“There is in Poulenc a bit of monk and a bit of hooligan.” Claude Rostand
Este disco ganhou quatro em cinco estrelas da coluna Lebrecht Weekly e basta ouvi-lo para entender o porquê. O programa é formado principalmente pelas sonatas para violino e piano e para violoncelo e piano. O resto são lindas peças para essas mesmas combinações, mas também algumas surpresas, como você poderá perceber ao ouvir o disco ou reparar na lista dos créditos, logo a seguir.
Eu me encanto sempre com a canção Les chemins de l’amour e aqui você poderá ouvir dois arranjos dela: para violino e piano e para violoncelo e piano.
Para fechar o disco um número do balé Les Mariés de la tour Eiffel, chamado Le discours du Général. Os diversos números musicais do balé foram compostos pelos compositores do Grupo do Seis.
Veja trechos dos comentários da coluna do Lebrecht: The music performed here is from the 1940s, not the happiest of decades, but Poulenc was adept at shutting out headline news. […] Here he engages in confidential conversation between violin and piano, cello and piano, and something called a ‘pipeau’, which calls to mind a medical laboratory. Nowhere does Poulenc harbour dark thoughts. The players – violinist Tatiana Samuil, cellist Justus Grimm and pianist David Lively – keep it light and wistful.
A música tocada aqui é da década de 1940, não a mais feliz das décadas, mas Poulenc era adepto de bloquear as manchetes. […] Aqui ele se envolve em uma conversa confidencial entre violino e piano, violoncelo e piano, e algo chamado de “pipeau”, que lembra um laboratório médico. Em nenhum lugar Poulenc abriga pensamentos sombrios. Os músicos — a violinista Tatiana Samuil, o violoncelista Justus Grimm e o pianista David Lively — mantêm o ambiente leve e melancólico.
Francis Poulenc (1899 – 1963)
Sonate pour violon et piano, FP 119:
Allegro con fuoco
Intermezzo
Presto Tragico
Léocadia
Les chemins de l’amour (Arr. for violin & piano by Francis Poulenc)
Sonate pour Violoncelle et Piano, FP 143:
Allegro – Tempo di Marcia
Cavatine
Ballabile
Finale
Souvenir pour violoncelle et piano
Souvenir
Villanelle pour pipeau et piano
Villanelle
Léocadia
Les chemins de l’amour (Arr. for Cello & Piano by Francis Poulenc)
The titular ‘Chemins de l’Amour’ is a song Poulenc wrote for an Yvonne Printemps show in December. Who would know Paris was under German occupation? Poulenc kept his window shut.
“Começou de forma muito simples: apenas uma pulsação no registro mais baixo. Então, de repente, bem acima, soou uma única nota no oboé, que ficou ali, inabalável, me perfurando, até que a respiração não conseguiu mais segurá-la, e um clarinete a tirou de mim e a adoçou em uma frase de tal deleite que me fez tremer. A luz tremeluziu na sala. Meus olhos ficaram nublados… pareceu-me que eu tinha ouvido uma voz de Deus…” Peter Shaffer: Amadeus
Mozart claramente amava instrumentos de sopro: eles geralmente são como cantores lado a lado das vozes reais em suas óperas e são os verdadeiros cantores em sua música instrumental. Richard Bratby
Eu adorei esse disco, que tem como peça principal a Serenata em si bemol maior K 361, mais conhecida como a Gran Partita. Quando Mozart a compôs em 1781, em Munique, dispunha de excelentes músicos do naipe de sopros, que estavam a serviço da Corte Bávara e eram originários da famosa Orquestra de Mannheim. A Gran Partita foi composta para 13 instrumentos de sopros, sendo que um contrabaixo é geralmente usado na parte do contrafagote. A genialidade de Mozart produziu uma obra prima em um gênero considerado menor.
Música para conjuntos de sopros com seis, oito instrumentos, era muito comum e servia para acompanhar a vida social dos nobres e abastados. Esse tipo de música era chamado de harmoniemusik e seu repertório contava com peças originais, divertimentos, serenatas, assim como arranjos de óperas de sucesso.
Além da obra prima de Mozart, o disco nos brinda com outras duas composições que exemplificam essa forma musical. Johnn Nepomuk Wendt fez um arranjo de oito trechos de O Rapto do Serralho para um conjunto de instrumentos de sopros. Esse arranjo certamente é reflexo do sucesso dessa primeira ópera composta por Mozart após sua mudança de Salzburgo para Viena. É uma delícia reconhecer os momentos correspondentes da ópera, como o dueto de Blonde e Osmin ou o último movimento, outro cômico momento envolvendo o malvado Osmin e o esperto Pedrillo.
Joan Enric Lluna, fundador do excelente conjunto Moonwinds
Na última parte da maravilhosa Don Giovanni há um jantar para o libertino cavaliere para o qual uma orquestra de sopros, uma harmonie, é contratada. Essa orquestra toca exatamente trechos de óperas de sucesso. Mozart coloca nesse momento um trecho de uma ópera de um ‘rival’, Vicente Martín y Soler, Lo Spagnulo, como os vienenses o chamavam. Soler era um músico que peregrinou por várias cidades europeias e por um certo período viveu em Viena. Ele fez sucesso compondo óperas, ao lado de Mozart e Salieri. Assim como no caso de Mozart, Soler produziu três óperas com libretos de Lorenzo da Ponte. Entre elas, Una cosa rara, a ópera que mereceu uma citação de Mozart. No disco, um arranjo de trechos dessa ópera feito pelo próprio Soler. Se você baixar o disco e ouvir até o fim, vai lembrar-se do trecho da ópera Don Giovanni no qual Una cosa rara é citada…
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Serenata em si bemol maior K.361 Gran Partita
Largo – Molto Allegro
Menuetto – Trio I – Trio II
Adagio
Menuetto: Allegretto – Trio I – Trio II
Romance: Adagio – Allegretto
Tema con 6 variazioni (Andante)
Finale (Molto Allegro)
El Rapto En El Serrallo
Arranjo de Johann Nepomuk Wendt (1745-1801)
Presto – Abertura (Presto)
Hier Soll Ich Dich Sehen
Ich Gehe, Doch Rate Ich Dir
Durch Zärtlichkeit Und Schmeichein
Wenn Der Freude Tränen Fliessen
Ha, Wie Will Triumphieren
Welche Wonne, Welche Lust
Viva Bacchus, Bacchus Lebe
Vicente Martín y Soler (1754-1806)
Divertimento para octeto de sopros sobre temas de ‘Una cosa rara’
Moonwinds was born from the artistic initiative of Joan Enric Lluna with the desire to bring together outstanding wind instruments to form a stable group of chamber music
O grupo Sopros da Lua
Seção ‘The Book is on the Table’: Moonwinds show a more balanced approach, play all the repeats, and give us, in the two extra items, a vivid impression of the scope of Viennese wind music in the 1780s. JN Wendt’s arrangement of eight numbers from Die Entführung is imaginative and professional, and the Martín y Soler, drawn from his operatic hit Una cosa rara, has a third movement that’s the very piece Mozart quoted in Don Giovanni (using Martín’s own wind arrangement). Moonwinds play all this with spirit and finesse (the oboe solo in the second movement of the Martín is especially fine).
“Se você não gostar disso, vou parar de escrever música”
Antonio Vivaldi
Quando Vivaldi nasceu, Veneza já era uma cidade muito velha. Sua fundação datava de 421 e a construção de um de seus prédios mais famosos, a Basílica de São Marcos, era de 1063. Na verdade, sua construção começou originalmente como uma extensão do palácio do doge, em 830, mais ou menos, para abrigar o corpo (as relíquias) do evangelista e padroeiro da cidade.
Vivaldi não teve vida fácil, mas certamente deve ter tido seus bons momentos. Nascido em família pobre, entre a espada e a batina escolheu a última, mas não exerceu a profissão por muito tempo. Seus talentos como violinista e compositor eram por demais evidentes e ele tornou-se professo de música das órfãs que viviam abrigadas no Ospedale della Pietà.
Seu primeiro grande sucesso e reconhecimento por toda a Europa ocorreu com a publicação em 1711 de seu opus 3, L’estro armonico, uma coleção de 12 magníficos concertos diverso, dois dos quais aparecem no disco desta postagem. Em 1723 foi a vez do opus 8, Il cimento dell’armonia e dell’inventione, coleção que abriga As Quatro Estações, protagonistas do renascimento do barroco, pelas cordas do I Musici, assim como nós conhecemos hoje. No disco você poderá ouvir o Concerto No. 11 desta coleção, que não é o verão que está a nos matar de calor, nem outra das estações, mas é muito do bom…
O padre teve seus oponentes, tanto na nobreza quanto no clero, mas andava às voltas com companhias de óperas e suas lindas cantoras. No entanto, as mudanças dos gostos musicais prejudicaram os negócios do compositor-empresário (como são volúveis as plateias!) o que acabou levando o padre a tentar a sorte em Viena, onde morreu na pobreza, mas na companhia da cantora Anna Girò.
Escolhi este disco por achar que seu repertório ilustra a imensa criatividade e verve de Vivaldi, e pelo grupo musical que o apresenta. A Berlin Barock Soloists foi formada em 1995 por músicos da poderosa Berliner Philharmoniker com o objetivo de interpretar música dos séculos 17 e 18 com instrumentos modernos, mas com práticas historicamente informadas. Rainer Kussmaul foi um dos seus formadores e foi o mestre de concerto do conjunto até 2010, quando se aposentou. Esse disco é de 2007. Desde 2018 o diretor artístico do grupo tem sido o Reinhard Goebel, pioneiro do movimento HIP. O início dessa colaboração foi uma apresentação dos Concertos Brandeburgueses, que resultou em um álbum.
Antonio Vivaldi (1678 – 1741)
Concerto No. 11 in D Minor for 2 Violins, Cello and Strings, Op. 3, RV 565
Allegro
Largo e spiccato
Allegro
Concerto in G minor for Two Cellos, RV531
Allegro
Largo
Allegro
Concerto for 4 Violins and Strings in B-Flat Major, RV 553
“Chopin é o maior de todos, pois apenas com o piano ele descobriu tudo.”
Claude Debussy
Domingo calorento e preguiçoso aqui e continuo adiando a preparação das provas para amanhã. Integração por partes, como diria Jack…
A vitrola acabou de tocar Bruckner#9 e ainda estou sob os efeitos do imenso adágio. Então, para variar, um disco diferente – Estudos de Chopin. Eu gosto de Chopin e se você tem ideias pré-concebidas do romântico compositor – a imagem de um pianista revirando os olhos sobre uma doce melodia, prepare-se para uma ‘revolucionária’ mudança. Nada de bibelôs neste disco, que tem seus momentos mais lânguidos, faz parte.
O pianista Yunchan Lim é espetacular, tem técnica de sobra para mais uns dois ou três virtuosos. Foi o mais jovem músico a ganhar a medalha de ouro no Concurso Van Cliburn e o disco com os endiabrados Estudos Transcendentais, de Liszt, gravado ao vivo durante o concurso, é prova disso. Mas, calma, um disco só de Liszt é demais para mim, tive que esperar esse novo disco para apreciar as habilidades do Yunchan Lim. Se bem que há uma gravação do Concerto Imperador, também ao vivo, que é flamejante.
Em junho de 2022, Yunchan Lim se tornou a pessoa mais jovem a ganhar ouro no Concurso Internacional de Piano Van Cliburn; suas performances ao longo do tempo mostraram uma “habilidade mágica” e uma “qualidade natural e instintiva” (La Scena) que surpreendeu os ouvintes ao redor do mundo. Como o presidente do júri Marin Alsop expressou: “Yunchan é aquele artista raro que reúne musicalidade profunda e técnica prodigiosa organicamente.” A profundidade de sua arte e conexão com os ouvintes também lhe garantiram o Prêmio do Público e Melhor Performance de uma Nova Obra. A performance surpreendente de Lim dos Estudos Transcendentais completos de Liszt da rodada semifinal do Concurso Van Cliburn está disponível em seu álbum de estreia Steinway & Sons.
Hoje já estou na segunda audição deste disco, intercalando-o com outras favoritas gravações – Abbey Simon, Boris Berzovski, por exemplo. Até essa postagem chegar até você, já terei ouvido uma boa meia dúzia de vezes.
Some extremely daring speeds guarantee excitement, pushing the technical limits in what are, of course, despite their generic title (Études , or Studies), so much more than technical exercises, yet he also finds great poetry…some of Yunchan Lim’s interpretations may be too subjective for everyone’s taste, yet this is a remarkable feat that demands to be heard. BBC Music Magazine
His Chopin is as flexible and feather-light as it is fluent and fiery, as compelling in its sense of structure as in its relishing of detail. The whole experience radiates joyful, youthful exuberance. Gramophone
These are thrilling performances of Chopin’s studies, the technique dazzlingly immaculate and the musical impulses propelling it often startlingly original. The Guardian
Nos bate-papos dos frequentadores assíduos das lojas de discos, naqueles dias, um tema que sempre ressurgia era o da música canalha. A terminologia é absolutamente inadequada, mas se referia àquelas peças de enorme apelo popular – aquelas obras que todos reconhecem e podem cantarolar um pouquinho. Valsas de Strauss, o Bolero de Ravel, Quadros de uma Exposição. Obras de Tchaikovsky aparecem bastante nesta lista. Pudera, o cara era um excelente melodista. Eu gosto muito dessas coisas, Sheherazade de Rimsky-Korsakov uma das minhas favoritas e a música desta postagem se enquadra perfeitamente nesta categoria e faz parte do repertório das grandes orquestras assim como das nem tão grandes assim.
A Wiener Philharmoniker, talvez devido à cultura vienense, toca este tipo de música maravilhosamente. Há gravações mais recentes desse repertório com a orquestra, regida por James Levine, mas escolhi essas gravações, sob a batuta do HvK. Essa combinação, WP & HvK gravou uma série de discos para a DECCA, na década de 60, que são muito bons. No caso das Suítes de Balé, a produção estava a cargo de John Culshaw, garantia de ótimo som para aqueles dias, como pode-se atestar ouvindo esses arquivos. O Quebra-Nozes é de 1961 e as outras duas suítes de 1965.
Depois de ouvir os arquivos, Tchai ficou assim…Selo PQP Bach de Qualidade
Comentários de críticos amadores: The Vienna Philharmonic sounds beautiful, and Karajan’s tempos flow and seem more natural than in his later recordings.
Karajan con i wiener, una registrazione leggendaria. […], tutto perfetto.
Ces mélodies nous entraînent dans le monde merveilleux des ballets et plongent notre esprit dans un imaginaire incroyablement captivant. Incontournable!!!
Musica di altissimo livello con una registrazione impeccabile. Bello anche per i neofiti della classica. Molto semplice da ascoltare. Ottimo!
Aproveite!
René Denon
Montagem do Quebra Nozes do PQP Bach Grand Ballet que teve participação especial do Falcão…
Ontem voltei desanimado das compras. O preço do pacote de meio quilo de café da marca que costumo comprar rompeu a barreira dos 30 e parece querer igualar-se ao preço do azeite. Pelo jeito, logo vai romper a barreira do som e outras barreiras. Vamos experimentar outras marcas, espero evitar pelo menos aquelas que tem gosto do café da repartição.
Ton tentando avistar o pessoal do PQP Bach na sala de entrevistas do Amstel Amsterdam Hotel
Lembrei-me do pobre pai da Lieschen que briga com a filha, grande amante e consumidora de café. Assim, para retomar o ânimo fui buscar a Cantata do Café, composta pelo padroeiro do blog para o famoso Concerto do Café Zimmermann, lá de Leipzig. Escolhi esta gravação com a Orquestra Barroca de Amsterdã regida por Ton Koopman e com vozes excelentes como a de Klaus Mertens e Anne Grimm, que fazem pai e filha na Cantata do Café.
Comentário do site da Presto Cassics: Lest it be thought that all Bach’s cantatas are strait-laced manifestations of religious piety (however melodically varied), Ton Koopman and the Amsterdam Baroque Orchestra here give spirited performances of two of his most famous (and indeed most secular) secular cantatas. The Coffee cantata celebrates the addictive delights of the then relatively new, fashionable drink, while the Peasant, using plenty of rustic Upper Saxon dialect, is a hearty celebration of all things rural.
Para que não se pense que todas as cantatas de Bach são manifestações puritanas de piedade religiosa (por mais variadas que sejam as melodias), Ton Koopman e a Amsterdam Baroque Orchestra aqui dão performances espirituosas de duas de suas mais famosas (e de fato mais seculares) cantatas seculares. A cantata Coffee celebra as delícias viciantes da bebida então relativamente nova e da moda, enquanto a Peasant, usando bastante dialeto rústico do Alto Saxão, é uma celebração calorosa de todas as coisas rurais.
Fim de domingo aqui, muito calor e praia lotada. Eu sigo com algumas atribulações, mesmo assim prossegui um pouco mais com a leitura do ótimo Noites das mil e uma noites, de Naguib Mahfouz.
Aladim tornou-se discípulo do sheik Abdala, casou-se com Zubaida, a linda filha do sheik, que toca alaúde e tem voz maviosa. Tanta fortuna certamente traria inveja aos corações dos outros pretendentes e Aladim acaba acusado de roubo de joias e de meter-se com os karijitas. Estou ansioso para saber como ele se safará dessas enrascadas.
Enquanto isso, decidi ouvir Rimsky-Korsakov, Sheherazade (ou Scherazade, na grafia do livro). Saí em busca de uma gravação porreta! É claro, há essa aqui, muito boa, mas eu queria novidades (ou mesmo velhidades, desde que ótimas). Andei às voltas com Reiner (ótimo), Markevitch e o bamba do Kondrashin, mas acabei mesmo aqui, Kirov Orchestra e Valery Gergiev. A capa é espetacular, como tudo o mais, Sheherazade sedutora como nunca, segundo os músicos russos, que exibem e esbaldam talento. Até os contrapesos são atrativos. São eles, o poema sinfônico Nas estepes da Ásia Central, de Borodin, e uma orquestração de Islamey, a peça mais quebra-dedos do repertório de piano até a chegada do Gaspard de la nuit, do Ravel. Enfim, um disco das Arábias!
Nikolay Rimsky Korsakov (1844 – 1908)
Scheherazade, Op. 35
The Sea and Sinbad’s Ship
The Story of the Calender Prince
The Young Prince and the Young Princess
Festival at Bagdad – The Sea – The Shipwreck
Alexander Borodin (1833 – 1887)
In the Steppes of Central Asia
In the Steppes of Central Asia
Mily Balakirev (1837 – 1910)
Islamey – Oriental Fantasy (Orch. Lyapunov)
Islamey
Sergei Levitin (violin)
Mariinsky (Kirov) Orchestra
Valéry Gergiev
Recorded: 2001-11
Recording Venue: Mariinsky Theatre, St. Petersburg
Trecho da crítica na Gramophone: The virtuosity of the St Petersburg soloists is also a ready match for even that of the Chicago Symphony Orchestra in its heyday, whether woodwind, brass or strings, with an edge-of-seat tension conveyed, particularly when Gergiev opts for challengingly fast speeds in the climactic passages of the second and fourth movements.
Da BBC Music Magazine: [Gergiev] bring[s] out Rimsky’s crystalline solo textures, such as the passages for solo cello, horn and woodwinds in the first movement. And if tempos are slow in the first three movements, Gergiev makes up for lost time in the fiery, bristling fourth, which becomes a tour-de-force for an orchestra clearly at the height of its powers
Veja o artigo Valery Gergiev and the Nightmare of Music Under Putin no link , caso seja de seu interesse.
Aproveite!
René Denon
Prestativos como sempre, o pessoal do Departamento de Artes do PQP Bach Publishing House logo providenciou uma ilustração ao perceber o nome Aladin no texto
‘Somente os extremamente sábios e os extremamente estúpidos é que não mudam’.
Confúcio
Nas mudanças é impossível não viver alguns momentos de nostalgia, de lembranças, mesmo algumas não muito boas. Fotos empalidecidas, cartas (houve um tempo em que escrevíamos cartas), chaves não sei mais de onde… Eu mudei muitas vezes (de residência, só para deixar claro…) e estou me preparando para mais uma mudança e espero que esta seja a penúltima.
Entre as muitas coisas que estou desentocando, para embalar ou passar adiante, algumas ainda estavam em caixas desde a mudança anterior, há muitos discos, alguns de música de Bach para teclado, interpretada ao piano.
Foi assim que cheguei a este da postagem, uma verdadeira maravilha. Ouvi-lo novamente, depois de tanto tempo, é muito bom. Duas suítes, uma inglesa e uma francesa (a quinta, ótima), uma toccata e o capricho do fratello diletíssimo, com a trompa da posta e tudo. Estas últimas peças da juventude do João Sebastião Ribeiro.
O sorriso de WK sempre foi bem cativante…
Wilhelm Kempff era o pianista ‘oficial’ da DG e suas gravações de Beethoven, Schubert e Schumann valem a pena serem investigadas. Mozart também estava no repertório, mas assim como no caso de Bach, nada de obras completas, apenas algumas peças escolhidas. Mas essas que ele gravou vão lhe dar muito prazer…
Impossível ouvir apenas uma vez, aquele disco que deixa um gostinho de quero mais, viciante!
Johann Sebastian Bach (1685–1750)
Englische Suite No.3 g-moll BWV808
Prelude
Allemande
Courante
Sarabande
Les agrements de la meme Sarabanda
Gavotte I
Gavotte II
Gavotte I (da capo)
Gigue
Capriccio >>Sopra la lontananza del suo fratello dilettissimo<< B-dur BWV992
Adagio
Andante
Adagissimo
Andante con moto
Aria – Aria di postiglione
Fuga – Fuga all’imitazione della cornetta di postiglione
Wilhelm tomando um solzinho no bosque da Sede Campestre do PQP Bach, nas imediações de Potsdam
De uma crítica fácil de localizar pela net: There is also the not inconsiderable addition of the two suites, the English Suite No 3 and the French Suite No 5. Here Kempff shows crisp articulation, not over bright, never metronomic, and always gently expressive. In the Courante of the English Suite he is precise, athletic and quietly determined. In the second Sarabande he is moving without artifice and maintains proper depth of tone and clarity between hands. Listen also to the perfectly graded little stabbing left hand in the succeeding first Gavotte – unforced wit.
‘A música moderna foi despertada pelo L’après-midi d’um faune.’
P. Boulez
Este disco foi oficialmente lançado ontem (do dia no qual vos escrevo) e é o que podemos chamar ‘uma novidade’! Eu sempre adorei ir às lojas em busca de novidades, mas agora a ‘caça’ se dá de maneira virtual. Apesar de alguns afirmarem, como na canção de B.B. King, ‘the thrill is gone!’, eu não concordo…
Assim que vi esse lançamento da ótima Hyperion coloquei a música para tocar e muito prazer tenho tido com ela. Sendo assim, decidi apontá-lo para os leitores do blog. O disco é sensacional pois os músicos são ótimos e a produção, a cargo do genial Andrew Keene, é primorosa. Para coroar tudo o repertório com obras para grupos de câmara de Claude Achille Debussy. Duas peças do disco, o prelúdio e o quarteto, são do início da carreira do compositor, mas são verdadeiros marcos na história da música, especialmente o prelúdio, cuja composição original foi para orquestra.
As sonatas foram compostas nos últimos dias do compositor e são as que ele pode realizar de um plano que previa ainda outras composições.
Claude Debussy (1862 – 1918)
Prélude à l’après-midi d’un faune L87 (Arr. David Walter (b1958))
Prélude
Violin Sonata in G minor L148
Allegro vivo
Intermède: Fantasque et léger
Finale: Très animé
Sonata for flute, viola and harp L145
Pastorale: Lento, dolce rubato
Interlude: Tempo di minuetto
Finale: Allegro moderato ma risoluto
Cello Sonata in D minor L144
Prologue: Lent, sostenuto e molto risoluto
Sérénade: Modérément animé
Finale: Animé, léger et nerveux
String Quartet in G minor L91
Animé et très décidé
Assez vif et bien rythmé
Andantino, doucement expressif
Très modéré
The Nash Ensemble
Artistic Director: Amelia Freedman MBE
Prélude: Philippa Davies (flute), Gareth Hulse (oboe), Richard Hosford (clarinet), John McDougall (bassoon), Richard Watkins (horn), Benjamin Nabarro (violin), Jonathan Stone (violin), Lawrence Power (viola), Adrian Brendel (cello), Graham Mitchell (double bass), Lucy Wakeford (harp), Richard Benjafield (percussion)
From two players to twelve: few ensembles could respond with equal authority to the very varied demands made by this wonderful collection of Debussy’s chamber music. But then, few ensembles can stand comparison with the Nash, whose members continue to set the standards across a dauntingly wide repertoire. A realization of the Prélude à l’après-midi … for chamber ensemble adds to this album’s more familiar attractions of the string quartet and three sonatas.
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Este não é o primeiro disco com esse tipo de repertório gravado pelo The Nash Ensemble. Em 1989 foi gravado um disco (lançado em 1991), pela então independente e atuante gravadora Virgin Classics, que tinha em comum com o disco lançado agora o mesmo produtor, Andrew Keene. O núcleo comum no repertório dos dos dois discos é formado pelas três sonatas. O que as acompanhava no disco antigo é uma peça para flauta solo, Syrinx, de apenas alguns minutos, e Les Chansons de Bilitis, que são poemas recitados com acompanhamento de um conjunto de câmara. Como eu gosto muito do disco antigo, especialmente das sonatas, decidi incluí-lo aqui para a sua própria apreciação.
Claude Debussy (1862 – 1918)
Sonata For Violin And Piano
I Allegro Vivo
II Intermède. Fantastique Et Léger
III Finale. Trés Animé
Sonata For Flute, Viola And Harp
I Pastorale. Lento, Dolce Rubato
II Interlude. Tempo Di Minuetto
III Finale. Allegro Moderato Ma Risoluto
Syrinx For Solo Flute
Syrinx
Sonata For Cello And Piano
I Prologue. Lent
II Sérénade. Moderato Animé
III Finale. Animé (Léger Et Nerveux)
Les Chansons De Bilitis
I Chant Pastoral
II Les Comparaisons
III Les Contes
IV Chanson
V La Partie D’Osselets
VI Bilitis
VII Le Tombeau Sans Nom
VIII Les Courtisanes Égyptiennes
IX L’Eau Pure Du Bassin
X La Danseuse Aux Crotales
XI Le Souvenir De Mnasidika
XII La Pluie Au Matin
Ensemble – The Nash Ensemble
Directed By [Artistic Director] – Amelia Freedman
Flute – Lenore Smith (tracks: 11 to 22), Philippa Davies (tracks: 4 to 7, 11 to 22)
Harp – Bryn Lewis (tracks: 11 to 22), Marisa Robles (tracks: 4 to 6, 11 to 22)
Lyrics By – Pierre Louÿs (tracks: 11 to 22)
Narrator – Delphine Seyrig (tracks: 11 to 22)
Piano – Ian Brown (4) (tracks: 1 to 3, 8 to 10)
Viola – Roger Chase (tracks: 4 to 6)
Violin – Marcia Crayford (tracks: 1 to 4)
Cello – Christopher Van Kampen (tracks: 8 to 10)
Celesta – Ian Brown (4) (tracks: 11 to 22)
Conductor – Lionel Friend (tracks: 11 to 22)
Recording: St Martin’s Church, East Woodhay, Berkshire, June 1989
Veja nos detalhes a diferença na formação do conjunto nos diferentes discos.
Foto do Nash Ensemble (do X da turna…)
Crítica de um cliente da Amazon sobre o disco da Virgin: Moltíssima cuidada interpretació, ensemble i individual.
Refinament exquisit en cada frase instrumental, i conjuntats la veu recitativa, sugeridora, misteriosa, sensual, màgica i convidadora de Delphine Seyrig, en perfecta harmonia en sentit conceptual-instrumental. Exquisita sensibilitat implicació de Marisa Robles amb el arp (harpa). […]
Tota una delícia, per partes i en conjunt.
Obres musicals imperecederas i plenes de encantament, embruixament, bellesa superlativa i exquisita intel-ligencia i sensibilitat, artística i personal.
Molt agraïda i agraït. Mònica Irene i Lluís Ferran. [Presumo que eles gostaram do disco]
A propósito do nome do conjunto, Nash refere-se a um bairro em Londres com uma arquitetura bem especial criada pelo arquiteto John Nash (1752 – 1835).
Aproveite!
René Denon
OS: Não deixe de visitar as seguintes postagens, caso tenha gostado dessa aqui…
Music is a performance and needs the audience. [MT]
Há já alguns anos me encantei com o Concerto para Piano de Sir Michael Tippett e sempre que aparece uma oportunidade de ouvir uma nova gravação, não perco tempo. Este foi o caso que me levou a este disco gravado ao vivo e lançado pelo selo da própria orquestra – London Philharmonic. O pianista, Steven Osborne, já deixou um registro de estúdio desta obra no selo Hyperion. Ele aparece aqui devido à cortesia da Hyperion, sua gravadora.
Steven Osborne no portão de entrada do PQP Bach Solar em Chelsea…
Eu certamente espero que você goste desta gravação do Concerto, mas a peça que completa o disco, a Segunda Sinfonia de Tippett, também me cativou bastante.
Enquanto a motivação para a gênese do Concerto para Piano fora um ensaio do Concerto No. 4 de Beethoven pelo legendário pianista Walter Gieseking, a fagulha para a Segunda Sinfonia foi acesa por Vivaldi, como nos conta o próprio Michael Tippett.
‘Eu estava em um pequeno estúdio da Rádio Lugano, assistindo o pôr do sol sobre o lago, ouvindo umas gravações de Vivaldi (em 1955, pré-HIP). De repente me bateram uma sequência de notas graves vindo dos violoncelos que me jogaram do mundo de Vivaldi para o meu mundo pessoal e marcaram o momento exato da concepção da Segunda Sinfonia. Os fortes dós de Vivaldi assumiram uma espécie de qualidade arquetípica, como se me dissessem: aqui é onde devemos começar. Eu sabia que era o início de uma nova obra orquestral. Não me lembro mais dos arpejos de Vivaldi, mas quatro dós graves e fortes são de fato as notas que iniciam a Sinfonia e eles retornam no final da obra. Sua função não é tanto estabelecer o tom, mas atuar como uma espécie de ponto de partida e de retorno’.
As palavras associadas aos quatro movimentos da Sinfonia são, respectivamente, joy, tenderness, gaiety e fantasy.
Listening to these luminous and often electrifying performances, it’s hard to believe that this was music which accrued a reputation for ‘difficulty’: the technical challenges are worn ever so lightly, and Gardner has a wonderful way of spotlighting inner details as well as tapping into the infectious energy which thrums through both works. Katherine Cooper [Presto Music Classical]
Parte da resenha que pode ser lida integralmente aqui: Osborne já gravou este concerto antes, com Martyn Brabbins e a Royal National Scottish Orchestra (Hyperion), em um conjunto completo de obras de Tippett para piano. Essa versão é excelente; a diferença aqui é Gardner, que sempre obtém uma execução firme e rápida de seus músicos. Isso é mais notável no final do Rondo, que chacoalha até sua alegre conclusão.
A Segunda Sinfonia foi considerada por muito tempo como intocável (uma crítica comum à música de Tippett durante sua vida), por causa de um incidente em sua estreia. Ela começa com repetidos dós graves nas cordas (uma influência de Vivaldi), sobre os quais uma série de frases rítmicas irregulares e sincopadas são ouvidas nos violinos. Na estreia, os violinos bagunçaram sua linha. O maestro Adrian Boult teve que parar e começar a apresentação novamente, pelo que ele graciosamente assumiu total responsabilidade.
Os músicos da LPO brilham quando têm a oportunidade: ouça o solo de trompete lindamente equilibrado no início do movimento lento. Esta música pode ser um pouco sombria se for tocada com muita força, mas Gardner sabe como dar vida a ela de forma vibrante. É uma performance fantástica: o som é de primeira qualidade com um equilíbrio que favorece levemente os instrumentos de sopro, e os violinos também acertam na abertura.
Aproveite!
René Denon
Sir Michael and one of the critics…
PS: Caso tenha gostado desta postagem, talvez queira visitar essa aqui:
Os dois trios com piano de Mendelssohn foram compostos no início do romantismo, mas ainda têm raízes no período clássico. Mais ainda o primeiro, em ré menor, composto em 1839, do que o segundo, em dó menor, composto seis anos depois. O segundo tem cores mais sóbrias, parece mais ‘serioso’ do que o primeiro.
Nesta gravação, que reúne três expoentes de cada um de seus instrumentos, temos como bônus uma versão alternativa, original, do andante do primeiro trio.
A propósito de termos um conjunto de solistas atuando numa formação de câmara, é preciso ter um certo cuidado, uma vez que as individualidades podem causar danos ao conjunto. Mas não se preocupe, pois isso não é o caso aqui. Esses três excelentes músicos têm atuado como camaristas em muitas ocasiões e assim temos aqui o melhor dos dois lados. Grandes músicos atuando como um excelente conjunto.
Confabulationes
Sobre a faixa adicional, veja um resumo da explicação que os músicos deram em uma ótima entrevista que você poderá ver na íntegra aqui:
A nova gravação acrescenta mais insights ao processo composicional de Mendelssohn com a adição de uma versão inicial do segundo movimento do Trio em Ré menor, Andante con moto tranquilo. É como ouvir um rascunho da obra finalizada — fascinante, mas faltando algo.
Isserlis persuadiu seus colegas do valor de incluir o movimento no disco. Bell poderou que “isso poderia dar a impressão de que achamos que a versão original é de alguma forma melhor, quando na verdade ele realmente a melhorou. A versão original é historicamente muito interessante.
“Estou feliz que fizemos isso. É fascinante ver como ele começou e então se torna menos convencional conforme ele revisa”, acrescenta Bell.
They’re in excellent sympathy, yet each has individual qualities to bring to the musical table. Denk is supremely fiery at the piano. Bell offsets him with wonderfully consistent, bright and focused sound, while Isserlis’s duskier tone is full of character, able to growl, glide and take risks at the high jump. [BBC Music Magazine]
Most strikingly, these performances are marked by an impressive spirit of exchange. The three players have different temperaments – and it’s clear, as you listen, that they’ve not erased their personalities. [Gramophone]
What is clear throughout these performances is that this is real chamber music; there’s never any sense of one player trying to dominate his colleagues or to hog the limelight. [The Guardian]
Aproveite!
René Denon
O trio dando uma palhinha para o pessoal do PQP Bach no dia da entrevista…
Quando ouvi este disco lembrei-me do ditado ‘The apple does not fall far from the apple tree’. Uma versão mais tropicalista seria: ‘A banana não cai longe da bananeira’. Mas, não ficou como eu queria, bananas dão em cachos e não caem tão facilmente das bananeiras. Além disso, o adágio me ocorreu devido a um caso de pai e filho. Assim, escolho definitivo: ‘O mamão não cai longe do mamoeiro’!
JP
O cantor Julian Prégardien é filho de Christoph Prégardien, um tenor que se destacou nas gravações de música barroca com grupos de instrumentos e práticas de época. Foi evangelista para metade das gravações das Paixões no auge de sua carreira. Metade talvez seja exagero, mas quem é do ramo entende o que estou falando. Numa outra frente de atuação, se destacou como cantor de Lieder – suas gravações dos ciclos de Schubert, por exemplo, são reconhecidas como basilares.
A Bela Moleira…
O ciclo da Bela (e ingrata) Moleira ele gravou duas vezes, acompanhado ao piano moderno e também acompanhado ao pianoforte, com o famoso Andreas Staier. Mas, como queremos novidades e um disco de Lieder por vez é suficiente, vamos de Julian, que faz uma interpretação ousada, que achei bonita e instigante. A voz é bela, ele canta como se tudo fosse fácil e o acompanhamento, aos cuidados de Kristian Bezuidenhout, é espetacular. O instrumento é ‘de época’, uma cópia de um pianoforte Graf, de 1825 e que soa maravilhosamente. Além disso, ao ouvir o disco do pai, com o acompanhamento de Staier, gravado em 1991, nos damos conta de como as técnicas de gravação evoluíram.
Resumindo, se você já conhece o ciclo da Bela (e malvada) Moleira, vai gostar de ouvir uma nova interpretação. Se você ainda não conhece e pretende ganhar mais familiaridade com este gênero musical, esse disco é uma excelente porta de entrada.
FRANZ SCHUBERT (1797-1828)
Die schöne Müllerin D. 795
A Bela Moleira
1 | Das Wandern 2’23
2 | Wohin? 2’19
3 | Halt! 1’26
4 | Danksagung an den Bach 2’26
5 | Am Feierabend 2’42
6 | Der Neugierige 3’58
7 | Ungeduld 2’42
8 | Morgengruß 4’55
9 | Des Müllers Blumen 3’50
10 | Tränenregen 4’18
11 | Mein! 2’16
12 | Pause 5’13
13 | Mit dem grünen Lautenbande 2’00
14 | Der Jäger 1’05
15 | Eifersucht und Stolz 1’27
16 | Die liebe Farbe 4’04
17 | Die böse Farbe 2’01
18 | Trockne Blumen 4’10
19 | Der Müller und der Bach 4’33
20 | Des Baches Wiegenlied 7’43
À data da sua morte prematura aos 31 anos, em 1828, Franz Schubert havia já produzido um legado de cerca de 600 Lieder – genero do romantismo alemão que une, intrinsecamente, poesia e música. A Bela Moleira, o primeiro grande ciclo do compositor austríaco, reúne poesia de Wilhelm Müller (poeta, filologista e historiador) e proporciona uma viagem bucólica que oscila entre um otimismo naïve e a angústia e o desespero perante um amor não correspondido.
Trechos de uma resenha que pode ser lida na íntegra aqui: Perhaps what really stands out in this performance for me is the deep range of emotions that are brought about between songs; Prégardien’s voice can get soft and demure then can rise beyond the expectations for dynamics and several times almost switches to speaking the text. His range of vocal style I think is so well done to convey the emotional material in the songs. That combined with slowing things down before rallying the tempo up again are such welcome surprises. […] Among my favorite songs are Mein! and Der Jäger. Both do not disappoint under Prégardien and Bezuidenhout. It’s still hard for be to believe Schubert’s ability as a composer of these songs at the young age of twenty-six. […]
For me, this new recording forced me to hear these songs as if they were new. […] The quiet intensity in Die Liebe Farbe is hauntingly well done. And yes—I think Julian has outdone his own father, the lyric tenor Christoph Prégardien (who partnered with Andreas Staier) in this new recording.
Aproveite!
René Denon
Uma palhinha, mas o acompanhamento é outro…
O pessoal do Departamento de Artes do PQP Bach Coorp, prestativo como sempre, encontrou essa ilustração da Bela Moleira…
Este é o disco de estreia do artista para o selo amarelo e traz um repertório impactante – a Hammerklavier – acompanhada do ciclo de canções An die ferne Geliebte, transcrito para piano. Beethoven e o selo amarelo vão de mãos dadas, mas o pianista chama a atenção, mesmo não sendo mais uma surpresa, pois que o sorridente rapaz da foto da capa já está no circuito musical há um bom tempo.
Nobuyuki Tsujii, Nobu, como é chamado, nasceu cego e foi encontrado pela música bem cedo. Seu feito mais notável foi ter arrebatado o Concurso Van Cliburn em 2009, assim como os corações da audiência e dos jurados, como foi o caso de Menahen Pressler.
Há grandes músicos que nasceram cegos o que ficaram cegos ao longo da vida, mas quando pensamos no dia-a-dia deles não deixamos de nos perguntar como conseguem suplantar tal obstáculo. Cada caso tem suas próprias peculiaridades e a mente humana pode ter muitos outros caminhos além dos habituais para chegar onde realmente quer.
No caso de Nobu, ele aprendia as partituras das músicas escritas em Braile, mas era um processo lento. Seu professor passou a gravar em tape cada parte da música – mão esquerda, mão direita – num processo bem técnico. Isso encurtou o tempo para que ele ‘aprendesse’ a música que passava a interpretar, com seus dons e sua própria sensibilidade.
Para o caso de música com orquestra, ele explica de maneira natural, que se deixa levar pela atmosfera que o cerca e que até os sons da respiração do maestro lhe serve de guia.
Se você tiver tempo e interesse, há muita informação sobre Nobuyuki na internet, mas o documentário ‘Touching the Sound’, da PBS, é particularmente revelador. [aqui]
Eu confesso não ter grande afinidade com a música de Franz Liszt, mas alguém que tem amor pelas canções (Lieder) assim como é o meu caso, merece grande consideração. Essa transcrição do ciclo de canções do grande Ludovico, na interpretação do Nobuyuki ficou supimpa. E a Hammerklavier está ótima. O grande movimento lento não está tão lento assim como em certas famosas interpretações, mas tem a concentração e o afeto que a coloca lá bem no alto.
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
An die ferne Geliebte, Op. 98
Arr. Liszt for Solo Piano as S. 469
Auf dem Hügel sitz ich, spähend (2:27)
Wo die Berge so blau (1:58)
Leichte Segler in den Höhen (1:38)
Diese Wolken in den Höhen (1:04)
Es kehret der Maien, es blühet die Au (2:20)
Nimm sie hin denn, diese Lieder (4:10)
Piano Sonata No. 29 in B-Flat Major, Op. 106 “Hammerklavier”
Allegro (11:33)
Scherzo. Assai vivace – Presto (2:45)
Adagio sostenuto, appassionato e con molto sentimento (17:34)
Nobuyuki, que decora cada partitura por conta de sua cegueira, comentou sobre a natureza assustadora do Hammerklavier: “É um trabalho tão longo que é muito difícil manter a concentração. Passei muito tempo me preparando para a gravação… tornando a música minha. … Quanto mais você toca, mais profundamente você a sente. Há aspectos da experiência de Beethoven que se sobrepõem à minha — ele perdeu a audição, mas ainda assim escreveu peças maravilhosas e muito difíceis como esta sonata. Então trabalhei nela com grande respeito.”
Tsujii é reverenciado tanto pela pureza e beleza de suas notas quanto por sua excelente técnica de execução, mas em vez de permitir que sua própria personalidade musical domine, ele busca fielmente expressar as profundezas e complexidades atraentes de qualquer obra-prima que esteja tocando. Mais do que tudo, ele encontra alegria em compartilhar a música com seu público, e isso realmente transparece em suas performances. Essa franqueza o torna tão amado por públicos de todas as nações. “Eu amava me apresentar para as pessoas quando era muito jovem, e essa paixão nunca vacilou. Sempre que toco, tento o meu melhor para ser um com o público.”
Leipzig fica a 120 quilómetros de Dresden, para onde viajou Johann Sebastian Bach em diversas ocasiões, para testar novos órgãos e onde esperava obter um rendoso emprego, que nunca veio. Mas, hoje, vamos celebrar uma viagem que ocorreu no sentido inverso, de Dresden para Leipzig.
Em 1739, Wilhelm Friedemann Bach, o filho mais velho de Johann Sebastian, foi de Dreden para Leipzig e levou junto seu amigo Sylvius Leopold Weiss assim como um de seus alunos de alaúde, Johann Kropfangs. Podemos imaginar quanta música esse encontro produziu. Essa visita foi registrada no dia 11 de agosto no diário de Johann Elias Bach, sobrinho e secretário particular de Johann Sebastian: «Hoje, algo incrível aconteceu no mundo da música: meu primo [Wilhelm Friedemann Bach] veio nos visitar e ficou por quatro semanas. Ele veio com dois alaudistas, o Sr. Weiss e o Sr. Kropfgans [seu aluno], que nos encantaram com muitos concertos».
Esta postagem reúne dois discos que, de certa forma, celebram esse encontro de músicos geniais. No disco de Diego Cantalupi e Davide Pozzi temos principalmente peças de Weiss, além de uma fuga para alaúde, de Bach. As peças são interpretadas ora ao cravo, ora ao alaúde e em certos momentos, ambos tocam juntos. Veja este lindo vídeo postado no Youtube, música primorosamente interpretada em um cenário encantador.
No disco de Alberto La Rocca e Carlo Lazari temos a Suíte SW 47, de Weiss, que deve ter sido ouvida diversas vezes nessa estadia em Leipzig, assim como a adaptação feita por Bach, acrescentando o violino sobre a transcrição para cravo. No disco ouvimos uma versão com violino e violão, arranjo feito por Alberto La Rocca.
Bach e Weiss eram amigos e se encontraram em várias ocasiões. Johann Friedrich Reichardt até os descreve desafiando um ao outro para uma competição de improvisação: ‘Qualquer um que entenda o desafio de tocar modulações harmônicas e contraponto decente no alaúde ficará surpreso e espantado ao ouvir uma testemunha ocular dizer que Weiss, o grande alaudista, competiu com J.S. Bach, o grande cravista e organista, tocando fantasias e fugas.’
___ o O o ___
Silvius Leopold Weiss (1687-1750)
Suite in A SW47 for lute
Entrée
Currante
Rondeau
Sarabande
Allegro
Men[uet]
Alberto La Rocca guitar & arrangement
Silvius Leopold Weiss / Johann Sebastian Bach 1685-1750
A “melodia adicionada” de Bach, composta com sua habilidade sobre-humana usual, lança uma nova luz sobre a suíte original, como se a vestisse com um traje extraordinariamente elegante. A parte do violino comenta a textura original do alaúde sem sufocá-la, quase como uma improvisação livre acima do topo. Ela brinca com os vários elementos da música de Weiss, extrapolando ideias para temas, imitando-os ou simplesmente vagando livremente. A parte de Bach também é altamente imaginativa e variada em sua expressão, frequentemente adicionando encaixe rítmico complexo e virtuosismo significativo, enquanto sempre se mantém fiel às emoções dos movimentos de Weiss.
Celebre você também essa amizade!
Aproveite!
René Denon
PS: No segundo disco da postagem indicada a seguir você encontrará a versão de Bach para a Suíte do compadre Weiss, aquela denotada por BWV 1025:
Na época em que eu ouvia música dos CDs tive duas referências no gênero ‘música espanhola para violão’: Julian Bream tocando peças de Albeniz e Granados e o disco desta postagem, Guitar Classics from Spain, de Marcelo Kayath.
O disco de Julian Bream é um primor, quem sabe em um futuro não muito distante ele seja postado aqui, mas hoje é dia de Marcelo Kayath!
Eu sempre quis saber algo mais sobre esse tremendo violonista, mas a ocasião não aparecia, até agora. Sabia virtualmente apenas que ele é brasileiro. Nenhuma grande surpresa até aí, pois que nossa terra é fértil em excelentes violonistas.
Retrato do artista quando jovem…
Descobri que Marcelo é um destes raros exemplos de pessoas que conseguem ter duas carreiras muito distintas, ambas com muito sucesso. No caso dele, a carreira de músico veio primeiro. Nascido em 1964, estudou no Rio de Janeiro com Turíbio Santos e aos 16 anos ganhou o Prêmio Segóvia no Concurso Internacional Villa-Lobos. Em 1984 conseguiu um feito extraordinário ao ganhar dois concursos internacionais para violão, o de Toronto e o de Paris. Isso levou a uma carreira de concertos e gravações. Este disco da postagem é o segundo de uma sequência de seis. Mas então, emergiu uma segunda carreira e isso acabei descobrindo ao assistir uma entrevista que ele deu ao também excelente violonista brasileiro, Fábio Zanon e lendo um artigo no Valor Econômico – À mesa com o Valor – Marcelo Kayath: Ex-Credit Suisse concilia a carreira musical com o mercado financeiro, escrito por Adriana Abujamra [aqui].
Marcelo Kayath havia conciliado a música com o curso de Engenharia na UFRJ até os 20 anos, quando então a música prevaleceu. Mas, um ano depois ele retomou os estudos e como era fascinado pelo mercado de ações, onde aplicava o dinheiro ganho nos concertos, inscreveu-se e foi aceito em um seletíssimo MBA na Universidade de Stanford e daí seguiu outra carreira. Música continuou a fazer parte de sua vida, assim como as boas relações com o mundo musical, até surgirem novas oportunidades. Em 2014 voltou a gravar um disco, sobre o qual ele fala na entrevista mencionada, e que pode ser acessado no Spotify, por exemplo.
Vamos ao conteúdo do disco da postagem, que traz música de diversos compositores. Começamos mui propriamente com um prelúdio, seguido de duas figurinhas carimbadas, peças de Francisco Tarrega. Ele, que foi ótimo pianista, mas fez muito pelo violão, incluindo instigar o lutier Antonio Torres a construir novos instrumentos, mais robustos, para os quais apurou e aperfeiçoou a técnica. Para esses instrumentos, Tarrega compôs música nova e também fez transcrições de músicas dos mais diversos compositores. Capricho Árabe e Recuerdos de la Alhambra são duas peças suas que se firmaram absolutamente no repertório do violão clássico.
Granados e Albéniz eram pianistas, mas suas músicas eram muito adequadas para as transcrições. Eles foram amigos de Tarrega e certamente conheciam muitas de suas peças nas versões preparadas por ele. As próximas peças do disco são deles, mas em transcrições do próprio Marcelo Kayath ou de Andrés Segóvia, outro imenso violonista espanhol. Nessas peças, tais como La maja de Goya ou Mallorca, podemos vivenciar grandes modelos desse universo musical que eu tanto admiro. Mesmo que seja ligeiramente inebriante, como poderiam dizer alguns…
Dois compositores violonistas mais recentes, do século 20, completam o repertório – Federico Torroba e Joaquin Rodrigo, com seu Zapateado. A título de bis, completando o disco, uma música tradicional natalina catalã, que se tornou popular nos concertos de Andrés Segóvia. Resumindo, uma pérola de disco, papa fina!
I bought this recording 33 years ago and have never stopped enjoying it. Although I have since purchased other versions by more well known guitarists, there are few that come close to the quality of the playing or of the recording. If you only buy one guitar record buy this one. [Resenha na Amazon]
Aproveite!
René Denon
Marcelo Kayath
Se você gostou dessa postagem, poderá se interessar por essa aqui:
Se você entende inglês, mesmo de maneira amadora, vai perceber que essas lindas canções, interpretadas magnificamente pela diva Ella Fitzgerald, falam de frio, neve, bonecos de neve e trenós, tudo muito contrastante com a realidade que vivemos essa época do ano, desse lado de cá do equador. Mas, há nesse período de festas e nessas canções também, algo universal, que é comum a todos, do Tahiti até a Kashmira. O Natal e as comemorações de Ano Novo exacerbam em nós a busca de estar com as pessoas que amamos, aquelas que nos fazem sentir parte de um grupo, de pertencimento. É claro que as canções são alegres e divertidas, afinal a ocasião é propícia. Mas essa animação pode esconder sentimentos de solidão ou de ausência de alguma querida pessoa. Você poderá perceber isso lá pela terceira canção do disco, onde o desejo é de apenas um momento de paz, de leveza, e na quarta canção – What are you doing for New Year’s Eve? – a busca por estar com alguém é ainda maior. Mas é apenas uma nota de melancolia, para lembrar nossas fragilidades, e depois a alegria já estará de volta, completando o disco com a canção White Christmas, uma forma de desejar um Natal perfeito!
Neste ano no qual o blog chegou à maioridade, é isso que desejamos a todos os nautas e simpatizantes, leitores assíduos ou casuais – um Natal Perfeito, seja lá como for, à sua moda!
E não esqueça: What are you doing for New Year’s Eve?
It’d be hard to imagine a happier wish than the one this jazz vocal legend offers her listeners on this urbane-yet-homey collection of holiday favorites. The First Lady of Song recorded these tunes in 1960, at the peak of her interpretive powers. As such, she puts her singular stamp on everything from a sultry vamp like “What Are You Doing New Year’s Eve” to the sweet and cozy “The Christmas Song.” Even potentially shopworn standards like “Santa Claus Is Comin’ to Town” sound fresher when they’re coming from Ella Fitzgerald. –David Sprague
Seria difícil imaginar um desejo mais feliz do que aquele que esta lenda vocal do jazz oferece aos seus ouvintes nesta coleção urbana, mas caseira, de canções de Natal. A Primeira Dama da Canção gravou essas músicas em 1960, no auge de sua capacidade interpretativa. Como tal, ela coloca sua marca singular em tudo, desde a sensual “What Are You Doing New Year’s Eve” até a doce e aconchegante “The Christmas Song”. Mesmo velhas canções potencialmente desgastadas como “Santa Claus Is Comin’ to Town” soam mais frescas quando cantadas por Ella Fitzgerald. –David Sprague
Aproveite!
René Denon
PS1: Há no Spotify uma versão desse álbum com canções adicionadas e até uma animação.
PS2: Se você gostou dessa postagem, poderá visitar:
(Uma pequena voz causa um enorme rebuliço) era a chamada de uma reportagem de capa da revista Life em 1957 sobre Julie London, cantora e atriz loura, incandescente.
Ela nasceu Julie Peck na ensolarada Califórnia e seus pais eram do show business. Originalmente de Santa Rosa, mudou-se para Los Angeles e como milhares de garotas esperava uma oportunidade no cinema, o que acabou acontecendo. Era amante de jazz e em 1955 gravou um LP – Julie is her Name – com a música Cry me a River, que chegou a ser a nona posição do Billboard Hot 100.
Nos anos que se seguiram seus discos eram esperados ansiosamente pelo seu público por suas canções sussurradas ao microfone com uma voz de contralto sensualíssima e pelas capas nas quais ela aparecia em poses provocantes. Seu terceiro LP, em 1956 – Calendar Girl – trazia uma foto sua para cada mês do ano. Julie London foi uma cantora absolutamente espetacular. Ela admirava Billie Holiday e usava sua própria voz com maestria e inteligência. E apesar dessa imagem de mulher fatal, era uma pessoa muito reservada.
Julie London certamente escolhia seu repertório explorando esse aspecto sedutor, com canções românticas – torch songs, com títulos bem provocantes, como I’m in the Mood for Love, Make Love to Me, Your Number Please, Love Letters. O humor certamente fazia parte, como em Nice Girls Don’t Stay for Coffee ou Easy Does It.
Seu último LP com o provocante nome Yummi, Yummi, Yummi, foi lançado em 1969 trazendo a gravação de Light my Fire. Ela continuou trabalhando como atriz. Entre 1972 e 1977 ela fez o papel de Dixie McCall, a enfermeira-chefe na série Emergency, ao lado de seu marido, Bobby Troup.
Para essa seleção de músicas comecei com um álbum duplo – The Very Best of Julie London. Este álbum foi lançado no Brasil em dois volumes, mas com menos músicas do que o lançamento americano. Eu acabei escolhendo as músicas que eu gosto mais, que ouço mais frequentemente. Depois acrescentei algumas de outros LPs, mas isso cabe a você descobrir.
Tentei fazer um balanço entre as músicas românticas e aquelas mais sapecas, como Fly Me to the Moon, Let There Be Love, Wonderful ou a deliciosa Makin’ Whoopee. Ela, como californiana e atriz de filmes de faroeste, tinha uma queda pelas músicas cantadas em espanhol. Um de seus LPs – Latin in a Satin Mood – tem esse repertório, é claro que com a perspectiva americana, mas eu acho sensacional. Escolhi daí algumas músicas que estão no fim do primeiro arquivo, além de Swain (Quien será?). Você poderá ouvir uma espetacular gravação de uma música que o boss da nossa corporation jura ter sido copiada quase literalmente por um compositor romântico em seu único concerto para piano, escrito para sua amada e idolatrada esposa. A inspiração deve ter sido captada pelo título da música: Besame Mucho.
Julie também era sensível às novas tendências musicais, como você poderá ouvir nas canções Slightly out of Tune, mais conhecida pelo título original – Desafinado, e a já mencionada Light my Fire, da banda Doors e sucesso na voz de José Feliciano.
Preste bastante atenção aos acompanhamentos, que variam de canção para canção, afinal trata-se de uma compilação. Desde violinos em alguns números, passando por outras mais intimistas, com formações típicas de grupos de jazz. Na seleção você encontrará canções que se tornaram famosas nas vozes de Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Billie Holiday, e que encontraram em Julie London uma grande intérprete.
The Very Best of Julie London!
Volume 1
Fly Me To The Moon (In Other Words) (Bart Howard)
Cry Me A River (Arthur Hamilton)
Blue Moon (Richard Rodgers & Lorenz Hart)
Sway (Quien será?) (Luis Demetrio & Pablo Bestrán Ruiz)
When I Fall In Love (Victor Young & Edward Heyman)
Misty (Erroll Garner)
Slightly Out Of Tune (Desafinado) (Tom Jobim)
Let There Be Love (Lionel Rand)
How Deep Is the Ocean (Irving Berlin)
Makin’ Whoopee (Walter Donaldson & Gus Kahn)
The More I See You (Harry Warren)
A Taste Of Honey (Bobby Scott & Ric Marlow)
Black Coffee (Sonny Burke & Paul Francis Webster)
Blues In The Night (Harold Arlen)
‘Round Midnight (Thelonius Monk)
As Time Goes By (Herman Hupfeld)
Frenesi (Alberto Domínguez)
Be Mine Tonight (Noche De Ronda) (Agustin Lara)
Yours (Quierme Mucho) (Gonzalo Roig)
Bésame Mucho (Consuelo Velasquez)
Volume 2
I Left My Heart In San Francisco (George Cory & Douglass Cross)
Diamonds Are A Girl’s Best Friend (Leo Robin & Jule Styne)
Goody Goody (Matty Malneck)
Light My Fire (Robby Krieger – The Doors)
Body And Soul (Johnny Green)
God Bless The Child (Billie Holiday)
They Can’t Take That Away From Me (George Gershwin)
I’ve Got You Under My Skin (feat. Bud Shank Quintet) (Cole Porter)
Summertime (George Gershwin)
Love For Sale (Cole Porter)
One For My Baby (Harold Arlen & Johnny Mercer)
You Belong To My Heart (Solamente Una Vez) (Agustín Lara)
She had a cool, sultry singing style that never felt forced. Her sophisticated, hip phrasing was deeply nocturnal and consistently relaxed. And she loved off-beat songs and aced them with a beckoning delivery and terrific range backed by seemingly effortless vocal power. Her movie-star looks have nothing to do with her appeal for me. It’s her underappreciated jazz voice and scene-making phrasing that knock me out. [jazzwax.com]
Domingo fui visitar meu velho tio Antoine Denon, em sua enorme casa, aquela que lembra a mansão da Família Addams. Depois de colocarmos o papo em dia, regado naturalmente a chá mate e biscoitinhos, tio Antoine escorregou em sua poltrona preferida, deixou cair uma de suas pantufas e mergulhou no seu natural estado letárgico. Eu aproveitei a deixa e me esgueirei escada acima até seu ‘laboratório’, que meu tio sempre foi dado a inventos amalucados. Encontrei assim sua empoeirada máquina do tempo, da qual ele sempre se vangloriava, de frente para a estante com seus livros de física, sobre buracos negros e teoria quântica. É claro que não acreditava muito nisso tudo, pois que eu desconfiei da facilidade de chegar ao Lab, a porta ficara entreaberta e meu tio é conhecido por adorar uma traquinagem. De qualquer forma, resolvi viajar na brincadeira e acertei os ponteiros da máquina para que me levasse para o Palácio Lobkowitz, casa do Príncipe Lobkowitz em Viena, nas primeiras horas do dia 9 do lindo mês de maio de 1804. Pois levei um susto quando a máquina se pôs a trepidar e lentamente começar a girar… Ainda bem que que estava com meus fones de ouvido e acionei meu Suíço Celular, que toca os arquivos de música com os quais estou lidando.
Foto do Palácio em Viena
Não é que estava na vez do arquivo desta postagem – uma recriação da primeira audição (com ensaios e tudo) da Sinfonia Eroica, composta pelo tal Ludovico, amigão do Príncipe, que para a ocasião desembolsou o pagamento de uns 22 músicos, incluindo uma terceira trompa, pedido especial do compositor para sua nova sinfonia. Podemos dizer que essa gravação, feita em 2003, buscava levar o nível de compromisso com os ideais de HIP ao seu mais alto nível – instrumentos de época, tamanho da orquestra original, no local exato. Por isso a minha viagem no tempo.
Essa é uma gravação no mínimo desafiadora, com tempos rápidos, que nos dá um sensação de impetuosidade, de novidade, como deve ter sido realmente o que a obra causou naquele dia.
Daniel Grossmann olhando firme para os violinos da PQP Bach Orchestra
[…] Relying on the relatively new Barenreiter Edition, Ensemble28’s rendition is among the fastest I have heard. It is also a unique recording due to its sparse instrumentation; young German conductor Daniel Grossman does an admirable job emphasizing the textural richness of Beethoven’s score. I doubt I have heard a more exciting account of the opening first movement (Allegro con brio) that is as memorable from a period instrument perspective, and indeed, one that compares favorably to those from the likes of Harnoncourt, Abbado and Haitink, among others in recordings dating from the early 1990s. The same can be said for the following three: Marcia funebre: Adagio assai; Scherzo: Allegro vivace; and Finale: Allegro molto. Grossman’s riveting account merely emphasizes the truly revolutionary nature of Beethoven’s work […]
[…] Usando a relativamente nova edição Barenreiter, a versão do Ensemble28 está entre as mais rápidas que já ouvi. É também uma gravação única devido à sua instrumentação esparsa; o jovem maestro alemão Daniel Grossman faz um trabalho admirável ao enfatizar a riqueza da textura da partitura de Beethoven. Duvido ter ouvido uma interpretaçã mais emocionante do primeiro movimento (Allegro con brio) e que seja tão memorável do ponto de vista dos instrumentos de época e, de fato, que se compare favoravelmente com aqueles de nomes como Harnoncourt, Abbado e Haitink, entre outros. O mesmo pode ser dito dos três movimentos seguintes: Marcia funebre: Adagio assai; Scherzo: Allegro vivace; e Final: Allegro molto. A fascinante interpretação de Grossman apenas enfatiza a natureza verdadeiramente revolucionária da obra de Beethoven […] [crítica na Amazon]
Aqui pertinho de casa, numa esquina, junto a uma pracinha, mas ainda em frente ao muro de uma casa, há um remanescente do passado, estoico, arcaico, um orelhão. Creio que este remanescente foi deixado lá para que os avós o mostrem aos netos, em seus passeios matinais – foi de um desses que eu convidei sua avó para sair, pela primeira vez…
Imagino que foi de um desses jurássicos objetos que Miles (Miles Kendig, o aposentado espião que ama a música de Mozart, você deve saber) me ligou, dia desses.
MK: Hey, René, how are ya?
RD: Kendig! What an unexpected pleasure.
MK: May I have it, please?
RD: Have what?
MK: It has been half an eternity since you posted some Mozart, specially piano concertos. Oh c’mon, this is ultageous!
RD: Well, it is good that you brought that… I’ve just spotted a great disc with three wonderful piano concertos, including the Jeunehomme. I know you have a soft spot for it.
MK: So, don’t delay it any further, get it done. And talk with that cranky boss of yours to get it posted as soon as possible. I don’t wanna wait months for it to surface!
RD: I’ll let him know. And you, now, don’t be a stranger, keep in touch…
MK: I will! Take care!
Pois assim, a pedidos do Selim Gidnek, como ele às vezes gosta de ser chamado, vamos a postagem do dia… Mozart, Concertos para piano. Este é um disco com três concertos. O primeiro foi composto quando ele ainda estava em Salzburg, mas os outros dois já fazem parte dos primeiros a serem compostos para suas apresentações em Viena. O Concerto ‘Jeunehomme’ pensava-se ter sido composto para uma pianista francesa, Mademoiselle Jeunehomme, que teria visitado Salzburgo em 1777. Em suas cartas Mozart tratava de uma certa Jenomé. Agora acredita-se que o concerto foi escrito para Louise-Victoire Jenamy, filha de um famoso dançarino francês, amigo de Mozart. A obra é um passo a frente dos típicos concertos no estilo galante, com um movimento lento que revela o grande compositor de óperas que foi Mozart.
Os Concertos Nos. 12 e 14 (assim como o irmão do meio, No. 13) foram compostos no primeiro ano de Mozart em Viena e podem parecer até um passo atrás, comparados com o Concerto No. 9, pois que são simples em escopo, podendo ser interpretados apenas com piano e quarteto de cordas. Mas não se deixe iludir por essa aparente simplicidade, pois que ambos concertos reservam belezuras para quem os ouvir com atenção, especialmente em uma interpretação assim como a da postagem.
Edna Stern é uma pianista já bem conhecida aqui do pessoal do blog, onde já se apresentou acompanhando a violinista Amandine Beyer e também em um disco tocando peças de Bach. Ela é especialmente talentosa e teve formação primorosa, estudando com grandes nomes, como Martha Argerich, Krystian Zimerman e Leon Fleisher.
Ela tem fortes ideias sobre como devem ser produzidas suas gravações, evitando ao máximo o exercício de ‘cut and paste’, e a Orchestre d’Auverne colaborou com ela buscando cumprir a risca esse princípio. É ouvir o disco para conferir. Depois, me conte!
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Piano Concerto No. 9 in E-flat major, K271 “Jeunehomme”
Seção ‘The Book is on the Table’: Stern’s performances are all about intimacy: intimacy of sound, manifested in a close, dry (and sometimes rather unlovely) recording offering sharp textural clarity and emphasising the tightness for the Orchestre d’Auvergne’s ensemble-playing; and intimacy of thought, for this is an artist with a delicate touch who likes to shape every detail of phrasing and articulation as if polishing a tiny gem.
[Gramophone, May 2011]
Stern’s instrument is modern, though her dry attack and clarity suggest time spent with a period piano. Even so there’s an ease to phrasing and touch in the Jeunehomme concerto…Sparkling music-making
A notícia que mais me chamou a atenção hoje foi a do lançamento pela NASA da Europa Clipper, em direção ao planeta Júpiter, para a exploração de uma de suas enormes luas. Eu fiquei curioso para saber qual seria a música de bordo, música de outro planeta. Fiz essa associação com a música de Schoenberg – seu segundo quarteto, no qual uma soprano se junta aos músicos e canta o verso “Ich fühle Luft von anderem Planeten” (“Sinto o ar de outro planeta”). Decidi ouvir então mais uma vez o disco desta postagem, com peças de Anton Webern, aluno de Schoenberg, assim como Alban Berg. Essas peças fazem parte de uma gravação de peças do triunvirato, feita em 1973 e início de 1974. As obras foram reunidas em 4 LPs e foram posteriormente arranjadas em 3 CDs, dos quais esse é o terceiro. Eu gosto desse disco, mas fui conquistado aos poucos, confesso. Primeiro a Passacaglia, que Anton era bem consciente da importância dos mestres que lhes antecederam. Brahms com o quarto movimento de sua Quarta Sinfonia e Bach, com sua enorme Passacaglia para órgão. Lembre-se que Webern orquestrou partes da Arte da Fuga. Depois me conquistaram as intensas peças curtas, que surgiram na versão para quarteto de cordas, mas aqui estão em uma versão para orquestras de cordas, e que cordas, senão as da BP. As mais curtas peças escritas originalmente para orquestra e a Sinfonia op. 21 ainda estão aplicando seus feitiços em mim, mas já estou quase me rendendo. Enfim, esse é o tipo de música que me faz pensar em outro planeta.
HvK no local da gravação
Eu acho impressionante considerar que na década de 1970, Karajan dispunha da melhor (talvez) orquestra deste planeta, com milhares e milhares de ávidos (e conservadores) consumidores de seus discos, dispusesse de tempo para gravar essa música, que certamente interessava a uma pequena parte desse público. Seria por orgulho, de mostrar que ele e ‘sua’ orquestra poderiam interpretar qualquer tipo de música, produzir os mais ousados sons, estranhíssimas harmonias ou mesmo as mais inquietantes dissonâncias? Pelo que eu percebi, o selo amarelo se recusou a pagar pela gravação e Herbert von Karajan botou dinheiro de seu bolso. Pois é… mas, agora é com você, veja lá o que acha do disco, depois me conte.
Anton Webern (1883 – 1945)
Passacaglia Für Orchester Op. 1
Passacaglia
Fünf Sätze Op. 5 (Fassung Für String Orchestra)
Heftig Bewegt
Sehr Langsam
Sehr Labhaft
Sehr Langsam
In Zarter Bewegung
Sechs Stücke Für Orchester Op. 6 (Fassung Von 1928)
A seguir, alguns trechos de críticas bem conhecidas, traduzidas pelo Chat PQP:
Karajan reportedly felt so strongly about his recordings of the Second Viennese School that he agreed to finance them himself when DG balked at picking up the tab. These are great performances, to be sure. […] The Berg pieces never have sounded so decadently beautiful, nor the Webern so passionately intense, or the Schoenberg so, well, just plain listenable. Karajan se sentia tão confiante sobre as suas gravações da Segunda Escola Vienense que concordou em financiá-las quando DG se recusou a pagar a conta. Essas são ótimas performances, com certeza. […] As peças de Berg nunca soaram tão decadentemente belas, nem o Webern tão apaixonadamente intenso, ou o Schoenberg tão, bem, digamos, simplesmente audível.
The Berlin Philharmonic strings make their usual luscious sounds, but here the winds, brass, and even percussion rise to the occasion as well. As cordas da Filarmônica de Berlim fazem seus usuais deliciosos sons, mas aqui os sopros, metais e até percussão também estão à altura da ocasião.
In Webern’s Passacaglia the orchestral timbres are brightly lit and fully fleshed out–from the hushed solo flute in the beginning to the snarling brass at the climax. The original set also included the best-ever performance of Webern’s Six Pieces for Orchestra. Even if you are not new to this music, and especially if you are, this is a must-have. Na Passacaglia de Webern, os timbres orquestrais estão bem iluminados e totalmente desenvolvidos – desde a flauta solo silenciosa no início até os metais rosnando no clímax. O conjunto original também incluiu a melhor performance de todos os tempos das Seis Peças para Orquestra de Webern. Mesmo que você não seja novo nessa música, e especialmente se for, este disco é obrigatório.
Aproveite!
René Denon
Antes que você mencione, aqui está o Selo RD de Jurassiquidade….
Runfunk Sinfonieorchester Saarbrücken & Hans Zender
NDR Elbphilharmonie & Alan Gilbert
De onde vem a inspiração para resolver um problema ou para vislumbrar o início de uma obra de arte? O processo criativo é misterioso, mas há que ter dedicação, imersão no tema ou assunto, até que a mente se disponha a prover os resultados, devido a um toque do destino ou da inspiração de alguma musa…
Tim curtindo o azul do mar…
Quem não conhece a história da gravura na parede do quarto emprestado ao Tim Maia de onde saiu o Azul da Cor do Mar? Uma outra boa história de iluminação envolve Henri Poincaré, um importante matemático do final do século 19 e início do século 20. Suas contribuições para a Matemática e outras ciências são enormes e tem influência até os dias de hoje. Além disso, Poincaré se distinguia de outros cientistas por contribuir de maneira significativa para a divulgação da ciência, escrevendo livros que eram acessíveis às pessoas comuns tratando de temas complexos de forma compreensível. Poincaré havia lidado com um problema à exaustão, mas não havia feito qualquer progresso. Decidiu então fazer uma expedição geológica, para espairecer. Pois ao entrar no ônibus foi tocada pela inspiração (alguma musa matemática, decerto, passava por ali…) e teve um surto de criatividade. “No momento em que coloquei o pé no degrau, uma ideia me ocorreu, sem que nenhum de meus pensamentos anteriores tivessem me preparado para ela…”
Poincaré, suas esferas e outras cositas…
Lembrei-me dessas anedotas lendo o livreto de uma das gravações da postagem, que conta um pouco o processo criativo de Mahler, que levava uma vida dupla – parte do ano era o famoso regente em Viena, parte do ano era um compositor de obras inovadoras e impressionantes, mas que ainda aguardavam deu devido ‘tempo’. A composição das Sinfonias No. 6 e No. 7 foram, de certa forma simultâneas. Dois movimentos da Sétima, chamados por Mahler de Nachtmusik, foram compostos antes da Sexta. Quando chegou a hora da Sétima, como se diz por aí, deu branco. Ele escreveu para sua Alma assim: No verão anterior esperava terminar a Sétima, para a qual já tinha dois movimentos. Estava morrendo de tédio, como você se lembra, e resolvi dar uma escapada para os Dolomitas. Lá não encontrei qualquer inspiração e desisti de compor, acreditando que o verão não renderia qualquer coisa. Quando entrei no barco para a travessia de volta, sobre o lago, e nas primeiras batidas dos remos na água um tema me ocorreu (ou mesmo o ritmo…) para a introdução do primeiro movimento. Quatro semanas depois os outros movimentos estavam fechados, selados, assinados e enviados. A inspiração é um mistério…
Eu tenho ouvido bastante esses discos da postagem. Eles têm em comum o fato de terem sido gravados por orquestras de rádios alemãs regidas pelos seus respectivos diretores. A gravação regida por Zender é de 1982, um registro que estava nos arquivos da rádio e foi lançada em 1997 numa edição comemorativa na ocasião do aniversário de sessenta anos do maestro. A outra gravação é um lançamento recente e mostra a maravilhosa acústica da casa nova da orquestra. Eu espero que você encontre nos discos o mesmo prazer que eles me deram…
Alan testando um violino da PQP Bach CollectionElbphilharmonie
Sobre a Sétima Sinfonia de Mahler: Comparada com outras sinfonias de Mahler, a Sétima tem uma existência mais apagada na cena internacional de concertos. Pode ser devido ao seu final muito positivo, que se apega resolutamente à tonalidade radiante de dó maior, o que pode incomodar alguns fãs da música do compositor. Pode-se permitir a Mahler essa explosão de êxtase, na melhor das hipóteses, como tendo um significado subjacente. “É o meu melhor trabalho, com um caráter ensolarado em sua maior parte”, disse o compositor uma vez sobre sua sétima.
Mas, por outro lado, a Sétima parece ter sido composta de dentro para fora, com o terceiro dos cinco movimentos desempenhando um papel central. E este scherzo traz a instrução de desempenho significativa »Schattenhaft« (Sombrio). Da mesma forma, as duas peças de »Nachtmusik«, como Mahler chamou o segundo e o quarto movimentos, revelam inegavelmente o conflito interno tão típico da obra do compositor. Portanto, nem tudo que reluz é ouro. [Tradução feita pelo Chat PQP Bach de um texto da página da NDR Elbphilharmonie]
Sobre a gravação de Zender: De alguma forma, você sabe quando um maestro tem a medida de uma obra de Mahler. Há um sentimento de confiança em seu desempenho, um sentimento que ele e seus músicos penetraram no cerne da obra, que é profundamente satisfatório. Você pode discordar de certas conclusões a que o maestro chegou, ou não, mas sente que ele cobriu tudo o que pretendia e o efeito disso é palpável. Você não teve que se preocupar com nada. Não houve passagens em que o maestro esteja apenas marcando o tempo, algo que acontece com mais frequência do que você imagina. Este é o sentimento que tenho com esta excelente performance da Sétima Sinfonia de Mahler, com a qual muitos ouvintes e intérpretes têm problemas, e que a torna uma versão notável. Vem de 1982 e dos arquivos da Saarbrücken Radio do pouco conhecido compositor e maestro alemão Hans Zender. […] Uma performance soberba cheia de coisas fascinantes. Uma performance que é excelentemente tocada e gravada e merece ser considerada ao lado das melhores versões, como as de Bernstein, Horenstein, Gielen, Scherchen e Abbado. A Sétima de Mahler por Zender é muito boa e eu a recomendo com entusiasmo. [Tony Duggan]
A Enigmática Arte de Antonio e Francesco Maria Veracini
Francesco Maria Veracini foi neto e sobrinho de professores de violino – aprendeu com o avô Francesco e com o tio Antonio a arte de tocar e compor para violino. Ao contrário do tio, que essencialmente passou a vida em Florença, Francesco Maria viajou por quase toda a Europa e fez sucesso. Tinha uma personalidade forte e era bastante encrenqueiro. Numa ocasião precisou pular de uma janela e quebrou uma perna. Sobreviveu a um naufrágio em 1745 ou pouco depois, no qual perdeu dois de seus violinos Stainer (que ele chamava de São Pedro e São Paulo). Apesar de tudo, teve uma longa vida e terminou seus dias em Florença, atuando como regente. Esse caráter desafiador se reflete hoje em suas obras, que atestam uma extraordinária liberdade de convenções. Neste CD, o solista Rüdiger Lotter encontra uma parceira na virtuose na flauta doce, Dorothee Oberlinger. A parte do baixo contínuo é bastante diversificada e promete uma experiência auditiva aventureira através das paisagens sonoras contrastantes dos Veracinis.
Francesco Maria Veracini (1690 – 1768)
Cantabile from Sonata Nona a violino o flauto e basso
Preludio
Sonata Accademicha Op. 2 No. 5 a violino solo e basso
Adagio assai
Allegro assai
Allegro assai
Antonio Veracini (1659 – 1733)
Sonata Op. 1 No. 1 a Tre
Grave
Vivace
Largo
Allegro
Sonata Op. 2 No. 3 a violino e cimbalo
Cantabile
Vivace
Largo
Aria: Largo
Vivace
Francesco Maria Veracini (1690 – 1768)
Sonata Accademicha Op. 2 No. 12 a violino solo e basso
Passagallo, largo assai
Allegro ma non presto
Adagio
Ciaccona: Allegro ma non presto
Sonata Op. 1 No. 1 a violino e basso (In a historical transcription for recorder and b.c.)
Overture
Aria: Affettuoso
Paesana: Allegro
Minute: Allegro
Giga ‘Postiglione’: Allegro
Sonata Nona a violino, o flauto solo e basso
Cantabile
Andante
Adagio
Allegro, ma affettuoso
Rüdiger Lotter – Violin
Dorothee Oberlinger – Recorder (tracks: 5 to 8, 18 to 22)
The interpretations, however, are creative and played with great feeling. I like the decisions made here better than what we got with John Holloway’s recording of Veracini. That said, the performances on violin are not quite as daring as some that were offered by Riccardo Minasi. That said, I think there is little to object to by the ensemble here. [Biberfan]
O programa deste disco consiste em três trios com piano de compositores franceses. Dois são obras-primas bem conhecidas, os trios de Fauré e de Ravel. Mas, o que torna o disco realmente interessante, na minha opinião, é o trio composto por Germaine Tailleferre. Germaine foi uma mulher incrível, muito além de seu tempo. A despeito de preconceitos, de dois casamentos com maridos que não a apoiaram em sua arte, ele firmou-se como compositora de renome e deixou um legado musical, assim como foi um modelo a ser seguido.
Seu trio foi composto em duas etapas. Dois movimentos foram compostos em 1917 e dois em 1978! Uma vida separa-os no tempo, mas aposto que você nem se daria conta disso ao ouvi-lo, caso não fosse mencionado. O primeiro movimento tem todo o charme e a elegância que normalmente encontramos nas boas peças de música francesas. O segundo é um allegro com uma melodia que gruda na gente feito chicletes. O segundo tem um que de nostalgia, mas saudável, e um final delicioso.
É claro que você vai adorar ouvir as interpretações das peças mais famosas pelo Trio Karénine – o nome do conjunto se deve à personagem de Tolstói, pela sua paixão e força vital – e a peça de Germaine completa graciosamente o disco.
Gabriel Fauré (1845 – 1924)
Trio pour violon, violoncelle et piano en ré mineur Opus 120
Allegro ma non troppo
Andantino
Allegro vivo
Maurice Ravel (1875 – 1937)
Trio en la mineur
Modéré
Pantoum
Passacaille
Animé
Germaine Tailleferre (1892 – 1983)
Trio pour violon, violoncelle et piano
Allegro animato
Allegro vivace
Moderato
Très animé
Trio Karénine
Fanny Robilliard, violon
Louis Rodde, violoncelo
Paloma Kouider, piano
PS: A formação atual deste conjunto agora é outra.
Germaine posou para a equipe de artes do PQP Bach em sua volta para Paris, depois de uma temporada morando em NY
No ponto de intersecção entre o romantismo e o modernismo (Fauré); sotaques exóticos, pastiches e neoclassicismo (Tailleferre); um trio transformado em orquestra e apresentando os ritmos suaves das danças bascas (Ravel): esses três trios, tão próximos no tempo, transmitem de maneiras muito diferentes a expressão do período que encarnam. Página da PrestoMusic
O Trio de Germaine Tailleferre, uma composição de quatro movimentos iniciada em 1917 e não concluída até … 1978! O resultado é animado, saboroso e profundamente envolvente, oscilando entre o terno e o variado, e merece ser descoberto, ainda mais porque os instrumentistas que trabalham aqui fazem justiça com frescor e franqueza. ”Alain Cochard, concertclassic.com, junho de 2018
A música para piano solo de Mozart tem um traço galante, clássico, que pode soar superficial. Muitas peças foram escritas na sua juventude e em vários casos eram dedicadas a seus alunos. Mas, este disco tem um programa bem peculiar, que mostra uma outra dimensão nesse tipo de repertório.
A Sonata em lá menor K. 310 foi escrita sob o impacto da morte de sua mãe, que o acompanhava em uma viagem à Paris. O seu enorme movimento lento, andante cantabile, transcende todos os outros escritos até então. Mas, não espere lacrimosas notas, pois que mesmo na maior das tristezas, o compositor é Wolfgang e sua genialidade e elegância transparecem.
A brilhante marcha que segue após a sonata é uma transcrição feita por Mozart de uma peça orquestral, uma abertura para uma serenata.
A courante e a giga que seguem a marcha refletem o profundo interesse que Mozart teve pela música de Bach e de Handel, com as quais teve contato através do entusiasta por esses mestres, o Barão Gottfried van Swieten.
A próxima peça descrita assim pelo escritor do libreto, Michael Steinberg: O que ouvimos no Rondó em lá menor é tristeza, tristeza que vai além de um possível consolo, vai mesmo além das lágrimas. É a música mais triste que eu conheço que não é de Schubert. Escrito em 1787, reflete o estado de espírito de Wolfgang naqueles dias. Nas cartas escritas nessa época para o amigo Michael Puchberg, colega maçom a quem Mozart recorria em busca de ajuda financeira, e para Constanze, aparecem frases como: ‘uma tristeza constante’ e ‘um vazio que está sempre lá e cresce dia após dia’. O Rondó tem o tipo de tristeza que também está no Quinteto para Cordas K. 516 e na ária de Pamina, ‘Ach, ich fuhl’s’, de A Flauta Mágica. Hã… han, fica a dica, pode ser que você ache essas peças procurando bem, aqui nas páginas do PQP Bach.
Para terminar o disco, outra Sonata para piano K. 533/494, escrita em duas etapas. O último movimento foi escrito em 1786, ano de composição do Fígaro, e que foi posteriormente adaptado para seguir os dois primeiros movimentos da sonata, escritos em 1788.
A Mozart programme such as this, which includes two of the greatest sonatas and the A minor Rondo, leaves absolutely no margin for error or insufficiency, nor indeed for anything at all approximate or generalised. It’s given to very few to play Mozart as well as Richard Goode[…]
It’s quite big playing, and the range of sonority is appropriate to the A minor Sonata, K310, in particular; […] Goode has a characteristic touch of urgency that has nothing to do with impetuosity or agitation of the surface, but rather with carrying the discourse forward and making us curious about what will happen next. In the presto finale, […] Goode is exciting and articulate, wonderfully adept at getting from one thing to another. […] The shorter pieces, enterprisingly chosen, set off the great works admirably. Exceptional sound throughout – like the playing, quite out of the ordinary run. [Gramophone]
Caros seguidores do PQP Bach, o título da postagem remete à literatura de cordel, mas faz referência a um possível único encontro entre estes dois compositores violinistas que foram virtualmente exatos contemporâneos. O encontro ter-se-ia dado em Kassel, em 1728, quando ambos estavam no auge de suas técnicas virtuosísticas. O relato foi feito muitos anos depois pelo bobo da corte, o que dá um toque rocambolesco ao caso, e ficou famoso pela forma expressiva como ele descreveu a atuação de ambos: Este um [Leclair] toca como um anjo e aquele outro [Locatelli] como um demônio.
Estas sonatas são barrocas, mas têm um caráter virtuosístico que as difere da imagem que comumente se têm de peças barrocas – melódicas e belas – como o Adagio de Albinoni ou o Canon de Pachelbel. Aqui a música tem um brilho e faz-se encantar pelas habilidades dos intérpretes, que têm oportunidades inúmeras de mostrar sua técnica. Talvez por isso sejam menos divulgadas e conhecidas, mas o disco é excelente e deve render uma boa hora de ótimo entretenimento. Eu gostei em especial da última sonata, em cinco movimentos.
Jean-Marie Leclair (1697-1764)
Ouvertures and Trio Sonatas, Op. 13, No. 5 in A major
Grave
Allegro
Largo
Allegro assai
Pietro Antonio Locatelli (1695-1764)
10 Sonatas, Op. 8, No. 4 in C Major
Cantabile
Allegro – Adagio
Vivace
Allegro molto
Jean-Marie Leclair (1697-1764)
6 Duos for 2 Violins, Op. 12, No. 6 in B-Flat Major
Allegro
Allegro moderato
Andante
Allegro non presto
Pietro Antonio Locatelli (1695-1764)
10 Sonatas, Op. 8, No. 7 in A Major
Andante
Adagio
Cantabile
Allegro
Jean-Marie Leclair (1697-1764)
12 Sonatas for Violin or Flute and Continuo, Op. 2, No. 1 in E minor
This is music-making of the highest order, from the ideally balanced ensemble interplay to the refined, at times “unearthly” (the central section of Locatelli’s C major sonata) solo performances. Although these pieces demand virtuoso skills equal to any other of the more highly respected works of Bach or Paganini, they have not obtained the favor that they deserve from today’s more accomplished violinists. […] The sound, from Belgium’s Church of Jauchelette, is exemplary.
E aí, anjo ou demônio?
Aproveite!
René Denon
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