julho 2017 – Página: 4

Portuguese Polyphony
Ars Nova

Portugal was historically by no means isolated from the mainstream of European culture, although the earlier periods of Portuguese polyphony may be relatively little known. There were, nevertheless, monastic and ecclesiastical connections with other parts of Europe, and, of course, with Rome, while the proximity of Spain, most evident in the golden age of Portuguese polyphony, ensured that Portugal was part of the wider European tradition of polyphony, with an important fifteenth century centre in the Royal Chapel, reflected also in the music of cathedrals and choir-schools, notably, in the sixteenth century, at Évora.

Among the earlier of Portuguese composers to win a wider reputation, particularly in Spain, was Pedro de Escobar (c.1465-1535), convincingly identified by Robert Stevenson with Pedro do Porto or Pedro del Puerto, employed at the Spanish Royal Chapel of Queen Isabella I and later in Seville. His motet Clamabat autem mulier (But there cried out a woman) won considerable popularity, to be used by Gil Vicente in his play Auto da Cananea in 1534, arranged for solo vihuela by the Spanish composer Mudarra, and transported to the New World, notably to Guatemala, where two unattributed manuscripts of the work are found.

Palhinha: ouça 15. Clamabat autem mulier

Bartolomeo Trosylho (c.1500 – c.1567), his name variously spelt as Trosilho or Truxillo, was a singer in the Royal Chapel of Dom João III, becoming master of the chapel in 1548. Although the heading of the manuscript containing Circumdederunt me (My enemies have surrounded me) is pro defunctis trosylho (for the dead, Trosylho), the text is in fact the Introit for Septuagesima Sunday. Trosylho’s richly polyphonic setting is for four voices.

Manuel da Fonseca (fl.1540) is recorded as having been mestre da capela at the Cathedral of Braga in 1544. Betweeen 1542 and 1543 he seems to have been mestre da capela to the king’s son Dom Duarte and is chiefly known for his Liber Introitus, a copy of which, dated 1615, still survives in Braga. Beata viscera Mariae (Blessed be the womb of Mary) is not now an Introit in the Roman rite, though the first lines are used as the Communion verse for Mass on Feasts of the Blessed Virgin. It might be supposed that it was originally an Introit for a votive mass to Our Lady, perhaps in the Braga rite, which has now been discontinued following various liturgical reforms. It is based on the relevant plainchant in the bass, with the other three voices weaving a texture around its steady and even progress.

It was not until the beginning of the seventeenth century that the work of Portuguese polyphonic composers began to be known more widely. The most famous three, Duarte Lobo (c.1565-1646), Manuel Cardoso (1566-1650), and Filipe de Magalhães (c.1571-1652) were all pupils of Manuel Mendes (c.1547-1605) at Évora, an important cathedral and university city in eastern Portugal. All three also became very successful musicians after moving to the capital, Lisbon.

The youngest of the group, Filipe de Magalhães, was reputedly the favourite pupil of Mendes, whom he succeeded at Évora. He later moved to Lisbon, where he was choirmaster at the Misericórdia and master of music in the Royal Chapel. He is regarded as being a highly accomplished composer, capable of an unparalleled smoothness of polyphonic style and elegance of vocal line. This can be heard in his four-part Vidi aquam (l beheld the water), a piece to be sung during the procession and sprinkling of holy water at the beginning of Mass in Paschal time, and in his six-part Commissa mea pavesco (I tremble at my sins), a verse from the third responsory at Matins in the Office for the Dead.

The Mass O Soberana luz (O sovereign light), its title a possible reference to King Philip IV of Spain, was included in the Liber Missarum of Magalhães, published by Craesbeck in 1636. This publication begins with the setting of Vidi aquam and ends with Commissa mea pavesco. Although the first four notes of the tenor part in several movements of the Mass are identical with the plainsong Mass Cum jubilo, for feasts of the Blessed Virgin, the rest of the line is different. It is more probable that this is a parody Mass, derived from another composition, since the opening tenor theme is always presented with two descending lines in upper parts, often in thirds. These materials are variously treated, sometimes with contrasting material, but they can be clearly heard in the openings of the Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus, and Agnus Dei. Another feature of this Mass is the continued use of contrast between sections which use longer notes and those where the rhythms are much faster and livelier. This would point to a source, perhaps a lost villancico, where there might have been this kind of contrast, possibly between the copla (stanza) and the estribillo (refrain).

Duarte Lobo became mestre da capela at the Cathedral in Lisbon. Testimony to the wider popularity of his music may be seen in the publication of his music by Plantin in Antwerp, his Christmas Responsories in the Opuscula of 1602, followed by a book of sixteen Magnificats in 1605 and books of Masses in 1621 and 1639. Both Audivi vocem de caelo, (l heard a voice from Heaven), a six-voice setting of a verse and response for Lauds from the Office for the Dead, and Pater Peccavi (Father I have sinned) were included in the 1621 volume. Lobo remained the only one of the Évora composers to have his music printed by Plantin.

Frei Manuel Cardoso was born in Fronteira in 1566 and professed as a Carmelite friar in Lisbon in 1589. In 1605 he too completed a book of Magnificats and began a long period of correspondence with Plantin with a view to having this published in Antwerp. The fee demanded by Plantin, however, was too high and instead he gave the work to Peter Craesbeck, a former apprentice of Plantin, a printer now established in Lisbon. The book was eventually printed and published in 1613. Cardoso had connections with the Portuguese and Spanish royal families, with the future King Dom João IV possibly his pupil and later certainly his patron. One of the features of Cardoso’s style is his consistent use of augmented chords, particularly in four-part writing. Most scholars see this as an absorption of Baroque harmonic practice into sixteenth century style. Two eariy instances can be heard in the six-part Magnificat Secundi Toni at the words (salu)ta(ri meo). Although the final Sicut erat (As it was in the beginning) has no instances of a full augmented chord, every other movement has at least one, and there are no fewer than nine in the four-part Esurientes (He has filled the hungry).

in 1648, Craesbeck printed Cardoso’s Livro de Varios Motetes, consisting mainly of pieces for the Holy Week liturgy. The Lamentatio on the present recording is the second Lesson for Matins (1st Nocturn) on Maundy Thursday. Cardoso’s setting for six voices uses only the Vau and Zain verses, omitting those given as Heth and Teth. The work concludes with Jerusalem, Jerusalem, convertere ad Dominum Deum tuum (Jerusalem, Jerusalem, turn to thy Lord).

Ars Nova

The vocal group Ars Nova is one of the most distinguished chamber choirs in Scandinavia in the field of early and new music. The twelve singers of the choir and the director Bo Holten have produced a series of internationally acclaimed compact discs and have given more than 650 concerts and broadcasts in Scandinavia, the rest of Europel Israel and Japan. The group was founded in 1979. Since 1990 Ars Nova has been the first professional choir in Denmark fully financed by private sponsors and foundations. These are Bikuben Bank and the Danish Ministry of Cultural Affairs and Foundation of Culture.

Ars Nova has been a pioneer in the performance of the work of Renaissance composers and in the field of modern music has concentrated its attention on compositions of the last 25 years, with work by distinguished Scandinavian composers as well as performing some 120 new works by composers such as Górecki, Pärt and Takemitsu. In 1991 the choir won the Danish Grammy Award for its recording of sacred music by Nicolas Gombert and in 1992 a Diapason d’or gold medal in France for the best classical compact disc, a recording of motets and chansons by Josquin des Prez.
(extraído do encarte)

Portuguese Polyphony
Frei Manuel Cardoso (Portugal, 1566-1650)/Bible – Old Testament
01. Lamentatio
Frei Manuel Cardoso (Portugal, 1566-1650)
02. Magnificat secundi toni
Duarte Lôbo (Portugal, c1565-1646; Latinized as Eduardus Lupus)
03. Audivi vocem de caelo
04. Pater peccavi
Filipe de Magalhães (Portugal, c1571-1652)
05. Vidi aquam
Filipe de Magalhães (Portugal, c1571-1652)/Mass Text
06. Missa O Soberana luz 1. Kyrie
07. Missa O Soberana luz 2. Gloria
08. Missa O Soberana luz 3. Credo
09. Missa O Soberana luz 4. Sanctus
10. Missa O Soberana luz 5. Benedictus
11. Missa O Soberana luz 6. Agnus Dei
Filipe de Magalhães (Portugal, c1571-1652)
12. Commissa mea pavesco
Manuel da Fonseca (fl.1540)
13. Beata viscera
Bartolomeo Trosylho (c.1500-c.1567)
14. Circumdederunt me
Pedro de Escobar (c.1465–after 1535), a.k.a. Pedro do Porto
15. Clamabat autem mulier

Portuguese Polyphony – 1992
Vocal group Ars Nova
Bo Holten, director
Recorded at Kastelskirken, Copenhagen, on 10th and 12th October 1992

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE (com encarte)
MP3 320 kbps – 149,5 MB – 1,0 h
powered by iTunes 10.4.1

Boa audição.

Avicenna

In de Falla, Manuel, Ravel, Maurice

Ravel: Os Concertos para Piano // de Falla: Noites nos Jardins da Espanha

pqpbach7 de julho de 201723 de junho de 2017Leave a comment

Mais uma maravilha vinda da grande Hyperion. Vamos relembrar o excelente texto de Adriano Brandão para o Concerto em Sol Maior (G Major) de Ravel ?

Chicotada! Marchinha de soldadinho de chumbo! Jazz!

Não, eu não fiquei maluco. É mais ou menos esse o esquema da exposição do primeiro movimento do famoso Concerto para piano em sol maior de Maurice Ravel, obra de 1931. O maluco, no caso, é ele 🙂

Ravel compôs dois concertos para piano e orquestra. O primeiro foi uma peça para ser tocada somente com a mão esquerda, em ré maior. Pouco tempo depois Ravel teve a ideia para um segundo concerto, para as duas mãos, fortemente influenciado pelo jazz americano.

Vale lembrar que o jazz estava na moda na França no anos 20 e 30. Gershwin mesmo esteve em Paris em 1928 e fez muito sucesso com sua “Rhapsody in blue“. O resultado é que vários compositores de concerto, como Poulenc e Milhaud, incorporaram tiques jazzísticos a suas obras.

Ravel não ficou imune, é claro. Seu primeiro contato com o jazz foi com as diversas bandinhas de New Orleans que visitavam Paris e depois nos EUA mesmo (quando conheceu Gershwin). Em 1927 ele já havia escrito sua Sonata para violino, com um movimento inteiro chamado “Blues”. O caminho para este Concerto em sol já havia sido traçado.

Chicotada! Marchinha de soldadinho de chumbo! Jazz! A mistura do primeiro movimento é tão inusitada e funciona muitíssimo bem. As milhares de blue notes, com seu som tão típico, são as responsáveis pela cor predominantemente jazzística do movimento. E o solo de piano nunca, nunca deixa de lembrar o da “Rhapsody in blue”…

É muito legal, mas arrisco dizer que é mesmo o segundo movimento que deixa a impressão mais duradoura no ouvinte. Nada de jazz – é um adagio de tranquilidade absoluta, no qual o solista derrama lirismo sobre a paisagem estática fornecida pela orquestra. É de uma simplicidade e uma beleza inacreditáveis! Vários outros compositores tentaram roubar-lhe o molde: penso imediatamente no americano Samuel Barber, mas tem também Camargo Guarnieri, o português Lopes Graça… Ravel criou aqui o formato do moderno movimento lento de concerto.

A obra termina com um moto-perpétuo curtinho e mega virtuosístico, agora sim cheio de jazz. Ele consegue nos colocar de volta em solo firme após o movimento lento de sonho. E termina, sem muita cerimônia. Essa brevidade é esquisita de início, mas, sei lá, acho que faz sentido. Eu não conseguiria imaginar a graça de um finale muito elaborado após tamanha beleza. Chicotada! Pá pum! Tinha que terminar assim mesmo 🙂

Ravel: Os Concertos para Piano // de Falla: Noites nos Jardins da Espanha

Maurice Ravel (1875-1937) — Piano Concerto in G major [21’37]
1 Allegramente [8’18]
2 Adagio assai [9’24]
3 Presto [3’55]

Manuel de Falla (1876-1946) — Noches en los jardines de España G49 [23’11]
4 En el Generalife [10’01]
5 Danza lejana [4’45]
6 En los jardines de la Sierra de Córdoba [8’25]

7 Maurice Ravel (1875-1937) — Piano Concerto for the left hand in D major [18’13]

Steven Osborne (piano)
BBC Scottish Symphony Orchestra
Ludovic Morlot (conductor)

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PQP

In -Acervo PQPBach de Música Colonial e Imperial Brasileira, -Artigos

Mestre Ataíde, o pintor da música: uma leitura artística e histórica de sua obra

bisnaga7 de julho de 20174 de julho de 201711 Comments

185 anos de falecimento do Mestre Ataíde, o pintor da música!

Manuel da Costa Ataíde (Mariana, bat. 18/10/1762 – 02/02/1830), mais conhecido como Mestre Ataíde, foi o mais exuberante decorador brasileiro do final do século XVIII e início do século XIX, que trabalhou bastante com o mestre Aleijadinho (Antônio Francisco Lisboa). Nasceu em Mariana em data desconhecida (mas foi batizado em 18 de outubro de 1762) e morreu na mesma cidade em 2 de fevereiro de 1830, ou sejá, há exatos 185 anos. Provavelmente foi branco, mas notabilizou-se como “nativista”, ou seja, retratou com frequência o tipo humano afrodescendente em meio às cenas bíblicas e celestes nas igrejas onde trabalhou.

Mestre Ataíde deixou suas extraordinárias pinturas em Ouro Preto, Mariana, Ouro Branco, Itaverava, Catas Altas, Santa Bárbara, Congonhas e Caraça. Entre essas obras, destaca-se um detalhe muito interessante para a área da música, que é a presença dos inúmeros anjos músicos e de suas partes musicais. Presentes nas igrejas de São Francisco de Ouro Preto, São Francisco de Mariana, matriz de Ouro Branco, matriz de Itaverava, matriz de Catas Altas e matriz de Santa Bárbara.

Nessas pinturas, os anjos tocam os instrumentos que estavam em uso na época, e exibem partes musicais, sendo um excelente testemunho da prática musical da época.

Ataíde tinha conhecimentos musicais suficientes para isso. Seu inventário demonstra que teve em casa um cravo, o que sugere que sua relação com a prática musical teria siso maior do que apenas sua descrição em pinturas.

O sistema de trabalho em grupo, bem como o de ensino e aprendizagem da arte praticada por Ataíde era o mesmo sistema usado pelos músicos, ou seja, o mestre concebia ou compunha as obras, os seus oficiais a executavam e os discípulos trabalhavam em funções auxiliares ou periféricas, aprendendo o ofício durante o trabalho, junto com os mais experientes.

Protagonizado pelo nosso querido José Arnaldo de Lima (1956-2013), um ano antes de seu falecimento, diretamente nas oito igrejas ou santuários onde estão as obras de Ataíde, o documentário “Sob o Ceu de Ataíde”, da série “Bem Cultural”, gravado pela Rede Minas em 2012, usa como trilha sonora o repertório e as gravações do Museu da Música de Mariana e encontra-se disponível em:

Valeu, seu Manuel, é uma enorme alegria passar todos os dias em frente à sua casa e às suas pinturas!

Texto do musicólogo Prof. Paulo Castagna, e publicado no Facebook do Museu da Música de Mariana

Disponibilizamos abaixo um link para download do documentário ‘Sob o céu de Ataíde’, muito útil e didático para escolas, faculdades, historiadores, estudiosos e interessados:

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE – Alta Resolução
MP4 – 745,2 MB – 54 min

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE – Baixa Resolução
MP4 – 287,5 MB – 54 min

Um abraço,

Avicenna

In -Acervo PQPBach de Música Colonial e Imperial Brasileira, -Modinhas e Lundus Antigos, -Música Colonial e Imperial Brasileira, Carvalho, J. Campos, Carvalho, Vicente de, Castro Alves, Antonio Frederico, Chiquinha Gonzaga, Crespo, Gonçalves, Fábregas, Salvador, Lyra, Abdon, Passos, Guimarães, Pavão, Ary Machado, Pereira, Pedro de Sá, Pestana, Miguel Emilio, Redondo, Jaime, Tavares, Aldemar

Modinhas: Grupo de Serestas “João Chaves”, de Montes Claros, MG (AcervoPQPBach)

bisnaga7 de julho de 20174 de julho de 20175 Comments

Modinha
Grupo de Serestas “João Chaves”
Montes Claros, MG

“Modinha” é um diminutivo de “moda”, tipo mais antigo de canção portuguesa. Mário de Andrade, em “Modinhas Imperiais”, escreveu: “É jeito luso-brasileiro acarinhar tudo com diminutivos. A palavra modinha nasceu assim”. Assim, também, por razoes de carinho, de choro nasceu “chorinho”. Mas deserdada do afeto da gente, permanece a expressão “moda”, como em “moda de viola”.

Modinha é, pois, canção. Canção é a música produzida pelo mais perfeito instrumento musical jamais inventado que é a voz humana. Ele não tem cravelhas, nem registros, nem pavilhão. Também não tem pedal, nem necessita afinador. Ou antes, tudo isso está dentro do peito, como diria um modinheiro, que é o cantador de modinhas.

A modinha brasileira viajou para Portugal e, a partir de 1775, o poeta e violeiro brasileiro Domingos Caldas Barbosa ‘aparece cantando suas modinhas em Lisboa e observadores e viajantes estrangeiros, como o francês Link,ressaltam a superioridade das modinhas brasileiras em comparação às portuguesas.

Com a corte do Príncipe D.João, a partir de 1808, a modinha de salão voltou ao Brasil. Dali, no século XIX, desceu para a rua, refugiou-se nos becos sob a luz dos lampiões. “Na pausa das vozes, o bater dos corações”. Essa liberdade e este espaço novo ela ganhou pelas mãos dos seresteiros e trovadores.

Poetas e compositores famosos, como Castro Alves e Carlos Gomes, compuseram modinhas. A formação tradicional compõe-se de coro misto e solistas, com acompanhamento de violão, bandolim e flauta. A redescoberta de valores brasileiros no campo da música está revivendo a modinha. Em 1974, dedicamos espaço largo à modinha na coleção de nosso selo ” Música Popular do Centro-Oeste/Sudeste ” e confiamos a interpretação à Nara Leão e Renato Teixeira e os arranjos a Theo de Barros. Lá está entre outras, “Amo-te muito”, de João Chaves, patrono do grupo que gravou este disco.

A modinha refugiou-se e resistiu em Minas Gerais. Ela é tão mineira quanto o queijo e o silêncio. Há quatro anos atrás, recebi de Dr. Hermes de Paula um álbum com tres discos gravados pelo grupo de Serestas “João Chaves” de Montes Claros. Ouvi-os na tarde de um dia em que via-jei para Cannes, para participar do “Midem”. Desembarquei em Paris assobiando modinhas, provocando espanto, emoção e inveja em vários franceses, porque a França não tem modinhas, só tem queijos. Desde então, pretendia gravar um disco com o grupo “João Chaves”.

E a oportunidade surgiu há pouco, está aí o disco. Gravamos em estúdio, mas o clima era de serenata. O grupo, que é amador, formou-se em 1967. Mas seus componentes já cantavam todos, herdeiros de uma fortuna imensa legada pelos avós que lhes transferiram, intocado, um baú que guarda as tradições de Minas Gerais.

Um médico do sertão, Dr.Hermes de Paula, organizou e mantém coeso o grupo. Durante a gravação, deixou o estúdio para ir comprar soro anti-escorpiônico para sua clinica de medicina frequentemente gratuita. Dr. Hermes pesquisa também cultura popular. Reuniu, por exemplo, 200 cantigas de roda de sua terra e do norte de Minas. Viaja para prevenir epidemias, tratar os pobres, recolher e registrar o que conserva ainda o espírito do povo sofrido daquele pedaço do Brasil. Dr.Hermes é uma espécie de governo e padre que tenta salvar o corpo e alma dos seus conterrâneos sertanejos.

A ele ofereço a parte que me coube neste trabalho. E encerro, como ele encerrou o texto de contra-capa do álbum anteriormente gravado;
“E agora, silêncio. Montes Claros vai cantar”

(Marcus Pereira, extraído da contra-capa)

Modinhas
Domínio Público
01. Perdão, Emília
Castro Alves (Bahia, 1847-1871) & Salvador Fábregas (Rio de Janeiro c.1820 – 1880)
02. O gondoleiro do amor
Vicente de Carvalho (Santos, 1866-1924)
03. Ave ferida
Jaime Redondo (S. Paulo, 1890-1952)
04. Saudade
Chiquinha Gonzaga (Rio deJaneiro, 1847-1935)
05. Lua Branca
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Domínio Público
06. Elvira escuta
Abdon Lyra (També, PE, 1888 – Rio de Janeiro,1962) & Adelmar Tavares (Recife, 1888 – Rio de Janeiro, 1963)
07. Stella
Guimarães Passos & Miguel Emilio Pestana
08. Na casa branca da serra
Gonçalves Crespo (Rio de Janeiro, 1846 – Lisboa, 1883)
09. Acorda, minha beleza
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Pedro de Sá Pereira (Porto Alegre, 1892 – ?, 1955) & Ary Machado Pavão
10. Chuá, chuá

Modinhas – 1978
Grupo de Serestas “João Chaves”, de Montes Claros

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XLD RIP | FLAC 251,2 MB | HQ Scans 4,2 MB |

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MP3 320 kbps – 93,7 + 4,2 MB – 41,4 min
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Um LP do acervo do musicólogo Prof. Paulo Castagna. Não tem preço !!!
Digitalizado por Avicenna

Boa audição.

Avicenna

In Bach, J. S.

Johann Sebastian Bach (1685-1750): 6 Favourites Cantatas BWV 147, 80, 8, 140, 51 e 78

pqpbach6 de julho de 201722 de junho de 20172 Comments

Não dá para considerar, ao menos do ponto de vista artístico, a Cantata BWV 147 como uma das favoritas — ela o é apenas do ponto de vista comercial. Talvez nem a BWV 8, mas as outras estão OK. Muito OK. Extremamente OK. Não há como não ouvir o grande Joshua Rifkin mandando bala em Cantatas de Bach. E estamos em um alto nível de interpretação. Os cantores são notáveis, é Bach legítimo em seu mundo perfeito de Cantatas. Destaque para a alegria da Wir Eilen Mit Schwachen (Cantata BWV 78), uma de minha árias preferidas of all time.

Johann Sebastian Bach (1685-1750) – 6 Favourites Cantatas BWV 147, 80, 8, 140, 51 e 78

DISCO 01

1-01 Bach_ Cantata #147, BWV 147, _Herz Und Mund Und Tat Und Leben_ – 1.Herz Und Mund Und Tat Und Leben
1-02 Bach_ Cantata #147, BWV 147, _Herz Und Mund Und Tat Und Leben_ – 2. Gebenedeiter Mund!
1-03 Bach_ Cantata #147, BWV 147, _Herz Und Mund Und Tat Und Leben_ – 3. Schäme Dich, O Seele, Nicht
1-04 Bach_ Cantata #147, BWV 147, _Herz Und Mund Und Tat Und Leben_ – 4. Verstockung Kann Gewaltige Verblenden
1-05 Bach_ Cantata #147, BWV 147, _Herz Und Mund Und Tat Und Leben_ – 5. Bereite Dir, Jesu
1-06 Bach_ Cantata #147, BWV 147, _Herz Und Mund Und Tat Und Leben_ – 6. Wohl Mir, Dass Ich Jesum Habe
1-07 Bach_ Cantata #147, BWV 147, _Herz Und Mund Und Tat Und Leben_ – 7. Hilf, Jesu, Hilf
1-08 Bach_ Cantata #147, BWV 147, _Herz Und Mund Und Tat Und Leben_ – 8. Der Höchsten Allmacht Wunderhand
1-09 Bach_ Cantata #147, BWV 147, _Herz Und Mund Und Tat Und Leben_ – 9. Ich Will Von Jesu Wundern Singen
1-10 Bach_ Cantata #147, BWV 147, _Herz Und Mund Und Tat Und Leben_ – 10. Jesu Bleibet Meine Freude

1-11 Bach_ Cantata #80, BWV 80, _Ein Feste Burg Ist Unser Gott_ – 1. Ein Feste Burg Ist Unser Gott
1-12 Bach_ Cantata #80, BWV 80, _Ein Feste Burg Ist Unser Gott_ – 2. Alles, Was Von Gott Geboren
1-13 Bach_ Cantata #80, BWV 80, _Ein Feste Burg Ist Unser Gott_ – 3. Erwäge Doch, Kind Gottes
1-14 Bach_ Cantata #80, BWV 80, _Ein Feste Burg Ist Unser Gott_ – 4. Komm In Mein Herzenshaus
1-15 Bach_ Cantata #80, BWV 80, _Ein Feste Burg Ist Unser Gott_ – 5. Und Wenn Die Welt Voll Teufel Wär
1-16 Bach_ Cantata #80, BWV 80, _Ein Feste Burg Ist Unser Gott_ – 6. So Stehe Denn Bei Christi Blutgefärbten Fahne
1-17 Bach_ Cantata #80, BWV 80, _Ein Feste Burg Ist Unser Gott_ – 7. Wie Selig Sind Doch Die
1-18 Bach_ Cantata #80, BWV 80, _Ein Feste Burg Ist Unser Gott_ – 8. Das Wort Sie Sollen Lassen Stahn

1-19 Bach_ Cantata #8, BWV 8, _Liebster Gott, Wenn Werd’ Ich Sterben__ – 1. Liebster Gott Wann Werd Ich Sterben
1-20 Bach_ Cantata #8, BWV 8, _Liebster Gott, Wenn Werd’ Ich Sterben__ – 2. Was Willst Du Dich
1-21 Bach_ Cantata #8, BWV 8, _Liebster Gott, Wenn Werd’ Ich Sterben__ – 3. Zwar Fuhlt Mein Schwaches Herz
1-22 Bach_ Cantata #8, BWV 8, _Liebster Gott, Wenn Werd’ Ich Sterben__ – 4. Doch Weichet, Ihr Tollen, Vergeblichen Sorgen!
1-23 Bach_ Cantata #8, BWV 8, _Liebster Gott, Wenn Werd’ Ich Sterben__ – 5. Behalte Nur, O Welt, Das Meine!
1-24 Bach_ Cantata #8, BWV 8, _Liebster Gott, Wenn Werd’ Ich Sterben__ – 6. Herrscher Ueber Tod Und Leben

DISCO 02

2-01 Bach_ Cantata #140, BWV 140, _Wachet Auf, Ruft Uns Die Stimme_ – 1. Wachet Auf, Ruft Uns Die Stimme
2-02 Bach_ Cantata #140, BWV 140, _Wachet Auf, Ruft Uns Die Stimme_ – 2. Er Kommt, Er Kommt, Der Brautigam Kommt
2-03 Bach_ Cantata #140, BWV 140, _Wachet Auf, Ruft Uns Die Stimme_ – 3. Wann Kommst Du, Mein Heil
2-04 Bach_ Cantata #140, BWV 140, _Wachet Auf, Ruft Uns Die Stimme_ – 4. Zion Hoert Die Waechter Singen
2-05 Bach_ Cantata #140, BWV 140, _Wachet Auf, Ruft Uns Die Stimme_ – 5. So Geh Herein Zu Mir
2-06 Bach_ Cantata #140, BWV 140, _Wachet Auf, Ruft Uns Die Stimme_ – 6. Mein Freund Ist Mein
2-07 Bach_ Cantata #140, BWV 140, _Wachet Auf, Ruft Uns Die Stimme_ – 7. Gloria Sei Dir Gesungen

2-08 Bach_ Cantata #51, BWV 51, _Jauchzet Gott In Allen Landen_ – 1. Jauchzet Gott In Allen Landen
2-09 Bach_ Cantata #51, BWV 51, _Jauchzet Gott In Allen Landen_ – 2. Wir Beten Zu Dentempel An
2-10 Bach_ Cantata #51, BWV 51, _Jauchzet Gott In Allen Landen_ – 3. Höchster, Mache Deine Güte
2-11 Bach_ Cantata #51, BWV 51, _Jauchzet Gott In Allen Landen_ – 4. Sei Lob Und Preis Mit Ehren
2-12 Bach_ Cantata #51, BWV 51, _Jauchzet Gott In Allen Landen_ – 5. Alleluja

2-13 Bach_ Cantata #78, BWV 78, _Jesu, Der Du Meine Seele_ – 1. Jesu, Der Du Meine Seele
2-14 Bach_ Cantata #78, BWV 78, _Jesu, Der Du Meine Seele_ – 2. Wir Eilen Mit Schwachen
2-15 Bach_ Cantata #78, BWV 78, _Jesu, Der Du Meine Seele_ – 3. Ach! Ich Bin Ein Kiind Der Suenden
2-16 Bach_ Cantata #78, BWV 78, _Jesu, Der Du Meine Seele_ – 4. Das Blut, So Meine Schuld Durchstreicht
2-17 Bach_ Cantata #78, BWV 78, _Jesu, Der Du Meine Seele_ – 5. Die Wunden, Naegel, Kron Und Grab
2-18 Bach_ Cantata #78, BWV 78, _Jesu, Der Du Meine Seele_ – 6. Nun Du Wirst Mein Gewissen Stillen
2-19 Bach_ Cantata #78, BWV 78, _Jesu, Der Du Meine Seele_ – 7. Herr, Ich Glaube, Hilf Mir Schwachen

The Bach Ensemble
Joshua Rifkin, direção

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PQP

In Charpentier, Marc-Antoine, Dunstaple, John, Lassus, Orlando de, Mazzocchi, Domenico, Palestrina, Giovanni Pierluigi da, Purcell, Henry, Schütz, Heinrich, Tomkins, Thomas, Walton, William, Willian, Healey

Les Voix Baroques – Canticum Canticorum (Cântico dos Cânticos do Rei Salomão)

bisnaga6 de julho de 20173 de julho de 20177 Comments

Cântico dos Cânticos: clérigos promovem as canções como uma representação alegórica da relação de Deus e Israel como marido e mulher. Quando lidas fora do contexto, as canções revelam uma coleção erótica, se não singularmente carnal de poesia de amor. Esta dicotomia entre o sagrado e o carnal nos Cântico dos Cânticos tem sido um dos temas favoritos entre os compositores desde a Renascença.

O livro de Cântico dos Cânticos, também chamado de Cantares, Cântico Superlativo, ou Cântico de Salomão, faz parte dos livros poéticos do Antigo Testamento, vem depois de Eclesiastes e antes do livro de Isaías. Representa, em hebraico, uma fórmula de superlativo; significa o mais belo dos cânticos, Cântico por Excelência ou o cântico maior. É um canto poético curto, com somente 8 capítulos.

De acordo com o título em 1.1, o Cântico dos Cânticos foi escrito por Salomão, filho do Rei Davi. Pode-se dizer que é “de Salomão”, pois a expressão hebraica “de Salomão”(1.1) pode ser traduzida “de” Salomão (como o seu autor) ou “para Salomão (como a pessoa à qual o livro é dedicado). A opinião tradicional entre judeus é a de que Salomão foi o seu autor (Cf. 1Rs.4.32), para os católicos este livro pertence ao agrupamento dos Sapienciais, que condensam a sabedoria infundida por Deus no povo de Israel. Como pertence ao grupo dos sapienciais, recebe como autor a figura simbólica de Salomão, o modelo da sabedoria em Israel, tem sua escrita estimada por volta do ano 400 a.C, e constitui-se de uma coletânea de hinos nupciais.

Por ser um poema escrito em uma linguagem considerada sensual, sua validade como texto bíblico já foi questionado ao longo dos tempos. O poema fala do amor entre o noivo e sua noiva. O nome de Deus só aparece nele de forma abreviada, em 8,6, “uma chama de Iah(weh)”[6]. A interpretação alegórica, segundo a qual o amor de Deus por Israel e o do povo por seu Deus são representados como as relações entre dois esposos, tornou-se comum entre os judeus a partir do séc. II DC, tal interpretação tem paralelo no tema da alegria nupcial que os profetas desenvolveram a partir de Oséias.

O Cântico dos Cânticos ou Shir há´Shirim, além das inúmeras interpretações que recebeu ao longo dos séculos, é um dos mais belos poemas de amor já escritos. Seus protagonistas são uma amada e seu amado. A menção do amado como rei e pastor pode ser uma alusão à tradição judaica que, durante o casamento, considera o noivo um rei e a noiva uma rainha. Ao longo do texto, eles dialogam entre si ou com um coro e, apesar de o original não diferenciar explicitamente o que dizem ele e ela, é possível deduzir a qual deles pertence cada palavra pela diferente flexão que têm o masculino e o feminino em hebraico. O aparecimento do protagonista “coro” também parece apontar para uma influência grega.

Les Voix Baroques, sob a direção do fundador Matthew White, reuniu 16 músicas, todas inspiradas nos Cânticos dos Cânticos, que vão desde John Dunstable do século 15 para Sir William Walton do século 20, abrangendo a Inglaterra medieval, a Itália renascentista, o barroco da Alemanha e França, e o Canadá e Inglaterra do século 20. O grupo agilmente desenvolve cada um dos períodos da música coral com instrumentos e estilos de época.

(textos retirados da internet)

O Cântico começa com as palavras da amada:
Beija-me com beijos de tua boca,
Teus amores são melhores do que o vinho;
O alento do teu corpo me embriaga
E pronunciar teu nome desperta fragrâncias que impregnam tudo.
Por isso te amam as donzelas.

Leva-me contigo; corramos ao teu quarto e gozemos com alegria.
Evocar tuas carícias embriaga mais do que o vinho.
Com razão se enamoram de ti.
Filhas de Jerusalém, sou morena, mas sou graciosa;
Morena como as tendas do deserto,
Cheia de graça como os pavilhões do rei.

Não me negligencies por eu ser morena,
É que o sol me queima.
Dize-me, amor, onde vais apascentar teu rebanho e onde descansas ao meio-dia
Para que, buscando-te, eu não me extravie entre os rebanhos de teus companheiros.

Ao que ele responde:
Se não sabes onde me encontrar, bela entre as donzelas, segue as pisadas do meu rebanho e leva teu rebanho a pastar junto às tendas dos pastores.
Oh, bela, minha amada, tens a prestância dos corcéis do faraó.
Que delicado é teu rosto ornado por teu cabelo! Que graça tem teu pescoço com os colares!

E ela replica:
O perfume do meu corpo vai atrás do meu amado aonde quer que vá.
Quando descansa entre meus seios, ele é para mim uma porção de lavanda, um punhado de ervas aromáticas.

E ele:
Que bela és, amada, que bela! Teus olhos são pombas de serenidade e graça.

E, finalmente, responde ela:
Que belo és, amor! Que prazer! No campo temos estendido nossa cama, os ramos dos ciprestes são nosso telhado e os cedros são as colunas de nossa casa.
(Tradução de Eziel Belaparte Percino)

Palhinha: ouça 03 – Symphoniae sacrae, Op. 6: Anima mea liquefacta est, SWV 263

Canticum Canticorum
Orlando de Lassus (Franco-Flemish, 1532/1530-1594)
01 – Veni in hortum meum
Giovanni Pierluigi da Palestrina (c.1525-1594)
02 – Osculetur me osculo oris sui
Heinrich Schütz (Germany, 1585-1672)
03 – Symphoniae sacrae, Op. 6: Anima mea liquefacta est, SWV 263
04 – Symphoniae sacrae, Op. 6: Adjuro vos, filiae, SWV 264
Domenico Mazzocchi (Italy, 1592-1665)
05 – Dialogo della cantica
Healey Willian (Anglo-Canadian, 1880-1968)
06 – Rise up, my love, my fair one, B 314
07 – I beheld her beautiful as a dove, B 312
Sir William Walton (England, 1902-1983)
08 – Set me as a seal upon thine heart
Thomas Tomkins (England, 1572-1656)
09 – My beloved spake unto me
Heinrich Schütz (Germany, 1585-1672)
10 – Cantiones sacrae, Op. 4: Ego dormio, et cor meum, SWV 63
11 – Cantiones sacrae, Op. 4: Vulnerasti cor meum, SWV 64
Marc-Antonie Charpentier (France, 1643-1704)
12 – Dilecti mi, H 436
Marin Marais (France, 1656-1728)
13 – Passacaille
Marc-Antonie Charpentier (France, 1643-1704)
14 – Antienne pour les Vêpres de l’Assomption de la vierge: Après Lauda Jerusalem Dominum, H 52
John Dunstaple (or Dunstable) (England, c.1390 – 1453)
15 – Quam pulchra es, MB 44
Henry Purcell (England, 1659-1695)
16 – My beloved spake, Z 28

Canticum Canticorum – 2007
Les Voix Baroques
Director: Matthew White

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Boa audição.

Avicenna

In -Acervo PQPBach de Música Colonial e Imperial Brasileira, -Música Colonial e Imperial Brasileira, Portugal, Marcos

Marcos Portugal – Choral Music: Vésperas de Nossa Senhora & Missa a quatro – Ensemble Turicum (Acervo PQPBach)

bisnaga6 de julho de 20173 de julho de 20172 Comments

Marcos Portugal (1762- 1830)
Vésperas de Nossa Senhora in C major
Missa a quatro in F major
Ensemble Turicum

O compositor luso-brasileiro Marcos Antonio Portugal (1762-1830) ficou bem conhecido em seu próprio tempo por suas cerca de cinquenta óperas, mas atualmente ele é raramente lembrado. Além de de um grande número de óperas, ele também compôs mais de 160 obras corais religiosas. As duas obras aqui em suas primeiras apresentações em tempos modernos ilustram o seu estilo clássico conservador, bem como revelam as influências da ópera em sua música sacra. A ausência de vozes femininas no coro e violinos na orquestra trazem uma inesperada tonalidade escura. (traduzido livremente de http://www.ensembleturicum.ch/tur/page2.html)

Marcos Antonio Portugal da Fonseca (Portugal, 1762-Rio, 1830)
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01. Vesper of Our Lady – Sonata in G major
02. Vesper of Our Lady – Dixit Dominus
03. Vesper of Our Lady – Laudate pueri
04. Vesper of Our Lady – Minuette in Eb major
05. Vesper of Our Lady – Laetatus sum
06. Vesper of Our Lady – Nisi Dominus
07. Vesper of Our Lady – Lauda Jerusalem
08. Vesper of Our Lady – Fantasia in Eb major
09. Vesper of Our Lady – Magnificat
[soundcloud url=”https://api.soundcloud.com/tracks/183283136″ params=”color=ff5500&auto_play=false&hide_related=false&show_comments=true&show_user=true&show_reposts=false” width=”100%” height=”166″ iframe=”true” /]
10. Mass in F major – Sinfonia (From Aratserse) in D major
11. Mass in F major – Kyrie
12. Mass in F major – Gloria
13. Mass in F major – Laudamus te
14. Mass in F major – Gratias
15. Mass in F major – Dominus Deus
16. Mass in F major – Qui tollis
17. Mass in F major – Qui sedes
18. Mass in F major – Quoniam
19. Mass in F major – Cum Sancto Spiritu

Marcos Portugal – Choral Music – 2005
Ensemble Turicum

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Boa audição.

Avicenna

In Debussy, Claude

Claude Debussy (1862-1918): Suite bergamasque, Pour le piano, L’Isle joyeuse, Children’s corner, La plus que lente, 4 Prelúdios, 4 Estudos, etc

Pleyel5 de julho de 201724 de junho de 2017Leave a comment

Prosadores: Flaubert, Edgar Allan Poe
Poeta: Baudelaire
Pintores e músicos: Botticelli, Gustave Moreau, Palestrina, Bach, Wagner
Comida e bebida: culinária russa, café
Aversões: diletantes, mulheres belas demais
Para qual falha tens mais indulgência: falhas de harmonia

Questionário respondido por Debussy em 1889

Em 1889 dois eventos importantes acontecem: Debussy vai a Bayreuth pela segunda e última vez, admirando ainda a música de Wagner, mas já começando a se opor à estética grandiloquente do romantismo tardio alemão. E, em Paris, acontece a Exposição Universal (para a qual a torre Eiffel foi criada) onde Debussy passou muitas horas atento às melodias não ocidentais e à polirritmia percussiva da música do extremo-oriente.

Instrumentos de Java (atual Indonésia) que deixaram Debussy louquinho

As primeiras obras importantes de Debussy foram compostas a partir de 1889. Hoje trago dois grandes pianistas do século passado, tocando obras que vão das primeiras relevantes de Debussy (Arabesques, 1890-91, Suite Bergamasque, 1890-1905) até alguns dos Estudos (1915) que representam a última fase de Debussy, a mais revolucionária de todas.

Achei necessário juntar o alemão Walter Gieseking (1895–1956) e o francês Samson François (1924–1970) para dar uma ideia da diversidade de interpretações possíveis. Samson François foi aluno de Alfred Cortot, Marguerite Long e Yvonne Lefébure em Paris, se inscrevendo na tradição francesa de piano, que considerava o trabalho sobre a sonoridade mais importante do que a perfeição técnica. Algo impensável nos concursos de piano atuais, é claro. Assim como Cortot, François usava alguns rubatos em Chopin que hoje em dia seriam considerados errados pelos especialistas de plantão*. Seu Debussy também tem bastante rubato em alguns momentos mais expansivos, como na suíte Pour le Piano. A valsa La plus que lente, por exemplo, tem a indicação de tempo: Lent (Molto rubato con morbidezza) – Lento (Muito rubato com suavidade). Comparar as gravações dessa obra por Gieseking e Samson François é comparar dois tipos de rubato e duas visões de mundo.

O CD que finalmente trouxe à era digital o Debussy de Samson ganhou o Preis der deutschen Schallplattenkritik (Prêmio da crítica discográfica alemã). O encarte do CD diz: “As gravações de 1961 são dominadas por uma Isle Joyeuse deslumbrante, como iluminada pelo sol de meio-dia, e por uma versão dionisíaca de Pour le piano, mostrando como o toque de Samson renova consideravelmente a visão impressionista unanimemente praticada desde as justamente lendárias gravações de Walter Gieseking. Com essas gravações podemos sentir como o Debussy de Samson era ao mesmo tempo pessoal e natural. Nada parece calculado.” Samson François gravou mais Debussy entre 1968 e 1970: as Imagens, os Prelúdios, mas nessas gravações já se escuta o declínio do artista que viria a morrer jovem.

Gieseking era daqueles pianistas com uma memória sobrehumana: tocava todas as sonatas de Beethoven e de Mozart, muito Scriabin, todo o piano de Ravel e Debussy, e é por esse último que ele é mais lembrado até hoje. Para a Gramophone:

Em primeiro lugar, há a sonoridade de Gieseking, de tal delicadeza e variedade que pode complementar o desejo espirituoso e irônico de Debussy de escrever música “para um instrumento sem martelos”

Ninguém (nem mesmo Cortot) capturou em Children’s Corner o sentido de uma terra perdida e encantada, da infância revivida através de lágrimas e risos adultos.

*Neuhaus, russo, professor de Richter e Gilels, dizia: “Rubare é o italiano para roubar e se você roubar o tempo sem devolvê-lo logo depois, você é um ladrão”. Cortot discordava: “Rubato não significa ‘emprestado’. O roubo está implícito”.

Debussy: Shorter Piano Works (Walter Gieseking) (1951-54)

Suite Bergamasque (1890-1905)
1. Prélude (Moderato, tempo rubato)
2. II. Menuet (Andantino)
3. III. Clair de lune (Andante très expressif)
4. IV. Passepied (Allegretto non troppo)
5. Rêverie (1890)
6. Arabesque No. 1: Andantino con moto (1890-91)
7. Arabesque No. 2: Allegretto scherzando (1890-91)
Children’s Corner (1906-1908)
8. I. Doctor Gradus ad Parnassum
9. II. Jimbo’s Lullaby
10. III. Serenade for the Doll
11. IV. The Snow is Dancing
12. V. The Little Shepherd
13. VI. Golliwogg’s Cake Walk
14. La plus que lente (valse, molto rubato con morbidezza) (1910)
15. L’Isle joyeuse (1904)

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Dizem que Samson François morreu no hospital com um cigarro na boca e um whisky debaixo da cama... — Samson François

Samson François toca Debussy (1956-61)

1. L’Isle joyeuse (1904)
2. Préludes Livre I: No.8 La fille aux cheveux de lin (1910)
3. Préludes Livre I: No.10 La cathédrale engloutie (1910)
4. Préludes Livre I: No.11 La danse de Puck (1910)
5. Préludes Livre I: No.12 Minstrels (1910)
6. La plus que lente (valse) (1910)
7. Pour le piano: Prélude (1894-1901)
8. Pour le piano: Sarabande(1894-1901)
9. Pour le piano: Toccata (1894-1901)
10. Étude: Pour les arpèges composés (1915)
11. Suite bergamasque: Clair de lune (1890-1905)
12. Suite bergamasque: Passepied (1890-1905)
13. Étude: Pour les agréments (1915)
14. Étude: Pour les sonorités opposées (1915)
15. Étude: Pour les accords (1915)

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In Stravinsky, Igor

Igor Stravinsky (1882 -1971): Sinfonia dos Salmos e A História do Soldado

pqpbach5 de julho de 20175 de julho de 2017Leave a comment

Pois bem. Eu não gosto da Sinfonia dos Salmos, mas amo A História do Soldado. A Sinfonia é uma peça para coro e orquestra escrita em 3 movimentos em 1930 para comemorar os 50 anos da Sinfônica de Boston. É neoclássica e sem graça, em minha opinião. Já A História do Soldado é de 1918. O que apresentamos é sua suíte para sete instrumentos, sem narrador. A obra trata da história fáustica do soldado que vende a própria alma, na forma de seu violino, ao Diabo. Ao descobrir a armadilha em que havia caído, ele passa a lutar de todas as formas para reaver seu instrumento. Resgatando o conteúdo medieval de Fausto, A História do Soldado nos mostra que na vida é possível fazer concessões, desde que não sejam fundamentais. Se vendermos o cerne, viramos “mortos-vivos”. A dificuldade está em discernir entre o que é dispensável e o que é vital. O registro tem regência do próprio Igor Strava.

Igor Stravinsky (1882 -1971): Sinfonia dos Salmos e A História do Soldado

1 Symphonie de Psaumes 21:27
Psalm 38 – Psalm 39 – Psalm 150
Columbia Symphony Orchestra
Igor Stravinsky, regência

2 L’Histoire du Soldat: suite 25:03
marche du soldat
airs by a stream
pastorale
marche royale
petit concert
3 dances: tango, valse, ragtime
danse du diable
grand choral
marche triomphale de diable

Músicos:
David Oppenheim, clarinete
Loren Glickman, fagote
Robert Nagel, trompete
Erwin Price, trombone
Alfred Howard, percussão
Alex Schneider, violino
Julius Levine, contrabaixo
Igor Stravinsky, regência

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PQP

In -Acervo PQPBach de Música Colonial e Imperial Brasileira, -Música Colonial e Imperial Brasileira, Coelho Neto, Marcos, Lobo de Mesquita, José Joaquim Emerico, Oliveira, Manoel Dias de

Mestres da Música Colonial Mineira – Orquestra Sinfônica e Coral Ars Nova, da UFMG (Acervo PQPBach)

bisnaga5 de julho de 20177 de julho de 201712 Comments

Mestres da Música Colonial Mineira
Orquestra Sinfônica e Coral Ars Nova
UFMG

.
Em junho de 2001 resolví descansar uns dias em uma tranquila pousada em Tiradentes, MG, e não é que acordei, no domingo pela manhã, com anjos, arcanjos, querubins e serafins cantando para mim?

Por instantes acreditei ter morrido, pois ouvia aqueles anjinhos gordinhos, de cabelos loiros encaracolados, cantando por entre as nuvens. Só faltavam as trombetas celestiais!

– Pelo menos fui despachado para o Céu … … … meno male!, pensei eu.

Abrí os olhos, firmei o olhar na janela aberta e descobri que o som maravilhoso vinha da Igreja Matriz. Do alto da torre. Tudo salvo … eu continuava vivinho da silva.

Compartilho com nossos amigos ouvintes aquele som que veio dos céus!

Manoel Dias de Oliveira foi regente, copista e organista, dedicou-se à música desde 1769 em irmandades religiosas. Uma lenda fala de seu talento precoce. Certa ocasião o padre Francisco da Piedade ouviu-o, ainda menino, a cantar trechos de uma obra de Josquin des Prez enquanto estava a brincar com formigas. Impressionado, o padre o convidou a participar do coro da catedral de Santo Antônio, onde estudou teoria musical, contraponto e órgão. Foi membro da Ordem Terceira de São Francisco, e recebeu o título de Capitão da Cavalaria a Pé da Rainha Dona Maria I, o mais alto título que alguém de pele escura podia receber. Suas obras são executadas em uma tradição ininterrupta nas igrejas da região de Tiradentes. (http://pt.wikipedia.org/wiki/Manoel_Dias_de_Oliveira)

Marcos Coelho Neto foi membro da Irmandade de S. José dos Homens Pardos e da de N. Sra. das Mercês de Cima, foi trompetista dos conjuntos musicais que serviam às duas confrarias. Foi também timbaleiro na Cavalaria Auxiliar de Vila Rica. Em 1799, ingressou na Venerável Ordem Terceira dos Mínimos de S. Francisco de Paula, de mulatos, e na Irmandade de Santo Antônio, constituída por brancos, sendo uma exceção honrosa ao preconceito racial da época. (http://www.movimento.com)

José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita foi para Arraial do Tijuco (1776), hoje Diamantina, onde desenvolveu sua carreira como organista e compositor, até que entrou para a Ordem Terceira de Nossa Senhora do Carmo (1789). Alferes do Terço de Infantaria dos Pardos, foi o encarregado de um oratório para a Semana Santa (1792). Regeu a música para o tríduo do período (1798-1799), na matriz de Nossa Senhora do Pilar, em Ouro Preto. A partir daí até sua morte, tocou nas missas da igreja da Ordem Terceira do Carmo, no Rio de Janeiro, cidade onde morreu. (http://pt.wikipedia.org/wiki/Lobo_de_Mesquita)

A Orquestra Sinfônica e Coral Ars Nova, da UFMG, apresenta um trabalho sério, vigoroso, de excepcional sonoridade, fruto da enorme capacidade, experiência e dedicação do Maestro Carlos Alberto Pinto Fonseca, a cuja memória dedicamos esta postagem. Pena que não gravaram muito mais. Perde o Brasil e o mundo!

Manoel Dias de Oliveira (São José del Rey [Tiradentes], 1735-1813)
1. Magnificat
2. Visitação Dos Passos
3. Motetos dos Passos -1: Pater mi
4. Motetos dos Passos -2: Bajulans
5. Motetos dos Passos -3: Exeamus
6. Motetos dos Passos -4: Angariaverunt
7. Motetos dos Passos -5: Filiae Jerusalem
8. Motetos dos Passos -6: Popule meus
9. Motetos dos Passos -7: O vos omnes
Marcos Coelho Neto, (Vila Rica [Ouro Preto], 1740-1806)
10. Himno a Quatro – Maria Mater Gratiae
José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita (Vila do Príncipe, 1746- Rio de Janeiro, 1805)
11. Gradual o para Domingo da Ressurreição
12. Tercis (1783) – 1: Difusa est Gratia
13. Tercis (1783) – 2: Padre Nosso
14. Tercis (1783) – 3: Ave Maria
15. Tercis (1783) – 4: Gloria Patri
16. Antiphona De Nossa Senhora – Salve Regina

Mestres da Música Colonial Mineira
Orquestra Sinfônica e Coral Ars Nova, da UFMG
Maestro Carlos Alberto Pinto Fonseca (1933-2006)
Gravado no auditório da CEMIG, Belo Horizonte, MG, Brasil, em setembro de 1996.

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Boa audição!

Avicenna

In -Rock

.: Interlúdio :. The Ink Spots

bisnaga5 de julho de 20173 de julho de 201712 Comments

The Ink Spots
Grandes sucessos dos anos 40
É só ouvir e sair dançando!

The Ink Spots foi um grupo vocal americano popular nos anos 1930 e 1940. Sua música levou aos gêneros musicais “rhythm and blues” e “rock and roll”, e ao subgênero “doo-wop”. O grupo foi amplamente aceito em ambas as comunidades brancas e pretas, em grande parte devido ao estilo balada apresentado ao grupo pelo vocalista Bill Kenny. O grupo foi incluido no Hall da Fama do Rock & Roll em 1989. Desde que os The Ink Spots se desfizeram em 1954, houve mais de 100 grupos vocais que se autodenominam “Ink Spots” sem qualquer direito ao nome, e sem quaisquer membros originais do grupo. Estes grupos geralmente se apresentam como sendo uma “segunda geração” ou The Ink Spots “terceira geração”. Muitos desses grupos ainda estão em turnê atualmente.

Apresentamos aqui 25 genuínos sucessos do The Ink Spots, todos gravados nos anos 40 e que estiveram incluídos na lista das músicas mais vendidas nos Estados Unidos.

Palhinha: ouça: 17. We Three (My Echo, My Shadow and Me)

The Ink Spots
01. The Best Things In Life Are Free
02. A Lovely Way to Spend an Evening
03. Java Jive
04. The Gypsy
05. Ev’ry Night About This Time
06. I’m Getting Sentimental Over You
07. When the Swallows Come Back to Capistrano
08. Memories of You
09. My Prayer
10. I Don’t Want to Set the World On Fire
11. I’m Making Believe
12. Maybe
13. Don’t Get Around Much Anymore
14. I’m Begining to See the Light
15. I’ll Never Smile Again
16. Someone’s Rocking My Dream Boat
17. We Three (My Echo, My Shadow and Me)
18. You’re Breaking My Heart All Over Again
19. If I Didn’t Care
20. Address Unknown
21. Stop Pretending
22. I’ll Get By (As Long As I Have You)
23. (That’s Just My Way Of) Forgetting You
24. Whispering Grass (Don’t Tell The Trees)
25. Into Each Life Some Rain Must Fall

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My Echo, My Shadow and Me ... — My Echo, My Shadow and Me …

Postagem dedicada ao meu amigo Kawabundo.

Avicenna

In Bartók, Béla

Béla Bartók (1881-1945): Os Quartetos de Cordas (Heath)

pqpbach4 de julho de 201724 de dezembro de 2020Leave a comment

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Na minha opinião, os seis quartetos de cordas de Bartók formam a maior obra composta no século XX, como já disse muitas vezes. Sempre que uma versão passa na minha frente, pego e reouço… Eles são, sem dúvida, a contribuição mais importante para o gênero após Beethoven, e servem não somente como modelo de beleza e equilíbrio mas traçam melhor a evolução Bartók como compositor do que qualquer outro grupo de suas obras. Claro, já existe um extraordinário acervo de boas gravações. Desde a época do LP, já tínhamos o Fine Arts e o Végh esmerilhando. Depois vieram as maravilhosas versões digitais dos Takács (de quase 20 anos), do Alban Berg, Tokyo e Emerson. Dado esse considerabilíssimo pedigree, é um enorme elogio ao Heath Quartet o de colocá-lo ao lado destes sensacionais conjuntos. O quarteto inglês de Oliver Heath não é mole.

Béla Bartók (1881-1945): Os Quartetos de Cordas

1 String Quartet No. 1, Sz. 40: I. Lento 09:06
2 String Quartet No. 1, Sz. 40: II. Allegretto. Introduzione 10:07
3 String Quartet No. 1, Sz. 40: III. Allegro vivace 10:20

4 String Quartet No. 3, Sz. 85: I. Prima parte. Moderato 04:45
5 String Quartet No. 3, Sz. 85: II. Seconda parte. Allegro 05:34
6 String Quartet No. 3, Sz. 85: III. Recapitulazione della prima parte. Moderato 02:55
7 String Quartet No. 3, Sz. 85: IV. Coda. Allegro molto 02:20

8 String Quartet No. 5, Sz. 102: I. Allegro 07:58
9 String Quartet No. 5, Sz. 102: II. Adagio molto 05:52
10 String Quartet No. 5, Sz. 102: III. Scherzo. Alla bulgarese 05:29
11 String Quartet No. 5, Sz. 102: IV. Andante 04:44
12 String Quartet No. 5, Sz. 102: V. Finale. Allegro vivace 07:33

13 String Quartet No. 2, Sz. 67: I. Moderato 09:51
14 String Quartet No. 2, Sz. 67: II. Allegro molto capriccioso 08:03
15 String Quartet No. 2, Sz. 67: III. Lento 09:08

16 String Quartet No. 4, Sz. 91: I. Allegro 06:15
17 String Quartet No. 4, Sz. 91: II. Prestissimo, con sordino 03:12
18 String Quartet No. 4, Sz. 91: III. Non troppo lento 05:53
19 String Quartet No. 4, Sz. 91: IV. Allegretto pizzicato 03:01
20 String Quartet No. 4, Sz. 91: V. Allegro molto 05:51

21 String Quartet No. 6, Sz. 114: I. Mesto. Piu mosso, pesante – Vivace 07:40
22 String Quartet No. 6, Sz. 114: II. Mesto. Marcia 07:40
23 String Quartet No. 6, Sz. 114: III. Mesto – Burletta. Moderato 07:16
24 String Quartet No. 6, Sz. 114: IV. Mesto 06:48

The Heath Quartet

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PQP

In -Modinhas e Lundus Antigos, -Música Colonial e Imperial Brasileira, Calado, Joaquim Antônio da Silva, Dias, Ernesto, Ferreira Júnior, Clemente, Neukomm, Sigismund Ritter von, Souza, Bernardino Belém de, Tobias, Carlos Cordeiro

Sarau Brasileiro: Odette E. Dias (flauta) & Elza K. Gushikem (piano) – 1979

bisnaga4 de julho de 20172 de julho de 20176 Comments

Um disco dedicado inteiramente à música brasileira de passadas eras foi produzido no ano passado, em Brasília, e distribuído, como brinde, principalmente entre os associados da Federação Nacional de Associações Atléticas Banco do Brasil – FENAB – que comemorava o segundo aniversário de sua fundação. Este disco, “Sarau Brasileiro”, o Estúdio Eldorado entrega hoje ao público mais amplo, a todos os interessados pelo repertório marcadamente brasileiro.
(Vicente Salles, 1979, extraído da capa do LP)

Um piano e uma flauta dando asas ao nosso imaginário …. aos sonhos … voem …

Sarau Brasileiro
Sigismund Ritter von Neukomm (1778-1858), fantasia sobre “La Mélancolie”, modinha de Joaquim Manuel Câmara
01. L’amoureux (modinha)
Autor desconhecido, recolhido por Mário de Andrade
02. Lundum
Joaquim Antônio da Silva Calado (Rio de Janeiro, 1848-1880)
03. Lundu característico
Clemente Ferreira Júnior (Belém, PA 1864-1917)
04. Noites veladas (valsa)
Anônimo, modinha localizada em arquivos de Mariana, MG
05. Escuta ó Virgem (modinha)
06. Basta, amor (modinha)
07. Lundu mineiro
Ernesto Dias (Belém, PA 1857-1908)
08. Minha esperança (valsa)
Bernardino Belém de Souza (Belém, PA séc. XIX)
09. Casinha pequenina (xótis)
Clemente Ferreira Júnior (Belém, PA 1864-1917)
10. Na maromba (polca)
Carlos Cordeiro Tobias
11. Porto Arthur (tango)
Bernardino Belém de Souza (Belém, PA séc. XIX)
12. No cavaquinho (tango)

Sarau Brasileiro – 1979
Odette Ernest Dias (flauta) & Elza Kazuko Gushikem (piano)
Ao violão, Jaime Ernest Dias

LP de 1979 gentilmente cedido pelo nosso ouvinte Alex (não tem preço!) e digitalizado por Avicenna

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MP3 320 kbps – 97,2 MB – 41,9 min
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Boa audição.

Avicenna

In -Acervo PQPBach de Música Colonial e Imperial Brasileira, -Modinhas e Lundus Antigos, -Música Colonial e Imperial Brasileira, Reichert, Matheus André

M. A. Reichert – Afinidades Brasileiras: Odette Ernest Dias (flauta) & Elza Kazuko Gushikem (piano) (Acervo PQPBach)

bisnaga4 de julho de 20172 de julho de 201715 Comments

Matheus André Reichert
Afinidades Brasileiras
Odette Ernest Dias (flauta)
Elza Kazuko Gushikem (piano)

Considerado o mais notável flautista do Império, o belga Matheus André Reichert (Pays-Pas, 1830-1880) chegou ao Brasil em 1859, contratado pelo Imperador Pedro II. Conhecido e admirado por músicos eruditos como Carlos Gomes, Reichert também desenvolveu suas afinidades com o Brasil, com os seresteiros e boêmios da época. Sua brilhante síntese musical é recuperada aqui pela pesquisa pioneira de Odette Ernest Dias.

Considéré comme le plus remarquable flûtiste de l’Empire du Brésil, le belge Matheus André Reichert (Pays-Pas, 1830-1880) arriva à Rio en 1859, contracté par l’Empereur Pedro Il. Connu et admiré par les compositeurs érudits comme Carlos Gomes, Reichert développa ses affinités avec le Brésil au milieu des musiciens bohêmes des sérénades de l’époque. Sa brillante synthèse musicale est récupérée ici par la recherche pionnière de Odette Ernest Dias.

Matheus André Reichert (Pays-Pas, 1830-1880)
1. Souvenir du Para – Andante elégiaque – Opus 10
“Souvenir”. Saudade. Nostalgia das águas escuras do Amazonas e das paisagens desse Brasil que Reichert palmilhou de Norte a Sul, encantando a todos com a sua “flauta mágica”.

2. Tarantelle – Étude de salon – Opus 3
Aqui Reichert voltou a ser internacional, nesta peça de endiabrado ritmo napolitano. Peça de grande brilho, que faz jus à fama de virtuoso do autor.

3. Rêverie – Opus 17
Novamente a melancolia, o sonho, a saudade, nesta peça dedicada ao seu professor Demeur Charton, outro amante do Brasil.

4. La coquette (A faceira) – Polka de salon – Opus 4
Aqui Reichert declara abertamente seu brasileirismo. O título já vem traduzido. Essa mesma “faceira” aparece copiada à mão nos cadernos dos chorões do início deste século, o que mostra como ela se tornou popular.

5. Martha – Petit morceau de salon – Opus 18
Última obra de Reichert, inspirada num tema da ópera de Flotow, que, curiosamente, na hora da variação, se transforma em um quase … “chorinho”, onde tomamos a liberdade de introduzir o violão brasileiro de Jaime Ernest Dias, … pequena licença musical.

6. Romance sans paroles – Opus 11
No estilo da época, tão expressivo em Mendelssohn, essa “romança” adquire, aqui, uma singeleza toda modinheira.

7. La sensitive – Petite polka de salon – Opus 8
Continuando a tradição dos compositores do séc. XVIII, como Couperin e Rameau, Reichert pinta aqui um retrato musical. “A Sensitiva” mostra bem o que aconteceu à polka européia ao contato com o ritmo brasileiro. Ela aderiu à síncope, ao balanço e à flexibilidade do lundu e do batuque, exemplo maravilhoso de síncope musical.

8. Souvenir de Bahia – Andante pastorale – Opus 12
Aqui parece que Reichert trouxe lembranças mais alegres dessa viagem. A tonalidade do mi Maior nos leva às águas azuis e verdes do mar baiano e ao dengue do seu povo colorido.

Afinidades Brasileiras – 1985
Odette Ernest Dias (flauta) & Elza Kazuko Gushikem (piano)
Faixa 5: Jaime Ernest Dias (violão)
Textos extraídos do LP.

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MP3 320 kbps – 130,3 + 63,5 MB – 33,4 min
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Mais outro LP do acervo do musicólogo Prof. Paulo Castagna. Não tem preço !!!
LP de 1985 digitalizado por Avicenna

Boa audição.

Avicenna

In Brahms, Johannes, Schumann, Robert

Johannes Brahms (1833-1896): Concerto para Violino Op. 77 / Concerto para Piano Nº 1 Op. 15 & Robert Schumann (1810-1856): Quarteto para Piano Op. 47

pqpbach3 de julho de 20174 de julho de 2017Leave a comment

IM-PER-DÍ-VEL !!!

É um enorme privilégio ouvir um disco desses. Ao vivo, um concerto espetacular no Concertgebouw de Amsterdam reunindo meu maestro preferido Bernard Haitink e os extraordinários violinista e pianista Frank Peter Zimmermann e Emanuel Ax tocando o Concerto para Violino e o Nº 1 para Piano e Orquestra de Brahms. De quebra, Ax faz-se acompanhar por membros da orquestra para interpretar o Quarteto Op. 47 de Schumann. O que dizer mais? Que desempenhos! O quase nonagenário Haitink está cada vez melhor. Espero que siga assim até onde der. O cara está em estado de graça! Tudo que toca vira ouro. Os concertos recebem aqui uma das melhores interpretações que já ouvi. Confiram aí porque agora tenho que ouvir tudinovo.

Johannes Brahms (1833-1896): Concerto para Violino Op. 77 / Concerto para Piano Nº 1 Op. 15 & Robert Schumann (1810-1856): Quarteto para Piano Op. 47

CD 01
01. Brahms — Violin Concerto in D Major, Op. 77_ I. Allegro non troppo
02. Brahms — Violin Concerto in D Major, Op. 77_ II. Adagio
03. Brahms — Violin Concerto in D Major, Op. 77_ III. Allegro giocoso, ma non troppo vivace

CD 02
01. R. Schumann — Piano Quartet in E-Flat Major, Op. 47_ I. Sostenuto assai-Allegro ma non troppo
02. R. Schumann — Piano Quartet in E-Flat Major, Op. 47_ II. Scherzo_ Molto vivace
03. R. Schumann — Piano Quartet in E-Flat Major, Op. 47_ III. Andante cantabile
04. R. Schumann — Piano Quartet in E-Flat Major, Op. 47_ IV. Finale_ Vivace

05. Brahms — Piano Concerto No. 1 in D Minor, Op. 15_ I. Maestoso
06. Brahms — Piano Concerto No. 1 in D Minor, Op. 15_ II. Adagio
07. Brahms — Piano Concerto No. 1 in D Minor, Op. 15_ III. Rondo_ Allegro non troppo

Frank Peter Zimmermann, violino
Emanuel Ax, piano
Emanuel Ax & RCO Chamber Soloists
Royal Concertgebouw Orchestra
Bernard Haitink

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Emanuel Ax e Bernard Haitink. Querem mais? Vai ser difícil. — Emanuel Ax e Bernard Haitink. Querem melhor? Vai ser difícil.

PQP

In -Música do séc. XVIII - Portugal, Almeida, Francisco António de

Francisco António de Almeida (ca.1702-1755) – La Giuditta, Oratorio – Concerto Koln, René Jacobs

bisnaga3 de julho de 20173 de julho de 20176 Comments

La Giuditta, Oratorio
Francisco António de Almeida
ca.1702-1755

Comentários gentilmente enviados por Harry Crowl:

Francisco António de Almeida

Embora esse compositor tenha sido contemporâneo de João Rodrigues Esteves e tenha recebido uma formação bem semelhante, as suas obras encontradas até o momento refletem o gosto napolitano das óperas de Alessandro Scarlatti, Haendel e vários outros. Isso mostra que a convivência de estilo antigos e contemporâneos já era fato corriqueiro naquela época. “La Giuditta” foi composta em Roma, em 1726. É um exemplo bem típico do estilo napolitano de alternâncias em recitativos e árias do gênero “da capo”. A prática de ópera em Roma era vista com muita desconfiança pela Igreja e durante a quaresma, era terminantemente proibido as suas representações. Assim, ao longo do séc. XVII, os oratórios foram surgindo como representações sacras para a ocasião. Havia uma tendência em Portugal de se imitar o que acontecia em Roma, especialmente durante o reinado de D.João V. Os oratórios eram óperas sobre temas bíblicos com representações mais contidas. O compositor Giacomo Carissimi foi quem disseminou essa prática do oratório de maneira mais consistente no séc. XVII. Francisco António de Almeida foi o compositor da primeira ópera portuguesa em italiano, “La Pazienza di Socrate”, em 1733, da qual somente o manuscrito do 3o. ato chegou até os nossos dias.

Há também uma ópera cômica de sua autoria, “La Spinalba”, (alguns trechos nos vídeos do Youtube abaixo) muito próxima do estilo de Pergolesi. Há vários trechos dessa ópera no Youtube. Pode-se ter uma idéia muito clara desse intercâmbio entre Portugal e Itália nessa época, e principalmente, da intensidade e exuberância da música tanto religiosa quanto dramática escrita pelos portugueses ao longo do séc. XVIII.

Francisco António de Almeida (ca.1702-1755)
01. La Giuditta – Introduzione
02. La Giuditta – Recit: Sventurata Giuditta!
03. La Giuditta – Aria: Quella Fiamma
04. La Giuditta – Recit: Qual Mai Gente Superba
05. La Giuditta – Aria: Invitti Miei Guerrieri
06. La Giuditta – Recit: Ove Gli Occhi Raggio/Aria: Tortorella
07. La Giuditta – Recit: Illustre Prence/Aria: Saggio Nocchiero
08. La Giuditta – Recit: Ma Quale Ignoto Duce/Aria: La Dolce Speranza
09. La Giuditta – Recit: Ed Orgogliosa/Aria: Dal Mio Brando Fulminante
10. La Giuditta – Recit: Prence, Gia D’Ogni Intorno/Aria: Pallida E Scolorita
11. La Giuditta – Recit: A Tanto Rio Dolore/Aria: Giusto Dio
12. La Giuditta – Recit: Dunque, Con Alma
13. La Giuditta – Aria: Sento Che Dice Al Cor
14. La Giuditta – Recit: Ma Qual Vano Consiglio/A Due: Vanne, Addio
15. La Giuditta – Recit: Alto Signore/Aria: Dalla Destra Omnipotente
16. La Giuditta – Recit: Oh, Come Lieta/Aria: Un’ Alma Forte
17. La Giuditta – Recit: Quest’ E Il Giorno Fatale/Aria: Date, O Trombe
18. La Giuditta – Recit: Ma Quale Io Veggio/Aria: Lo Splendor
19. La Giuditta – Recit: Illustre Pellegrina
20. La Giuditta – Aria: Cara, Non Paventar
21. La Giuditta – Recit: Giace Dal Sonno Avvinto
22. La Giuditta – Aria: Mi Sento Nel Petto
23. La Giuditta – Recit: Tutta Lieta E Fastosa/Aria: Godete, Si Godete/Recit: Questa, Voi La Mirate
24. La Giuditta – Aria: Vengo A Te
25. La Giuditta – Recit: Ma Come Tant’ Ardire/A Due: Quel Diletto

Almeida, La Giuditta, Oratorio – 1998
Concerto Koln
Director: René Jacobs

Lena Lootens – soprano
Francesca Congiu – soprano
Martyn Hill – tenor
Axel Kohler – countertenor

Esta postagem é mais uma excelente colaboração do maestro, compositor e musicólogo Harry Crowl Jr. Não tem preço!

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MP3 320 kbps -278,0 MB – 2,0 h (2 CDs)
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Boa audição.

Avicenna

In -Acervo PQPBach de Música Colonial e Imperial Brasileira, -Modinhas e Lundus Antigos, -Música Colonial e Imperial Brasileira, Lima, Plínio Augusto Xavier de, Xisto Bahia

Modinha e Lundu: Bahia Musical, séc. XVIII e XIX – Conjunto Anticália (Acervo PQPBach)

bisnaga3 de julho de 20176 de julho de 20177 Comments

Modinha e Lundu
Bahia Musical, séc. XVIII e XIX
Conjunto Anticália
1984

O material gravado neste disco ilustrou uma aula de um curso sobre cultura baiana, promovido pelo Centro de Estudos Baiano da UFBA, em 1982. Foi subsequentemente reapresentado uma quase dezena de vezes pelo grupo Anticália, para uma varieda de de platéias, das mais despretensiosas aos eruditos membros de congresso de história. Não faltaram os visitantes dos estados irmãos, e até mesmo um navio inteirinho da universidade americana, que parou no porto de Salvador. Contudo. o propósito maior é o de dar aos baianos, de volta, aquilo que é seu, um espelho de si mesmos. Não se entenda, entretanto, que haja aqui qualquer intenção regionalista ou mesquinha, pois modinha e lundu foram fenômenos não somente brasileiros, mas que envolveram também o outro lado do Atlântico.

A ênfase aqui é de música na Bahia- não da Bahia – tanto assim que não se hesitou até mesmo de incluir dois documentos de procedência portuguesa.

A despeito do interesse da UFBA, o tradicional problema das verbas não teria permitido a realização deste disco não fosse o apoio da COPENE em concretizá-lo. Não somente vale o agradecimento, mas a esperança de que isso se renove, uma vez que a Bahia, entre as demais unidades da federação, é uma das que mais se tem descuidado de sua memória musical.

A bibliografia musical brasileira carece assim de uma monografia, em profundidade, sobre as modinhas e lundus, vistos sob uma ótica baiana. Se esse é o objetivo futuro desta pesquisa, fique o ouvinte leigo poupado da controvérsia e da erudição, e apenas sujeito a um desfilar de rosas d’antanho, a que certamente não faltarão muitos deleites e alguns espinhos malvadamente permitidos.

Anticália

Compõem o Conjunto Anticália as instrumentistas Selma Alban, Conceição Perrone, Cristina Tourinho e Cândida Williams e a cantora Renata Becker (soprano), com a colaboração neste disco de Helder Parente, instrumentista e cantor.

Rendem uma homenagem de profundo carinho a Bárbara Vasconcelos, um de seus membros mais atuantes e talentosos, prematuramente levada de seu convívio e de promissora contribuição à vida musical da Bahia.

Manuel Veiga é etnomusicólogo, com doutorado na Universidade da Califórnia em Los Angeles. Atualmente é Chefe do Departamento de Música da Universidade Federal da Bahia.
(extraído da contra-capa, 1984)

Modinha e Lundu: Bahia Musical, séc. XVIII e XIX
Anônimo
01. Landum
Anônimo (Séc. XVIII)
02. Quem ama para agravar
03. Eu nasci sem coração – Lundum
04. É tão bom, não dói, nem nada
Anônimo (Recolhido Von Martius entre 1817-1820)
05. Foi-se Josino e deixou-me
06. Prazer igual ao que sinto
Anônimo (Séc. XVIII)
07. Iaiazinha, você mesma
Anônimo
08. Tristes saudades
09. Astuciosos os homens são
Anônimo (modinha imperial coligida por Mário de Andrade)
10. Hei de amar-te até morrer
Xisto de Paula Bahia (Salvador, 1841-Caxambu,1894)
11. A mulata
Plínio Augusto Xavier de Lima (Caetité,1845-1873)/Xisto de Paula Bahia (Salvador, 1841-Caxambu,1894)
12. Quis debalde varrer-te da memória – Agora e sempre
Xisto de Paula Bahia (Salvador, 1841-Caxambu,1894)
13. Iaiá, você quer morrer
Anônimo
14. Morena, morena
15. És, Marília, meu arcanjo
16. Minha morena é bonita – Tirana

Modinha e Lundu: Bahia Musical, séc. XVIII e XIX – 1984
Conjunto Anticália

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Um LP do acervo do musicólogo Prof. Paulo Castagna. Não tem preço !!!
LP de 1984 digitalizado por Avicenna.

Boa audição.

Avicenna

In -Acervo PQPBach de Música Colonial e Imperial Brasileira, -Música Colonial e Imperial Brasileira, Nunes Garcia, Padre José Maurício

Pe. José Maurício Nunes Garcia (1767-1830) – Missa de Santa Cecília – Orquestra e Coro Gulbenkian (Acervo PQPBach)

bisnaga3 de julho de 20172 de julho de 201713 Comments

Missa de Santa Cecília (1826)
Pe. José Maurício Nunes Garcia

Orquestra e Coro Gulbenkian

Gravação gentilmente cedida por Rosana Lanzelotte. Não tem preço! Esta gravação não está em nenhum CD, é um privilégio que somente os ouvintes do PQPBach podem desfrutar!

O compositor e padre brasileiro José Maurício Nunes Garcia (1767-1830) foi revisitado nos dias 6 e 7 de Junho de 2008 pelo Coro e Orquestra Gulbenkian, no Grande Auditório da Fundação Gulbenkian em Lisboa, quando foi interpretada a Missa de Santa Cecília com quarteto de solistas composto por Paula Almenares (soprano), Giovanna Lanza (mezzo-soprano), Aldo Caputo (tenor) e Massimiliano Gagliardo (barítono) e com direção de Ricardo Kanji.

Na Missa “Santa Cecília”, o Pe. José Maurício Nunes Garcia parece ter deixado tudo o que restava de sua força física e da sua inspiração numa despedida à vida e à arte (Maestro Ernani Aguiar). Foi a sua última composição e a sua última regência.

O excelente e completo site ‘Música Brasilis’ (www.musicabrasilis.org.br), concebido e coordenado pela cravista e musicóloga Rosana Lanzelotte, cuja carreira de solista levou-a a importantes salas de concerto, como o Wigmore Hall, St. Martin-in-the-fields (Londres), Otto Braun Saal (Berlim), Palazzo Barberini (Roma) e Fundação Gulbenkian (Lisboa), além das principais salas da América Latina. Foi a idealizadora do projeto O Amor Brasileiro, que apresentou a música de José Maurício Nunes Garcia e Sigismund Neukomm em concertos por diversas cidades da França durante o ano do Brasil em 2005, além de idealizadora da série Música nas Igrejas que, desde 1993, leva concertos de música clássica a todos os bairros do Rio de Janeiro. (http://www.lanzelotte.com/)

Ricardo Kanji especializou-se em flauta no Conservatório Real de Haia (Holanda) a partir de 1970, e em 1972 tornou-se o único brasileiro laureado no Concurso Internacional de Bruges. De 1973 a 1995 foi professor do mesmo Conservatório, cuja orquestra barroca dirigiu. Integra a Orquestra do Século XVIII, dirigida por Frans Bruggen, com quem viaja por todo o mundo. Gravou aplaudidos CDs para selos europeus, entre os quais destacam-se os dedicados às sonatas de Handel e Telemann (Phillips) e Mancini e Van Wassenaar (Globe). Depois de mais de 25 anos na Europa, decidiu retornar ao país e dedicou-se ao resgate do repertório brasileiro do período colonial. Idealizou o projeto História de Música Brasileira, pelo qual foi apontado como o melhor regente de 1999 pela Associação Paulista de Críticos de Arte. Recentemente foi convidado a reger a Orquestra da Fundação Gulbenkian em Lisboa, à frente da qual realizou uma celebrada versão da Missa de Santa Cecília de José Maurício.
(http://movimento.com/mostraconteudo.asp?mostra=2&escolha=13&codigo=4231)

‘Musica Brasilis’ tem por objetivo resgatar e disponibilizar obras significativas do patrimônio musical brasileiro, pela primeira vez em formato que possibilita a execução. Além do acesso às partituras, áudios e vídeos, o portal conta com recursos interativos para ampliar o interesse e a fruição dos repertórios disponibilizados, tais como:

* Escuta Guiada: escuta sincronizada com a visualização da partitura e de comentários explicativos, que apontam aspectos da obra e dos instrumentos utilizados.
* Jogos Musicais: tem como objetivo aguçar a escuta, ampliar o gosto pela música brasileira e estimular a criatividade. A iniciativa é inspirada nos jogos de escuta desenvolvidos pelo IRCAM.

O ‘Musica Brasilis’ disponibiliza partituras de mais de 80 compositores brasileiros, vídeos de obras gravadas de compositores nacionais e uma infinidade de áudios de obras de compositores nacionais, de todas as épocas.

Compensa visitar: www.musicabrasilis.org.br

Pe. José Maurício Nunes Garcia (1767-1830)
Missa de Santa Cecília (1826), CPM 113
1. Kyrie
2. Gloria in Excelsis
3. Laudamus
4. Gratias
5. Domine Deus
6. Qui Tollis
7. Qui Sedes
8. Quoniam
9. Cum Sancto Spiritu
10. Credo
11. Et Incarnatus
12. Crucifixus
13. Et Ressurrexit
14. Sanctus – Benedictus
15. Agnus Dei

Orquestra e Coro Gulbenkian – 2008
Regente: Ricardo Kanji

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XLD RIP | FLAC 358,2 MB |

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MP3 320 kbps – 187,1 MB – 1h 29min
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.Boa audição.

Avicenna
PS – Ao refazer esta postagem perdí todos os excelentes comentários da postagem original, motivo pelo qual peço minhas desculpas.

In -Jazz, Couturier, François

.: interlúdio :. François Couturier (1950): Nuit Blanche

pqpbach2 de julho de 20172 de julho de 20171 Comment

Ingmar Bergman disse uma vez que Andrei Tarkovsky filmava como se sonha. E o Quarteto Tarkovsky, que recebeu o nome do grande cineasta russo, desenvolveu uma linguagem de própria, muito próxima dos sonhos. Para o líder e pianista François Couturier, o silêncio e a lentidão de Tarkovsky estão intimamente relacionados com a estética desenvolvida no terceiro álbum do grupo, Nuit blanche, produzido por Manfred Eicher em Lugano em abril de 2016. Aqui temos peças diversas composta por François Couturier ou criadas no momento por Couturier, a violoncelista Anja Lecher, o saxofonista Jean-Marc Larché e o acordeonista Jean-Louis Matinier. Elas exploram a textura dos sonhos e da memória e continuam a fazer uma referência oblíqua a Tarkovsky. É improviso, composição moderna e música barroca,tudo ao mesmo tempo agora.

François Couturier (1950): Nuit Blanche

1 Rêve 2:54
2 Nuit blanche 5:38
3 Rêve II 1:22
4 Soleil sous la pluie 4:41
5 Dream III 2:05
6 Fantasia 4:26
7 Dream IV 2:29
8 Urga 11:19
9 Daydream 2:52
10 Cum Dederit Delectis Suis Somnum 5:46
11 Nightdream 2:23
12 Vertigo 0:57
13 Traum V 1:31
14 Traum VI 2:25
15 Dakus 4:34
16 Quant ien congneu a ma pensee 5:05
17 Rêve étrange… 1:20

François Couturier
Tarkovsky Quartet

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PQP

In Reger, Max

Max Reger (1873-1916): As duas suítes para órgão

Pleyel2 de julho de 20172 de julho de 2017Leave a comment

“Só com o renascimento de Bach teremos total liberdade” Max Reger

Reger é um compositor alemão pouco lembrado, talvez por ter nascido no mesmo país e século do último Beethoven, de Schumann, Brahms e Wagner, talvez por ter construído sua música ainda sobre as bases de Bach em plena virada do século XX.

A música de câmara e orquestral de Reger é pouco tocada, mas para o órgão ele é sem dúvida o grande alemão depois de Bach, seja em quantidade de obras (ocupam uns 15 CDs) seja pela qualidade de suas Suítes, Sonatas, Prelúdios e Fugas com contraponto aplicado à sonoridade orquestral do órgão do século XIX. Suas passacaglias e toccatas usam registros de órgão que não existiam na época de Bach.

Este é um típico disco da Naxos: órgão e organista pouco conhecidos mas de grande conexão com o repertório tocado, com som muito bem gravado. A primeira suíte, de 1895, foi dedicada à “sombra de J.S. Bach” e elogiada pelo idoso Johannes Brahms. A segunda, de 1905, é de mais fácil audição por ter mais movimentos, mais curtos, incluindo um romanze de belos timbres e duas fugas.

Organ Suite No. 1 in E Minor, Op. 16, “Den Manen J.S. Bachs”
1. I. Introduction and Fugue 00:14:14
2. II. Adagio assai 00:08:51
3. III. Intermezzo – Trio 00:12:28
4. IV. Passacaglia 00:11:48
Organ Suite No. 2 in G Minor, Op. 92
5. I. Prelude 00:03:24
6. II. Fugue 00:02:42
7. III. Intermezzo 00:04:55
8. IV. Basso ostinato 00:03:30
9. V. Romanze 00:05:58
10. VI. Toccata 00:03:10
11. VII. Fugue 00:03:52
Kirsten Sturm – Sandtner Organ (1979)
St. Martin’s Cathedral, Rottenburg am Nektar, Germany

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Anjos rindo de quem ainda fazia Basso Ostinato, Tocatas e Fugas em 1905... — Anjos rindo de quem ainda fazia Basso Ostinato, Tocatas e Fugas em 1905…

In Schubert, Franz

Franz Schubert (1797-1828): Quinteto para Cordas — Lieder

pqpbach1 de julho de 20171 de julho de 20172 Comments

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Que alegria divulgar um CD como este! O Quarteto Ebène junta-se ao cellista Gautier Capuçon para fazerem o sublime Quinteto para dois violinos, viola e dois violoncelos. Posso chutar com boa dose de segurança que é a obra de câmara mais longa escrita por Schubert. Mas não se trata apenas de horizontalidade, também é uma obra gigantesca no sentido vertical. Todos os movimentos são perfeitos e contrastantes. Coisa de gênio de cabo a rabo. O que é aquele adágio? Como ele combina com o Scherzo que o segue! E os belíssimos movimentos inicial e final? Depois o grupo toca uma série de canções (lieder) de Schubert especialmente arranjadas pelo violoncelista do Ebène, Rapphael Merlin, e cantadas pelo barítono alemão Matthias Goerne. Olha, que disco! Ouçam, comprem, furem o CD de tanto ouvir! Afinal, mesmo no Brasil, com nossa situação e nossos “líderes”, a gente merece ser feliz e ver-escutar a beleza, né?

Franz Schubert (1797-1828): Quinteto para Cordas — Lieder

01. String Quintet in C Major, D. 956: I. Allegro ma non troppo
02. String Quintet in C Major, D. 956: II. Adagio
03. String Quintet in C Major, D. 956: III. Scherzo & Trio
04. String Quintet in C Major, D. 956: IV. Allegretto

05. Die Götter Griechenlands, D. 677
06. Der Tod und das Mädchen, D. 531
07. Der Jüngling und der Tod, D. 545
08. Atys, D. 585
09. Der liebliche Stern, D. 861

Quatour Ebène
Gautier Capuçon, cello
Matthias Goerne, barítono

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PQP

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