorável e, embora os solos individuais sejam bons, não acontece muita coisa. No geral, é uma homenagem bastante estranha ao blues. Na verdade, o principal significado deste conjunto é que, aqui o grande trompetista reuniu pela primeira vez o núcleo do seu septeto. Musicalmente esta trilogia pode ser contornada. ouça as gravações mais recentes de Marsalis. Não obstante, este é um álbum relaxante. Wynton Marsalis é um músico, compositor, líder de banda, aclamado educador e um dos principais defensores da cultura americana. Ele é o primeiro artista de jazz a tocar e compor em todo o espectro do gênero, desde as raízes de Nova Orleans até o bebop e o jazz moderno. Ao criar e executar uma ampla gama de músicas para quartetos e big bands, de conjuntos de música de câmara a orquestras sinfônicas, de sapateado a balé, Wynton expandiu o vocabulário do jazz e criou um corpo vital de trabalho que o coloca entre os mais importantes músicos de nosso tempo.

.: interlúdio :. Wynton Marsalis: Levee Low Moan

1 Levee Low Moan 11:12
2 Jig’s Jig 8:47
3 So This Is Jazz, Huh? 7:00
4 In The House Of Williams 10:05
5 Superb Starling 11:38

Bass – Reginald Veal
Drums – Herlin Riley
Piano – Marcus Roberts
Saxophone – Todd Williams, Wessell Anderson
Trumpet – Wynton Marsalis
Written-By – Todd Williams (faixa 4), Wynton Marsalis

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PQP

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Os álbuns solo de John Surman ocupam um lugar especial e importante em sua discografia. Na música multifacetada do britânico, as gravações solo fornecem talvez os insights mais claros sobre sua imaginação melódica e Saltash Bells está entre os melhores de seus trabalhos. Desta vez, as composições foram inspiradas no West Country da infância inglesa de John, com memórias e sons de lugares especiais. A faixa-título refere-se aos ecos do sino da igreja de Saltash ressoando ao redor do vale do rio Tamar, na fronteira da Cornualha e Devon. Whistman’s Wood, enquanto isso, evoca a misteriosa floresta petrificada de Dartmoor… E assim vai, antigas assombrações inspirando novas músicas vívidas. Saltash Bells enfatiza novamente a singularidade do trabalho solo de Surman: aqui ele toca saxofones soprano, tenor e barítono, clarinetes alto, baixo e contrabaixo, bem como gaita e sintetizador. Surman há muito usa o sintetizador em seus trabalhos solo, “como uma ferramenta para esculpir textura e atmosfera e para criar novos contextos de improvisação que podem ser diferentes de tocar do que o tempo regular com um baixista e baterista”. Em nenhum outro lugar suas palhetas se estendem tão sensualmente, com melodias que continuam a se desdobrar até o horizonte, a faixa-título sugerindo os dias claros em que você pode ver e ouvir para sempre. Aqui, Surman encontra um acordo com os ‘outros músicos’ que nenhuma música de grupo acústico em tempo real poderia obter. Há uma bela execução em cada um de seus saxofones e clarinetes e — ouça atentamente o que se passa nos fundos de Sailing Westwards – há algumas gaitas também – instrumento com o qual Surman brinca desde a adolescência. E adorei Winter Elegy, uma obra-prima!

John Surman – Saltash Bells

01 Whistman’s Wood 6:32
02 Glass Flower 3:13
03 On Staddon Heights 7:32
04 Triadichorum 3:36
05 Winter Elegy 8:17
06 Ælfwin 2:17
07 Saltash Bells 10:40
08 Dark Reflections 3:27
09 The Crooked Inn 2:41
10 Sailing Westwards 10:37

John Surman:
— saxofones soprano, tenor e barítono,
— clarinetes alto, baixo e contrabaixo,
— gaita e
— sintetizador.

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PQP

Quando comprei este disco, e lá se vão mais de 20 anos, me interessava principalmente a dupla Wayne Shorter / Michel Petrucciani. O pequeno notável Petrucciani chamava a atenção pelo seu talento, apesar da sua doença degenerativa.

Quis o destino que Michel Petrucciani nascesse com algo chamado osteogenesis imperfecta (conhecida como doença de Elkman-Lobstein ou “ossos de vidro”) e, ao mesmo tempo, com imenso talento. Essa enfermidade causada pela ausência de colágeno ou insuficiência de sintetizá-la faz com que seus portadores estejam sujeitos a fraturas ósseas, causando vários problemas no crescimento, quando sobrevivem a ela, além de terem o sistema respiratório comprometido.

Filho de uma família de músicos, interessou-se pelo piano e, apesar da formação clássica, voltou-se ao jazz, seu primeiro interesse. Começou a se apresentar publicamente aos treze anos e com vinte mudou-se para os EUA e construiu uma carreira sólida ganhando, rapidamente, renome internacional. Ter menos de um metro de altura e pouco mais de 20 quilos não foram empecilhos para seu desenvolvimento como pianista. Petrucciani tocava em um piano normal com a diferença de ter os pedais adaptados para que pudesse alcançá-los.

Retirei a biografia abaixo do site allaboutjazz.com :

Born: December 28, 1962

Piano virtuoso Michel Petrucciani was born on December 28th 1962 in Orange France to Italian parents. He grew up surrounded by music as his father was a guitarist and his brothers were a bassist and a guitarist. He discovered the piano very young and one of his early influences was Duke Ellington. Because he was born with osteogenesis imperfecta; a condition that stunts growth and causes fragile bones and respiratory disorders, he had to have special extensions made for him to reach the pedals of the piano. The condition did not affect his hands, however, and he was able to study classical piano for 8 years. He gave his first professional concert at age 13 at the Cliousclat Festival where he was discovered by Clark Terry. Terry introduced him to a number of expatriate jazz musicians and this encouraged the young Petrucciani to embrace jazz as a musical idiom rather than classical music. At age 16 he met drummer Aldo Romano who was impressed by the teenager’s musical prowess and took him under his wing and 2 years later helped him launch his recording career with Flash. Petrucciani recorded a number of excellent albums for the French label Owl including a duet with Lee Konitz. In 1981 he performed at the Paris Jazz Festival and caused a sensation.

In 1982 he moved to the US and was introduced to Charles Lloyd. The latter was so impressed by the pianist that he helped him launch his American career. During this stay he met and married his first wife Erlinda Montaño. The marriage lasted 3 years. During he stay in the US Petrucciani had the opportunity to play with lot of the giants of jazz including Dizzy Gillespie. In 1986 he became the first Frenchman to sign a contract with the legendary Blue Note label. In 1990 he married classical pianist Gilda Butta with whom he had two children. This marriage also ended in divorce in the late 90s. He spent the 90s touring Europe and recording for Dreyfus Records. Near the end of his life he was trying to establish a jazz school in Paris.

In 1994 he was made a knight of the French Legion of Honor.

On January 6th 1999 Michel Petrucciani passed away of a severe pneumonia in Manhattan. He had recently celebrated his 36th birthday.

Ontem, dia 6 de janeiro, completou-se dez anos de sua morte. Esta postagem, portanto, é uma homenagem que o blog faz a este pequeno grande músico.

Wayne Shorter e Jim Hall dispensam apresentações. Já há algumas décadas eles estão na luta. Shorter, um dos maiores saxofonistas da história do jazz, tocou com todo mundo, inclusive com o nosso Milton Nascimento. Jim Hall é um dos gênios da guitarra, o cara que ajudou a criar uma linguagem própria do instrumento no jazz, e influenciou muita gente, como Pat Metheny, com quem gravou um cd espetacular, que pretendo postar por aqui qualquer hora destas, Bill Frisell, com quem recém lançou um cd, entre diversos outros. Apenar de estar com quase 80 anos de idade, continua na ativa.

Este cd tem momentos realmente notáveis, como a sensível “Careful”, de Jim Hall, e a bela e delicada “Morning Blues”, composição do próprio Petrucciani, que traz um dos mais belos solos de sax e piano que já tive a oportunidade de ouvir. É de se ouvir de joelhos, usando uma expressão do mano PQP.

Michel Petrucciani, Jim Hall & Wayne Shorter – The Power of Three

1. Limbo
2. Careful
3. Morning Blues
4. Waltz New
5. Beautiful Love
6. In A Sentimental Mood
7. Bimini

Jim Hall – Guitar
Wayne Shorter – Saxophone
Michel Petrucciani – Piano

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FDP Bach

Um bom disco. Quando Kenny Wheeler (1930-2014) mudou-se de seu Canadá natal para a Inglaterra, não foi manchete. Mas com o lançamento de Gnu High, ele se tornou uma figura admirada do jazz contemporâneo. Claro que o time de craques ajudou: o pianista Keith Jarrett, o baixista Dave Holland e o baterista Jack DeJohnette são geniais. Heyoke é uma peça de quase 22 minutos. Esta valsa cadenciada é ao mesmo tempo atmosférica e comovente, um estilo bastante inventivo que se torna mais dramático perto do final. Tudo é alimentado pelo swing de DeJohnette. O gemido vocal de Jarrett é controlado, enquanto seu belo piano sustenta os solos de Wheeler. Certamente este foi um ponto de partida auspicioso para um artista cujo som e inteligência capturaram a imaginação de tantos colegas músicos e ouvintes daquele ponto em diante.

Kenny Wheeler – Gnu High

01. Heyoke 21:49
02. Smatter 5:58
03. Gnu Suite 12:49

musicians
Kenny Wheeler – fluegelhorn
Keith Jarrett – piano
Dave Holland – double-bass
Jack DeJohnette – drums

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PQP

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Algumas obviedades são muito verdadeiras. Quando você Universal Syncopations, entenderá que música é sobre ouvir. Syncopations é um encontro único de grandes músicos que, além de tocarem com verdadeira maestria, parecem ouvir uns aos outros com atenção e respeito. É uma espécie de democracia auditiva: todo mundo tem a chance de dizer o que quer e, ao mesmo tempo, cada um deixa o outro falar. No entanto, Vitous representa a espinha dorsal dessa conversa democrática. Ele está sempre sugerindo o assunto. Ele não impõe, ele propõe. É inútil dizer que Vitous é um mestre orador. Seu discurso não é alto, mas suave e claro e, acima de tudo, imaginativo e habilidoso. Vitous constrói um equilíbrio perfeito entre as virtudes harmônicas e melódicas do baixo. E DeJohnette é um monstro a auxiliá-lo a manter o ritmo. A banda é um bando de veteranos astutos — hoje alguns já morreram — que conversam e colaboram com declarações curtas, mas incisivas e graciosas. A cota de Jan Garbarek talvez seja maior. A incursão inusitada de seu sax é um dos destaques de Universal Syncopations. Já Chick Corea, por sua vez, permanece bastante discreto. Ele diz isso ou aquilo e depois volta ao silêncio. O mesmo acontece com o guitarrista John McLaughin, que parece dizer “olha, eu acho que…” e então se cala. Mas o início de seu pensamento vale a pena ser ouvido com atenção… Por outro lado, o repertório se tece como uma suíte, orgulhosa representante da estética ECM. É mais uma atmosfera audível do que apenas uma sessão de gravação de um grupo de velhos amigos. A foto da capa do disco mostra um misterioso céu noturno adornado com nuvens brancas tracejadas. Se tal imagem pudesse fazer som, as Universal Syncopations de Vitous chegariam direto aos nossos ouvidos, conversando e nos deixando saber porque a música é, apenas, uma questão de ouvir.

Miroslav Vitous: Universal Syncopations (Vitous, Garbarek, Corea, McLaughlin, DeJohnette)

1 Bamboo Forest 4:35
2 Univoyage 10:48
3 Tramp Blues 5:15
4 Faith Run 4:50
5 Sun Flower 7:16
6 Miro Bop 3:59
7 Beethoven 7:13
8 Medium 5:06
9 Brazil Waves 4:26

Double Bass, Written-By – Miroslav Vitous
Drums – Jack DeJohnette
Guitar – John McLaughlin
Piano – Chick Corea
Soprano Saxophone, Tenor Saxophone – Jan Garbarek
Trombone – Isaac Smith (faixas: 2 to 4)
Trumpet – Wayne Bergeron (faixas: 2 to 4)
Trumpet, Flugelhorn – Valerie Ponomarev* (faixas: 2 to 4)
Written-By – Jack DeJohnette (faixas: 8), Jan Garbarek (faixas: 7, 9)

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PQP

Há quem duvide de que o homem foi à lua. Eu acredito, pois que seria uma tolice típica da nossa espécie (mais propriamente do gênero masculino). Se era por falta de cratera, que viessem conhecer nossas estradas, ruas e calçadas. Aqui em Salvador-BA tem um buraco do qual saem chineses aos magotes semanalmente. Mas como reza uma conhecida canção, a propósito, de um talentosíssimo baiano, sobre o luar nada mais se tem a dizer, só nos restando assim apreciá-lo. Ocorre que amiúde um plenilúnio nos inebria, como se o víssemos pela primeira vez. Jaci na mitologia Tupi; Máni, entidade masculina na mitologia nórdica e irmão da deusa Sól; Selene para os antigos gregos; lar do Super Mouse (quem lembra dele?), vizinho de São Jorge e seu dragão. Essa conversa de viagem à lua não é coisa nova. Talvez o autor mais antigo a imaginar tal odisseia tenha sido Luciano de Samósata, por volta de 150 d.C., em sua obra ‘Uma História Verdadeira’. Ah sim! é mentira, Terta? Bradaria o saudosíssimo Chico Anísio na pele do veríssimo Pantaleão. Luciano narra uma fantástica viagem à lua e menciona extraterrestres, 2000 anos antes da invenção da Ufologia, de Spielberg e dos fumarentos acampamentos na Chapada Diamantina. No século XVIII, o bibliotecário, escritor, cientista e, conforme um biógrafo, trapaceiro, o alemão Rudolph Erich Raspe, escreveu sobre o simpaticíssimo Barão de Munchausen, que dentre inúmeras proezas e tropelias, ascende aos céus de navio e visita o Rei da Lua. No século XIX, o genialíssimo Edgar Allan Poe manda seu intrépido Hans Pfaall para a lua num balão. Naquele mesmo século, o maravilhoso e profético Júlio Verne nos legaria o delicioso ‘Da Terra à Lua’, que nos primórdios do cinema seria tão bem ilustrado pelo gênio do grande Georges Méliès. Como vemos, nosso satélite não atrai apenas as marés, mas nosso imaginário, como nenhum outro personagem do teatro celestial. É inumerável a quantidade de poemas e canções, da antiguidade aos nossos tempos, de Omar Khayyam a Glenn Miller; passando por uma certa Sonata cujo subtítulo apócrifo deixaria seu compositor furioso e por uma das peças mais encantadoras da música de um certo gaulês chamado de impressionista. A Lua sem dúvida é o refúgio de todo poeta, compositor, enfim artista ou quem quer que se arvore a escrever num momento zero de inspiração (como no presente instante). Ela funciona para fascinar e inspirar, com sua luz, suas fases, seus mistérios.

O tema ‘Moon and Sand’ já cativa pelo título, que evoca algo das Mil e uma Noites, filmes de Valentino, romances aventurescos e praias ao luar. Foi composto por Alec Wilder, cancioneiro e compositor erudito, e teve diversas gravações ao longo das décadas, sendo a primeira delas de Xavier Cugat e sua Orquestra em 1941, hoje um nome um tanto esquecido. Uma bonita melodia emoldurada por uma progressão harmônica expressiva cujas características bastante peculiares atrai irresistivelmente os improvisadores. Um registro marcante do tema se encontra na trilha sonora do documentário ‘Let’s Get Lost’, sobre o fabuloso Chet Baker; interpretado pelo próprio, naturalmente. Esse precioso e um tanto raro registro traz um trompetista que brilha altaneiro sobre todos os outros trompetistas do jazz na atualidade. É o último dos gênios trompetistas vivos do jazz, e que os céus o preservem, o magnífico, lírico, adorável, Tom Harrell. Acompanhado pelo excepcional pianista muito pouco comentado em nossas plagas, o formidável Jacky Terrasson, artista de prodigiosa habilidade, feeling e fantástica imaginação, que com este álbum fez sua estreia no mundo fonográfico. No repertório, temas de diversos autores. Só um deles, ’20 Bars Tune’, é do trompetista. Temos ‘Tune Up’, um clássico de Miles Davis; do grande Tadd Dameron, a belíssima balada ‘If You Cold See Me Now’; ‘Just Around Midnight’, a joia de Thelonius Monk; outro encanto de balada, ‘Beautiful Love’, de Victor Young; ‘Com Alma’, de Dizzy Gillespie, entre outros. Tudo tocado com feliz e despojado talento e feeling, como pede o melhor do jazz. A formação em duo é das mais intimistas e difíceis para um trompetista. Particularmente falando como adepto do instrumento, é das minhas formações preferidas. Essa camerística composição teve como pioneiras no mundo do jazz as gravações dos lendários Joe King Oliver e Jelly Roll Morton (‘Tom Cat Blues’ e ‘King Porter Stomp’, de 1924); seguidos por Louis Armstrong e Earl Hines (‘Weather Bird’, de 1928). Um dos mais belos registros nessa formação tive o prazer de postar aqui no PQP, o disco ‘Diane’, com Chet Baker e o pianista Paul Bley. Fico a dever outra joia, também com Tom Harrell e o pianista Dado Moroni, para breve. Mr. Harrell, a quem escrevi no Facebook dizendo que ele me faz crer em anjos músicos. Ele curtiu! Fiquei feliz da vida. Dedico esta postagem à amiga, hoje raio de luar, Lara Lins.

Moon and Sand – Tom Harrell & Jacky Terrasson (1991)

1. Moon and Sand (Alec Wilder)
2. Tune Up (Miles Davis)
3. Beautiful Love (Victor Young)
4. If You Cold See Me Now (Tadd Dameron)
5. 20 Bars Tunes (Tom Harrell)
6. What Kind of Fool Am I (Leslie Bricusse)
7. Parisian Thoroughfare (Bud Powell)
8. Janine (Duke Pearson)
9. Just Around Midnight (Thelonious Monk)
10. Rythm-A-Ning (Thelonouis Monk)
11. Com Alma/Well You Needn’t (Dizzy Gillespie/Th. Monk)

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Wellbach

IM-PER-DÍ-VEL !!!

É claro que não deveria nunca escrever sobre jazz. Adoro jazz, mas sou muito boêmio. Diferentemente dos eruditos, só ouço os caras de que gosto. Então, meu deus jazzístico é Charlie Mingus — que, dizem, era um compositor erudito que gostava de jazz — , secundado por Ellington, Miles e Dolphy. Os outros, including Coltrane, Parker, Evans e Jarrett, ficam fora de meu Olimpo. É bóbvio que não devo posar de conhecedor. Não pouso, mas indico Dolphy como um grande compositor, improvisador anárquico e originalíssimo que morreu da forma mais estúpida possível a um ser humano.

Sim, ele era diabético. Deu entrada no hospital em coma diabético. Porém, como era músico, os médicos acharam que ele estava drogado e logo voltaria a si. Morreu. Aos 36 anos.

Eric Dolphy tocava saxofone alto, flauta e clarone. Na verdade, foi o primeiro claronista importante como solista no jazz, além de ser dos maiores flautistas do estilo. Em todos esses instrumentos era um improvisador impecável. Nas primeiras gravações, ele tocava ocasionalmente um clarinete soprano tradicional em Si bemol. Seu estilo de improvisação era característico por uma torrente de ideias, utilizando amplos saltos intervalares e abusando das doze notas da escala. Embora o trabalho de Dolphy seja às vezes classificado como free jazz, suas composições e solos possuem uma lógica diferente da dos músicos de free jazz.

.: intermezzo :. Eric Dolphy: Out There (1960) e Out to Lunch (1964)

Out There
1. Out There 6:52
2. Serene 6:58
3. The Baron 2:54
4. Eclipse 2:43
5. 17 West 4:48
6. Sketch Of Melba 4:36
7. Feathers 5:00

Out to Lunch
1. Hat And Beard 8:24
2. Something Sweet, Something Tender 6:03
3. Gazzellioni 7:23
4. Out To Lunch 12:09
5. Straight Up And Down 8:19

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(Os dois discos estão juntinhos por causa do inverno)

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Apesar de raramente respondidos, os comentários dos leitores e ouvintes são apreciadíssimos. São nosso combustível.
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PQP

Um CD médio, principalmente se considerarmos o excepcional trio. Reeditado a partir da gravação original de 1989, Segments apresenta três dos melhores músicos de jazz modernos: a pianista Geri Allen, o baixista Charlie Haden e o baterista Paul Motian, todos falecidos. Na época, o trio tocava e gravava com frequência e a energia colaborativa que compartilhavam é às vezes palpável neste álbum. Juntamente com peças originais, eles executam versões de “Law Years” de Ornette Coleman, “Marmaduke” e “Segment” de Charlie Parker, juntamente com os clássicos “I’m All Smiles” e “You’ll Never Know”. Mas eu gosto mesmo é de “La Pasionaria”.

.: interlúdio :. Geri Allen, Charlie Haden & Paul Motian: Segments

Track List
01. Law Years 5:46
02. You’ll Never Know 5:00
03. Marmduke 4:42
04. Cabala / Drum Music 7:39
05. Home 4:30
06. I’m All Smiles 6:02
07. Segment 4:26
08. La Pasionaria 9:26
09. Rain 3:35

musicians
Geri Allen – piano
Charlie Haden – double bass
Paul Motian – drums

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PQP

– Postagem original de 2013. Reativada por Pleyel em homenagem aos 78 anos de Keith Jarrett (nasc. 8/maio/1945) –

Não tenho bem certeza desde quando que tenho esse cd do Keith Jarrett, mas tenho certeza de que é meu favorito com essa formação do quarteto europeu. Jan Garbarek dá um show em faixas clássicas como “Questar, “My Song” e a última faixa do cd, “The Journey Home”. Keith Jarrett, como sempre, um gênio do piano, com solos pontuais, curiosamente não muito extensos, porém certeiros. A cozinha com o baixista Palle Danielsson e o baterista Jon Christensen fornece a base perfeita para os solos de Jarrett e Garbarek.

Em outras palavras, um primor de CD, facilmente classificável como “IM-PER-DÍ-VEL” para os fãs do jazz.

Keith Jarrett Quartet – My Song (1978)

1 – Questar
2 – My Song
3 – Tabarka
4 – Country
5 – Mandala
6 – The Journey Home

Keith Jarrett – Piano
Jan Garbarek – Tenor and Soprano Saxophones
Palle Danielsson – Bass
John Christensen – Drums

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE – flac

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE – mp3 320kbps

FDPBach/Pleyel

Peço licença para entrar na área de um dos colaboradores do blog, o bluedog. Andei mexendo numa velha estante de cds, e encontrei esta obra prima do Gismonti, e quase que imediatamente decidi postar. Este Zigzag (1996) é uma maravilha de cd. Com o tradicional cuidado das gravações da ECM, Egberto Gismonti está à vontade e muito bem acompanhado, ao lado de Nando Carneiro e Zeca Assumpção. Só gostaria de saber de que planeta esses caras saíram para conseguirem um resultado tão fantástico assim. Posso até estar exagerando, mas o CD tem momentos realmente brilhantes, o violão e o piano de Gismonti são únicos, com sua mistura de elementos rítmicos da música brasileira, e mesmo em momentos de puro virtuosismo a beleza de seu dedilhado está presente. Destaques? Sugiro uma audição mais apurada de “Mestiço & Caboclo”, e o piano de “Forrobodó”. O texto abaixo foi tirado do site da ECM:

“ZigZag” is the 14th Gismonti recording to be issued by ECM and features his touring band of Nando Carneiro, who doubles on guitar and synthesizer, and bassist Zeca Assumpacao (sic). The trio members have been friends since the 1970’s and collaborated on many projects and tours both in South America and Europe. More than 20 years after his ECM debut, “Dança das Cabeças”, Gismonti remains a category unto himself. Born in the small Brazilian town of Carmo to a Lebanese father and a Sicilian mother, he grew up in an “international” environment . Beginning classical piano at the age of 5, his earliest yearnings were to play and compose music in the European tradition. At the age of 20 he went to Paris to study initially with composer Jean Barraqué and later with Nadia Boulanger. Whereas Barraqué passed on his enthusiasm for Debussy, Ravel and Stravinsky to the young Egberto, Boulanger sent the aspiring composer home to reacquaint himself with his Brazilian roots. Upon his return to Brazil, Egberto immersed himself in his country’s rich musical resources using the samba, choro, jazz, bossa and baiao in creating his own new music. He also turned his attention to the guitar, an instrument at the musical center of his homeland. Attracted originally by the Brazilian choro form which he negotiated on classical acoustic guitar, he switched to an 8-stringed instrument in 1973, and gradually worked his way up to his present 10 and 14-string guitars.

Boa audição.

Egberto Gismonti Trio – ZigZag

1. ZigZag
2. Mestiço & Caboclo
3. Orixás
4. Carta De Amor
5. Um Anjo
6. Forrobodó

Egberto Gismonti –  10 & 14-string guitars, piano
Nando Carneiro – guitar, synthesizer
Zeca Assumpção – double-bass

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FDP Bach

Quem se acostumou ao barato da droga de Charlie Mingus sabe: ela causa dependência para toda vida. Não, não há ex-viciados. Sorte nossa é que há muitos e bons músicos drogaditos sempre prontos a não deixarem que padeçamos de síndrome de abstinência. Mesmo 32 anos após a morte do grande baixista, ainda há carradas de gente devotadas à obra deste notável compositor de música erudita… que gostava de jazz. Este disco de 2009 não é o melhor da Big Band formada para cultuar Mingus, mas é um álbum ao vivo absolutamente estimulante para quem gosta do jazz visceral e raivoso praticado pelo homem que era 3.

Destaque para uma das muitas homenagens feitas à Charlie Parker, Gunslinging Birds, mas também para Cryin’ Blues, Open Letter To Duke, Moanin’ e Goodbye Pork Pie Hat. A obra de Mingus parece ter mais facetas do que mostra qualquer LSD.

Divirtam-se. Embriaguem-se. Droguem-se. Quem gostar não vai poder mais viver sem.

Mingus Big Band Live at Jazz Standard

1. Gunslinging Birds
2. New Now Know How
3. Self-Portrait In Three Colors
4. Birdcalls
5. E’s Flat Ah’s Flat Too
6. Cryin’ Blues
7. Open Letter To Duke
8. Moanin’
9. Goodbye Pork Pie Hat
10. Song With Orange

Mingus Big Band

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PQP

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Um CD maravilhoso! Sabedoria e melancolia estão entrelaçadas em Wisteria, cuja faixa-título, escrita por Art Farmer, leva os ouvintes de volta ao início dos anos 1960, onde o pianista Steve Kuhn e o baixista Steve Swallow cantam suavemente o blues na banda do trompetista-flugelhornista. A dupla se conhece muito bem: desenvolvem suas ideias de improvisação juntos e compartilham o mesmo amor pela melodia. Este álbum dá uma nova visão a  peças ouvidas antes na coleção orquestral Promises Kept de Kuhn. Ao lado das baladas tristes há também um pouco de hard bop (A Likely Story), algo de Swallow (Dark Glasses), um gospel de Carla Bley (Permanent Wave) e a brasileira Romance de Dori Caymmi. Ao todo, são temas variados onde o trio parece navegar sem esforço. São músicos já além da necessidade de provar qualquer coisa, criando a agradável ilusão de que essa música exigente está tocando sozinha.

Steve Kuhn / Steve Swallow / Joey Baron: Wisteria

01. Chalet
02. Adagio
03. Morning Dew
04. Romance
05. Permanent Wave
06. A Likely Story
07. Pastorale
08. Wisteria
09. Dark Glasses
10. Promises Kept
11. Good Lookin’ Rookie

Personnel:

Steve Kuhn (piano)
Steve Swallow (bass)
Joey Baron (drums)

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PQP