Amaral Vieira (1952): Fausto

Amaral Vieira (1952): Fausto

Aqui vai o segundo CD com obras pianísticas de Amaral Vieira interpretadas por Paulo Gazzaneo, culminando com Variações Fausto, sobre um tema da sinfonia homônima de Franz Liszt – compositor do qual Amaral Vieira é um dos maiores intérpretes vivos.

***

Amaral Vieira – Fausto

1-5. Cinco Bagatelas, op.178 (1983)
1.Ostinato – 2.Diálogo – 3.Minueto Sarcástico – 4.Recitativo –

5.Moto Perpétuo

6-8. Prólogo, Fuga e Final, op.194 (1984)

9. F.L.- Bayreuth, op.163 (1982)

10. Divertimento Giocoso, op.242 (1989)

11-20. Danças Antigas, op.101 (1977)
1.Sarabanda – 2.Gagliarda – 3.Basse Dance – 4.Saltarello – 5.Matassin – 6.Pavana – 7.Ritornello – 8.Passamezzo – 9.Pastorello – 10.Rigaudon

21-23. Novas Fábulas, op.205 (1985)
1.Largamente – 2.Con delicatezza – 3.Enérgico

24. Cenas Rupestres, op.173 (1983)

25-31. Sete peças para piano,op.169 (1982)
1.Tempo di Marcia – 2.Lento – 3.Sarcástico – 4.Con somma passione – 5.Un poco agitato – 6.Sostenuto – 7.Enérgico

32. Variações Fausto, op.199 (1985)

Piano: Paulo Gazzaneo

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O jovem Amaral Vieira
O jovem Amaral Vieira

CVL

Jan Dismas Zelenka (1679-1745) / Johann Georg Pisendel (1687-1755): Concertos

Jan Dismas Zelenka (1679-1745) / Johann Georg Pisendel (1687-1755): Concertos

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Os conhecedores de música barroca são, normalmente, apaixonados por Zelenka. Sua obra concertística, assim como a sacra, são de primeira linha. Aqui, neste esplêndido CD da Deutsche Harmonia Mundi, ele vem acompanhado de Pisendel, um ótimo escudeiro. Aliás, todas as gravações da Orquestra Barroca de Freiburg devem ser adquiridas, nem que fosse para exclusiva fruição timbrística. Os caras têm um som inigualável. Confira!

Jan Dismas Zelenka (Louňovice pod Blaníkem, atual República Checa, 16 de outubro de 1679 – Dresda, 22 de dezembro de 1745) foi um compositor barroco boêmio. Ainda não se conhece muito a respeito de sua infância e juventude. Provavelmente foi seu pai, professor e organista desta cidade, quem o introduziu no mundo da música. Pensa-se que pode ter recebido uma educação musical em um colégio jesuíta de Praga, o famoso chamado Clementinum. Em 1709 foi contrabaixista da capela do Conde J. L. von Hartig em Praga em em 1710 da Capela Real Saxônica de Dresden. De 1715 a 1719 estudou com Johann Joseph Fux em Viena e com Antonio Lotti e Alessandro Scarlatti na Itália. Em 1719 fixou residência definitiva em Dresden, onde foi nomeado em 1721 vice-mestre de capela na corte de Augusto II da Polônia, convertendo-se em auxiliar do compositor Johann David Heinichen. Em 1729 recebe o cargo de diretor de música da igreja. Permaneceu nesta cidade até sua morte, em 1745. Jamais casou-se e nem teve filhos.

Johann Georg Pisendel (5 de janeiro de 1688 – 25 de novembro de 1755) foi um músico, violinista e compositor barroco alemão que, por muitos anos, liderou a Orquestra da Corte em Dresden, então o melhor conjunto instrumental da Europa. Pisendel nasceu em Cadolzburg, uma pequena cidade perto de Nuremberg, onde seu pai Simon Pisendel era o cantor e organista. Aos nove anos, tornou-se menino de coro na capela da corte de Ansbach. O diretor musical foi o virtuoso cantor Francesco Antonio Pistocchi e o mestre de concertos foi o célebre violinista e compositor Giuseppe Torelli. Pensa-se que Pisendel estudou o violino com Torelli. Depois que sua voz mudou, Pisendel passou a tocar violino na Orquestra da Corte, mas, em 1709, deixou Dresden para Leipzig para continuar seus estudos musicais.

Desta forma, o que os liga é Dresden.

Jan Dismas Zelenka (1679-1745) e Johann Georg Pisendel (1687-1755): Concertos

1. Zelenka: Hipocondrie A 7 Concertanti/A Major, Zwv 187 – Allegro

2. Pisendel: Concerto In D Major – Vivace
3. Pisendel: Concerto In D Major – Andante
4. Pisendel: Concerto In D Major – Allegro

5. Zelenka: Concerto For Oboe And Strings In G Major Zwv 186 – Allegro
6. Zelenka: Concerto For Oboe And Strings In G Major, Zwv 186 – Allegro
7. Zelenka: Concerto For Oboe And Strings In G Major – Allegro

8. Pisendel: Sonata For Oboe And Strings In C Minor – Largo
9. Pisendel: Sonata For Oboe And Strings In C Minor – Allegro

10. Zelenka: Concerto For Oboe, Basson & Strings, Zwv 189 – Movement 1
11. Zelenka: Concerto For Oboe, Basson & Strins Zwv 189 – Andante
12. Zelenka: Concerto For Oboe, Basson & Strins Zwv 189 – Capriccio
13. Zelenka: Concerto For Oboe, Basson & Strins Zwv 189 – Aria De Capriccio
14. Zelenka: Concerto For Oboe, Basson & Strins Zwv 189 – Minuet I & Ii

Freiburger Barockorchester
dir. Gottfried von der Goltz

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Freiburger Barockorchester com Gottfried von der Goltz: sabem quem é ele?

PQP

Antonio Vivaldi (1678-1741): As Quatro Estações – Roberto Michelucci & I Musici / Giuliano Carmignola & Sonatori de la Gioiosa Marca

Antonio Vivaldi (1678-1741): As Quatro Estações – Roberto Michelucci & I Musici / Giuliano Carmignola & Sonatori de la Gioiosa Marca

Vivaldi

As Quatro Estações

Roberto Michelucci  –  I Musici

Aqui é assim: se um dos nossos dezessete leitores pede alguma coisa, paramos tudo, desde a pesquisa sobre música folclórica do Azerbaijão até a audição das trinta e sete diferentes gravações dos quartetos de Beethoven, só para atendê-los! E quando o pedido envolve o nome de uma instituição italiana monumentalíssima como o I Musici, a presteza é redobrada.

Pessoal do I Musici visitando um parque em Ashkelon. Ótimos músico, fotografos nem tanto…

I Musici foi fundado em 1951 e é ativo até hoje. Doze jovens artistas formados pela Accademia di Santa Cecilia, de Roma, que se reuniram para formar uma orquestra de câmera sem maestro. E que nome escolheram para o grupo: Os Músicos! Rapidamente chamaram a atenção de todos pelas suas interpretações de música barroca, especialmente Vivaldi, mas também Albinoni e outros.

Até o advento do movimento de música com instrumentos de época, que varreu o cenário musical desde os anos oitenta, I Musici era uma das principais referências para música barroca. Mesmo depois, o grupo manteve um público fiel.

Com esse background, pode-se esperar que eles tenham gravado As Quatro Estações, de Vivaldi, diversas vezes. Posso mencionar pelo menos três delas: uma com o Felix Ayo, outra com Roberto Michelucci e uma ainda com a Pina Carmirelli. Aqui temos a gravação com Roberto Michelucci, feita na Suiça, em 1969.

As Estações de Vivaldi dispensam apresentações, mas é bom lembrar duas coisas: apesar de serem vistos como um grupo de quatro concertos, eles fazem parte de uma publicação de 12 concertos. São os quatro primeiros concertos da obra Il cimento dell’armonia e dell’inventione, Op. 8. A união da harmonia com a invenção! Os concertos evocam as estações do ano, sendo assim o que se chama música programática. Há quatro poemas, um sobre cada um dos concertos, que possivelmente foram escritos pelo próprio Vivaldi.

Completam o disco do I Musici dois lindos concertos de Vivaldi: Concerto em si bemol maior, Op. 8, No. 10, La caccia, e Concerto em lá maior, Per ecco in lontano. O concerto em si bemol maior foi gravado em Roma, em 1961, com solo de Felix Ayo, e o concerto em lá maior, em La Chaux-de-Fonds, Neuchâtel, Suiça, no ano de 1965, tendo como solistas Walter Gallozzi e Franco Tamponi.

Vivaldi

As Quatro Estações

Sonatori de la Gioiosa Marca

Giuliano Carmignola

Com o intuito de tornar a postagem atraente a pelo menos mais alguns dos outros dezesseis leitores, resolvi fazer uma postagem dupla e trazer também uma outra gravação das estações vivaldianas. Escolhi, para fazer contraponto ao I Musici, uma gravação feita por um grupo que toca com instrumentos de época, mas também italiano. O nome de Giuliano Carmignola é consenso como um dos melhores violinistas barroco em atividade e isso é muito justo. Nesta gravação feita para a DIVOX Antiqua, em 1994, ele está acompanhado pelo Sonatori de la Gioiosa Marca e eles soam maravilhosos aos meus ouvidos. Este grupo é de Treviso, uma cidade que está na fronteira (marca) da Sereníssima República de Veneza. Portanto, assim fica o nome do grupo: Músicos da Festiva Fronteira. Só para lembrar do I Musici!!

Carmignola e o Sonatori de la Gioiosa Marca

Aqui completam o disco também dois concertos.

Vivaldi

Concerto No. 1, em mi maior, RV 269, La primavera

  1. Allegro
  2. Largo
  3. Allegro (Danza Pastorale)

Concerto No. 2 em sol maior, RV 315, L’estate

  1. Allegro non molto – Allegro
  2. Adagio – Presto – Adagio
  3. Presto (Tempo impetuoso d’estate)

Concerto No. 3, em fá maior, RV 293, L’autunno

  1. Allegro (Ballo e canto de villanelli)
  2. Adagio molto (Ubriachi dormienti)
  3. Allegro (La caccia)

Concerto No. 4, em fá maior, RV 297, L’inverno

  1. Allegro non molto
  2. Largo
  3. Allegro

Concerto No. 10, em si bemol maior, RV 362, La caccia

  1. Allegro
  2. Adagio
  3. Allegro

Concerto em lá maior, RV 552, Per ecco in lontano

  1. Allegro
  2. Larghetto
  3. Allegro

Roberto Michelucci, violino (1-12)

Felix Ayo, violino (13-15)

Walter Gallozzi e Franco Tamponi, violinos (16-18)

I Musici

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Giuliano Carmignola

 

Concerto No. 1, em mi maior, RV 269, La primavera

  1. Allegro
  2. Largo
  3. Allegro (Danza Pastorale)

Concerto No. 2 em sol maior, RV 315, L’estate

  1. Allegro non molto – Allegro
  2. Adagio – Presto – Adagio
  3. Presto (Tempo impetuoso d’estate)

Concerto No. 3, em fá maior, RV 293, L’autunno

  1. Allegro (Ballo e canto de villanelli)
  2. Adagio molto (Ubriachi dormienti)
  3. Allegro (La caccia)

Concerto No. 4, em fá maior, RV 297, L’inverno

  1. Allegro non molto
  2. Largo
  3. Allegro

Concerto para três violinos, viola e baixo contínuo, em fá maior, RV 551

  1. Allegro
  2. Andante
  3. Allegro

Concerto em ré menor, RV 128

  1. Allegro non molto
  2. Largo
  3. Allegro

Giuliano Carmignola, violino

Sonatori de La Gioiosa Marca

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Treviso, cidade do Sonatori de la Gioiosa Marca

Assim, espero que todos possam desfrutar desta meravigliosa música vivaldiana!!

René Denon

W. A. Mozart (1756 – 1791): Integral Concertos para Piano – Jenö Jandó – Post 2 de 5

W. A. Mozart (1756 – 1791): Integral Concertos para Piano – Jenö Jandó – Post 2 de 5
The Miles Kendig Post 2

Wolfgang Amadeus Mozart Integral dos Concertos para Piano

Jenö Jandó

Esta postagem, a segunda de uma série de cinco, é dedicada à lembrança de Miles Kendig.

Em uma de suas intensas discussões com Yaskov, seu principal oponente enquanto esteve na ativa, Miles Kendig teria feito comentários desabonadores sobre os intérpretes russos da música de Mozart. É bem provável que tudo fazia parte de alguma grande trama para encobrir outras coisas. Pena que os registros sonoros desta elevada conversação não tenham sido claramente captados pela equipe de áudio da contraespionagem escalada para a ocasião. Afinal os dois se encontraram em uma praça só para dificultar o trabalho do pessoal. Por outro lado, os resultados do grupo de captação de imagens levam a crer que ambos concordam que Emil Gilels é um dos melhores intérpretes do Concerto No. 27 em si bemol maior, K 595.

Hopscotch – o universo de Miles Kendig
Jenö Jandó

Jenö Jandó, nosso guia por esta jornada aos Concertos para piano de Mozart é ótimo pianista húngaro. Versatilíssimo, ajudou a construir boa parte do catálogo da gravadora Naxos. O homem produziu a Integral das Sonatas para piano de Beethoven, de Haydn, de Schubert. O que Wilhelm Kempff fez para a Deutsche Grammophon, ele fez para a Naxos e sempre com competência e sensibilidade.

Acredito ainda que, deste período de construção do catálogo da Naxos, sua contribuição maior, mais duradoura, tem sido essa série de Concertos para Piano de Mozart. As gravações do Jenö Jandó, acompanhado pela Concentus Hungaricus, regida por Mátyás Antal ou András Ligeti, vale a nota e a divulgação. Todas as gravações foram feitas no Instituo Italiano de Budapeste, entre 1989 e 1991, com a produção de Ibolya Tóth.

Alguma informação sobre os concertos desta postagem:

O Concerto No. 7, em fá maior, K. 242 foi escrito para três pianos em 1776, comissionado pela Condessa Antonia Lodron, que seria a solista em companhia de suas duas filhas, Aloysia e Giuseppa. A parte destinada a filha mais nova é relativamente simples e em 1780 Mozart arranjou o concerto para dois pianos, a versão que temos aqui. Assim como no caso do Concerto No. 8, chamado Lützow, foi dedicado a pessoas de famílias nobres com importante posição social em Salzburgo. Estes concertos de Nos. 6, 7 e 8 são peças feitas para agradar ao público, obras típicas do estilo galante. Não deixe de notar o lindo diálogo entre os solistas no movimento lento e deleitar-se com essas lindas peças musicais. Há uma bonita gravação deste concerto feita com os solistas Leon Fleisher e sua mulher Katherine Jacobson Fleisher.

O Concerto No. 10, em mi bemol maior, K. 365 é para dois pianos e deve ter sido composto em 1779, pouco antes da mudança para Viena. O concerto é uma obra de vivacidade e charme, com muitos diálogos engenhosos. Ele deve ter sido interpretado por Mozart e sua irmã, Nannerl e também foi interpretado com Josephine von Auernhammer, sua primeira aluna em Viena. Há uma linda gravação feita por Emil Gilels e sua filha Elena Gilels que vale futura investigação.

O Concerto No. 9, em mi bemol maior, K. 271 destaca-se como um dos melhores desta fase inicial, mesmo se contarmos os primeiros concertos que Mozart compôs quando se mudou para Viena. Foi descrito por Charles Rosen (autor de o livro The Classical Style) como perhaps the first unequivocal masterpiece of the classical style. Masterpiece você sabe o que é… Apesar do apelido Jeunehomme, pois pensava-se que havia sido escrito para um jovem pianista frances que estaria visitando Salzburgo, o concerto foi escrito para Victorie Jenany. Ela era filha de Jean-Georges Noverre, dançarino francês, amigo de Mozart. Ele os conheceu em 1773, em uma visita a Viena. A moça deve ter sido uma pianista e tanto. O Andantino é um movimento sombrio em dó menor, particularmente notável. O concerto foi escrito por Mozart aos vinte e um anos e mostra sua maturidade artística.

Os Concertos No 15, em si bemol maior, K. 450 e No. 16, em ré maior, K. 451 foram escritos em 1784 para apresentações do próprio Mozart. Em carta de 26 de maio, para seu pai, ele fala desses dois concertos que fazem suar. No concerto No. 15 os sopros rebem um tratamento mais elaborado.  O Concerto No. 16 é em ré maior, uma tonalidade tradicionalmente brilhante, tem a orquestra acrescida de trompetes e tímpanos.

Palais Auersperg

Datado de 5 de janeiro de 1790, o Concerto No. 27, em si bemol maior, K. 595 deve ter sido estreado por Mozart em 4 de março de 1791, num concerto dado por ele e pelo clarinetista Joseph Beer. Se foi esse o caso, esta deve ter sido a última apresentação pública de Mozart. A outra possibilidade é de que o concerto tenha sido estreado por Barbar Ployer, aluna de Mozart, em janeiro de 1791 em um concerto no Palais Auersperg, um lindo palácio barroco que fica em Viena. Após este concerto, a única composição orquestral de Mozart seria o Concerto para Clarinete.

Complete Piano Concertos – Volume 10

Concerto No. 15 em si bemol maior, K. 450

  1. Allegro
  2. Andante
  3. Allegro

Concerto para dois pianos No. 7 em fá maior, K. 242 – ‘Londron’

  1. Allegro
  2. Adagio
  3. Rondeau: Tempo di Menuetto

Concerto para dois pianos No. 10 em mi bemol maior, K. 365

  1. Allegro
  2. Andante
  3. Rondeau: Allegro

Jenö Jandó, piano

Dénes Várjon, piano

Concentus Hungaricus & Mátyás Antal

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Complete Piano Concertos – Volume 3

Concerto No. 9 em mi bemol maior, K. 271 – ‘Jeunehomme’

  1. Allegro
  2. Andantino
  3. Rondeau: Presto

Concerto No. 27 em si bemol maior, K. 595

  1. Allegro
  2. Larghetto
  3. Allegro

Jenö Jandó, piano

Concentus Hungaricus & András Ligeti

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Espero que esta série de postagens lhe aproxime do legado maravilhoso que é a obra de Mozart, em particular de seus concertos para piano. Faça como Miles Kendig, ouça Mozart!

René Denon

Georg Friedrich Händel (1685-1759): Der Messiah – Julia Doyle, Lawrence Zazzo, etc – B’Rock – Belgian Baroque Orchestra Ghent

Esse belo registro do monumental Oratório ‘Messiah’, de Haendel foi realizado em Munique, em 2014, bem recente, portanto. Temos aqui toda uma nova geração de cantores e um jovem maestro, cumprindo muito bem a função de tocar esta obra única, a principal composição deste gênio chamado Haendel.
A destacar o contratenor Lawrence Zazzo, acho que é a primeira vez que ouço esta obra com um Contratenor no papel principal.
Em anexo aos arquivos de áudio segue o booklet, bem completo e explicativo.

CD 1

GEORGE FRIDERIC HANDEL (1685-1759) – Der Messiah

Part One
01 No. 1 Symphony. Grave
02 No. 2 Comfort ye, my people (Accompagnato – tenor / Tenor)
03 No. 3 Ev‘ry valley shall be exalted (Aria – tenor / Tenor)
04 No. 4 And the glory of the Lord (chorus / Chor)
No. 5 Thus saith the Lord (Accompagnato – bass baritone / Bassbariton)
06 No. 6 But who may abide the day of his coming (Aria – countertenor / Countertenor)
07 No. 7 And he shall purify the sons of Levi (chorus / Chor)
08 No. 8 Behold, a virgin shall conceive (Recitative – countertenor / Countertenor)
09 No. 9 O thou that tellest good tidings to Zion (Aria – countertenor – chorus / Countertenor – Chor)
10 No. 10 For behold, darkness shall cover the earth (Accompagnato – bass baritone / Bassbariton)
11 No. 11 The people that walked in darkness have seen a great light (Aria – bass baritone / Bassbariton)
12 No. 12 For unto us a child is born (chorus / Chor)
13 No. 13 Pifa. Larghetto (Pastoral Symphony / Hirtenmusik)
14 No. 14a There were shepherds abiding in the field (Recitative – soprano / Sopran)
15 No. 14b And lo, the angel of the Lord came upon them (Accompagnato – soprano / Sopran)
16 No. 15 And the angel said unto them (Recitative – soprano / Sopran)
17 No. 16 And suddenly there was with the angel (Accompagnato – soprano / Sopran)
18 No. 17 Glory to God in the highest (chorus / Chor)
19 No. 18 Rejoice greatly, o daughter of Zion (Aria – soprano / Sopran)
20 No. 19 Then shall the eyes of the blind be open`d (Recitative – countertenor / Countertenor)
21 No. 20 He shall feed his flock (Aria – countertenor – soprano / Countertenor – Sopran)

Parte Two

22 No. 21 His yoke is easy (chorus / Chor)
23 No. 22 Behold the Lamb of God (chorus / Chor)
24 No. 23 He was despised and rejected of men (Aria – countertenor / Countertenor)
25 No. 24 Surely, he hath borne our griefs and carried our sorrows (chorus / Chor)
26 No. 25 And with his stripes we are healed (chorus / Chor)
27 No. 26 All we like sheep (chorus / Chor)

CD 2

01 No. 27 All they that see him (Accompagnato – tenor / Tenor)
02 No. 28 He trusted in God (chorus / Chor)
03 No. 29 Thy rebuke hath broken his heart(Accompagnato – tenor / Tenor)
04 No. 30 Behold, and see if there be any sorrow (Arioso – tenor / Tenor)
05 No. 31 He was cut off (Accompagnato – tenor / Tenor)
06 No. 32 But thou didst not leave his soul in hell (Aria – tenor / Tenor)
07 No. 33 Lift up your heads (chorus / Chor)
08 No. 34 Unto which of the angels said he at any time (Recitative – tenor / Tenor)
09 No. 35 Let all the angels of God worship him (chorus / Chor)
10 No. 36 Thou art gone up on high (Aria – countertenor / Countertenor)
11 No. 37 The Lord gave the word (chorus / Chor)
12 No. 38 How beautiful are the feet (Aria – soprano / Sopran)
13 No. 39 Their sound is gone out into all lands (chorus / Chor)
14 No. 40 Why do the nations so furiously rage together (Aria – bass baritone / Bassbariton)
15 No. 41 Let us break their bonds asunder (chorus / Chor)
16 No. 42 He that dwelleth in heaven (Recitative – tenor / Tenor)
17 No. 43 Thou shalt break them with a rod of iron (Aria – tenor / Tenor)
18 No. 44 Hallelujah! (chorus / Chor)

Part Three
19 No. 45 I know that my Redeemer liveth (Aria – soprano / Sopran)
20 No. 46 Since by man came death (chorus / Chor)
21 No. 47 Behold, I tell you a mystery (Accompagnato – bass baritone / Bassbariton)
22 No. 48 The trumpet shall sound (Aria – bass baritone / Bassbariton)
23 No. 49 Then shall be brought to pass (Recitative – countertenor / Countertenor)
24 No. 50 O death, where is thy sting? (Duet – countertenor – tenor / Countertenor – Tenor)
25 No. 51 But thanks be to God (chorus / Chor)
26 No. 52 If God be for us (Aria – soprano / Sopran)
27 No. 53 Worthy is the Lamb that was slain (chorus / Chor)
28 No. 54 Amen (chorus / Chor)

Julia Doyle – Soprano
Lawrence Zazzo – Countertenor
Steve Davislim – Tenor
Neal Davies – Bass Baritone
Chor des Bayerischen Rundfunks
B’Rock – Belgian Baroque Orchestra Ghent
Peter Dijkstra – Conductor

CD 1 BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

CD 2 BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

 

Carmina Burana – I Madrigalisti di Genova – Leopoldo Gamberini

Carmina Burana – I Madrigalisti di Genova – Leopoldo Gamberini

Esta coletânea de obras medievais estudas e conduzidas pelo maestro Leopoldo Gamberini (1922-2012) e executadas pela magnífica “I Madrigalisti di Genova” nesta gravação de 1988 que ora compartilho com os amigos do blog foi o meu primeiro CD lá nos idos de 1989, meninão, deslumbrado com a sonoridade da nova tecnologia, resolvi comprar um CD mesmo sem ter onde reproduzir; obra de estréia: “Carmina Burana”. Fui à caça, e na Casa Bevilaqua no centro de São Paulo a encontrei, paguei muito caro e esperei uns 2 meses até poder ouvir. Quando coloquei no toca-CD esperando o fortíssimo do coro inicial ….putz… não era o Carl Orff, era música medieval…. passado o desapontamento achei a gravação “interessante”, hoje acho histórica, muito boa mesmo. Vou tentar fazer um resumo do encarte: os estudiosos aceitam como a primeira escrita do chamado “Carmina Burana” a dois bispos da Stíria (estado da Áustria centro oriental), o bispo Karl com manuscritos que datam de 1218-1231 e o bispo Heinrich e seus manuscritos de 1232-1243. O nome para o conjunto de cantos medievais foi nominado “Carmina Burana” e foi dada pelo bibliotecário G.A. Smeller na primeira edição, depois do primeiro manuscrito ter vindo do convento de Benediktbeuren, em 1803 para a biblioteca Central da Baviera. Os manuscritos continham inúmeros poemas vindos de diversas partes da Europa, estavam escritos em latim, alemão e francês dos séculos XI a XIII. São conhecidos como “Cantos dos estudantes” porque eram cantados pelos jovens da época.
Eram músicas feitas na sua maioria por jovens que haviam deixado os estudos religiosos. Assim a influência dos cantos gregorianos é marcante, os poemas foram adaptados e foram incluídas palavras profanas. Esse fenômeno aconteceu na música do IX ao XIII século. Nos cantos de “Carmina Burana” há um espírito popular, irreverente. Assim, as interpretações destas canções “gregorianas” em textos profanos torna-se um grande desafio. Um verso pode ser feito devagar ou pianíssimo, enquanto o outro rápido forte e vice-versa, a intensidade expressiva resultante da tradição eclesiástica. Mais uma vez vemos como eram transmitidas oralmente as melodias originais de país em país, de região para região, de século em século. Para exemplo o canto “Alte Clamat Epiricus (faixa 5) é uma paródia em um primitivo alemão do canto dos cruzados de “Walter der Vogelweide (1170-1230). Além disso, é de ressaltar que a interpretação deve sugerir uma dicção e uma ação cênica. Então você ouve nessas músicas uma ênfase espetacular, altamente recitativa. Muitas das canções da “Carrnina Burana” são escritas no campo aberto (sem pentagrama).

Neste CD é apresentado o texto original, mas o Maestro L. Gamberini tentou reconstruir a melodia com muita pesquisa a fidelidade das interpretações como teriam sido no original, na verdade muitas soluções são possíveis numa escrita sem pentagrama e tudo é válido. Algumas canções deste CD são canções de gananciosos, de pessoas que buscam prazer, encontramos nas músicas: “In Taberna” (faixa 1), “Bacche bene venies” (faixa 3), “Alte clamat Epicums “, a força expressiva com a troca de palavras de religioso para profano, é um fenômeno cultural único, típico de toda a Idade Média do IX ao século XIII. É conhecido como “contra factum”. Os instrumentos foram muito além, muitos originários do Oriente Médio como alaúde, saltério, pífano, tímpano. Temos neste trabalho do Leopoldo Gamberini uma liberdade interpretativa, estes cantos adquirem, com base na canção religiosa e com palavras profanas, uma força criativa surpreendente. O encarte está junto com as faixas.

Bom divertimento !

CARMINA BURANA – I Madrigalisti di Genova (1988)
1-IN TABERNA QUANDO SUMUS
2-VITE PERDITE
3-BACCHE BENE VENIES
4-PROCURANS ODIUM (instrumental)
5-ALTE CLAMAT EPIRICUS
6-MICHI CONFER VINDITOR
7-NOMEN A SOLLEMPNIBUS
8-CRUCIFIGAT OMNES
9-SIC MEA FATA CANENDO
10-TEMPUS TRANSIT GELIDUM
11-LICET EGER
12-FAS ET NEFAS AMBULANT

I Madrigalisti di Genova (1988)
Direção: Leopoldo Gamberini

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Leopoldo Gamberini

Dmitri Shostakovich (1906-1975): Sinfonias 5, 8 & 9 e Suíte de Hamlet, Op.32a

Dmitri Shostakovich (1906-1975): Sinfonias 5, 8 & 9 e Suíte de Hamlet, Op.32a

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Um discaço que abrange um período fundamental do sinfonismo de Shostakovich. Quando a oitava foi estreada, Stálin afirmou que era mais uma imensa realização soviética e que a nona seria de uma grandiosidade tamanha que rivalizaria com as outras Nonas, principalmente a de Beethoven. Porém Shostakovich foi arisco e escreveu a mais despreocupada e jocosa das sinfonias. Tirou um sarro de Stálin, o que lhe causou enormes problemas. Já a 5ª é a clássica sinfonia escrita durante um período de lua de mel com o regime.

Sinfonia Nº 5, Op. 47 (1937)

Esta é a obra mais popular de Dmitri Shostakovich. Recebeu incontáveis gravações e não é para menos. O público costuma torcer o nariz para obras mais modernas e aqui o compositor retorna no tempo para compor uma grande sinfonia ao estilo do século XIX. Sim, é em ré menor e possui quatro movimentos, tendo bem no meio, um scherzo composto por um Haydn mais parrudo. Mesmo para os aficionados, é uma obra apetitosa, por transformar a linguagem do compositor em algo mais sonhador do que o habitual. Foi a primeira sinfonia de Shostakovich que ouvi. Meu pai, um romântico, apresentou-me a sinfonia dizendo que muito melhor que as de Prokofiev, exceção feita à Nº 1, Clássica, que ele amava. Alguns consideram esta obra uma grande paródia; eu a vejo como uma homenagem ao glorioso passado sinfônico do século anterior. A abertura e a coda do último movimento (Allegro non troppo) costuma aparecer, com boa frequência, em programas de rádio que se querem sérios e influentes… Apesar de não ser típica, é absoluta e totalmente a sintaxe, o discurso e o sotaque do compositor. É a música ideal para o primeiro contato com Shostakovich.

Sinfonia Nº 8, Op. 65 (1943)

Muito admirada, ultra dramática e belíssima, perderá em beleza e importância artística para a décima, escrita em estilo quase análogo. Gosto muito da beleza austera do quarto movimento em 12 variações – uma passacaglia — e também dos dois primeiros, o primeiro uma canção da morte e o segundo com destaque para o divertido diálogo entre o piccolo, o clarinete e o fagote. O terceiro movimento é sensacional e heroico.  E o que dizer do finale inesperado, triste e vivo ao mesmo tempo? Grande música!

Sinfonia Nº 9, Op. 70 (1945)

Desde Schubert, com sua Sinfonia Nº 9 “A Grande”, passando pela Nona de Beethoven e pelas nonas de Bruckner e Mahler, que espera-se muito das sinfonias Nº 9. Há até uma maldição que fala que o compositor morre após a nona, o que, casualmente ou não, ocorreu com todos os citados menos Shostakovitch. Esta sinfonia — por ser a “Nona” — foi muito aguardada e, bem, digamos que não seria Shostakovitch se ele não tivesse feito algo inesperado. Stálin ficou muito decepcionado com ela.

Leonard Bernstein lia esta partitura dando gargalhadas desta piada musical, cujas muitas citações formam um todo no mínimo sarcástico. O compositor declarou que faria uma música que expressaria “a luta contra a barbárie e grandeza dos combatentes soviéticos”, mas os severos críticos soviéticos, adeptos do realismo socialista, foram mais exatos e apontaram que a obra seria debochada, irônica e de influência stravinskiana. Bingo! Na verdade é uma das composições mais agradáveis que conheço. O material temático pode ser bizarro e bem humorado (primeiro e terceiro movimentos), mas é também terno e melancólico (segundo e largo introdutório do quarto), terminando por explodir numa engraçadíssima coda.

Apesar dos cinco movimentos, é uma sinfonia curta, muito parecida em espírito com a primeira sinfonia “Clássica” de Prokofiev e com a Sinfonia “Renana” de Schumann, também em cinco movimentos.

Deixando de lado a geopolítica soviética e detendo-se na obra, podemos dizer que esta Nona é uma consciente destilação de experiências e, talvez uma reação, muito cuidadosamente considerada, contra as enormidades musicais oriundas da guerra das duas sinfonias anteriores e das que vieram depois, não todas.

Dmitri Shostakovich (1906-1975): Sinfonias 5, 8 & 9 e Suíte de Hamlet, Op.32a

CD 1
Symphony No.9 In E Flat, Op.70
01. 1. Allegro
02. 2. Moderato
03. 3. Presto
04. 4. Largo
05. 5. Allegretto

Symphony No.5 In D Minor, Op.47
06. 1. Moderato
07. 2. Allegretto
08. 3. Largo
09. 4. Allegro non troppo

CD 2
Suite From Hamlet, Op.32a
01. 1. Introduction And Night Patrol
02. 2. Funeral March
03. 3. Flourish And Dance Music
04. 4. The Hunt
05. 5. Ophelia’s Song
06. 6. Cradle Song 07.
07. 7. 11. Requiem

Symphony No.8 In C Minor, Op.65
08. 1. Adagio
09. 2. Allegretto
10. 3. Allegro non troppo
11. 4. Largo
12. 5. Allegretto

Boston Symphony Orchestra
Andris Nelsons, regente

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Shostakovich jogando cartas com seus filhos

PQP

Johann Sebastian Bach (1685-1750) – Cello Suites – Rachel Podger

Com a palavra, Mrs. Rachel Podger:

“Tive a sorte de crescer com a música de Bach ao meu redor e, assim, as Suítes para Violoncelo tornaram-se parte de minha dieta habitual de ouvinte como as “outras” peças solo de Bach “não escritas para o violino”. Eu secretamente cobicei essas obras bem cedo, até porque eu encontrei muitas performances de violoncelo já estabelecidas – que no entanto celebraram os músicos – a serem executadas em um estilo e ritmo que reduziam o caráter de dança a algo quase incidental. Então, mais tarde, na faculdade de música, ouvi uma suíte tocado em um violoncelo barroco e a música de repente fez sentido para mim, e veio à vida com a ajuda da leveza e do balanço do arco barroco tocando nas cordas do intestino. Foi realmente uma revelação. Desde então, passei um bom tempo treinando violoncelistas, tanto modernos como barrocos, e me vi tocando para demonstrar vários pontos. Aos poucos, pude sentir essas peças unindo as partitas e as sonatas do violino como outro tipo de “pão diário”; Eu comecei a me pegar tocando alguns dos movimentos que eu particularmente amava enquanto me aquecia, e percebendo que era realmente possível tocá-los no violino, e encontrar um vocabulário expressivo especial no tom mais alto. Como alguém poderia justificá-lo, especialmente com trabalhos que encheram o catálogo de gravações com algumas das mais icônicas e adoradas performances de cordas de todos os tempos, os Casals, Fourniers, Torteliers ou Starkers? Mas o que eu estava fazendo também parecia muito de acordo com o hábito de Bach de reciclar suas próprias composições para diferentes instrumentos e diferentes usos. Os exemplos são infinitos, mas penso imediatamente nos concertos que aparecem como sinfonias em cantatas, ou concertos para violinos transformados em concertos de cravo. Quanto mais eu reflito, menos eu sinto a necessidade de ser defensiva porque Bach fez coisas muito mais escandalosas! Pense no Prelúdio da Partita E maior para violino transformado em um movimento de uma Cantata Orquestral completa com trompetes e tambores …
Tocar essas seis suítes no violino é, obviamente, uma proposta bem diferente. Com seu corpo ressonante menor, o violino fala mais rapidamente e o imediatismo do som permite que ele seja mais flexível, volúvel e ágil do que o violoncelo mais circunspecto e gravitacional. As danças, portanto, são especialmente idiomáticas para o violino, quando tocadas um pouco mais rápido do que você pode estar acostumado no violoncelo. No início, senti falta da ressonância nos movimentos mais lentos – por exemplo, nos Sarabandes – mas depois comecei a apreciar a investida nas cordas do intestino para captar a maior ressonância possível com os acordes dessas danças lentas. Descobrir os prelúdios do violino talvez fosse a mais pura das alegrias. Parecia um luxo ter a chance de reconstituí-los para o violino. O primeiro prelúdio tem a mesma reconhecibilidade do primeiro prelúdio do Cravo Bem Temperado (Livro Um), com um fluxo irresistivelmente acessível; o segundo é mais misterioso com sua narração cromática; o terceiro começa brilhante e arejado e se torna complexo e complicado em arpejos estendidos antes que um final de retórica nos faça chegar a um destino esperado; o quarto é virtuoso e atlético; a quinta com sua afinação scordatura é escura e pungente, até mesmo chocante. Finalmente, o sexto é a consumação e afirmação da crença: totalmente radiante e benéfico para a vida. Eu toco as primeiras cinco suítes em um quinto e uma oitava acima do tom original. A Sexta Suite é um caso completamente diferente, como está escrito para violoncelo de 5 cordas, sendo a corda de cima uma E. Uma tentativa de tocá-la em uma viola de corda ou violino terminou com a decisão de retornar ao meu próprio violino, com a ajuda de uma viola C string para as poucas frases baixas na peça. O resto foi deixado para minha equipe inteligente de produção e edição!”

Falou a principal violinista barroca da atualidade (perdão, Amandine Beyer). Uma pequena aula, não acharam? Didática, sem se utilizar de um linguajar por demais técnico, coisa de quem é professor. Confesso que estranhei no início, mas a fluidez de seu violino é tão correta e perfeita, as notas se encaixam tão bem, que realmente parece que estas obras foram realmente escritas originalmente para violino.

Está tudo aí, em arquivo único, sem divisão de CDs. cm direito a booklet com maiores informações e detalhes.

CD 1

CELLO SUITE

NO.1 IN G MAJOR, BWV1007
trans. R.Podger (D major)

1 Prelude
2 Allemande
3 Courante
4 Sarabande
5 Menuet 1 & 2
6 Gigue

CELLO SUITE NO.2 IN D MINOR, BWV1008
Trans. R.Podger (A minor)

7 Prelude
8 Allemande
9 Courante
10 Sarabande
11 Menuet 1 & 2
12 Gigue

CELLO SUITE NO.3 IN C MAJOR, BWV1009
trans. R.Podger (G major)

13 Prelude
14 Allemande
15 Courante
16 Sarabande
17 Bourrée
18 Gigue

CD 2 CELLO SUITE NO.4 IN E FLAT MAJOR, BWV1010
trans. R.Podger (B flat major)

1 Prelude
2 Allemande
3 Courante
4 Sarabande
5 Bourrée
6 Gigue

CELLO SUITE NO.5 IN C MINOR, BWV1011
trans. R.Podger (G minor)

7 Prelude
8 Allemande
9 Courante
10 Sarabande
11 Gavotte 1 & 2
12 Gigue

CELLO SUITE NO.6 IN D MAJOR, BWV1012

13 Prelude
14 Allemande
15 Courante
16 Sarabande
17 Gavotte 1 & 2 3
18 Gigue

Rachel Podger – Violin

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Johann Sebastian Bach (1685-1750): Cantatas BWV 18 – 23 – 1

Johann Sebastian Bach (1685-1750): Cantatas BWV 18 – 23 – 1

Aqui, boa parte desta coleção.

Este é o sexto CD desta série. Um trabalho maravilhoso. Como já escrevi, Sigiswald Kuijken não quis gravar cada Cantata sacra de J.S. Bach. Esse projeto teria consumido anos de sua vida — e na melhor das hipóteses apenas igualaria as conquistas de outros Amundsen anteriores. Ao escolher gravar apenas Cantatas suficientes para abranger um único ano litúrgico de domingos mais os dias santos principais. Kuijken restringiu o número de discos a 20, reduziu o número de artistas e acentuou exponencialmente a intensidade musical. Este volume 6 traz as Cantatas BWV 18, 23 e 1. O Bach de Kuijken é muito livre e mínimo. E é excelente. Fuja dele se você é desatualizado e está acostumado a grandes coros e conjuntos. Aqui, o efeito é íntimo e envolvente. La Petite Bande é sensacional. O estilo de cantar é ainda um pouco operístico para o meu gosto, mas não exagerado. O que realmente diferencia esta gravação para mim é a qualidade de som que é melhor do que qualquer outra gravação de Cantatas que já ouvi antes. O som é muito quente, analógico e transparente com uma sensação espacial agradável. Confira!

Johann Sebastian Bach (1685-1750): Cantatas BWV 18 – 23 – 1

Sexagesima
„Gleichwie Der Regen Und Schnee Vom Himmel Fällt” BWV 18
1 Sinfonia
2 Recitative: „Gleichwie Der Regen …”
3 Recitative: „Mein Gott, Hier Wird Mein Herze Sein”
4 Aria: „Mein Seelenschatz Ist Gottes Wort”
5 Choral: „Ich Bitt, O Herr, Aus Herzensgrund”

Estomihi
„Du Wahrer Gott Und Davids Sohn BWV 23”
6 Aria: „Du Wahrer Gott …”
7 Recitative: „Ach! Gehe Nicht Vorüber”
8 Chorus: „Aller Augen Warten, Herr”
9 Choral, Adagio – Andante: „Christe, Du Lamm …”

Annuntiato
„Wie Schön Leuchtet Der Morgenstern” BWV 1
10 Chorus: „Wie Schön Leuchtet Der Morgenstern”
11 Recitative: „Du Wahrer Gottes…”
12 Aria: „Erfüllet, Ihr Himmlischen…”
13 Recitative: „Ein Irdscher Glanz, Ein …”
14 Aria: „Unser Mund Und Ton Der Saiten”
15 Choral: „Wie Bin Ich Doch So Herzlich Froh”

Alto Vocals – Petra Noskaiová
Bass Vocals – Jan van der Crabben
Directed By – Sigiswald Kuijken
Ensemble – La Petite Bande
Soprano Vocals – Siri Thornhill*
Tenor Vocals – Marcus Ullmann

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Sigiswald faz uma pose especial em visita à sede gaúcha do PQP Bach

PQP

Frederic Chopin – Waltzes – Claudio Arrau

Faço esta postagem meio que a toque de caixa, a pedido de nosso querido Ammiratore, que me perguntou hoje de tarde se eu tinha este CD. Sim, meu caro, o tenho. Ei-lo aí.

Para aqueles que não o conhecem, Claudio Arrau foi um extraordinário pianista chileno, que gravou muito, sua discografia é imensa, o selo DECCA recém lançou a integral de suas gravações e o número é incrível: 80 CDs. Como seus contemporâneos Horowitz e Rubinstein, Arrau também teve uma vida longeva, 88 anos. Atravessou o século, por assim dizer. E sempre tocando e gravando nos palcos de todo o mundo, uma vida toda dedicada a música. Dedicou-se bastante ao repertório romântico, e Chopin era realmente sua grande paixão. Esta gravação das Valsas que ora vos trago é uma das melhores já realizadas. Vale cada minuto de sua audição.  Detalhe: esta gravação do antigo selo Philips foi realizada em 1979, quando o músico já estava com 76 anos de idade.

Espero que apreciem, gosto muito desta versão.

1. Waltz No.1 in E flat, Op.18 -“Grande valse brillante”
2. Waltz No.2 in A flat, Op.34 No.1 – “Valse brillante”
3. Waltz No.3 in A minor, Op.34 No.2 6:26
4. Waltz No.4 In F Major, Op.34 No.3 “Grande Valse Brilliante”
5. Waltz No.5 in A flat, Op.42 – “Grande valse”
6. Waltz No.6 in D flat, Op.64 No.1 -“Minute”
7. Waltz No.7 in C sharp minor, Op.64 No.2
8. Waltz No.8 in A flat, Op.64 No.3
9. Waltz No.9 in A flat, Op.69 No.1 -“Farewell”
10. Waltz No.10 in B minor, Op.69 No.2
11. Waltz No.11 in G flat, Op.70 No.1
12. Waltz No.12 in F minor/A flat, Op.70 No.2
13. Waltz No.13 in D flat, Op.70 No.3
14. Waltz No.14 in E minor, Op.posth.
15. Waltz No.16 in A flat, Op.posth.
16. Waltz No.15 in E, Op.posth.
17. Waltz No.19 in A minor, Op.posth.
18. Waltz No.18 in E flat, Op.posth.
19. Waltz No.17 in E flat, Op.posth.

Claudio Arrau – Piano

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Franz Joseph Haydn (1732-1809): Quartetos de Cordas Op. 64 (Completos)

Franz Joseph Haydn (1732-1809): Quartetos de Cordas Op. 64 (Completos)

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Isto é o resultado da mais pura fineza, bom humor, inteligência e sensibilidade. Ouvi duas vezes esse CD duplo e o resultado é o mais absoluto encantamento. O Doric é sensacional, o quarteto compreende Haydn de verdade. Os quartetos de cordas de Haydn, Op. 64, é um conjunto de seis quartetos de cordas compostos em 1790. Juntamente com os Op. 54  e 55, eles são conhecidos como quartetos Tost, pois foi o violinista húngaro e depois comerciante Johann Tost quem ajudou Haydn a encontrar um editor para os trabalhos. Ao contrário dos quartetos anteriores, Haydn realmente dedicou o Op. 64 pronto para Tost em gratidão por seus esforços. Não há desculpa para não conhecer este Opus 64, escrito num momento decisivo da vida de Haydn, quando sua servidão estava chegando ao fim e a metrópole o chamava. É tudo lindo!

Franz Joseph Haydn (1732-1809): Quartetos de Cordas Op. 64 (Completos)

Quartet, Op. 64 No. 1 (Hob. III: 65) (25:52)
1-1 Allegro Moderato 10:20
1-2 Menuett. Allegretto Ma Non Troppo – Trio – Menuet Da Capo 4:29
1-3 Allegretto Scherzando 6:13
1-4 Finale. Presto 4:50

Quartet, Op. 64 No. 2 (Hob. III: 68) (21:07)
1-5 Allegro Spiritoso 8:17
1-6 Adagio Ma Non Troppo 5:40
1-7 Menuet. Allegretto – Trio – Menuet Da Capo 3:00
1-8 Finale. Presto 4:09

Quartet, Op. 64 No. 3 (Hob. III: 67) (27:35)
1-9 Vivace Assai 8:55
1-10 Adagio 6:02
1-11 Menuet. Allegretto – Trio – Menuet Da Capo 4:34
1-12 Finale. Allegro Con Spirito

Quartet, Op. 64 No. 4 (Hob. III: 66) (23:52)
2-1 Allegro Con Brio 8:06
2-2 Menuet. Allegretto – Trio – Menuet Da Capo 3:37
2-3 Adagio. Cantabile E Sostenuto 6:13
2-4 Finale. Presto 5:55

Quartet, Op. 64 No. 5 ‘Die Lerche’ (Hob. III: 63) (21:28)
2-5 Allegro Moderato 9:17
2-6 Adagio Cantabile 6:32
2-7 Menuet. Allegretto – Trio – Menuet Da Capo 3:21
2-8 Finale. Vivace 2:18

Quartet, Op. 64 No. 6 (Hob. III: 64) (21:12)
2-9 Allegro 8:26
2-10 Andante 4:32
2-11 Menuet. Allegretto – Trio – Menuet Da Capo – Trio, Per La Seconda Volta, Caso Mai Se Piacesse Replicarlo – Menuet Da Capo 4:48
2-12 Finale. Presto 3:23

Cello [Doric String Quartet] – John Myerscough
Viola [Doric String Quartet] – Hélène Clément
Violin [Doric String Quartet] – Alex Redington, Jonathan Stone

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Todo mundo ouvindo o primeiro violinista

PQP

V O L O D O S – Piano Transcriptions

V O L O D O S – Piano Transcriptions

V O L O D O S

Piano Transcriptions

Este disco é um ultraje! TRANSCRIÇÕES – TRAIÇÕES? – TRADIÇÕES!!

É um disco para quem ama o som do piano, do grande, enorme instrumento que se tornou o piano.

Os principais personagens deste disco são Arcadi Volodos e Thomas Frost. O nome do primeiro está na capa e o do segundo, na contracapa.

Volodos, retrato do artista quando jovem!

Arcadi Volodos gravou este disco em 1996, o primeiro resultado de seu (exclusivo) contrato com a Sony Classical. Thomas Frost é um veterano produtor de discos que trabalhou com artistas como Horowitz, Eugene Ormandy, George Szell e Rudolf Serkin e produziu este disco.

Por que o disco é um ultraje? Ora, um disco que tem faixas como O Voo do Besouro e A Marcha Turca (de Mozart) tem uma grande chance de fazer torcer os narizes e de fazer franzir os cenhos de ouvintes mais puristas (digamos). Mas acreditem, esse disco vai além disso.

Transcrições soam como violações das sacrossantas vontades dos compositores e expressões hifenadas como Bach-Busoni, Bach-Siloti, Schubert-Liszt geram em certos setores grandes desconfianças. Mas as transcrições estão há muito enraizadas na cultura musical. Basta lembrar que Bach transcreveu música de Vivaldi, de Alessandro Marcelo, de Albinoni e até dele mesmo. Mozart arranjou umas fugas de Bach para trio de cordas, transcreveu sonatas de Johann Christian Bach para piano e orquestra. Mozart até reorquestrou o Messias de Handel.

Mas o que está mais próximo do que temos neste disco são as transcrições e arranjos feitos pelos virtuoses de piano e de violino para suas próprias apresentações. Liszt foi um precursor. Peças de Bach originalmente para órgão, Lieder de Schubert, óperas da época – tudo para piano. Inclusive as Sinfonias de Beethoven! Fritz Kreisler, compositor e violinista chegou a escrever música original, peças de encore, que atribuiu a outros compositores como se fossem transcrições, verdadeiros pastiches.

Assim, prepare-se para um programa repleto de excelente música, bastante diversificado, maravilhosamente executado e gravado! IM-PRE-NA-BLE! Um MUST!

A primeira peça, Carmen Variations, é um arranjo de Horowitz sobre o tema da ópera de Bizet. Conta o livreto que Volodos teve que tirar de ouvido a peça gravado em 1968 por Volodya.

A quarta faixa também tem a assinatura de Horowitz, que tinha a sua própria versão da Rapsódia Húngara No. 2, de Liszt.

Rachmaninov em ação!

Rachmaninov escreveu algumas canções e ele mesmo transcreveu duas delas para piano solo: Lilacs e Daisies. As faixas 2 e 3 são transcrições feitas para piano solo de outras duas canções de Rachmaninov – Utro (Manhã) e Melodiya (Melodia) – pelo próprio Volodos, tomando as transcrições já existentes como modelos. Rachmaninov, que além de compositor ganhava a vida como pianista, fez várias transcrições. Dia destes postaremos um lindo disco com algumas delas.

Nas faixas de 5 a 7 temos três transcrições feitas por Liszt de canções de Schubert: Litanei, Aufenthalt e Liebesbotschaft. O desafio é tocar não só o acompanhamento da canção original para piano, mas também a parte do cantor.

Chegamos na faixa 8, talvez a peça mais transcrita de todas: The Flight of the Bumblebee – O Vôo do Besouro. A peça original escrita por Rimsky-Korsakoff para orquestra (o cara era um bamba em orquestração, foi professor de Stravinsky…) teve versões para piano e violino, guitarra, flauta e acho que até para ukulele. A transcrição deste disco foi feita por um pianista húngaro, aluno de aluno de Liszt, que  demanda maior investigação, George Cziffra.

As faixas 9, 10 e 11 são transcrições autênticas. Prokofiev arranjou para piano música de seus balés e de peças orquestrais. Fez muito sucesso dez dos números de Romeu e Julieta transcritas para piano e ele repetiu a dose com música do balé Cinderela. Aqui temos uma Gavota, uma Dança Oriental e uma Valsa. Qualquer dia destes, postaremos um lindo disco com essas peças do  balé Romeu e Julieta.

Feinberg pensando: Quando esses caras do PQP vão postar uns disquinhos meus?

Samuel Feinberg foi um grande virtuose de piano que viveu atrás da chamada Cortina de Ferro e temos poucas gravações suas. Mas podemos avaliar seu calibre pelas transcrições que deixou, por exemplo, das Sinfonias Nos. 4, 5 e 6 de Tchaikovsky. A faixa 12 deste disco traz o Scherzo, o terceiro movimento da Sinfonia No. 6, a Patética. A interpretação do Volodos faz justiça tanto a Tchaikovsky quanto a Feinberg. Esta faixa é a minha escolha de cereja do bolo!

Uma outra transcrição de Feinberg, agora do Largo da Triosonata No. 5, BWV 529, de Bach, dá um tom reflexivo ao disco.

A última faixa é mais uma transcrição de Volodos, agora da Marcha Turca, o último movimento da Sonata para piano No. 11, em lá maior, K. 331. A sonata é uma das mais bonitas de Mozart. O primeiro movimento é um lindíssimo tema com variações, o segundo movimento é um Menuetto. O terceiro movimento, no entanto, é irresistível, uma marcha turca. Viena tinha uma queda pela chamada música turca e  O Rapto do Serralho vai nessa onda. Até Beethoven tem uma Marcha Turca. Bom, aqui temos para fechar o disco uma Marcha Turca de Mozart-Volodos. Faz sucesso. Já ouvi essa peça interpretada por outra virtuose do piano.

Piano Transcriptions

Georges Bizet (1838 – 1875) – Vladimir Horowitz (1903 – 1989)

  1. Carmen Variations

Sergei Rachmaninov (1873 – 1943) – Arcadi Volodos (1972  –       )

  1. Utro (Morning)
  2. Melodyia (Melodia)

Franz Liszt (1811 – 1886) – Vladimir Horowitz (1903 – 1989)

  1. Hungarian Rhapsody No. 2

Franz Schubert (1797 – 1828) – Franz Liszt (1811 – 1886)

  1. Litanei
  2. Aufenthalt
  3. Liebesbotschaft

Nikolai Rimsky-Korsakov (1844 – 1908)  –  György Cziffra (1921 – 1994)

  1. Flight of the Bumblebee

Sergei Prokofiev (1891 – 1953)

  1. Gavotte
  2. Orientale
  3. Valse

Piotr Tchaikovsky (1840 – 1893)  – Samuel Feinberg (1890 – 1962)

  1. Scherzo (Symphony No. 6)

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)  –  Samuel Feinberg (1890 – 1962)

  1. Largo (Triosonata No. 5, BWV 529)

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791) – Arcadi Volodos (1972  –       )

  1. Turkish March

Arcadi Volodos, piano

Gravação: Snape Maltings Concert Hall, Snape, Suffolk, England & American Academy of Arts & Letters, New York, 1996

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FLAC | 187 MB

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MP3 | 320 KBPS | 140 MB

Volodya achando tudo um grande barato!

Assim é o universo deste ótimo disco: exibição de virtuosismo que torna o piano em um emulador de outras combinações de instrumentos e vozes, até mesmo da orquestra. Aproveite!!

René Denon

Hector Berlioz (1803-1869): Les Nuits d’été, La mort de Cléopatre

Hector Berlioz (1803-1869): Les Nuits d’été, La mort de Cléopatre

A gente começa a ouvir este CD e toma um susto. A qualidade da voz — linda, linda — e a musicalidade, ou seja, a perfeição de Véronique Gens é de surpreender mesmo. Les nuits d’été, de Berlioz, recebeu algumas gravações de destaque ao longo dos anos, dentre as quais se sobressai a de Victoria de los Angeles. Véronique Gens não fica abaixo e isso não é uma surpresa para os admiradores de seus ótimos discos dedicados a Handel e à música francesa. Ela é leve e expressiva, dando sempre a resposta emocional exigida pela música. O apoio orquestral é de primeira linha. A longa cena dramática, La mort de Cléopatre, é incrivelmente bem cantada e tocada, mas o restante é igualmente muito bom. Enfim, um Berlioz que presta!

Hector Berlioz (1803-1869) :Les Nuits d’été, La mort de Cléopatre

1. Les Nuits d’été Op. 7: Villanelle 2:07
2. Les Nuits d’été Op. 7: Le spectre de la rose 5:46
3. Les Nuits d’été Op. 7: Sur les lagunes 5:20
4. Les Nuits d’été Op. 7: Absence 4:10
5. Les Nuits d’été Op. 7: Au cimetière 4:53
6. Les Nuits d’été Op. 7: L’île inconnue 3:37
7. La mort de Cléopâtre 19:49
8. La captive Op. 12 7:40
9. 9 Mélodies, ‘Irlande’ Op. 2: V. La belle voyageuse 4:24
10. Zaïde Op. 19 No. 1 3:25

Les Nuits d’été, song cycle for voice & piano (or orchestra), H. 81 (Op. 7)
Performed by Lyon National Opera Orchestra
with Veronique Gens
Conducted by Louis Langree

La Mort de Cléopâtre, for soprano & orchestra, H.36
Performed by Lyon National Opera Orchestra
with Veronique Gens
Conducted by Louis Langree

La Captive for voice & piano (or orchestra), H. 60 (Op. 12)
Performed by Lyon National Opera Orchestra
with Veronique Gens
Conducted by Louis Langree

La Belle voyageuse (“Elle s’en va”), song for voice & piano (Neuf Mélodies irlandaises), H. 42a, Op. 2/4
Performed by Lyon National Opera Orchestra
with Veronique Gens
Conducted by Louis Langree

Zaïde, boléro for voice, castsnets & piano or orchestra (Feuillets d’album), H. 107 (Op. 19/1)
Performed by Lyon National Opera Orchestra
with Veronique Gens
Conducted by Louis Langree

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E ainda tem uma voz maravilhosa e canta!

PQP

Claude Debussy – Images pour orchestre, L. 122, Prélude à l’après-midi d’un faune, L. 86, La mer, L. 109 – Salonen, Los Angeles Philharmonic Orchestra

Em sua nova incursão na música de Debussy, o maestro finlandês Esa-Pekka Salonen esbanja talento e criatividade em um repertório muito bem conhecido por ele. Em minha opinião, temos aqui uma das grandes gravações da obra do francês já gravadas, no mesmo nível de Martinon, Monteux, ou Munch.
A competência deste excelente maestro já nos é conhecida, ele é figurinha carimbada aqui no PQPBach. Além de ser um dos principais regentes da atualidade, com sua agenda sempre cheia, também é um compositor de mão cheia.

 

01. Images pour orchestre, L. 122 I. Gigues
02. Images pour orchestre, L. 122 IIa. Ibéria. Par les rues et par les chemins
03. Images pour orchestre, L. 122 IIb. Ibéria. Les parfums de la nuit
04. Images pour orchestre, L. 122 IIc. Ibéria. Le matin d’un jour de fête
05. Images pour orchestre, L. 122 III. Rondes de printemps
06. Prélude à l’après-midi d’un faune, L. 86
07. La mer, L. 109 I. De l’aube à midi sur la mer
08. La mer, L. 109 II. Jeux de vagues
09. La mer, L. 109 III. Dialogue du vent et de la mer

Los Angeles Philharmonic Orchestra
Esa-Pekka Salonen – Conductor

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.: interlúdio :. The Intimate Ella – Ella Fitzgerald & Paul Smith, piano

.: interlúdio :. The Intimate Ella – Ella Fitzgerald & Paul Smith, piano

The Intimate Ella

Em 1960 um álbum de Jazz gravado ao vivo em Berlim ganhou dois prêmios Grammy. Ella Fitzgerald foi a grande vencedora e o álbum Ella in Berlim foi um sucesso fenomenal. O mundo assistia a chamada Guerra Fria na qual as duas grandes potências da época se opunham em várias frentes, inclusive numa disputa tecnológica, chamada Corrida Espacial. Na década que se seguiria o mundo viveira muitas turbulências políticas e também assistiria o início de grandes transformações tecnológicas. Mas, apesar das muitas maldades das quais o mundo sempre foi cheio, vivia-se uma era de ingenuidade.

Ella Fitzgerald e Norman Granz

A gravadora deste álbum, a Verve Records, havia sido fundada em 1956 por Noman Granz para produzir os álbuns de Ella Fitzgerald. Norman Granz foi uma das pessoas mais influentes no Jazz e suas gravadoras sempre promoveram excelentes músicos. Na Verve, além de Ella Fitzgerald, gravavam Nina Simone, Stan Getz, Billie Holliday, Oscar Peterson. Uma verdadeira constelação. Um outro aspecto muito significativo que devemos sublinhar é a postura de Norman Granz contra a segregação racial, sempre dando apoio e tratamento igual aos músicos com os quais era associado.

Paul Smith

Mas em 1960 Ella trabalhou em um filme chamado Let No Man Write My Epitaph, que apesar deste lindo nome, foi um fracasso. Neste filme sobre drogas e corrupção, Ella Fitzgerald aparece cantando e dando a impressão acompanhar-se ao piano, que era tocado na verdade por Cliff Smalls. Norman Granz viu a possibilidade e gravou em estúdio as cancões do filme, agora com Ella acompanhada por Paul Smith, que também tocara no disco que ganhara os prêmios. O disco com o nome Ella Fitzgerald sings songs from the soundtrack of ‘Let no man write my epitaph’ passou desapercebido das gentes. Ella então com 42 anos estava no melhor momento de sua carreira.

O filme completo está no Youtube, mas eu não consegui vê-lo. De qualquer forma, vale procurar uma cena na qual Ricardo (Ilha da Fantasia) Montalban banca o malvado e dá uma prensa na pobrezinha da Ella.

O disco que postamos é o relançamento deste álbum de 1960 feito em 1990 com o bem mais interessante nome The Intimate Ella. A voz da First Lady of song, acompanhada apenas do piano de Paul Smith desfila 13 canções que variam do suave ao ligeiramente melancólico. Minhas preferidas são Black Coffee, que abre o disco, Misty, que também está no Ella in Berlim, e Who’s Sorry Now. Outra deliciosa é One for my baby (one more for the road). Esta expressão, and one more for the road, tipo ‘a saideira’, é muito cool!

Mas a cereja do bolo, na minha opinião, a mais-mais, é a September song. Se você for ouvir uma destas canções apenas, ouça esta. Música de Kurt Weill e letra de Maxwell Anderson, é um primor. Escrita para um musical da Broadway em 1938, ao longo do tempo a canção sofreu algumas pequenas subtrações e é um clássico da música americana. Na peça, Walter Huston fazia o papel de um idoso governador e insistiu para que seu personagem tivesse um solo. Então, em duas horas, Weill e Anderson produziram essa maravilha. Esta canção toca em um tema muito especial. Ela nos lembra que o tempo passa, e que se torna mais e mais precioso na medida que chegamos ao outono da vida. These precious days, I’ll spend with you. Estes preciosos dias, eu passarei com você! Bonito, não? Este verso vale o disco.

The Intimate Ella

1. Black coffee
2. Angel Eyes
3. I cryed for you
4. I can’t give you anything but love, baby
5. Then you’ve never been blue
6. I hadn’t anyone ‘till you
7. My melancholy baby
8. Misty
9. September song
10. One for my baby (and one more for the road)
11. Who’s sorry now
12. I’m getting sentimental over you
13. Reach for tomorrow

Ella Fitzgerald

Paul Smith, piano

Produção de Norman Granz

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FLAC | 214 MB

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MP3 | 320 KBPS | 98,2 MB

And these precious days, I’ll spend with you.

René Denon

Felix Mendelssohn-Bartholdy – Violin Concerto op.64, The Hebrides – Concert Ouverture op.26 B minor, Symphony no.5 “Reformation” op.107 – Faust, Heras-Casado, FBO

Felix Mendelssohn-Bartholdy – Violin Concerto op.64, The Hebrides – Concert Ouverture op.26 B minor, Symphony no.5 “Reformation” op.107 – Faust, Heras-Casado, FBO

Hoje trago para os senhores duas obras primas do genial Mendelssohn, que nos são apresentadas neste CD da Harmonia Mundi: o nosso amado Concerto para Violino e a Sinfonia nº 5, intitulada ‘Reforma’ dois petardos do repertório romântico, sem dúvida.

Isabelle Faust nos apresenta uma versão diferente do Concerto, sem aqueles arroubos sentimentais, digamos que sua leitura seja mais intimista, mais pessoal, ela não cede ao Romantismo exacerbado de algumas passagens. E conta para isso com a cumplicidade de Heras-Cassado, jovem maestro que vem se destacando nos últimos anos. Faust já é uma violinista experiente, com diversos álbuns gravados, inclusive recém postei sua excepcional nova incursão na obra de Bach. E aqui novamente demonstra que não teme se arriscar em testar outras perspectivas e possibilidades desta obra.

Elogiosa também a atuação de Heras-Casado ao escolher uma Orquestra de pequeno porte, mas de grande qualidade, e mais especializada no repertório barroco, a Freiburger Baroque Orchestra. Os que estão acostumados com a sonoridade de uma Filarmônica de Berlim, de Viena, do Concertgebow de Amsterdan, vão estranhar. Mas lembremos de que nos tempos em que Mendelssohn andava sobre esse nosso planeta não existiam estas grandes orquestras, mas pequenos conjuntos musicais como este de Freiburg.
Espero que apreciem.

Felix Mendelssohn-Bartholdy – Violin Concerto op.64, The Hebrides – Concert Ouverture op.26 B minor, Symphony no.5 “Reformation” op.107 – Faust, Heras-Casado, FBO

1 Violin Concerto op.64 E minor
I. Allegro molto appassionato
2 II. Andante – Allegretto non troppo
3 III. Allegro molto vivace

4 The Hebrides – Concert Ouverture op.26 B minor / h-Moll / si mineur

Symphony no.5 “Reformation” op.107* D minor

5 I. Andante – Allegro con fuoco
6 II. Allegro vivace
7 III. Andante
8 IV. Choral “Ein feste Burg ist unser Gott”
Andante con moto – Allegro vivace – Allegro maestoso

Isabelle Faust Stradivarius violin “Sleeping Beauty”, 1704
Freiburger Barockorchester
Pablo Heras-Casado

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Achron, Aguiar, Babo, Blauth, Corrêa, Grieg, Kreisler, Picchi, Ravel, Veracini, Vieuxtemps, Vivaldi: Gaiato

Achron, Aguiar, Babo, Blauth, Corrêa, Grieg, Kreisler, Picchi, Ravel, Veracini, Vieuxtemps, Vivaldi: Gaiato

O Brasil recebeu, no pós-guerra, diversos músicos que vieram da Europa para atuar na Orquestra Sinfônica Brasileira (criada por iniciativa de José Siqueira em 1940) e que se tornaram destaques em seus respectivos instrumentos: o francês Noel Devos no fagote, o tcheco Bohumil Med na trompa, a também francesa Odette Ernest Dias na flauta, para ficar só nesses.

Neste post, rendo tributo ao violista húngaro que adotou o nome de Perez Dworecki (1920-2011, não descobri o nome de batismo dele) postando seu CD mais recente (de uns cinco anos atrás). Ao longo do ano apresentarei discos dos demais músicos.

Esta coletânea abrange do barroco europeu ao nacional contemporâneo (diferente de outras que Dworecki lançou, focadas totalmente no repertório made in Brazil) e recebeu o nome a partir de uma peça composta especialmente pelo paulista Achille Picchi. Deixo as apreciações adicionais por vossa conta.

Boa audição porque já tô pensando no próximo CD, também de viola (mas viola caipira).

***

Gaiato: Perez Dworecki

Vivaldi
1. Sonata Para Viola E Piano (Original Para Violoncelo): Largo
2. Sonata Para Viola E Piano (Original Para Violoncelo): Allegro
3. Sonata Para Viola E Piano (Original Para Violoncelo): Largo
4. Sonata Para Viola E Piano (Original Para Violoncelo): Allegro

Veracini
5. Largo

Vieuxtemps
6. Elegie

Grieg
7. Sonata (Andante Molto Tranqüilo): Op. 36 (Original Para Violoncelo)

Ravel
8. Berceuse (Sobre O Nome de Gabriel Fauré)

Achron
9. Melodia Hebraica

Kreisler
10. Liebesleid

Breno Blauth
11. Sonata (Para Viola E Piano): Dramático
12. Sonata (Para Viola E Piano): Evocativo
13. Sonata (Para Viola E Piano): Agitado

Ernani Aguiar
14. Meloritmias Nº 5: Ponteado (Viola Solo)

S. V. Corrêa
15. Cantilena (Para Viola E Piano)
16. Seresta Nº 2 (Para Viola E Piano)

Lamartine Babo
17. Eu Sonhei Que Tu Estavas Tão Linda

Villani-Cortes
18. Luz

Achille Picchi
19. Gaiato: Op. 168 (Choro Para Viola E Piano)

Perez Dworecki, viola
Gilberto Tinetti e Paulo Gori, piano

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O húngaro Perez Dworecki

CVL – PQP

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791): A Flauta Mágica – Böhm, Fischer-Dieskau, Wunderlich, Berliner Philharmoniker

Nosso querido colega Ammiratore, autor do texto abaixo, considera ‘A Flauta Mágica’ a mais importante criação cultural da humanidade. Não sei se eu iria tão longe, poderia afirmar sem sombra de dúvida, que a considero a obra mais importante de Mozart (putz, e o ‘Don Giovanni’?) a que mais amo, que mais ouvi em minha vida, sem sombra de dúvidas. Ou teria sido o Concerto nº 23?

Independente de sua posição neste ‘ranking’ gostaria de deixar registrado novamente que amo profundamente esta obra. Considero-a perfeita, mesmo que com suas imperfeições e defeitos. E ler este texto do Ammiratore me ajudou a entender certas passagens obscuras em seu libreto.

Esta gravação que vos trago é um dos melhores registros fonográficos já realizados desta obra. O grande feito do grande maestro alemão Karl Böhm foi o de reunir os dois maiores cantores daquele momento, Fritz Wunderlich como Tamino e Dietrich Fischer-Dieskau como Papageno, um dos, ou melhor, o melhor personagem da ópera.

Ao contrário das postagens do Anel dos Nibelungos, quando Ammiratore tinha a versão de Karajan a disposição para analisar, aqui ele se utilizou de outra versão, pois não tinha esta que vos trago. Ate agora, pois nosso amigo encontrou em sua imensa discoteca a tal da gravação em vinil. Nem lembrava que tinha. Imagina o acervo do rapaz…

Provavelmente esta será uma das mais longas postagens que já fizemos aqui no PQPBach. Amirattore fez um impecável trabalho de pesquisa e de análise.

Então vamos ao que viemos.

“Não resta dúvida de que A Flauta Mágica foi a obra mais pessoal de Mozart (1756-1791), pelo menos no campo da música dramática; aquela composta com toda a liberdade. Não é de se estranhar, então, que o produto desse esforço tenha sido não só a maior ópera alemã de todos os tempos (a opinião, entre outros, é de ninguém menos que Wagner), mas também uma obra básica, vertebral, da cultura ocidental, aquela que com certeza levaríamos entre as 10 obras para uma ilha deserta. A primeira apresentação aconteceu em Viena em 30 de setembro de 1791. Mozart morreria três meses depois. Desta vez, dando tratos à bola achei interessantíssimo postar, para conhecimento dos amigos do PQP, o capítulo da biografia de Mozart referente à Flauta Mágica, feita pelo jornalista uruguaio Lincoln Maiztegui Casas (Mozart por trás da máscara, Planeta, 2006). Maiztegui Casas nos traz uma narrativa ímpar sobre o gênio, aliando seu texto jornalístico à acurada pesquisa histórica de um apaixonado por Mozart, recomendo a leitura do livro. Dei uma resumida, mas mesmo assim o texto ficou extenso, acredito que vocês vão adorar a leitura.

No curso de uma vida errante, como era a dos artistas teatrais de sua época um tal de Emanuel Schikaneder (1751-1812) instalara-se em Viena, onde, em 1788, fundara um teatro popular situado no bairro do Wieden, na periferia da cidade, chamado Freihaus Theater.

Schikaneder Theatre

Mozart tinha muitos contatos com integrantes da companhia, para a qual chegou a escrever várias obras incidentais. Uma série de coincidências levou Schikaneder e Mozart a decidir compor, em colaboração, uma ópera (ou melhor, um singspiel) de características muito especiais. Wolfgang estava em plena febre criativa, amava compor para o teatro acima de todas as coisas. Schikaneder estava passando por uma excelente situação econômica e profissional, pois seu teatro popular fazia muito sucesso.

Era vox populi na época que o imperador pretendia fechar as três lojas maçônicas da capital. A repressão contra as atividades da sociedade secreta era cada vez mais acirrada; as lojas deviam apresentar uma lista de seus associados e comunicar todas as suas atividades a polícia, e com isso seu caráter secreto ficava desvirtuado. Muitas pessoas deixaram de comparecer às reuniões e cerimônias, e, mesmo sem um decreto oficial de dissolução, as organizações maçônicas estavam desaparecendo. Nessas circunstâncias, dois exímios intelectuais maçons (Mozart e Schikaneder) decidiram jogar uma cartada comprometedora: compor e representar uma ópera maçônica. Uma obra na qual não só se proclamassem os ideais e a concepção de mundo dos maçons, mas que também registrasse grande parte de seu cerimonial e de suas idéias fraternas. Em que momento decidiram empreender essa tarefa não se sabe mas, em maio de 1791, Mozart já estava trabalhando nela, e a partir de junho essa atividade ocupava o centro de sua atenção e esforços. A obra devia ser, por um lado, explícita na exaltação dos princípios de fraternidade universal dos maçons, e, por outro, cifrada, de modo que escapasse, tanto quanto possível, dos problemas com a censura. Assim surgiu a genial ideia de criar uma peça para crianças, um conto de fadas que encobrisse o verdadeiro objetivo. A empresa era arriscada naquele momento.

Embora seus principais desvelos se voltassem para A Flauta Mágica, Wolfgang no auge de sua criatividade, continuava produzindo obras-primas em outros campos acho que vale a pena relacionar algumas das mais preciosas pérolas deste último período de composições; em abril havia composto o Quinteto de cordas No 10, K. 614, acho que uma de suas obras de câmara de mais radiante formosura, e em maio compôs seu Adágio e Rondó para harmônica de cristal, flauta, oboé, viola e violoncelo, K. 617. A harmônica de cristal é um curioso instrumento formado por taças de cristal que, ao ter as bordas friccionadas com os dedos, emitem um som musical perfeitamente identificável. Uma jovem cega chamada Marianne Kirchgasser (1769-1808) era uma excelente executante desse instrumento, e para ela Mozart escreveu esses dois movimentos, serenamente diáfanos e com um timbre estranho e dominador. E também de junho uma das mais belas obras religiosas de Mozart, que voltou, assim, ao gênero depois de um longo silêncio de oito anos; o Ave, verum corpus, um moteto em ré maior para quatro vozes, K. 618, no qual o compositor mostra uma religiosidade austera, mas profundamente emotiva, com uma expressão direta e simples. A Pequena cantata alemã para piano e soprano, K. 619, é de julho, e tem a beleza inefável de tudo o que Wolfgang criou nessa etapa de sua breve existência. Mozart atingiu, nesse tempo, uma altura compositiva que jamais, nem antes nem depois, se repetiu no mundo. Ao mesmo tempo que escrevia uma ópera longa e de grande elaboração musical, ao mesmo tempo que cuidava dos aspectos práticos de sua vida e de sua família, foi capaz de criar uma porção de obras-primas imortais, que outros compositores de primeira linha teriam trocado com prazer pela obra de toda sua vida. Se sempre teve uma enorme facilidade para escrever, se seus manuscritos raras vezes têm rasuras ou correções, essa parece ter sido a época da total superação de qualquer dificuldade técnica. Aquela última e radiante febre criativa traduzia-se em uma permanente tensão, em uma certa eletricidade que o levava a escrever ou tocar nas circunstâncias mais imprevisíveis.

Vixi, voltemos a ópera, escrever sobre Mozart é bom demais !!! O ensaio geral de Die Zauberflute foi realizado no dia 29 de setembro no teatro de Schikaneder, e no dia 30 aconteceu a estréia. Mozart estava consideravelmente nervoso, e parece que, ao terminar o primeiro ato, pensou seriamente em ir embora, temendo um fracasso. O público que assistia àquela histórica première não era em absoluto o que costumava ir as óperas de Mozart; tratava-se de gente do bairro do Wieden, bons vizinhos que esperavam ver um espetáculo divertido. Muitos deles, sem dúvida, não sabiam nem quem era Mozart. Para esses espectadores, o compositor apresentava uma de suas obras musicalmente mais elaboradas, de difícil assimilação até mesmo para os gostos mais exigentes, cheia de códigos maçônicos ocultos, transcendente e ambiciosa. Era natural sentir-se nervoso diante do possível resultado; não se podia descartar uma catástrofe. Por outro lado, também não estava nada claro que atitude o governo imperial tomaria, e especificamente a polícia, diante de uma peça que significava uma declarada glorificação da maçonaria e das idéias do iluminismo, que já havia mais de dois anos que tinham deixado de ser bem-vistas entre os círculos do poder; em 1791, a Revolução Francesa radicalizava-se e ameaçava todas as cabeças coroadas e todos os privilegiados da velha Europa, e os ventos que sopravam não eram exatamente de tolerância; Mozart e Schikaneder tinham boas razões para pensar que podiam acabar a noite em uma prisão. A orquestra, de cerca de quarenta músicos, era dirigida pelo próprio Mozart do cravo, com Sussmayr (seu discípulo, aquele que finalizou o Réquiem) virando as páginas.

Um libreto cuidadosamente impresso e cheio de símbolos maçônicos havia sido vendido ao público (o que podia, sem dúvida, ser considerado propaganda subversiva). Schikaneder interpretava o papel de Papageno o tenor, Benedikt Schak era Tamino, a irmã mais velha de Constanze (Mozart), interpretou a Rainha da Noite (que magnífica soprano dramática di coloratura deve ter sido!) e “Nanette” Gottlieb (crusch de Mozart) foi Pamina. A obra, em rigor um singspiel, era anunciada como “uma grande ópera em dois atos de Emmanuele Schikaneder”, e só depois do elenco, em letra pequena, dizia que a música “é de Herr Wolfgang Amadé Mozart, Kapellmeister e atual compositor da Câmara Imperial e Real”. O público, que lotava a sala, manteve inicialmente uma atitude circunspecta. No intervalo, um aterrorizado Mozart queria ir embora, diante do que pressentia como um fracasso; mas a obra continuou e, no segundo ato, o público foi “entrando” no clima da ópera, começou a aplaudir com entusiasmo e tudo terminou em um clima de apoteose.

Apesar disso, o compositor, com os olhos cheios de lágrimas, escondeu-se, pois não queria sair para os cumprimentos; foram Sussmayr e Schikaneder que o pegaram, cada um por um braço, e levaram-no para o palco, onde recebeu a última ovação de sua vida.

É fácil compreender as razões pelas quais Mozart se mostrou, essa noite, tão impressionado e hipersensível, ele que tão pouca importância havia dado à relativa frieza com que Don Giovanni fora recebida em Viena; A flauta mágica era sua obra mais pessoal, a mais intimamente querida, sua grande proclamação filosófico-musical. Nela havia posto seu coração e seu cérebro, a experiência de toda sua vida de músico-herói, que deixara pelo caminho, embora a um preço altíssimo, a libré de criado. Um fracasso teria significado, mesmo diante desse público de bairro (e, talvez, principalmente por isso mesmo), algo muito similar ao fracasso de toda sua vida, de todas as suas idéias, de toda sua genialidade.

Mas não havia perigo. A flauta mágica era, e continua sendo, muito bonita, muito divertida, perfeita, muito genial para correr o risco de um fracasso diante de qualquer público do mundo de qualquer época. Com essa obra ímpar, Mozart atingiu seu auge, e há muitos que pensam que A flauta mágica é a obra mais importante de toda a arte ocidental. Restam muito poucas críticas da época, dado o teatro marginal em que estreou e viveu seu primeiro período de popularidade; mas sabemos que só durante o mês de outubro foi representada 24 vezes com o teatro cheio, e que quando Mozart morreu, em 5 de dezembro, o sucesso continuava e a obra prosseguia em cartaz. Os resultados econômicos também foram brilhantes.

A Flauta Mágica repete, de alguma maneira, o milagre de Don Giovanni; se nesta o compositor conseguiu uma perfeita mistura entre os elementos farsescos e o significado trágico da história, naquela conseguiu fazer que a mensagem maçônica e revolucionária, mascarada em um clima feérico, em uma história fantástica que podia agradar – agradou e agrada – todos os públicos, inclusive as crianças, surgisse em todo seu esplendor. Não era preciso perceber as complexas chaves maçônicas para assumir o canto à fraternidade universal que a percorre de cima a baixo: os números, código da maçonaria, eram o 3 e suas diversas combinações: 6, 18, 33 etc. A flauta mágica tem como tom básico o mi bemol maior, que tem três bemóis na armação de clave; a abertura começa com três grandes acordes maçônicos; é composta por 33 cenas; há três damas, há três gênios, há três templos (da Sabedoria, da Razão e da Natureza); há dezoito sacerdotes; o maravilhoso coral O Isis und Osiris, que esses sacerdotes cantam, tem dezoito compassos; Sarastro aparece pela primeira vez na cena dezoito; Papagena, ainda disfarçada de anciã, responde à pergunta de Papageno dizendo que tem dezoito anos (a persistência no número 18 indica que o ritual iniciático que toda a obra representa foi inspirado na ordem Rosacruz, grau 18 na escala maçônica). Na cena trinta, a Rainha da Noite e seus sequazes caem derrotados, e o grau 30 era o da Vingança. Poderia continuar encontrando códigos até o infinito. Mas a mensagem de fraternidade universal, de confiança racional no triunfo da Luz sobre a Escuridão (o grande símbolo maçônico; diz-se que Goethe morreu pedindo “luz, mais luz”), é muito mais explícito que todos esses códigos esotéricos; está distribuído ao longo de todo o libreto, e não dá possibilidade a dupla interpretação. Os três gênios ou adolescentes dirigem-se a Tamino dizendo-lhe: “este é o caminho que o levará a seu destino. Mas você deve se esforçar com virilidade e seguir este conselho: seja constante, paciente e discreto. Seja um Homem”. No final do primeiro ato, o coro de sacerdotes e povo canta: “Quando a Virtude e a Justiça cobrirem com sua glória o grande caminho da vida, a Terra será um paraíso e os mortais se igualarão aos deuses”. No começo do segundo ato, quando Sarastro explicita aos sacerdotes as virtudes de Tamino, próximo iniciado, um deles lhe diz, em tom de elogio: “além disso, é um príncipe”, e Sarastro responde: “É muito mais que isso; é um Homem”. Em sua entrada, procurando por Pamina, os três adolescentes cantam, à luz do alvorecer: “Logo resplandecerá o sol anunciando a manhã em sua brilhante corrida; logo desaparecerá a superstição e vencerá o homem dotado de sabedoria. Oh, nobre paz, desça sobre nós e encha o coração dos homens! Assim, a Terra será um reino celestial no qual os homens serão grandes como deuses”. Na maravilhosa cena final, incrivelmente solene, Sarastro proclama: “Os raios do sol afugentam a Noite, e o poder dos hipócritas fica destruído”. E o coro geral: “Salve os Iniciados, que venceram a Noite! A coragem finalmente triunfou e obteve, como recompensa, toda a Beleza e toda a Sabedoria com seu eterno diadema”. Igualdade essencial entre os homens, que não admite outros privilégios que os derivados das virtudes; fraternidade e amizade como essência da vida feliz; coragem, raciocínio e discrição diante das adversidades; desejo de paz e justiça; vitória da Luz sobre as Trevas; essas são as grandes idéias que atravessam A Flauta Mágica.

Essas virtudes proclamadas, que continham na época uma forte mensagem revolucionária, são milagrosamente destacadas pela música mais nobre, inspirada, solene e bela que se possa conceber. Para tecer esse canto à fraternidade universal, Schikaneder e Mozart valeram-se de um conto de fadas, ao estilo de Thamos, rei do Egito, e o resultado é indiscutivelmente ambas as coisas, oratório solene e conto de fadas, graças à genialidade incomparável do músico. Esse é o verdadeiro valor de A Flauta Mágica e o que a transforma na mais bela, transcendente e subversiva peça de toda a arte musical do Ocidente.

A obra causou, na época de sua estréia, uma considerável comoção, mas as primeiras críticas, as de Viena, foram bastante negativas. A crônica do Musicalische Wochenblatt de 30 de setembro de 1791 diz que “A Flauta Mágica, com música de nosso Kapellmeister Mozart, foi representada com grandes gastos e luxos de cenografia e vestuário, mas não obteve a aclamação que se esperava devido a seu péssimo libreto”.O conde Karl Zizendorf comentou, displicentemente “a música e os cenários são bonitos, mas o resto é uma bobagem incrível”. Quando a obra saiu de Viena, as opiniões começaram a mudar radicalmente. A mãe de Goethe, que a viu nesse mesmo ano em Frankfurt, comentava que “todos os trabalhadores e jardineiros vão vê-la, e até a intrépida gente do bairro de Sachsenhausen, cujos filhos fazem os papéis de leões e macacos, comparece em massa; ninguém suportaria reconhecer que não a viu”. E o próprio Wolfgang Goethe: “É preciso mais sabedoria para reconhecer o valor deste libreto que para negá-lo [. . .] É suficiente que as pessoas simples se satisfaçam com a diversão do espetáculo; aos iniciados não escapará o alto significado da obra.

A posteridade não foi menos generosa: “Há algo similar a glória do amanhecer nos tons da ópera de Mozart; chega a nós como a brisa da manhã que dissipa as sombras e invoca o Sol. (Friedrich von Schiller)

Essa “A Flauta Mágica” excede de forma tão incomensurável todas as exigências [. . .] que por isso permaneceu, solitária, como uma obra universal, não atribuível a época alguma especifica. O eterno e o temporário encontram-se aqui para todas as idades e pessoas. (Richard Wagner)

“Pamina ainda vive?” A música transforma a simples pergunta do texto na mais grandiosa de todas as perguntas: “o Amor ainda vive?”. A resposta chega, estremecedora, mas cheia de esperança: “Pamina ainda vive”. O Amor existe. O Amor é real no mundo dos homens. (Ingmar Bergman)

E o grande Igor Stravinsky: “A grande conquista dessa ópera está justamente na unidade de sentimentos que atravessa toda a música, desde os solenes coros até o dueto proto-Broadway – exceto na qualidade da música -, que fala da futura prole de Papageno e Papagena. [. . .] A cena de Pamina e Sarastro é absolutamente wagneriana, exceto pelo fato de Mozart se deter no momento em que Wagner teria começado a se exceder.

Foi seu último legado aos homens, seu chamado supremo aos ideais do humanismo. A última obra de Mozart não foi “La Clemenza di Tito” nem o “Réquiem”, mas a sublime “A Flauta Mágica”. (A. Einstein).

ATO I:

O Princepe Tamino é atacado por uma serpente

Uma planície selvagem. O garboso príncipe Tamino entra correndo, perseguido por uma enorme serpente. Assustado e exausto, ele desmaia, e quando o monstro está para atacá-lo, surgem as três Damas da Rainha da Noite e matam a serpente com suas lanças.

Tamino cai inconsciente e as três damas vencem a serpente

Acham o jovem muito bonito, e cada uma delas quer ficar só, esperando que ele acorde, enquanto as outras duas vão avisar a rainha. Como não chegam a um acordo, resolvem ir as três juntas. Tamino desperta, sem entender como a serpente jaz morta a seu lado.

Tamino desperta e encontra Papageno

Chega Papageno, o alegre passarinheiro da rainha, cujo corpo é coberto por uma penugem parecida com a dos pássaros que captura e leva para embelezar o palácio, recebendo em troca vinho e comida. Papageno é todo simplicidade, e vive sonhando em encontrar a esposa ideal. Quando Tamino lhe diz que é um príncipe, filho de um soberano poderoso que reina sobre muitas terras, Papageno, fica muito espantado, pois não sabia que existiam outros países além do seu. Tamino então lhe agradece por ter matado a serpente, e Papageno, orgulhoso por passar por herói, não conta a verdade.

As damas reaparecem e castigam Papageno e mostram o retrato de Pamina a Tamino

As Três Damas retornam, e castigam Papageno , dando-lhe água e pedras em vez de vinho e bolos, e colocando-lhe um cadeado na boca para impedi-lo de falar mais mentiras. A seguir, mostram a Tamino o retrato da linda Pamina, a filha da Rainha da Noite. O príncipe se apaixona imediatamente.

A Rainha da Noite conta a Tamino que Pamina sua filha foi sequestrada por Sarastro

Nesse instante, a rainha faz sua entrada triunfal. Ela conta a Tamino que Pamina foi aprisionada pelo malvado sacerdote Sarastro. Antes de desaparecer, a rainha promete ao príncipe que se ele salvar sua filha, Pamina se casará com ele.

Papageno é perdoado e as Damas dão a Tamino uma faluta e a Papageno uma campainha mágica

As Três Damas removem o cadeado da boca de Papageno, ordenando-lhe acompanhar Tamino em sua missão de resgate. Tamino recebe das mãos das damas uma flauta dourada, e Papageno um carrilhão dotado de muitos sininhos. Ambos instrumentos são mágicos, e os protegerão na jornada. Seus guias serão três meninos.

Papageno encontra Pamina sendo guardada por Monostatos e conta que Tamino esta a sua procura

A cena muda para uma sala ricamente mobiliada, onde três escravos comentam que Pamina ludibriou Monostatos, o servo mouro de Sarastro, e conseguiu fugir. Ouve-se a voz de Monostatos, pedindo umas correntes para prender Pamina, que ele a caba de recapturar. Os escravos saem, e o mouro, que insiste em conquistar o amor da princesa, a traz para dentro. Nesse instante surge Papageno, que encara Monostatos. Cada um deles fica tão apavorado com o aspecto do outro que ambos fogem correndo. Mas Papageno volta, e diz a Pamina porque veio até ali, explicando os detalhes da missão de Tamino, enamorado por ela desde que viu seu retrato.

Tamino eh conduzido por três criancas ao palácio de Sarastro

Tamino é conduzido até a entrada dos Templos da Razão, Sabedoria e Natureza pelos três meninos, que lhe recomendam manter firmeza e paciência.

Tamino se encontra em frente a um templo com três portas a sabedoria a da razão e da natureza um sacerdote diz que Sarastro não é mau

Tamino tenta entrar nos Templos da Razão e da Natureza, mas vozes internas ordenam que ele se afaste. Ao bater à porta do Templo da Sabedoria, surge o Orador do Templo, que conta ao jovem príncipe como a Rainha da Noite o enganou. Sarastro não é nenhum demônio malvado, mas o venerando soberano do Templo da Sabedoria. O Orador, impedido por um juramento, nada mais pode explicar e vai embora. Misteriosas vozes enformam a Tamino que Pamina está a salvo, e que logo ele terá a oportunidade de adquirir sabedoria.

Algumas vozes dizem a Tamino que a princesa esta viva, toca a flauta e os animais saem da floresta para o ouvir

Na esperança que Pamina e Papageno o ouçam, Tamino toca a flauta mágica. Animais de todas as espécies, enfeitiçados pelo som da flauta, saem de suas tocas para ouvir a música. Quando Tamino para de tocar, os animais vão embora.

Pamina e Papageno ouvem a flauta e vão ao palácio, são perseguidos e Papageno toca a campainha fazendo os perseguidores dançar sem parar

À distância, Papageno responde, tocando sua flauta de Pã. Tamino, sai para procurar Papageno, mas vai na direção contrária. Pamina e Papageno entram e são presos por Monostatos e seus sequazes, que vieram em seu encalço. Subitamente, Papageno lembra-se de seu carrilhão mágico e põe-se a tocá-lo. O efeito é surpreendente: o mouro e seus asseclas, enfeitiçados, não conseguem parar de dançar.

Sarastro chega em um carro guiado por leões

Em solene desfile, entram agora os sacerdotes, precedendo o carro de Sarastro, puxado por seis leões. Pamina, aterrorizada, implora o perdão do sacerdote por ter tentado escapar, explicando não mais suportar as investidas de Monostatos.

Sarastro diz a Tamino e Papageno que se quiserem levar Pamina devem se submeter a provas

Tamino volta à cena, encontrando Pamina pela primeira vez. Caem nos braços um do outro, docemente apaixonados, enquanto Monostatos espuma de raiva. Sarastro manda castigar o mouro com 77 chibatadas nas solas dos pés, e depois abençoa o jovem casal.

Sarastro e os Sacerdotes decidem submeter Pamino e Papageno a algumas provas

A seguir, manda levar Papageno e Tamino para o interior do Templo da Sabedoria. Ambos devem ser preparados para as provas de purificação. O coro dos seguidores de Sarastro entoa um hino final que fala dos elevados ideais que transformarão a terra num paraíso.

ATO II:

Tamino promete vencer as provas por amor a Pamina e Papageno por uma esposa

Um bosque sagrado. Os sacerdotes entram em austera procissão, e Sarastro lhes informa que Tamino deseja fazer parte da irmandade. Foram os deuses, explica ele, a determinar que Tamino deveria procurar Pamina, e por isso mandou raptar a princesa, subtraindo-a à guarda da mãe. Dois sacerdotes são escolhidos para instruir Tamino e Papageno sobre o ritual que os espera. Em seguida, todos elevam uma oração aos deuses Isis e Osíris. Cai a noite sobre o pátio do templo, para onde os Dois Sacerdotes trazem Tamino e Papageno, que morre de medo do escuro. Os sacerdotes perguntam aos dois se estão preparados para enfrentar as provas de iniciação. A resposta é afirmativa, embora Papageno não pareça tão convincente quanto Tamino. Eles aceitam então um voto de silêncio, que Papageno custará a manter. Após a saída dos sacerdotes, surgem as Três Damas, instruídas para fazer com que os dois companheiros voltem a obedecer a Rainha da Noite; vozes do Templo, entretanto, ameaçam as Damas com o fogo do inferno, e elas fogem muito assustadas sem nada conseguir. Num jardim, Pamina dorme. Monostatos, ao vê-la, executa uma dança lúbrica ao seu redor, enquanto afirma que ninguém o ama por causa da cor de sua pele.

Aparece a Rainha da Noite e Monostatos foge e ela manda Pamina matar Sarastro

Quando vai tentar beijar Pamina, ouve-se um trovão e surge a Rainha da Noite, furiosa, e ordena rispidamente ao mouro que se afaste. Pamina acorda, sua mãe diz que foi traída e dá à filha um punhal, instruindo-a a matar Sarastro e trazer para ela o ornato do Círculo Solar das Sete Dobras que o Grão-Sacerdote usa no peito. Quando a Rainha desaparece, Pamina diz a si própria que não pode matar Sarastro. Num salto, Monostatos arranca o punhal de Pamina e tenta chantageá-la: se ela não aceitar seu amor, o mouro a denunciará como assassina. A chegada de Sarastro põe o mouro a correr. Pamina pede piedade para sua mãe e o Sacerdote a acalma, dizendo que dentro das sagradas paredes do Templo não existe lugar para a vingança.

Aparece uma velha que diz a Papageno que tem 18 anos ele nao entende nada

Na cena seguinte, os Dois Sacerdotes conduzem Papageno e Tamino para um recinto do Templo. Ignorando os votos de silêncio, apesar dos sinais reprovadores de Tamino, Papageno fala em voz alta o tempo todo. Quando ele pede algo para beber, entra uma mulher muito velha, trazendo-lhe um copo de água. Na animada conversa que se segue, a velhota diz que tem apenas dezoito anos e que é a namorada que Papageno sempre procurou. Antes que ela possa dizer seu nome, ouve-se um trovão e a velha foge. Surgem os três meninos, trazendo a flauta e o carrilhão mágicos, e, para grande alegria de Papageno, uma mesa coberta de iguarias e bebidas.

Aparece Pamina que escutou a flauta mas Tamino nao pode falar com ela então ela crê que ele não a quer mais

Enquanto o passarinheiro mergulha na comida, Tamino toca a flauta, atraindo Pamina, feliz por reencontrar seu amado. Mas Tamino, mantendo o voto de silêncio, não lhe dirige a palavra, e a moça parte agoniada, acreditando que ele não mais a ama. O trombone soa três vezes. É o sinal que as provas de Papageno e Tamino vão começar.

Os sacerdotes preparam um ritual de fogo e água

Na cripta da pirâmide, os sacerdotes agradecem a Isis e a Osíris por considerar Tamino digno de sua fraternidade. Antes do início das provas de Tamino, Sarastro traz a triste Pamina para despedir-se dele, e todos partem em seguida. Papageno agora é testado, sendo cercado pelo fogo. Após observar sua reação, o Orador do Templo lhe diz que infelizmente, ele não foi aceito entre os iniciados. Aliviado, Papageno comenta que do que mais ele gostaria agora seria um bom copo de vinho. Após ter seu desejo atendido, ele volta a sonhar com uma boa e afetuosa esposinha. É quando aparece novamente a velhota.

Papageno nao passa na prova do silencio mas pode se casar com a velha ele aceita

Papageno deve escolher entre tornar-se seu noivo ou passar o resto da vida na prisão a pão e água. Sem opção, Papageno concorda em casar-se com ela, e a velha se tranforma, num passede mágica, numa lindíssima jovem chamada…Papagena !

Então a Velha se transforma na bela Papagena

Mas a alegria de Papageno dura pouco. Os sacerdotes a expulsam, pois o passarinheiro ainda não está pronto para ela. Num pequeno jardim, enquanto esperam o amanhecer, os três meninos se deparam com Pamina desesperada, preparando para suicidar-se com o punhal que a mãe lhe dera.

Pamina e digna de fazera prova do fogo junto com Tamino

Reconfortando-a, os meninos fazem-na desistir desse ato impensado, assegurando-lhe que Tamino a ama profundamente. Enquanto isso, Tamino, descalço, espera que dois guardas de armadura o preparem para as provas de purificação do fogo e da água.

Com a ajuda da flauta mágica os dois vencem a prova da água

Ouve-se a voz de Pamina: ela vem acompanhá-lo nas provas. O voto de silêncio pode ser agora rompido, e os dois manifestam seu amor. Abraçado a Tamina, o príncipe toca a flauta mágica para afastar a angústia e o sofrimento, e os dois, lado a lado, galhardamente, superam ambas as provas.

Papageno encontra sua amada e cantam o adoravel pa-pa-pa-pa-pageno…

Nesse meio tempo, o pobre Papageno anseia por sua Papagena. Vendo desaparecer sua última chance de felicidade, pensa em enforcar-se. Mas os três meninos, vigilantes, sugerem que ele use seu mágico carrilhão para atrair sua amada. O estratagema funciona, e finalmente, Papageno poderá ser feliz ao lado da esposa pela qual esperou a vida toda.

Monostatos se une a Rainha da Noite para atacar o Templo mas são vencidos pelos raios

A Rainha da Noite, acompanhada das Três Damas e de Monostatos, preparam-se para tentar um último ataque contra o Templo, mas intensos raios e trovões os derrotam definitivamente. O sábio e bondoso Sarastro saúda a vitória da luz contra as trevas.

Todos juntos cantam a beleza da sabedoria no reino da luz, o bem venceu o mal.

O Bem venceu o Mal, e a ópera termina com um coro de sacerdotes agradecendo aos deuses.

As figuras foram extraídas do site: http://playmopera.com/operas/mozart/flauta/

Karl Böhm – A Flauta Mágica
Esta continua a ser a minha versão favorita da derradeira obra de ópera de Mozart. Entre muitas gravações “clássicas” de Die Zauberflöte, a realizada por Karl Böhm é a mais clássica de todas. Com a medida e a inspiração da condução, assim como seu excelente elenco, esta ainda é uma das gravações mais significativas do Singspiel de Mozart, apesar de ter sido gravado há mais de cinquenta anos. O ouvinte fica sempre surpreso e profundamente tocado pelo milagre de renovação que se produz em cada audição de A Flauta Mágica.

Karl

Sem dúvida a permanência e a eficácia desse milagre de A Flauta Mágica encontram suas fontes em toda a diversidade musical da obra, em toda a sua beleza melódica, em sua cor harmônica, em suas características rítmicas, mas sobretudo na verdade tão espontaneamente convincente com que Mozart, com surpreendente economia de meios, e numa extrema simplicidade de composição, teve o poder de exprimir a realidade da vida. Frequentemente, quando se fala de Mozart e de A Flauta Mágica, Karl Böhm é referência com reverência isso revela o quanto esse regente se aprofundou no espírito da música de Mozart. Quando Karl Bohm está regendo uma obra de Mozart afirmava-se que seria como “a auto-revelação do próprio Mozart”. Não há dúvida de que Böhm tem exercido decisiva influência no estilo mozartiano por suas interpretações de clareza cristalina, requintadas altamente dinâmicas. E certamente estará na trilha certa quem traçar a evolução desse estilo mozartiano universalmente aceito ponto por ponto na própria evolução artística do regente. Karl Böhm teve uma amizade artística e humana verdadeira com Richard Strauss. Böhm manteve infindáveis palestras com Strauss sobre música, não somente sobre as obras de Strauss, mas também sobre Mozart. Então o assunto destes ilustres mozartianos frequentemente vinha à tona direcionando o dom verdadeiramente único e individual do jovem Böhm: o excelente instinto que possui para o tempo e coloratura exatos. Sua eloquência rítmica, sempre sensível na resposta e intenção do autor, constrói a estrutura básica sobre a qual é possível expor as linhas vocais, não raro muito sutis, dentro do quadro geral tonal de A Flauta Mágica.

Fritz Wunderlich

A voz marcante na gravação que compartilhamos é Fritz Wunderlich como Tamino, performance incrível, beirando a perfeição ; Fischer-Dieskau interpreta um Papageno maravilhoso, e é provavelmente o melhor papel operístico que ele representou, sua voz era suave e jovial nesta gravação original de 1964! Eu gosto muito do calor e a ressonância do baixo Frantz Crass como Sarastro. Evelyn Lear e Roberta Peters como Pamina e a Rainha da Noite, respectivamente estão brilhantes. Lear tem uma voz madura, mas as notas são cremosas e ela parece genuinamente dentro da personagem. O mesmo vale para Roberta Peters, que é leve, muito excitante com fogo real, na grande área da Rainha da Noite ela é muito firme e clara nas notas altas, lindo de ouvir.

Fischer-Dieskau

A atrevida e charmosa Papagena de Lisa Otto completa um belo trio. Sopranos de Mozart de qualidade real abundaram nos anos 50 e 60 e as três estão no topo das divas. São grandes vozes; apenas ouça o quarteto “Wir wandeln” e flutue para o céu. Mas não existe apenas uma interpretação definitiva, acho que cada geração de artistas merece um vislumbre desta obra-prima de um ou dois ângulos, no futuro irão ser descobertos novos talentos e detalhes novos surgirão, de novo e de novo.”Que felicidade há nesta música. É como um mergulho em água pura!” (Karl Böhm).

É questão de opinião, evidentemente; mas formam uma legião os que pensam que A Flauta Mágica é a obra de arte mais sublime que o espírito do Homem soube criar nesta parte do mundo. Mozart levou à perfeição todas as formas musicais que existiam em seu tempo. Nenhum outro compositor, na história da música, conseguiu, como ele, trabalhar com tanta inventividade todos os gêneros então existentes, da ópera à música de câmara. Genialidade em estado puro, foi capaz de transformar um libreto com uma história simples, como a de A Flauta Mágica, em uma das mais sublimes criações humanas.
Lá em cima no início do texto dissemos que A Flauta Mágica foi a obra mais pessoal de Mozart, diz a lenda que num instante particular, Mozart, na sua própria simplicidade, nas últimas horas de sua vida confessou que Papageno tinha sido sua figura preferida e teria expresso o desejo, em seu leito de morte, de ouvir ainda os versos de Papageno em A Flauta Mágica: “Der Vogelfanger bin ich já” (SOU eu o apanhador de pássaros).
Apreciem sem moderação esta versão que ora compartilhamos.

Wolfgang Amadeus Mozart – Die Zauberflöte

CD 1: Mozart: Die Zauberflöte, K. 620

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Die Zauberflöte, K. 620
1. Overture 7:17
Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

Act 1
2. Zu Hilfe! Zu Hilfe! (Tamino, Die drei Damen) 6:45
Hildegard Hillebrecht, Cvetka Ahlin, Sieglinde Wagner, Fritz Wunderlich, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

3. Dialog “Wo bin ich?” (Tamino) 0:21
Fritz Wunderlich

4. Der Vogelfänger bin ich ja (Papageno) 2:35
Dietrich Fischer-Dieskau, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

5. Dialog “He da!” (Tamino, Papageno, Die drei Damen) 3:13
Fritz Wunderlich, Dietrich Fischer-Dieskau, Hildegard Hillebrecht, Cvetka Ahlin, Sieglinde Wagner

6. Dies Bildnis ist bezaubernd schön (Tamino) 4:36
Fritz Wunderlich, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

7. Dialog “Rüste dich mit Mut und Standhaftigkeit” (Die drei Damen, Tamino) 0:45
Hildegard Hillebrecht, Cvetka Ahlin, Sieglinde Wagner, Fritz Wunderlich

8. “O zittre nicht, mein lieber Sohn” 5:22
Roberta Peters, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

9. Ist’s denn Wirklichkeit, was ich sah? (Tamino) 0:04
Fritz Wunderlich

10. Hm! hm! hm! hm! (Papageno, Tamino, Die drei Damen) 6:27
Dietrich Fischer-Dieskau, Fritz Wunderlich, Hildegard Hillebrecht, Cvetka Ahlin, Sieglinde Wagner, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

11. Du feines Täubchen, nur herein (Monostatos, Pamina, Papageno) 1:47
Friedrich Lenz, Evelyn Lear, Dietrich Fischer-Dieskau, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

12. Dialog “Bin ich nicht ein Narr” 1:22
Dietrich Fischer-Dieskau, Evelyn Lear

13. Bei Männern, welche Liebe fühlen (Pamina, Papageno) 3:19
Evelyn Lear, Dietrich Fischer-Dieskau, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

14. “Zum Ziele führt dich diese Bahn” 10:25
Rosl Schwaiger, Antonia Fahberg, Raili Kostia, Fritz Wunderlich, Hubert Hilten, Martin Vantin, Manfred Röhrl, Hans Hotter, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm, RIAS Kammerchor, Günther Arndt

15. “Wie stark ist nicht dein Zauberton” 3:19
Fritz Wunderlich, Dietrich Fischer-Dieskau, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

16. Schnelle Füße, rascher Mut (Pamina, Papageno, Monostatos, Chor) 3:11
Evelyn Lear, Dietrich Fischer-Dieskau, Friedrich Lenz, Berliner Philharmoniker, RIAS Kammerchor, Karl Böhm

17. Es lebe Sarastro! Sarastro lebe! (Chor, Pamina, Sarastro, Papageno, Monostatos, Tamino) 9:04
Dietrich Fischer-Dieskau, Evelyn Lear, Franz Crass, Friedrich Lenz, Fritz Wunderlich, Berliner Philharmoniker, RIAS Kammerchor, Karl Böhm

CD 2: Mozart: Die Zauberflöte, K. 620

Act 2
1. Marsch der Priester 1:24
Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

2. Dialog “Ihr eingeweihten Diener der Götter Osiris…” 2:20
Franz Crass, Hubert Hilten, Martin Vantin, Manfred Röhrl

3. O Isis und Osiris (Sarastro, Chor) 2:56
Franz Crass, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm, RIAS Kammerchor

4. Dialog “Eine schreckliche Nacht” 1:57
Fritz Wunderlich, Dietrich Fischer-Dieskau, Hubert Hilten, Martin Vantin

5. Bewahret euch vor Weibertücken (Erster Prister, Zweiter Priester) 0:55
Manfred Röhrl, Martin Vantin, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

6. Dialog “He, Lichter her!” (Papageno, Tamino) 0:13
Fritz Wunderlich, Dietrich Fischer-Dieskau

7. “Wie? Wie? Wie? Ihr an diesem Schreckensort?” 3:38
Hildegard Hillebrecht, Cvetka Ahlin, Sieglinde Wagner, Fritz Wunderlich, Dietrich Fischer-Dieskau, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

8. Tamino! Dein standhaft männliches Betragen.. 0:27
Hubert Hilten, Martin Vantin, Dietrich Fischer-Dieskau

9. Alles fühlt der Liebe Freuden (Monostatos) 1:19
Friedrich Lenz, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

10. Mutter! 0:22
Evelyn Lear, Roberta Peters, Friedrich Lenz

11. Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen (Königin der Nacht) 2:56
Roberta Peters, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

12. Dialog “Morden soll ich?” (Pamina, Monostatos, Sarastro) 0:48
Evelyn Lear, Friedrich Lenz, Franz Crass

13. In diesen heil’gen Hallen (Sarastro) 4:04
Franz Crass, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

14. Dialog “Hier seid ihr beide euch allein überlassen” (Sprecher, 2. Prister, Papageno, Tamino, Weib) 1:46
Hubert Hilten, Fritz Wunderlich, Dietrich Fischer-Dieskau

15. “Seid uns zum zweiten Mal willkommen” 1:48
Rosl Schwaiger, Antonia Fahberg, Raili Kostia, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

16. Dialog “Tamino, wollen wir nicht speisen?” 1:08
Evelyn Lear, Fritz Wunderlich, Dietrich Fischer-Dieskau

17. Ach, ich fühl’s, es ist verschwunden (Pamina) 4:30
Evelyn Lear, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

18. O Isis und Osiris (Chor) 3:08
RIAS Kammerchor, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

19. Tamino, deine Haltung war bisher männlich 0:32
Evelyn Lear, Fritz Wunderlich, Franz Crass

20. Soll ich dich, Teurer, nicht mehr sehn? (Pamira, Sarastro, Tamino) 3:01
Evelyn Lear, Fritz Wunderlich, Franz Crass, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

21. Tamino! Tamino! 1:10
Dietrich Fischer-Dieskau, Hubert Hilten

22. Ein Mädchen oder Weibchen (Papageno) 3:55
Dietrich Fischer-Dieskau, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

23. Dialog “Da bin ich schon, mein Engel” (Weib, Papageno, Sprecher) 1:00
Hubert Hilten, Lisa Otto, Dietrich Fischer-Dieskau

24. Bald prangt, den Morgen zu verkünden (Die drei Knaben, Pamina) 6:23
Rosl Schwaiger, Antonia Fahberg, Evelyn Lear, Raili Kostia, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

25. “Der, welcher wandelt diese Straße voll Beschwerden” 5:25
Evelyn Lear, James King, Fritz Wunderlich, Martti Talvela, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

26. Tamino mein, o welch ein Glück (Tamino, Pamina, die Geharnischten) 7:03
Evelyn Lear, Fritz Wunderlich, RIAS Kammerchor, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

27. “Papagena! Papagena!” 8:10
Rosl Schwaiger, Antonia Fahberg, Lisa Otto, Raili Kostia, Dietrich Fischer-Dieskau, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

28. Nur stille, stille, stille, stille! 2:16
Roberta Peters, Hildegard Hillebrecht, Cvetka Ahlin, Sieglinde Wagner, Friedrich Lenz, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

9. Die Strahlen der Sonne vertreiben die Nacht (Sarastro, Chor) 3:15
Franz Crass, RIAS Kammerchor, Berliner Philharmoniker, Karl Böhm

Tamino: Fritz Wunderlich
Königin der Nacht: Roberta Peters
Pamina: Evelyn Lear
Papageno: Dietrich Fischer-Dieskau
Papagena: Lisa Otto
Sprecher: Hans Hotter
Erste Dame: Hildegard Hillebrecht
Zweite Dame: Cvetka Ablin
Dritte Dame: Sieglinde Wagner
Monostatos: Friedrich Lenz
Erster Priester: Hubert Hilten
Zweiter Priester: Martin Vantin
Dritter Priester: Mandred Röhrl
Erster Knabe: Rosl Schwaiger
Zweiter Knabe: Cvetka Ablin
Dritter Knabe: Sieglinde Wagner
Erster Geharnischter: James King
Zweiter Geharnischter: Martti Talvela

RIAS Kammerchor
Berliner Philharmoniker
Karl Böhm, conductor

Deutsche Grammophon, 1964

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

Mozart, Schikaneder e a galera ensaiando a Flauta Mágica.

W. A. Mozart (1756-1791): Integral Concertos para Piano – Jenö Jandó – Post 1 de 5

W. A. Mozart (1756-1791): Integral Concertos para Piano – Jenö Jandó – Post 1 de 5
The Miles Kendig Post 1

Wolfgang Amadeus Mozart Integral dos Concertos para Piano

Jenö Jandó

Esta postagem, a primeira de uma série de cinco, é dedicada à lembrança de Miles Kendig.

Onde quer que Miles esteja, será difícil identificá-lo prontamente, pois como é da natureza de sua profissão, estará disfarçado. Como Miles é um profissional muito bem treinado e altamente experiente, é também um mestre na arte do disfarce. Mas, se você for um atento observador, sua chance de descobri-lo está na seguinte pista: Miles poderá estar assobiando algum trecho de uma obra de Mozart. Um rondó para piano, alguma sinfonia ou uma sonata. Isso porque uma das coisas que o torna Miles Kendig é seu amor pela música de Mozart. Em raríssimas ocasiões foi pego em flagrante delito cortejando a música de algum outro compositor. Uma destas ocasiões foi reportada por guardas da fronteira entre a Alemanha e a Suíça, na qual ele foi visto cantando o Largo al factotum, do outro Fígaro. Presume-se tenha sido com a clara intensão de confundir os diligentes guardas fronteiriços.

Este é o universo de Miles Kendig!

Se você ouvir os discos desta postagem, assim como os das próximas quatro que seguirão, entenderá um pouco mais porque Miles, mesmo vivendo uma vida agitada, encontra alguma forma para se deleitar com a música do Wolfganger.

Jenö Jandó

O outro importante personagem desta série é bastante conhecido no mundo musical – Jenö Jandó, ótimo pianista húngaro, versatilíssimo, ajudou a construir (literalmente com suas próprias mãos) boa parte do edifício que se tornou a gravadora Naxos.

Nos dias que antecederam os arquivos digitais de música, os CDs da Naxos ofereciam aos amantes da música menos providos de fundos uma oportunidade de ouvir boas (e em muitos casos excelentes) gravações tanto do repertório tradicional quanto de setores menos visitados pelas interestelares gravadoras. Basta lembrar da Missa Papae Marcelli, de Palestrina, com a Oxford Camerata ou a Sinfonia Turangalîla, de Messiaen, nas mãos do maestro Antoni Witt.

Falávamos do Jandó. O homem produziu a integral das Sonatas para piano de Beethoven, de Haydn, de Schubert. O que o Wilhelm Kempff fez para a Deutsche Grammophon, ele fez para a Naxos, e mais. Sempre com competência e sensibilidade. Jenö, aliás, tem nos visitado aqui no PQP Bach com regularidade, sendo as duas mais recentes passadas estampadas com o cobiçado carimbo de IM-PER-DÍ-VEL pregado pelo próprio PQP. Bartók, Brahms e Schumann no programa.

Acredito ainda que, deste período de construção do catálogo da Naxos, sua contribuição maior, mais duradoura, tem sido essa série de Concertos para Piano de Mozart. A integral dos Concertos para Piano tem excelentes possíveis gravações, como a do Perahia, a do Brendel & Marriner ou a de Daniel Barenboim (retrato do artista quando jovem-EMI), só para não deixar palavras soltas ao vento. Mas as gravações do JJ, acompanhado pela Concentus Hungaricus, regida por Mátyás Antal ou András Ligeti, vale a nota e a divulgação. Todas as gravações foram feitas no Instituo Italiano de Budapeste, entre 1989 e 1991, com a produção de Ibolya Tóth.

O Concerto para piano e orquestra – de Bach até Mozart!

O gênero musical que conhecemos como concerto para piano (e orquestra) nasceu antes mesmo que o piano. Johann Sebastian Bach (ele, de novo…) adaptou alguns de seus antigos concertos para instrumentos melódicos (violino ou oboé) para cravo e cordas para apresentá-los no Collegium Musicum, em Leipzig. Bach já vinha elevando o papel do cravo de parte do baixo contínuo para protagonista do discurso musical em várias obras. Os clássicos exemplos são o Concerto de Brandenburgo No. 5 e as Sonatas para Violino e Cravo. Ele menciona que o cravo é obbligato. A composição de concertos para klavier teve continuidade com seus filhos compositores, especialmente Carl Philipp Emanuel e Johann Christian, o Bach de Londres.

Outros compositores se dedicaram ao gênero, inclusive Joseph Haydn, mas Mozart foi quem levou o gênero à sua primeira etapa de excelência. Podemos visualizar o desenvolvimento musical de Mozart na sua produção de concertos para piano – desde a quase perfeição até o nirvana!

Lembremos que essa evolução ocorreu concomitantemente com o desenvolvimento do próprio instrumento. O pianoforte surgiu nos últimos dias de Bach e foi aprimorado nos dias de Mozart e, depois, mais ainda, na época de Beethoven e Schubert. Os instrumentos que Mozart dispunha eram particularmente leves ao toque com um tipo de mecanismo que permitia grande delicadeza e articulação, entre outras coisas. Esses instrumentos eram muito adequados a maneira de Mozart tocar e faziam as pessoas acharem o estilo de Beethoven mais duro e agressivo.

Amadeus!

As duas principais etapas da vida de Mozart são antes e depois de 1781. Antes de 1781, vida em Salzburgo recheada de viagens aos grandes centros musicais da Europa, mas submetido ao emprego como músico do Arcebispo Colloredo. Depois de 1781, vida em Viena e músico independente, para o bem e para o mal (o Yin e o Yang) que essa mudança acarretou. Na primeira fase, Mozart produziu seis genuinamente seus concertos para piano, começando do Concerto No. 5. Na segunda fase, em Viena, produziu dezessete concertos – verdadeiras maravilhas que testemunham o desenvolvimento musical de Mozart. Por que Wolfgang escreveu tantos concertos para piano? Ele chegou a produzir até seis concertos em um período de um ano. A resposta está no entendimento de como se vivia naquela época. Afinal, História, Sociologia e até mesmo a Filosofia servem para algumas coisas.

O concerto para piano era o meio ideal para Mozart apresentar-se ao público vienense e ao resto do mundo (dele, é claro!) como compositor excelente e intérprete magistral.


A maioria dos concertos dados em Viena nesta época eram privados. Muitos ocorriam nas casas e palácios dos nobres, que tinham músicos como empregados regulares. Algumas famílias (Esterhàzys e Lobkowitzes, por exemplo) tinham verdadeiras orquestras a seu dispor.  As pessoas de classes mais alta e os burgueses também criavam demanda para a música de salão. Os próprios músicos, como Mozart, também promoviam pequenos concertos em suas próprias acomodações. Mozart participava destes concertos mesmo sem a expectativa de ser pago, mas contando com valorosos presentes e boa comida. Havia também a autopromoção gerando possíveis alunos e alunas e demanda para sua música impressa.

Além disso, um artista podia também promover um concerto, alugando um teatro, contratando os músicos, fazendo a divulgação, com a expectativa de retorno financeiro. A maneira mais fácil de ter sucesso nestas empreitadas era preparar tudo para promover esses concertos durante a Quaresma. Neste período não havia apresentação de óperas e os músicos estavam disponíveis e cobravam menos.

Havia também as séries de concertos por assinatura. Há documentação em cartas de Mozart para família falando de uma destas séries que aconteceu em 1784. Há inclusive a lista dos assinantes – uma espécie de Who is Who da nobreza de Viena. Em três quartas-feiras seguidas, Mozart apresentou concertos nos quais os Concertos para piano Nos. 14, 15 e 16 foram apresentados. Os concertos para piano de Mozart são como um resumo de sua obra e podemos aquilatar seus maravilhosos talentos.

Alguma informação sobre os concertos desta postagem:

Johann Christian Bach

O Concerto No. 5 em ré maior, K. 175 é o primeiro concerto para piano original composto por Mozart em 1773. Wolfganger tinha 15 anos. [Os concertos anteriores eram arranjos de sonatas de Johann Christian Bach, o Bach de Londres. Mozart o conhecera quando, em 1764, fora levado a Londres por seu pai. Johann Christian conviveu alguns meses com Mozart, então com 8 anos. Nas cartas para casa, Leopold Mozart revelava que os dois eram inseparáveis. Mozart teve sempre grande admiração e afeto por Johann Christian.] O concerto No. 5 foi composto em Salzburgo após uma viagem de umas dez semanas a Viena. Além de encontrar várias figuras culturais importantes, Mozart entrou em contato com a música de Haydn (Quartetos, Op. 9, 17 e 20). Apesar de seguir o modelo de suas paródias de concerto anteriores, este é de maior escala e tem um ótimo finale. Sua orquestração, além dos usuais oboés, fagotes e trompas, há também a presença de trompetes e tímpanos, que só reapareceriam no Concerto No. 13, em dó maior, K. 415. Mozart teve sempre uma predileção pelo Concerto No. 5 e o interpretou diversas vezes ao longo da vida. Para uma apresentação em 1782, em Viena, compôs o Rondo em ré maior, K. 382 como um final alternativo. O Rondó é uma encantadora série de variações. Miles Kending gosta bastante deste Rondo. O Concerto No. 5 é vizinho do primeiro quinteto para cordas (K. 174) composto por Mozart nesta época, tendo como modelo quintetos de Michael Haydn, o outro Haydn por quem Mozart tinha grande consideração. Quintetos de Mozart são peças que merecem cuidadosa investigação.

Os Concertos No. 6, em si bemol maior, K. 238 e o No. 8, em dó maior, K. 246 são obras típicas do estilo galante. A orquestração é básica, dois oboés (ou flautas no caso do No. 6), duas trompas e cordas, além do solista. No Concerto No. 6 as trompas marcam alegre presença em vários momentos. O Concerto No. 8 tem o apelido Lützow por ter sido destinado à Condessa Antonia Lützow, dizem uma excelente pianista.

O Concerto No. 19, em fá maior, K. 459 é a cereja deste bolo. Composto por Mozart para seu próprio uso, reúne graça vigor. Este concerto foi o último da série de concertos compostos em 1784 e termina com um dos melhores movimentos escritos por Mozart nesta época. Nele há equilíbrio entre as lindas melodias e o aspecto formal e estrutural da peça. O princípio do que agrada a leigos e entendidos levado à perfeição.

Tendo exaustivamente composto concertos ao longo dos anos 1784 até 1786, Mozart não compôs concertos para piano em 1787. Parece inacreditável, mas a popularidade de Mozart, como intérprete, começara a esvanecer e em Viena não houve mais comissões musicais, até 1790. Neste ano, a ópera Così fan tutte foi estreada, mas teve suas performances suspensas pela morte do Imperador.

Manuscrito de uma parte do solo do Concerto para Piano No. 26

O Concerto No. 26 em ré maior, K. 537 foi terminado em 24 de fevereiro de 1788, possivelmente para uma série de concertos a serem dados durante a Quaresma. O concerto No. 26 ganhou o apelido de Concerto da Coroação por ter sido apresentado por Mozart em 15 de outubro de 1790, em Frankfurt, durante a coroação do novo Imperador, Leopold II. Não é o mais bem desenvolvido dos concertos, mas especialmente seu finale Allegretto é cheio de ecos e cores que lembram ao Papageno. O concerto é a prova de Mozart conseguia ser ótimo mesmo quando não estava em perfeita forma. A parte da mão esquerda do solo não está escrita no manuscrito, uma prova de que o concerto fora concebido para ser interpretado pelo próprio Mozart.

Complete Piano Concertos – Volume 9

Concerto No. 26 em ré maior, K. 537 – ‘Coronation’

  1. Allegro
  2. Larghetto
  3. Allegretto

Concerto No. 5 em ré maior, K. 175

  1. Allegro
  2. Andante ma poco adagio
  3. Allegro
  4. Rondo em ré maior, K. 382

Jenö Jandó, piano

Concentus Hungaricus & Mátyás Antal

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Complete Piano Concertos – Volume 8

Concerto No. 19 em fá maior, K. 459

  1. Allegro
  2. Allegretto
  3. Allegro assai

Concerto No. 6 em si bemol maior, K. 238

  1. Allegro aperto
  2. Andante un poco adagio
  3. Rondeau: Allegro

Concerto No. 8 em dó maior, K. 246

  1. Allegro aperto
  2. Andante
  3. Rondeau: Tempo di Menuetto

Jenö Jandó, piano

Concentus Hungaricus & Mátyás Antal

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Espero que esta série de postagens lhe aproxime do legado maravilhoso que é a obra de Mozart, em particular de seus concertos para piano. Faça como Miles Kendig, ouça Mozart!

René Denon

Michel Richard de Lalande (1657-1726) – Symphonies pour les Soupers du Roy – Integral – Ensemble La Simphonie du Marais, dir. Hugo Reyne

Michel Richard de Lalande
France, 1657-1726

Symphonies pour les Soupers du Roy
Integral

Ensemble La Simphonie du Marais
dir. Hugo Reyne

1990

 

As faixas dos 4 CDs podem ser encontradas AQUI.

A Ceia do Rei, um cerimonial.

A Ceia do Rei era servida às dez horas da noite ou na Antecâmara do Rei ou na Antecâmara do “Grand Couvert” (mesa cerimonial). O rei jantava em público. Ele sentava no meio da mesa com suas costas para a lareira. Depois dele ficavam seu médico principal, Daquin, e vários conselheiros privilegiados, como o duque de Saint-Simon, por exemplo. Mais atrás, amontoados nos vãos das portas, havia outros conselheiros e espectadores curiosos. À esquerda do rei, no final da mesa, junto às janelas que davam para o recinto de mármore, sentava Monsieur, o irmão do rei, sua esposa, Madame, ou outros membros da família real. Contra a parede voltada para o rei ficava a galeria reservada para os músicos do jantar.

Uma portaria de 1681 prescreve o cerimonial para o serviço da carne (ou seja, a refeição) do rei: “Os cavalheiros servidores trazem o primeiro prato; o segundo prato é levado pelo contrôleur (que provou a comida do rei); os officiers de la bouche (literalmente oficiais da boca) carregam os outros pratos. Nesta ordem, o chefe do cerimonial, com o bastão em sua mão, caminha à frente, precedido por alguns passos pelo contínuo da mesa levando uma tocha, acompanhado de três guarda-costas, com os rifles nos ombros … “

O menu consistia de quatro pratos: as sopas, as entradas, os assados ​​e os doces. Ao lado da fanfarra inicial (cf. Concert de Trompettes), para a entrada do Rei, que coincidia com a chegada do primeiro prato, acreditamos que a música de Delalande era tocada entre o final de um prato e a chegada do próximo, intervindo três vezes, o que explicaria a organização tripartite das suítes. O jantar terminava por volta das onze horas e sua conclusão era provavelmente pontuada por outra fanfarra. Infelizmente não temos documentação gráfica relacionada à ceia de Luís XIV, mas há uma gravura representando a corte do imperador alemão, Joseph II, em 1705, que é uma perfeita ilustração da cerimônia de Versalhes. Na galeria dos músicos podemos distinguir, entre outros, quatro violinos, duas teorbas e, especialmente, duas trombetas, que, conduzidas por um batedor de tempo, tocavam uma fanfarra pela chegada do primeiro prato da refeição.

Symphonies pour les Soupers du Roy – Integral
Michel Richard de Lalande
Ensemble La Simphonie du Marais
dir. Hugo Reyne

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Por gentileza, quando tiver problemas para descompactar arquivos com mais de 256 caracteres, para Windows, tente o 7-ZIP, em https://sourceforge.net/projects/sevenzip/ e para Mac, tente o Keka, em http://www.kekaosx.com/pt/, para descompactar, ambos gratuitos.

If you have trouble unzipping files longer than 256 characters, for Windows, please try 7-ZIP, at https://sourceforge.net/projects/sevenzip/ and for Mac, try Keka, at http://www.kekaosx.com/, to unzip, both at no cost.

Boa audição!

 

 

 

 

Avicenna

Weber, Schumann, Hindemith, Schnittke: Obras para Violino e Piano & Violino e Orquestra

Weber, Schumann, Hindemith, Schnittke: Obras para Violino e Piano & Violino e Orquestra

A capa é medonha, mas a música que sai do CD é bem boa. Inicia com um Weber. Música ligeira, como se dizia antigamente. Coisa leve, bonitinha e esquecível. O Concerto para Violino de Schumann é daquelas obras que os comentaristas chamam de “negligenciadas”. Melhor se fosse esquecida. É totalmente anti-violinístico — alguns acham que é inspirado, outros que é pirado. Saiu de uma mente já doente, foi escrito quando o compositor já estava no internato de Endenich, talvez seja algo único na história da música. A tragédia do concerto de violino de Schumann é a fatal comparação com os de Brahms e Tchaikovsky, dois matadores absolutos. A coisa fica sensacional quando entram em ação Hindemith e Schnittke, principalmente o último. Quasi una Sonata (ou Sonata Nº 2), de 1968, é um de meus trabalhos favoritos de Schinittke. É violenta e lembra muitas vezes o Concerto para violino de Berg. É uma obra importante, continua sendo uma das peças seminais do compositor em qualquer de suas versões, marcando a estréia de seu célebre “poliestilismo” e seu afastamento da vanguarda.

Weber, Schumann, Hindemith, Schnittke: Obras para Violino e Piano & Violino e Orquestra

WEBER, Carl Maria von (1786-1826)
Grand Maria Von Weber, Op.48
1. I.Allegro con fuoco 7:22
2. II.Andante con moto 4:59
3. III.Rondo (Allegro) 5:13

SCHUMANN, Robert (1810-1856)
Violin Concerto in D minor, Op.posth
4. I.In kraftigem, nicht zu schnellem, Tempo 15:07
5. II.Langsam-III. Lebhaft, doch nicht schnell 14:20

HINDEMITH, Paul (1895-1963)
Violin Sonata in E flat, Op.11
6. I.Frisch 4:40
7. II.Im Zeitmass eines langsamen, feierlichen Tanzes 5:39

SCHNITTKE, Alfred (1934-1998)
Violin Sonata No.2
8. I.Quasi una sonata 20:11

GAVRILOV, Andrei (piano)
KREMER, Gidon (violin)
Philharmonia Orchestra
MUTI, Riccardo

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Kremer e Gavrilov à época desta gravação.

PQP

Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847) – Piano Concertos 1 & 2, 17 Variations sérieuses in D minor op. 54 d-Moll, etc. – Jan Lisiecki, Orpheus Chamber Orchestra

Jan Lisiecki é um pianista canadense, filho de pais poloneses e é um dos grandes nomes do piano de sua geração. Tem um dom único, é daqueles jovens músicos que já ganharam diversos prêmios, e de quem ainda iremos ouvir falar muito.
Os dois Concertos para Piano de Mendelssohn estão em muito boas mãos, podem ter certeza. Apesar da idade, ele toca com muita maturidade, e tem um pleno domínio do instrumento. E eu poderia dizer o mesmo de outras gravações suas, que inclusive já postei por aqui. Eis alguns comentários da crítica especializada:

“Jan Lisiecki. Remember the name.”- The Financial Times.

“A gift too rare to be squandered”- Gramophone Magazine

“Pristine, lyrical and intelligent”- The New York Times

“Perhaps the most ‘complete’ pianist of his age”

Então, senhores,preciso dizer que esta sua gravação de Mendelssohn é IM-PER-DÍ-VEL ???

Concerto for Piano and Orchestra No. 1 in G minor op. 25
1 1. Molto allegro con fuoco
2 2. Andante
3 3. Presto – Molto allegro e vivace

17 Variations sérieuses in D minor op. 54 d-Moll

4 Tema. Andante sostenuto
5 Variation 1
6 Variation 2. Un poco più animato
7 Variation 3. Più animato
8 Variation 4. Sempre staccato e leggiero
9 Variation 5. Agitato. Legato ed espressivo
10 Variation 6. A tempo
11 Variation 7. Con fuoco
12 Variation 8. Allegro vivace
13 Variation 9
14 Variation 10. Moderato
15 Variation 11. Cantabile
16 Variation 12. Tempo del tema
17 Variation 13. Sempre assai leggiero. Sempre assai marcato
18 Variation 14. Adagio
19 Variation 15. Poco a poco più agitato
20 Variation 16. Allegro vivace
21 Variation 17

Concerto for Piano and Orchestra No. 2 in D minor op. 40
22 1. Allegro appassionato
23 2. Adagio. Molto sostenuto – attacca
24 3. Finale. Presto scherzando

Rondo capriccioso in E major op. 14 E-Dur
25 Andante
26 Presto leggiero
27 Song Without Words in G minor “Venetian Gondola Song” op. 19b/6

Jan Lisiecki piano
Orpheus Chamber Orchestra (1–3 & 22–24)

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Nicolas Vallet (ca.1583-ca.1642): Le Secret des Muses

Nicolas Vallet (ca.1583-ca.1642): Le Secret des Muses

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Nicolas Vallet foi um alaudista e compositor holandês nascido na França. Vallet, um huguenote, nasceu em Corbeny, mas fugiu da França para a Holanda por motivos religiosos. Em Amsterdam, ele trabalhou como músico autônomo, professor de alaúde e dono de uma escola de dança. Seu trabalho principal, este Le Secret des Muses, contém composições e instruções para o alaúde renascentista de 10 cordas. Apareceu, em duas partes, em 1615 e 1616. Foi uma das últimas composições a aparecer para este instrumento, antes de ser suplantado pelo alaúde barroco.

O disco é uma joia da melhor lavra da grande Harmonia Mundi. Paul O’Dette é um genial alaudista e dá enorme vida às composições de Vallet.

Paul O’Dette é um dos maiores alaudistas da atualidade e este disco está bem acima do padrão habitual da música antiga. A técnica de O`Dette é soberba, permitindo-lhe a liberdade de fazer essa música realmente brilhar. Também tem profunda compreensão e conhecimento da música do período. Seu alaúde soa esplendidamente e foi lindamente gravado pela Harmonia Mundi.

Nicolas Vallet (ca.1583-ca.1642): Le Secret des Muses

Secretum musarum, lutebook
1 Prelude
2 Passemmeze En B Mol
3 Bouree D’Avignon
4 Courante
5 Gaillarde De Comte Essex
6 Boerinneken
7 Les Pantalons
Work(s)
8 Praeludium
9 Allemande Fortune Helas Pourquoy
10 Fantasie La Mendiante
11 Soet Robbert
Secretum musarum, lutebook
12 Gaillarde
13 Fantasie
14 Pavanne En Forme De Complainte
15 Carillon De Village
16 Onse Vader In Hemelryck
Work(s)
17 Praeludium
Secretum musarum, lutebook
18 Courante
19 La Sarabande Espagnolle
20 Guillemette
21 Courante La Vallette
22 Courante De Mars
23 La Chacona
24 Une Jeune Fillette
25 Onder De Lindegröne
26 La Princesse
27 L’avignonne
28 Slaep Soete Slaep

Alaúde: Paul O’Dette

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Paul O’Dette parece ter nascido há 450 anos atrás.

PQP

[Restaurado] Robert Schumann – Cello Concerto, Adagio and Allegro in A-Flat Major, Op. 70, etc. – Gautier Capucon, Martha Argerich,, Bernard Haitink, Chamber Orchestra of Europe

Este Concerto para Violoncelo de Schumann provavelmente é o mais belo já composto para este instrumento. É o apogeu do romantismo, e o jovem Gautier Capucon está muito bem acompanhado aqui, sendo acompanhado por Bernard Haitink e a Chamber Orchestra of Europe. E nas obras de Câmara ele é acompanhado por sua ‘madrinha’ Martha Argerich. Só tem fera aqui, queridos.
Lembro de ter ouvido este concerto pela primeira vez com Pierre Fournier, e foi um LP que ouvi muito, até riscar. Sempre terei por essa gravação um carinho muito especial. Mas o tempo passa e a nova geração vem com tudo, mostrando um talento incrível, com novas possibilidades de interpretação graças ao desenvolvimento da técnica.
Eis mais um belo CD para ser apreciado em uma chuvosa tarde de domingo, sentado em uma boa poltrona, e se possível, degustando um bom vinho.

01. Cello Concerto in A Minor, Op. 129 I. Nicht zu schnell (Live)
02. Cello Concerto in A Minor, Op. 129 II. Langsam (Live)
03. Cello Concerto in A Minor, Op. 129 III. Sehr lebhaft (Live)
04. Adagio and Allegro in A-Flat Major, Op. 70 I. Langsam, mit innigem Ausdruck (Live)
05. Adagio and Allegro in A-Flat Major, Op. 70 II. Allegro, rasch und feurig (Live)
06.Phantasiestücke, Op. 73 I. Zart und mit Ausdruck (Live)
07. Phantasiestücke, Op. 73 II. Lebhaft, leicht (Live)
08. Phantasiestücke, Op. 73 III. Rasch und mit Feuer (Live)
09. 5 Stücke im Volkston, Op. 102 I. Mit Humor – Vanitas vanitatum (Live)
10. 5 Stücke im Volkston, Op. 102 II. Langsam (Live)
11. 5 Stücke im Volkston, Op. 102 III. Nicht schnell, mit viel Ton zu spielen (Live)
12. 5 Stücke im Volkston, Op. 102 IV. Nicht zu rasch (Live)
13. 5 Stücke im Volkston, Op. 102 V. Stark und markiert (Live)
14. Phantasiestücke, Op. 88 I. Romanze. Nicht schnell, mit innigem Ausdruck (Live)
15. Phantasiestücke, Op. 88 II. Humoreske. Lebhaft (Live)
16. Phantasiestücke, Op. 88 III. Duett. Langsam und mit Ausdruck (Live)
17. Phantasiestücke, Op. 88 IV. Finale. Im Marsch-Tempo (Live)

Gautier Capucon – Cello
Martha Argerich – Piano
Chamber Orchestra of Europe
Bernard Haitink – Conductor

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[restaurado por Vassily em 5/6/2021, em homenagem aos oitenta anos da Rainha!]

Johann Sebastian Bach (1685-1750): Cantatas, BWV 179, 35, 164 & 17

Johann Sebastian Bach (1685-1750): Cantatas, BWV 179, 35, 164 & 17

IM-PER-DÍ-VEL !!!
Aqui, boa parte desta coleção.

Agora sim! No quinto CD desta série, Kuijken e sua turma repetem a competência interpretativa, mas com um repertório de primeira linha. Um trabalho realmente maravilhoso. É curioso esse Sigiswald Kuijken. Ele não sentiu desejo de gravar cada cantata sacra existente de J.S. Bach. Esse projeto teria consumido anos de sua vida — e na melhor das hipóteses apenas igualaria as conquistas de outros Amundsen anteriores. Ao escolher gravar apenas cantatas suficientes para abranger um único ano litúrgico de domingos mais os dias santos principais, Kuijken restringiu o número de discos a 20, reduziu o número de artistas e acentuou exponencialmente a intensidade musical. O volume cinco, este volume, inclui as quatro cantatas do 11º ao 14º domingo depois da Trindade.

Johann Sebastian Bach (1685-1750): Cantatas, BWV 179, 35, 164 & 17

1. Cantata No. 179, ‘Siehe zu, dass deine Gottesfurcht,’ BWV 179 (BC A121): Chorus. Siehe zu, dass deine Gottesfurcht…
2. Cantata No. 179, ‘Siehe zu, dass deine Gottesfurcht,’ BWV 179 (BC A121): Recitative. Das heut’ge Christentum
3. Cantata No. 179, ‘Siehe zu, dass deine Gottesfurcht,’ BWV 179 (BC A121): Aria. Falscher Heuchler Ebenbild
4. Cantata No. 179, ‘Siehe zu, dass deine Gottesfurcht,’ BWV 179 (BC A121): Recitative. Wer so von innen wie von außen…
5. Cantata No. 179, ‘Siehe zu, dass deine Gottesfurcht,’ BWV 179 (BC A121): Aria. Liebster Gott, erbarme dich
6. Cantata No. 179, ‘Siehe zu, dass deine Gottesfurcht,’ BWV 179 (BC A121): Chorale. Ich armer Mensch, ich armer Sünder

7. Cantata No. 35, ‘Geist und Seele wird verwirret,’ BWV 35 (BC A125): Prima parte. Sinfonia
8. Cantata No. 35, ‘Geist und Seele wird verwirret,’ BWV 35 (BC A125): Prima parte. Aria. Geist und seele wird verwirret
9. Cantata No. 35, ‘Geist und Seele wird verwirret,’ BWV 35 (BC A125): Prima parte. Recitative. Ich wundre mich
10. Cantata No. 35, ‘Geist und Seele wird verwirret,’ BWV 35 (BC A125): Prima parte. Gott hat alles wohlgemacht
11. Cantata No. 35, ‘Geist und Seele wird verwirret,’ BWV 35 (BC A125): Second parte. Sinfonia
12. Cantata No. 35, ‘Geist und Seele wird verwirret,’ BWV 35 (BC A125): Second parte. Recitative. Ach starker Gott, lass mich doch…
13. Cantata No. 35, ‘Geist und Seele wird verwirret,’ BWV 35 (BC A125): Second parte. Aria. Ich wünsche nur bei Gott zu leben

14. Cantata No. 164, ‘Ihr, die ihr euch von Christo nennet,’ BWV 164 (BC A128): Aria. Ihr, die ihr euch von Christo nennet
15. Cantata No. 164, ‘Ihr, die ihr euch von Christo nennet,’ BWV 164 (BC A128): Recitative. Wir hören zwar, was selbst…
16. Cantata No. 164, ‘Ihr, die ihr euch von Christo nennet,’ BWV 164 (BC A128): Aria. Nur durch Lieb und durch Erbarmen
17. Cantata No. 164, ‘Ihr, die ihr euch von Christo nennet,’ BWV 164 (BC A128): Recitative. Ach schmelze doch durch…
18. Cantata No. 164, ‘Ihr, die ihr euch von Christo nennet,’ BWV 164 (BC A128): Aria. Händen, die sich nicht…
19. Cantata No. 164, ‘Ihr, die ihr euch von Christo nennet,’ BWV 164 (BC A128): Chorale. Ertöt uns durch dein Güte

20. Cantata No. 17, ‘Wer Dank opfert, der preiset mich,’ BWV 17 (BC A131): Chorus. Wer Dank opfert, der preiset mich
21. Cantata No. 17, ‘Wer Dank opfert, der preiset mich,’ BWV 17 (BC A131): Recitative. Es muss die ganze Welt…
22. Cantata No. 17, ‘Wer Dank opfert, der preiset mich,’ BWV 17 (BC A131): Aria. Herr, deine Güte reicht soweit…
23. Cantata No. 17, ‘Wer Dank opfert, der preiset mich,’ BWV 17 (BC A131): Recitative. Einer aber unter ihnen…
24. Cantata No. 17, ‘Wer Dank opfert, der preiset mich,’ BWV 17 (BC A131): Aria. Welch, Übermaß der Güte
25. Cantata No. 17, ‘Wer Dank opfert, der preiset mich,’ BWV 17 (BC A131): Recitative. Sieh meinen Willen an…
26. Cantata No. 17, ‘Wer Dank opfert, der preiset mich,’ BWV 17 (BC A131): Chorale. Wie sich ein Vat’r erbarmet

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