Já que nossa querida colega Clara Schumann se antecipou postando um Vivaldi maravilhoso, FDP Bach declara iniciado o nosso festival Barroco. Confesso que há pouco tempo ouço Telemann com atenção. Não sei se devido ao fato de ter feito mais sucesso que nosso pai em sua época (reconheço que a inveja é uma merda) ou se devido à dificuldade de se conseguir gravações suas, só sei que tive acesso à sua obra à pouco tempo, claro, com exceção de suas obras para flauta. Mas agora que tive acesso às interpretações de Reinhard Goebel e seu Musica Antiqua Köln, posso dizer que realmente estou ouvindo um gênio do barroco executado por mestres absolutos das gravações ditas de época. E por um selo que dispensa comentários, a “Archiv Produktion”. São obras para Flauta doce e transversal, além de oboé, executadas com maestria pelo conjunto de Goebel, e que revelam um total domínio da arte da composição. Peças curtas, mas que demonstram a genialidade de Telemann. Tenho certeza que todos irão adorá-las.
Georg Phillip Telemann (1681-1767): Flötenquartette (Musica Antiqua Köln)
01 – in g TWV43 g4 – Allegro
02 – Adagio
03 – Allegro
04 – in G TWV 43 G6 – – Allegro
05 – Grave
06 – Allegro
07 – in d TWV 43 d3 – Adagio
08 – Allegro
09 – Largo
10 – Allegro
11 – in G TWV 43 G11 – Affettuoso
12 – Allegro
13 – Adagio
14 – Allegro
15 – in a TWV 43 a3 – Adagio
16 – Allegro
17 – Adagio
18 – Vivace
19 . in G TWV 43 G12 – Dolce
20 – Allegro
21 – Soave
22 – Vivace
23 – in B flat TWV 43 B2 – Spirituoso
24 – Grave
25 – Allegro
26 – in G TWV 43 G10 – Vivace
27 – Andante
28 – Vivace
Musica Antiqua Köln
On authentic instruments
Maurice Steger – recorder
Verena Fischer – transversal flute
Diego Nadra – oboe
Stephan Schardt – violin
Reinhard Goebel – violin & viola
Klaus-Dieter Brandt – violoncello
Léon Berben – harpsichord
FDP
O álbum … de árvores e valsas (2014) de André Mehmari é uma obra fundamental em sua discografia, que revela uma faceta mais íntima, contemplativa e profundamente lírica do multi-instrumentista e compositor. Diferente do projeto colaborativo de “Contínua Amizade”, este é um trabalho essencialmente solo, centrado no piano, e funciona como uma declaração poética e pessoal. O título já evoca um universo nostálgico. O álbum é uma coleção de valsas e peças de caráter lírico, onde Mehmari explora a forma da valsa não apenas como dança, mas como um estado de espírito. Mehmari mostra toda a sua maturidade como pianista. O som é delicado e introspectivo. É possível ouvir ecos do Choro e Valsa Brasileira — a alma de Chiquinha Gonzaga e Ernesto Nazareth está presente, mas filtrada pela contemporaneidade –, também há ecos de jazz nas improvisações e da música erudita com o impressionismo de Debussy e Ravel, e até da música minimalista, na construção de atmosferas. A qualidade da gravação e a riqueza de detalhes pedem uma escuta atenta. É possível ser profundamente brasileiro e universal, tradicional e inovador.
Uchida não quis saber de regentes para fazer esta série de Concertos para Piano de Mozart. Não parece, mas são gravações feitas ao vivo, no Cleveland`s Severance Hall. Ela já tem uma integral destes concertos com a English Chamber Orchestra, sob a regência de Jeffrey Tate. 20 anos depois, nesta regravação destas obras-chave de seu repertório, Uchida vem um pouquinho pior… A culpa é mais da orquestra — dirigida por ela — do que da categoria da pianista, sempre excelente. Apesar do espetacular trabalho dos sopros, o tamanho da orquestra é demasiadamente grande para as peças. A abordagem também é excessivamente romântica para Mozart. Tate era mais Mozart na versão anterior de Uchida .
Pra lá de interessante este CD de Dudamel e sua turma da Venezuela. São três peças de longa duração escritas por Tchai sobre temas shakespearianos: Hamlet, A Tempestade e Romeu e Julieta. Um ideia bem óbvia, né? Dudamel parece o Rattle dos primeiros anos, erra pouco e parece levar muito bem sua vida entre um país e outro. Atualmente, é o maestro titular da extraordinária Orquestra Sinfônica de Gotemburgo e diretor musical da Orquestra Filarmônica de Los Angeles, além de ser a grande estrela da Simón Bolívar. Um fenômeno. Afinal, este filho de um trombonista com uma professora de canto é um cara que começou no 
Este é um belo disco de Frans Brüggen em seus tempos de solista. E, puxa vida, o homem toca muito! Não é para menos que sua companhia é formada apenas por Anner Bylsma e Gustav Leonhardt. As sonatas são interpretadas pelo trio e as fantasias são obras para flauta solo. Eles todos estão perfeitos nestas obras do compositor que nosso amigo 
Um disco raro que foi relançado com outra capa pela Harmonia Mundi France. É esta a edição que eu tenho. O título da HM francesa é mais exato: Miniatures for young pianists, pois é disto que se trata. Tem muito exercício e muita fofura. Por exemplo, as 24 peças de Tchai para crianças foram composta exclusivamente com fins pedagógicos. As pecinhas, todas curtas, são intituladas como “A Doença da Boneca”, “Marcha dos Soldados de Chumbo”, etc. e foram dedicadas a seu sobrinho. O objetivo era proporcionar a jovens pianistas peças musicalmente ricas, porém tecnicamente acessíveis, que desenvolvessem tanto a técnica quanto a expressividade. Prokô e Shosta seguiram a onda. Um álbum agradável.
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Os poemas sinfônicos de Sibelius são como paisagens finlandesas transformadas em sons — densos e impregnados do espírito do norte. Em obras como “Finlândia” (hino nacional não oficial), “Karelia Suite” e “O Cisne de Tuonela” (misterioso e estático), Sibelius vai além da descrição musical: ele captura mitos, florestas, lagos e a própria luta identitária de seu povo. Com uma orquestração inovadora – onde timbres escuros, melodias que brotam de motivos mínimos e silêncios tensionados criam uma geografia emocional única. Não, esses poemas não narram histórias, mas evocam atmosferas onde a natureza e a alma humana se fundem. São, talvez, a expressão mais pura do que se chamou “o espírito do Norte”: austero, grandioso e profundamente lírico. O CD começa com Finlândia, termina com Valsa Triste e é — todo — bom demais. Querem comprovar? Ouçam a Valsa Triste desta orquestra checoslovaca (sim, antes da separação). Um pouco mais rápida que o habitual, mas com uma sensibilidade e compreensão abobantes. Confiram, por favor. Excelente!
Bem, como já disse várias vezes, os discos de Telemann devem ser muito bem garimpados. O cara tem uma obra muito grande e boa parte dela é descartável. Então é muito complicado navegar no mar telemiano, por assim dizer. Este CD é daquelas exceções. Ele é apenas maravilhoso. A Suíte é esplêndida e pelo menos um dos Concertos para Flauta é simplesmente extraordinário — não, não descarto os outros. Vale a pena ouvir tudo. A Suíte para Flauta de Telemann é um exemplar perfeito do estilo francês, combina a elegância das danças barrocas (como minuetos e gavotas) com uma escrita fluente e expressiva para o solista. É uma obra encantadora, que exige musicalidade acima do mero virtuosismo técnico. Rothert brinca bastante. Já os Concertos para Flauta de Telemann revelam a vitalidade do estilo italiano, com movimentos vivos e melódicos que alternam entre o brilho do solista e o diálogo com o tutti orquestral. São peças equilibradas e inventivas, onde o compositor explora com leveza o contraste entre os registros e a agilidade da flauta. Prestem atenção ao Concerto em “E minor” (mi menor em português). A coisa só vai melhorando até chegar a um espetacular Presto.
Dizem que os Concertos para Violoncelo de Dvořák e Elgar são os dois pilares absolutos do repertório romântico para o instrumento, só que representam universos emocionais e estéticos muito distintos. Uma comparação clássica é que o de Dvořák é como uma paisagem épica, enquanto o de Elgar é um retrato psicológico íntimo. Acho os dois horrorosos e só posto porque sei que meus gostos são um tanto particulares. É curioso como estes concertos estão ligados a alguns grandes solistas. O de Dvořák é associado a Pablo Casals, que o popularizou, e a gravações de grande força como a de Rostropovich + Karajan ou Fournier + Szell. O de Elgar está indissociavelmente ligado a Jacqueline du Pré. Sua gravação com Barbirolli (1965) capturou a juventude, a dor e a paixão vulcânica da obra de uma forma definitiva, tornando-a um ícone. Outras leituras — como a de Truls Mørk — são mais introspectivas e sombrias. Gosto moderadamente desta última.
IM-PER-DÍ-VEL !!!
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O belo Concerto para Violino de Alban Berg foi escrito em 1935, ano de sua morte. (Em 24 de dezembro daquele ano, ele foi provavelmente picado por um inseto peçonhento e morreu). Seu Concerto é a peça mais conhecida e executada de Berg. A obra foi encomendada por Louis Krasner e dedicada por Berg “à memória de um anjo”. Foi o último trabalho que ele concluiu. Krasner executou a parte solo na estreia no Palau de la Música Catalana, Barcelona, em abril de 1936, quatro meses após a morte do compositor, tornando-se um réquiem não apenas para Manon Gropius, mas também para Berg. Por que o anjo? Ora, o acontecimento que o estimulou a escrever o concerto foi a morte por poliomielite de Manon Gropius, de 18 anos, filha de Walter Gropius e de sua amiga e patrocinadora Alma Mahler (viúva de Gustav Mahler). Alma sentiu-se abandonada pelos Berg em seu período de luto, e Berg estava ansioso para reparar o erro. Berg enviou a Alma parte da partitura em 1935. Era o aniversário de 56 anos da Alma. No Concerto temos uma demonstração de como Berg lidou com o atonalismo — com tanta habilidade que a herança clássica de suas composições não foi apagada, justificando assim o termo frequentemente aplicado a ele: o “classicista da música moderna”.
Após 47 anos como um dos principais quartetos de cordas do mundo, o Emerson deu seus últimos concertos neste mês de outubro de 2023. Uma pena. Este é seu último disco antes de se separarem e foi corajosamente construído em torno de um dos pilares do repertório do quarteto do século XX, uma obra que nunca tinham gravado antes. O Segundo Quarteto de Schoenberg é notável não apenas por incluir partes para soprano sobre poemas de Stefan George em seus dois movimentos finais, mas também como a peça em que ele deu seus primeiros e hesitantes passos no mundo desconhecido da atonalidade, embora em seus compassos finais a música retorne à segurança…
Este é um CD aclamado pela crítica, elogiado pela energia contagiante, pela técnica brilhante de Bates e pela escolha de repertório inteligente e complementar, que forma uma narrativa musical convincente sobre a evolução do piano norte-americano. Mais do que uma simples coletânea, este CD é uma declaração de amor ao piano e à música norte-americana do século XX, executado por um pianista de primeira grandeza que encontra a alma comum entre dois mestres aparentemente distantes. Deste modo, este CD da Naxos apresenta uma fascinante ponte entre dois gigantes da música americana, unindo o espírito jazzístico e as melodias atemporais de George Gershwin com a inventividade rítmica e harmônica do jazz de Chick Corea. O grande mérito do disco é justamente este diálogo inesperado, mostrando como a semente plantada por Gershwin floresceu de forma original na obra de Corea, tendo Bates como guia.
